Pop Art: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Le terme «pop art» a été inventé par le conservateur britannique Lawrence Alloway en 1955 pour décrire une nouvelle forme d’art «populaire», un mouvement caractérisé par la représentation du consumérisme et de la culture populaire . Le pop art est apparu à New York et à Londres au milieu des années 1950 et est devenu le style d’avant-garde dominant jusqu’à la fin des années 1960. Il se caractérisait par des images audacieuses, simples et quotidiennes et des couleurs vives, était amusant à regarder et avait un caractère moderne «hippie».

Les couleurs vives ont également permis à cette forme d’art d’avant-garde de mettre en évidence certains éléments de la culture contemporaine et ont contribué à combler le fossé entre les arts commerciaux et les beaux-arts. C’est le premier mouvement postmoderne (où le support est aussi important que le message) et la première école d’art à refléter le pouvoir du cinéma et de la télévision, grâce auxquels nombre de ses images les plus célèbres ont acquis leur célébrité. Les sources courantes de l’iconographie pop comprennent la publicité, les emballages de produits de consommation, les photographies de stars de cinéma, de stars de la pop et d’autres célébrités, ainsi que les bandes dessinées.

Les principaux artistes du pop art

Dans le Art américain, les représentants célèbres du Pop Art comprennent Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (né en 1930), Roy Lichtenstein (1923-1997), et Andy Warhol (1928-1987). Parmi les autres exposants américains, citons Jim Dine (né en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Ray Johnson (1927-1995), Alex Katz (né en 1927), Claes Oldenburg (né en 1929), Ed Ruscha (né en 1937), James Rosenquist (né en 1933) et Tom Wesselman (né en 1931). Pour plus de détails, voir Le pop art des années 60 et 70 d’Andy Warhol.

Parmi les principaux artistes britanniques du Pop Art figurent Sir Peter Blake (né en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (né en 1922), David Hockney (né en 1937) et Allen Jones (né en 1937).

Origines et influences

Le pop art, comme presque tous les styles artistiques importants, était en partie une réaction contre le statu quo. Dans l’Amérique des années 1950, le style principal était l’expressionnisme abstrait, un style de peinture abstrus et non figuratif qui, bien qu’admiré par les critiques, les amateurs d’art sérieux et les visiteurs chevronnés des musées, n’avait pas «de lien avec le grand public ou avec de nombreux artistes. Plus le style pictural devenait abstrait et expressif, plus il y avait de place pour un nouveau style utilisant une imagerie plus figurative et plus terre-à-terre, c’est-à-dire quelque chose qu’une large confrérie d’artistes pourrait saisir et que le public pourrait percevoir. C’est ainsi qu’est né le Pop Art, qui est devenu un style artistique reconnu et qui, à son tour, a été supplanté par d’autres écoles après 1970.

Dans un sens, l’émergence du Pop Art (et sa suprématie sur l’Expressionnisme abstrait) est similaire à l’essor de Dada et de son successeur plus large le Surréalisme (et leur suprématie sur le Cubisme). Les deux écoles supplantées (l’expressionnisme abstrait et le cubisme) étaient des styles hautement intellectuels dont l’attrait pour les amateurs d’art était limité.

Il est vrai que Dada était essentiellement anti-art, mais ses années de gloire, de 1916 à 1922, ont été marquées par une grande polarisation et des conflits politiques, et une fois que les choses se sont calmées, la plupart des dadaïstes sont devenus surréalistes. Quoi qu’il en soit, comme expliqué ci-dessous au point Objectifs et philosophie, le Pop Art partage de nombreuses caractéristiques du Surréalisme Dada et lui doit plusieurs techniques empruntées à Kurt Schwitters, «les redimensions» de Marcel Duchamp, les images iconiques de René Magritte et les créations audacieuses de Salvador Dalí (par exemple. Le canapé à lèvres de Mae West ; Le téléphone homard).

Et tandis que le surréalisme était essentiellement de nature internaliste et échappatoire, le pop art était défini par des forces consuméristes externes, tous deux étaient animés par le besoin d’avoir un impact visuel fort sur le grand public.

