Op-Art:
Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Op Art (un terme inventé en 1964 par le magazine Time) est une forme de art abstrait (Plus précisément art non objectif) qui s’appuie sur des illusions d’optique pour tromper l’œil du spectateur. On l’appelle aussi art optique ou art rétinien. Une forme de art cinétique, il se rapporte à des conceptions géométriques qui créent des sensations de mouvement ou de vibration. Les œuvres d’art Op ont d’abord été produites en noir et blanc, puis en couleurs vives. Historiquement, on peut dire que le style Op-Art trouve son origine dans le travail de l’artiste cinétique Victor Vasarely (1908-97) et aussi de l’expressionnisme abstrait. Le peintre britannique est un autre artiste majeur de l’Op. Bridget Riley (b.1931). L’intérêt moderne pour le mouvement artistique rétinien découle de 1965, lorsqu’une grande exposition intitulée «The Responsive Eye», à New York, attira l’attention du public. En conséquence, le style a commencé à apparaître dans les graphiques imprimés, la publicité et les pochettes d’albums, ainsi que dans les créations de mode et les décorations d’intérieur. À la fin des années 1960, le mouvement Op-Art s’était estompé.

Qu’est-ce que Op-Art? – Les caractéristiques

Op Art peut être défini comme un type de résumé ou art concret consistant en des formes géométriques non représentatives qui créent divers types d’illusions optiques. Par exemple, lorsqu’elles sont visionnées, les images Op Art peuvent amener l’œil à détecter une sensation de mouvement (par exemple, un gonflement, une déformation, un clignotement, une vibration) sur la surface du tableau. Et les motifs, formes et couleurs utilisés dans ces images sont généralement sélectionnés pour leurs qualités illusoires, plutôt que pour leur contenu ou leurs contenus émotionnels. De plus, les artistes op utilisent des espaces à la fois positifs et négatifs pour créer les illusions souhaitées.

Comment fonctionne l’op-art

Op art exploite la relation fonctionnelle entre la rétine de l’œil (l’organe qui "voit" les motifs) et le cerveau (l’organe qui interprète les motifs). Certains motifs créent une confusion entre ces deux organes, ce qui entraîne la perception d’effets optiques irrationnels. Ces effets se répartissent en deux catégories de base: premièrement, les mouvements causés par certains motifs géométriques en noir et blanc, tels que ceux des travaux précédents de Bridget Riley, ou les surfaces en aluminium de Getulio Alviani, qui peuvent confondre l’œil, voire provoquer des vertiges. (Remarque: l’association de l’art d’opération avec les effets du mouvement est la raison pour laquelle il est considéré comme une division de l’art cinétique.) Deuxièmement, les images réapparaissées qui apparaissent après l’affichage de photos avec certaines couleurs ou combinaisons de couleurs. L’interaction de couleurs différentes dans la peinture – contraste simultané, contraste successif et contraste inverse – peut entraîner des effets rétiniens supplémentaires. Par exemple, dans les peintures du "temple" de Richard Anuszkiewicz, la disposition de deux couleurs très contrastées donne l’impression que la forme architecturale empiète sur l’espace du spectateur.

Malgré ses effets étranges, souvent induisant des nausées, Op-Art est parfaitement en phase avec les canons traditionnels des beaux-arts. Toute la peinture traditionnelle est basée sur "l’illusion" de profondeur et de perspective: l’op-art élargit simplement sa nature intrinsèquement illusoire en interférant avec les règles régissant la perception optique.

Histoire

Les origines de l’op art remontent aux théories de la peinture d’avant-guerre, y compris les idées constructivistes des années 1920 École de design Bauhaus en Allemagne, qui a souligné l’importance de la conception formelle globale pour la création d’un effet visuel spécifique. À la fermeture du Bauhaus en 1933, nombre de ses conférenciers (notamment Josef Albers) s’installèrent en Amérique et enseignèrent à Chicago et au Black Mountain College en Caroline du Nord. Josef Albers Il a dûment produit sa célèbre série de peintures "Hommage à la place" qui avait des tendances de l’op-art. Dans le même temps, Victor Vasarely, peintre et graphiste d’origine hongroise, expérimentait diverses astuces visuelles telles que le trompe-l’œil et d’autres, à partir de certains types de art de l’affiche : voir son op-art, Zèbres (1938). Plus tard, il s’est tourné vers la peinture, créant les images abstraites géométriques pour lesquelles il est célèbre. Dans les années 1950, le style Op-Art est également apparu dans les panneaux en noir et blanc Dazzle de John McHale lors de l’exposition "This Is Tomorrow" en 1956. Bridget Riley a commencé à développer son style distinctif d’art optique en noir et blanc vers 1960.