Un autre artiste qui a pu influencer le Pop Art est Edward Hopper (1882-1967), un peintre réaliste de l’Amérique urbaine. Bien que son style de peinture soit très différent de la plupart des œuvres Pop, ses représentations simples de scènes quotidiennes ultra-américaines (par exemple «Night Hawks», 1942 et «Gas», 1940) étaient bien connues de la génération Pop et ont pu constituer la base de leurs peintures.

Pour d’autres mouvements importants du XXe siècle similaires au Pop Art, voir Mouvements et écoles artistiques (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

Histoire

Le Pop Art britannique est né au sein de l’ Independent Group, un cercle informel d’artistes, dont le peintre Richard Hamilton, le conservateur et critique d’art Lawrence Alloway et le sculpteur Eduardo Paolozzi, qui se sont rencontrés à l’Institute of Contemporary Art de Londres.

Dès leur première rencontre en 1952, lorsque Paolozzi présente une série de collages réalisés à partir de coupures de magazines et d’autres «objets trouvés», dont son (désormais) célèbre collage intitulé «I was a rich man’s toy» (créé 5 ans plus tôt en 1947), leurs discussions portent principalement sur la valeur artistique et la pertinence de la culture populaire de masse .

Quatre ans plus tard, en 1956, un autre membre du groupe, Richard Hamilton, crée son propre collage «Qu’est-ce qui rend les maisons modernes si attrayantes?». - qui, avec le collage de Paolozzi de 1947, est considéré comme l’un des premiers exemples du Pop Art britannique. En 1961, un certain nombre d’œuvres Pop Art de Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj et Peter Phillips ont été exposées dans le cadre de l’exposition Young Contemporaries. En 1962, le pop britannique gagne en notoriété lorsque la BBC diffuse le film de Ken Russell «Pop Goes the Easel», qui explore le nouveau mouvement en Grande-Bretagne.

USA

Pendant ce temps, en Amérique, au milieu des années 1950, le monde de l’art est secoué par un certain nombre d’artistes associés à de petits mouvements (par ex. Néo-Dada, Funk Art, Lettrisme, Beat Art, Polymatérialisme, Common-Object, etc. Ils voulaient que leur art soit beaucoup plus large que les styles traditionnels (par exemple l’expressionnisme abstrait), ils ont donc utilisé des matériaux non artistiques et se sont concentrés sur des objets ordinaires, facilement reconnaissables, qui exprimaient la culture populaire de l’époque.

Dans ce contexte d’innovation, les œuvres de Robert Rauschenberg, Ray Johnson (1927-1995) et Jasper Johns, ont commencé à influencer l’importante scène artistique new-yorkaise. Ensemble, ils ouvrent un éventail de nouveaux thèmes : Jones avec ses peintures de drapeaux, de cibles et de chiffres, ainsi que ses sculptures d’objets tels que des canettes de bière ; Rauschenberg avec ses collages et assemblages, et ses «peintures combinées» (dans lesquelles la toile peinte est combinée avec divers objets ou images photographiques - comme par exemple : «Monogramme» (1955-9), composé d’une chèvre empaillée avec un pneu au milieu) d’animaux empaillés, de bouteilles de Coca-Cola et d’autres objets, Johnson avec ses collages de célébrités - James Dean, Shirley Temple et Elvis. D’autres pionniers et partisans influents du Pop Art sont le compositeur John Cage (un professeur influent au Black Mountain College en Caroline du Nord) et l’artiste de performance Allan Kaprow (1927-2006).

Cette vague de pensée nouvelle a été renforcée par un regain d’intérêt pour les mouvements d’avant-garde antérieurs tels que Dada et le surréalisme, dont la vitalité durable a été renforcée par l’influence, voire la présence réelle, de plusieurs anciens dadaïstes et surréalistes tels que Marcel Duchamp, Max Ernst, et de convertis locaux tels que Joseph Cornell. Il est important de noter, cependant, que bien que les artistes américains d’avant-garde de cette période (en particulier Rauschenberg) soient redevables aux Européens (Duchamp, Schwitters, etc.) pour la création de certaines traditions (par exemple, le collage), leur objectif unique était de créer un art qui reflétait la réalité de l’Amérique contemporaine .

Au début des années 1960, une cohorte d’artistes pop a commencé à se faire connaître par des expositions individuelles dans des villes comme New York et Los Angeles, certains d’entre eux utilisant des techniques commerciales d’impression (par exemple, la sérigraphie) pour créer leur art plutôt que des méthodes de peinture traditionnelles. Parmi ces nouveaux talents figurent Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman et Andy Warhol. Plusieurs œuvres qui deviendront plus tard des icônes sont exposées pour la première fois. Parmi elles, les huiles de bandes dessinées de Lichtenstein, les sérigraphies de Warhol représentant Marilyn Monroe et les boîtes de soupe Campbell «», et les monumentaux hamburgers et crèmes glacées en vinyle d’Oldenburg.

Curieusement, jusqu’à la fin de 1962 ou au début de 1963, ces artistes étaient encore qualifiés par les critiques de Nouveaux Réalistes ou d’autres termes similaires. Ainsi, deux importantes expositions d’art organisées à l’automne 1962 - l’une sous la direction de Walter Hopps au Pasadena Art Museum, l’autre à la Sidney Janis Gallery à New York - s’intitulaient « New Painting of Ordinary Objects» (Pasadena) et « New Realism» (New York). Ce n’est que plus tard que le terme Pop Art a été utilisé comme nom technique pour le mouvement, en partie à cause de la gêne des critiques face au terme réaliste, et en partie à cause de la présence à New York de Lawrence Alloway - aujourd’hui conservateur du musée Guggenheim - qui a préconisé l’adoption du terme.

À partir de 1963, le Pop Art se répand en Amérique et, grâce aux artistes Pop britanniques, s’implante sur le continent. La croissance de ce mouvement est alimentée par une croissance parallèle dans d’autres domaines. En économie, grâce à la croissance de l’économie mondiale en général et de l’économie américaine en particulier ; en science, grâce à la diffusion de la télévision ; en musique moderne (elle-même connue sous le nom de «pop») grâce à la miniaturisation de la radio, à l’augmentation de la production de disques, à l’émergence de groupes cultes comme les Beatles, et au phénomène du piecing together ; et enfin, grâce à l’expansion du marché de l’art .

À la fin des années 1960, Andy Warhol est devenu le Damien Hirst de son époque, gagnant en notoriété et en célébrité à parts égales pour ses tirages emblématiques de célébrités, son travail cinématographique conceptuel, ses méthodes de production artistique de plus en plus raffinées et son autopromotion - du moins jusqu’à ce qu’il soit grièvement blessé par balle le 3 juin 1968.

Roy Lichtenstein est lui aussi devenu célèbre grâce à ses bandes dessinées et à plusieurs rétrospectives prestigieuses des deux côtés de l’Atlantique. Rauschenberg, quant à lui, remporte le premier prix de la Biennale de Venise de 1964 , et maintient sa réputation d’avant-gardiste en participant à la création de l’organisation EAT (Experiments in Art and Technology) en 1966 pour promouvoir la collaboration entre artistes et ingénieurs, tandis que Jones maintient sa notoriété en remportant le premier prix de la Biennale de São Paulo de 1967 .

Peut-être inévitablement, après avoir enduré le conformisme des années 1950 et la panique de la crise des missiles de Cuba (1962), le pop art américain a atteint son apogée dans la seconde moitié des années 1960, avant d’être contaminé et miné par l’irritation de l’ère de la guerre du Viêt Nam et la montée correspondante de l’anti-américanisme.

Grande-Bretagne

Bien que le pop art britannique du début et du milieu des années 1960 soit moins effronté, moins kitsch, plus romantique et plus nostalgique que son homologue d’outre-Atlantique, il est fortement influencé par la culture pop américaine, qu’il considère comme plus moderne et plus excitante que son homologue national. C’est à cette époque que la Grande-Bretagne a commencé à importer une quantité importante de programmes télévisés américains, ainsi que d’autres aspects de la vie américaine tels que les bars à hamburgers et autres établissements de restauration rapide.

En conséquence, les artistes ont commencé à s’inspirer de l’imagerie américaine, bien que souvent avec un biais très britannique. D’autre part, l’industrie britannique de la publicité et de l’impression étant beaucoup moins développée, les artistes britanniques ne peuvent pas utiliser les techniques déjà bien établies à New York (comme la sérigraphie) et sont contraints de recourir à des techniques plus anciennes.