L’intérêt moderne pour Op Art date de l’exposition " The Responsive Eye ", organisée par William C. Seitz, qui s’est tenue en 1965 au Musée d’art moderne de New York (MoMA). Un large éventail d’œuvres ont été exposées, notamment celles du célèbre Victor Vasarely et de la contemporaine Bridget Riley. Immensément populaire, le spectacle a mis en évidence l’illusion de mouvement et l’interaction des relations de couleurs, qui n’ont pas été très appréciées des critiques.

Bien que le style Op Art soit devenu très à la mode au cours de la seconde moitié des années 1960, il a rapidement décliné en tant qu’art sérieux, malgré des renouveaux périodiques. Parmi les expositions les plus récentes, citons: "L’oeil moteur, art optique et cinétique 1960-1975 (Musée d’art moderne et contemporain, Strasbourg, France, 2005);" L’Op Art "(Schirn Kunsthalle, Francfort, Allemagne, 2007).); "The Optical Edge" (Institut Pratt, New York, 2007); "Nerf optique: l’art perceptuel des années 1960" (Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 2007). être vu dans plusieurs des meilleurs musées d’art en Europe et en Amérique.

Artistes célèbres d’op

Victor Vasarely , d’origine hongroise, mais qui travaille en France depuis 1930, est l’exposant principal et le pionnier des effets de l’art opérant dès les années 1930. Il a adopté une vision radicalement sceptique des idées traditionnelles sur l’art et les artistes: à la lumière des avancées scientifiques et des techniques modernes, il affirme que la valeur de l’art ne devrait pas résider dans la rareté d’une œuvre, mais dans la rareté et l’originalité de son sens, qui devrait être reproductible. Il a commencé comme artiste graphique. une grande partie de son travail est en noir et blanc (facilement reproductible), bien qu’il soit capable de couleurs brillantes. Son meilleur travail est exprimé en termes géométriques, voire mécanistes, mais intégré dans un équilibre et un contrepoint organique et intuitif. Il affirme que son travail contient "une forme d’art abstrait et architectural, une sorte de folklore universel". Sa mission est celle d’une "ville nouvelle – géométrique, ensoleillée et pleine de couleurs", resplendissante d’un art "cinétique, multidimensionnel et communautaire. Abstrait, bien sûr, et plus proche des sciences". Le travail de Vasarely peut parfois éblouir les yeux, mais il ne vise pas à perturber l’équilibre du spectateur.

L’effet du travail de l’artiste britannique Bridget Riley peut être de produire un tel vertige que l’œil doit détourner le regard. Bien que soigneusement programmés, ses modèles sont intuitifs et ne sont pas strictement dérivés de calculs scientifiques ou mathématiques, et leur structure géométrique est souvent masquée par les effets illusoires (comme la structure de Vasarely ne l’est jamais). Riley refuse de faire la distinction entre les réponses physiologiques et psychologiques de l’œil.

Peter Sedgley (né en 1930), un Britannique vivant principalement en Allemagne, s’est fait connaître vers 1965 pour ses expériences avec l’une des images récurrentes de la peinture de la fin du XXe siècle, la "cible" des anneaux de couleurs concentriques. L’effet a été intensifié en changeant les lumières rouges, jaunes et bleues, programmées électriquement. Plus tard, il développa des "moteurs vidéo", parsemés de couleurs fluorescentes brillantes, tournants et animés par le jeu de rayons ultraviolets et stroboscopiques. Ses derniers travaux ont exploré les relations entre la lumière et le son, avec des écrans sur lesquels le bruit et le mouvement des spectateurs ou des passants sont rejetés en lumière colorée.

Parmi les autres artistes associés à Op-Art, on peut citer Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, Bridget Riley, Jésus Rafael Soto, Julian Stanczak, Günther Uecker, Ludwig Wilding et Marian Zazeela.