Europe

En Europe, la primauté de la culture populaire américaine est érodée à la fois par la langue et par la politique. À Paris, toujours préoccupé par son statut de centre secondaire de l’art mondial par rapport à New York, la culture populaire américaine est tolérée plutôt que célébrée. En outre, l’avant-garde française - peut-être en raison de l’enracinement du parti communiste - avait une saveur plus politique et adoptait donc une ligne plus dadaïste, encourageant la participation du public à ses performances préférées, aux Happenings et à l’art conceptuel sous le terme générique de Nouveau Réalisme (vers 1960-70).

Les principaux artistes français «pop» ou nouveaux riches sont : Yves Klein (1928-1962), François Dufresne (1930-1982), Mathial Reiss (né en 1936), Jacques de la Villegle (né en 1926), Jacques Monori (né en 1934), Alain Jacquet (né en 1939), Jean Tinguely (1925-1991). L’Italie, moins politisée (malgré un parti communiste encore plus nombreux!), est restée plus ouverte aux possibilités artistiques et de design inhérentes au Pop Art. Par exemple, un groupe de designers italiens composé de Jonathan De Paz (1932-1991), Paolo Lomazzi (né en 1936) et Donato D’Urbino (né en 1935) a créé le «Joe Sofa» (1971), qui ressemble à un gant de baseball géant.

Les objectifs, la philosophie et les méthodes du Pop Art

Aucun mouvement artistique international ayant duré plus de 15 ans et englobant toutes les formes d’art, tous les genres et tous les types de médias connus, ainsi que des formes entièrement nouvelles, ne peut être résumé en quelques phrases. Néanmoins, il est impossible de comprendre le Pop Art sans prendre en compte les concepts suivants qui aident à caractériser son essence.

Signification instantanée

L’idée de base du Pop Art était de créer une forme d’art ayant une signification instantanée. Cela contrastait fortement avec le super-intellectualisme de l’expressionnisme abstrait et ses toiles ésotériques si appréciées des professionnels de l’art. Pour atteindre leur objectif de signification instantanée, les artistes Pop ont expérimenté de nouveaux procédés commerciaux tels que la peinture acrylique, le collage sur toile en utilisant des matériaux qui ne sont pas normalement associés à la peinture, et la sérigraphie.

En outre, l’imagerie et les couleurs de la plupart des peintures et sculptures Pop Art sont tirées de sources de consommation ou de médias très connues et facilement reconnaissables, telles que les produits de consommation, les graphismes publicitaires, les magazines, la télévision, les films, les dessins animés et les bandes dessinées. Les personnes et les objets sont représentés dans des couleurs vives, souvent très contrastées, et les compositions ont tendance à être très simples et visuellement attrayantes pour le grand public.

L’art peut être créé à partir de n’importe quoi

Jusqu’au 20e siècle, la peinture traditionnelle était généralement réalisée à l’huile et la sculpture était généralement réalisée en bronze, en pierre ou en bois. En outre, les sujets étaient généralement ceux jugés dignes d’un traitement esthétique : le nu, le visage humain, le paysage classique, la scène de genre ou la nature morte. Même le cubisme, malgré sa nature révolutionnaire, a eu tendance à observer bon nombre de ces conventions artistiques.

Puis la Première Guerre mondiale a éclaté et un mouvement anti-art connu sous le nom de Dada est apparu. Ce mouvement a lancé l’idée que l’art pouvait être créé à partir de n’importe quel matériau, y compris les rebuts les plus banals de la vie quotidienne. Les artistes pop ont soutenu et développé cette idée. Ils ont représenté le monde moderne de la culture populaire en utilisant les matériaux qu’ils jugeaient appropriés, même s’ils étaient bas de gamme ou triviaux.

L’idée est plus importante que l’œuvre elle-même

En outre, jusqu’à Dada, la caractéristique principale des beaux-arts traditionnels était l’œuvre d’art elle-même - une peinture, une sculpture, une estampe, une gravure ou autre. Sans «, l’œuvre d’art» n’était rien. L’accent était donc mis sur la qualité du produit fini et sur les compétences nécessaires à sa création. Dada s’est rebellé contre cela, glorifiant "l’idée derrière l’œuvre d’art" plutôt que l’œuvre elle-même.

De nombreux artistes pop ont poursuivi cette tradition de l’art conceptuel . Ils accordent plus d’importance à l’impact de l’œuvre qu’à sa création. Tout comme l’utilisation de matériaux bas de gamme, l’accent mis sur le concept et l’impact de l’œuvre a été interprété comme une tentative de discréditer le sérieux du monde de l’art. C’était en partie vrai : certains artistes Pop partageaient le credo anti-artistique et anti-esthétique des premiers dadaïstes. Cependant, le courant principal du Pop Art était plus positif et plus soucieux de créer de nouvelles formes d’expression, en utilisant de nouvelles méthodes et une nouvelle imagerie picturale, que de dénigrer la tradition. En effet, de nombreux artistes Pop se considéraient comme des contributeurs aux arts visuels plutôt que comme des rebuts.

Un style d’art plus inclusif et plus pertinent

Aussi exquises que soient la conception et la peinture, ou l’accueil réservé par des critiques d’art influents tels que Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978) et d’autres, les œuvres monumentales de l’expressionnisme abstrait de Mark Rothko étaient pratiquement inconnues du grand public américain (ou britannique). En revanche, presque tout le monde reconnaissait Elvis, Marilyn Monroe et de nombreuses autres célébrités, ainsi que des aliments populaires et d’autres produits de marque, qui sont rapidement devenus un élément essentiel du Pop Art. Ainsi, dès le départ, le Pop Art a affirmé son intention d’abandonner la nature élitiste de l’art traditionnel ou du grand art en faveur de représentations populistes de sujets célèbres.

Pour la plupart des gens à la fin des années 1950 et au début des années 1960, aller dans un musée d’art signifiait passer péniblement devant des rangées et des rangées de peintures obscures, dont la plupart n’étaient ni compréhensibles ni intéressantes. En règle générale, les œuvres les plus célèbres (et les artistes qui les ont créées) ne pouvaient pas être appréciées simplement en les regardant, et une étude attentive du guide du musée était nécessaire.

Le pop art a joué un rôle important dans l’ouverture du monde de la peinture et de la sculpture aux gens ordinaires qui, peut-être pour la première fois de leur vie, pouvaient reconnaître et apprécier instantanément l’exposition qui se trouvait devant eux. Ils ne l’aimaient peut-être pas, mais ils étaient beaucoup moins susceptibles de se sentir intimidés par une image de tous les jours à laquelle ils pouvaient s’identifier. En ce sens, le pop art a rendu les musées et les galeries plus pertinents pour le grand public.

Miroir pour le public

Contrairement à Dada, dont l’objectif entièrement négatif était de saper et de détruire les valeurs de l’establishment bourgeois, qu’il rendait responsable du carnage de la Première Guerre mondiale, le pop art a cherché à refléter les valeurs sociales et l’environnement dont il était issu. Ainsi, ils se sont concentrés sur les passions de la plupart des consommateurs américains : la nourriture, les automobiles, et la romance .

Pour ce faire, ils utilisaient généralement des images grossières ou satiriques ayant un fort impact visuel. Et s’ils étaient critiqués pour s’être engagés sur de tels thèmes, ils pouvaient simplement dire qu’ils ne faisaient que (selon les mots de Shakespeare) «tendre un miroir à la nature», ou dans leur cas «à la société moderne». Le Pop Art était «une expression d’après-guerre» d’un monde complètement consumé par la poursuite du matérialisme.

Tendances postmodernistes

Le pop art a commencé par la peinture, se distinguant principalement par une nouvelle gamme de sujets populistes dont les auteurs espéraient qu’ils véhiculeraient une réalité plus pertinente et plus contemporaine. Par la suite, il s’est progressivement intéressé non plus à la représentation de la réalité (ou de la nature) mais à l’impact, au support et au style.

Cette tendance, qui conduit presque toujours à brouiller la frontière entre l’art et l’exhibition - entre quelque chose de beau et un simple divertissement - est la marque de l’art postmoderne . C’est pourquoi le pop art peut être considéré comme le premier mouvement à transcender le modernisme et à entrer dans l’ère de l’art actuel .

Par essence, les artistes pop des années 1960 ont ouvert la voie au photoréalisme, puis au briteart et à d’autres styles modernes similaires qui ont émergé au cours des décennies suivantes. Ils ont également ouvert la voie aux conceptions de bâtiments postmodernistes qui ont redéfini de manière significative l’architecture américaine .

Critiques à l’encontre du public et des collectionneurs

Les critiques ont souvent méprisé le Pop Art pour son côté bas de gamme. Par exemple, Harold Rosenberg, l’un des critiques d’art les plus influents dans le domaine de l’art contemporain, l’a décrit comme "comme une blague sans humour racontée encore et encore jusqu’à ce qu’elle commence à ressembler à une menace….". L’art publicitaire qui se fait de la publicité en tant qu’art qui déteste la publicité".

Plus important encore, le pop art était (et est toujours) l’un des styles d’art les plus populaires qui a réussi à toucher un large public comme peu de mouvements artistiques contemporains ont réussi à le faire - et n’ont pas réussi à le faire depuis. Et les collectionneurs d’art l’apprécient également.

Par exemple, le tableau False Start» (1959) de Jasper Johns a été vendu en 2006 pour 80 millions de dollars : c’est la 9e œuvre d’art la plus chère de l’histoire. (Pour plus d’informations, voir Top 10 des peintures les plus chères). L’œuvre d’Andy Warhol «Green Car Crash» (1963) (polymère synthétique, encre sérigraphique et acrylique sur lin) a été vendue chez Christie’s, New York, en 2007 pour 71,7 millions de dollars, ce qui en fait la 14e œuvre d’art la plus chère de l’histoire. (Voir Top 20 des peintures les plus chères). Pas mal pour une œuvre d’art bas de gamme.

Pendant la récession de 2009, un acheteur inconnu aurait acheté une estampe d’Andy Warhol «Eight Elvis» (1964) pour 100 millions de dollars (60,5 millions de livres sterling) lors d’une vente privée, ce qui en fait la 5e œuvre d’art la plus chère jamais vendue.

Artistes pop américains célèbres

Jim Dine (né en 1935)

Jim Dine était un représentant du néo-dada et du pop art, spécialisé dans les collages, les «readymades» (ou «compositions à partir d’objets trouvés») et les Happenings . Il a attiré l’attention pour la première fois en 1959 avec ses «Happenings», qu’il a organisés en collaboration avec Claes Oldenburg, Allan Kaprow et le compositeur et conceptualiste d’avant-garde John Cage.

En 1962, il participe à une importante exposition de Pop Art à Pasadena, aux côtés de Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Hood, Edward Ruscha et Wayne Thibault. Au cours des années 1960, Dine a produit un certain nombre d’œuvres d’art utilisant des objets et des images de la culture pop, recourant parfois au sensationnalisme dada, comme dans son installation «Canticles to the Penis», qui a été fermée par la police londonienne pour obscénité.

Robert Indiana (né en 1928)

Né Robert Clark, il débute comme peintre abstractionniste et sculpteur sur bois avant de rejoindre le mouvement Pop Art à New York en 1954. Des pochoirs jetés l’ont amené à explorer une gamme de word art, en insérant des lettres et des mots (par exemple Love, Eat, Die) dans ses peintures, qui étaient basées sur le décor des flippers. Il se qualifiait lui-même de « peintre de signes américain».

Il est surtout connu pour sa représentation graphique de «Love», apparue dans les années 1960 sur des cartes de Noël et des timbres. Il a ensuite créé une version sculpturale, qu’il a répétée dans différents styles et différentes langues, y compris une version en acier en hébreu - en utilisant le mot «Ahab». En 2008, il a créé une nouvelle image avec le mot «Hope», dont tous les bénéfices ont été reversés au fonds de campagne de Barack Obama.

Jasper Jones (né en 1930)

Avec Rauschenberg, Jones a été l’un des pionniers du Pop Art dans les années 1950. Ayant quitté la Caroline du Sud pour s’installer à New York en 1949, il s’est fait connaître par ses peintures du drapeau américain (par exemple, «Flag», 1954-55), ainsi que par d’autres images graphiques standard telles que des cibles et des figures. Il était également connu pour incorporer de la peinture encaustique et des reliefs en plâtre dans ses peintures à l’huile .

Après les peintures de drapeaux, il a commencé à incorporer des objets réels dans ses peintures et s’est également lancé dans la sculpture (par exemple «Canettes de bière», 1964). Son utilisation de l’imagerie et des matériaux de la culture pop l’a naturellement conduit à être étiqueté comme un artiste pop, mais ses déclarations artistiques (y compris une quantité importante de parodie, de paradoxe et de contradiction inspirée de Duchamp) ont également conduit à étiqueter son travail comme néo-dadaïste .

Plus classique et plus pictural que de nombreux autres jeunes artistes Pop qui s’appuyaient sur les techniques de l’art commercial moderne, le travail intelligent et novateur de Jones a suscité beaucoup d’éloges et de mécénat. Avec le temps, il a commencé à utiliser une variété d’autres médias, y compris la sérigraphie et la taille-douce, ainsi que la lithographie . En 1998, le Metropolitan Museum of Art de New York a payé 20 millions de dollars pour son œuvre «White Flag», et en 2006, son œuvre «Falstart» a été achetée par des collectionneurs privés pour 80 millions de dollars, ce qui en fait la peinture la plus chère d’un artiste vivant.

Alex Katz (né en 1927)

Peintre figuratif unique en son genre, bien qu’il ait également travaillé dans la gravure et la sculpture, Katz a été associé au pop art grâce à son remaniement de thèmes traditionnels dans l’idiome pop. Il est connu pour sa reprise innovante des idées impressionnistes (en particulier celles d’Édouard Manet, de Claude Monet et de Georges Seurat), telles que divers effets de lumière et des scènes de loisirs bourgeois, exécutées en utilisant les techniques de «l’huile mouillée dans l’huile» et un travail au pinceau lâche. D’autre part, certaines de ses œuvres sont présentées de manière plutôt sombre, apparemment sans émotion ni sensibilité.

Roy Fox Lichtenstein (1923-1997)

Artiste pop de premier plan au style immédiatement reconnaissable, son œuvre a fait du graphisme des bandes dessinées une forme d’art internationale. Il a commencé comme artiste abstrait dans les années 1950, mais en enseignant à l’université Rutgers, il est entré en contact avec son collègue Allan Kaprow et a commencé à s’intéresser à l’art de la culture pop.

Il a commencé par dessiner des versions à main levée de cadres de bandes dessinées, avec des bulles de texte (par exemple, «Look Mickey», 1961), et a fait une exposition à guichets fermés à la Leo Castelli Gallery, à New York, en 1961. L’année suivante, ses œuvres figurent dans les deux grandes expositions de 1962 à Pasadena et à New York.

À la fin de l’année 1963, Lichtenstein commence à attirer l’attention du monde entier. Parmi les œuvres marquantes de l’époque, citons «Drowning Girl» (1963) et «Waam!». (1963). En 1989, lors d’une vente aux enchères d’art contemporain organisée par Christies à New York, la peinture de Lichtenstein «Torpedo… Los!» a été vendue pour 5,5 millions de dollars, un record pour l’artiste.

Claes Oldenburg (né en 1929)

Considéré comme le premier sculpteur du Pop Art, connu pour ses installations d’art public, présentant souvent des répliques monumentales d’objets quotidiens, en particulier des produits alimentaires tels que des hamburgers et des cornets de crème glacée .

Vivant activement à New York depuis 1956, Oldenburg est entré en contact avec Allan Kaprow, Jim Dine et le sculpteur George Segal, et a été fasciné par les Happenings et d’autres formes de performance et installation artistique .

Parmi ses œuvres notables, citons «Double Hamburger» (1962), et son rouge à lèvres géant, installé à l’université de Yale en 1969. Sa principale contribution au Pop Art, comme celle de Rosenquist, a été de transformer des objets ordinaires en art.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Vivant principalement à New York, Rauschenberg, considéré, avec son ancien amant Jasper Johns, comme l’un des chefs de file de l’art néo-Dada un mouvement précoce du Pop Art - a étudié au Black Mountain College en Caroline du Nord en 1948 avec l’ancien artiste du Bauhaus Josef Albers (connu pour sa série «Honouring the Square»).

Il a organisé sa première exposition personnelle à la Betty Parsons Gallery en 1951 et une deuxième exposition personnelle à la Charles Egan Gallery en 1954. Souvent considéré comme un membre du Néo-Dada en raison de son affiliation aux readymades «de Marcel Duchamp», il est surtout connu pour ses combinaisons de peintures « «des années 1950, composées de matériaux et d’objets non conventionnels présentés dans des combinaisons innovantes. À cette époque, Rauschenberg se spécialise dans l’utilisation de matériaux «trouvés», tels que les déchets et autres rebuts qu’il ramasse dans les rues de New York. À partir de 1961-1962, cependant, il commence à incorporer des images ainsi que des objets trouvés, généralement des photographies transférées sur toile par sérigraphie. En ce sens, son travail peut être considéré comme contemporain de celui d’Andy Warhol. Rauschenberg s’est également essayé à la photographie d’art, à la gravure, à la fabrication de papier et à la performance.

James Rosenquist (né en 1933)

Artiste pop de premier plan, Rosenquist a étudié à l’école d’art de Minneapolis, puis à l’université du Minnesota. En 1955, à l’âge de 21 ans, il s’installe à New York pour étudier à l’Art Students League et travailler ensuite comme affichiste.

Utilisant les techniques de peinture d’enseignes qu’il avait acquises pour créer des peintures à grande échelle, il juxtapose ce qui semble être des publicités avec des images de magazines de romance pour créer un sentiment de discontinuité et d’irrationalité en tant que commentaire sur la vie contemporaine. L’une des œuvres les plus remarquables de cette période est son tableau de la taille d’une pièce «F-111» (1965). Comme Oldenburg, la principale contribution de Rosenquist au Pop Art a été de transformer des objets ordinaires en œuvres d’art en leur donnant une taille et un poids monumentaux.

Edward Ruscha (né en 1937)

Originaire de l’Oklahoma et installé à Los Angeles en 1956, Ruscha étudie au Chouinard Art Institute (aujourd’hui California Institute of the Arts) jusqu’en 1960 (influencé par l’art de Marcel Duchamp et de Jasper Johns), puis travaille comme maquettiste à l’agence de publicité Carson-Roberts à Los Angeles.

En 1962, ses peintures figurent aux côtés d’œuvres de Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine et Wayne Thiebaud dans une exposition révolutionnaire au Pasadena Art Museum. Parmi ses premières œuvres, qui sont généralement des copies d’une perfection effrayante de panneaux publicitaires et de stations-service, figurent «Big Trademark with Eight Spotlights» (1961) et une peinture à l’huile «Standard Station, Amarillo, Texas» (1963), qui fait écho à «Gas» (1940) de Hopper. À partir du milieu des années 1960, il s’est fait connaître par ses Word Paintings (également connues sous le nom de Liquid Word Paintings).

Andy Warhol (1928-1987)

Considéré par beaucoup comme le grand prêtre du Pop Art, Warhol a connu une carrière réussie en tant qu’illustrateur commercial avant d’atteindre une renommée mondiale pour ses peintures pop, ses gravures, ses films d’avant-garde et son style de vie mêlant stars hollywoodiennes, intellectuels, artistes d’avant-garde et célébrités de l’underground. Son point de vue sur l’influence de la télévision - un facteur crucial dans l’identité et la popularité du Pop Art - sur l’art et la vie, est exprimé avec justesse dans sa célèbre phrase : "Tout le monde peut être célèbre pendant 15 minutes".

Dans les années 1960, il commence à peindre des produits américains emblématiques tels que des boîtes de soupe Campbell, des bouteilles de Coca-Cola et des billets de banque, ainsi que des images de stars internationales, telles que Marilyn Monroe, Engrid Bergman, Elizabeth Taylor et Elvis Presley. Il a également fondé son célèbre studio d’art new-yorkais, connu sous le nom de « Factory», où il a anticipé de plus de 30 ans les méthodes de production de masse de Damien Hirst.

Avant tout, l’art de Warhol s’articule autour d’une iconographie rendue célèbre par la télévision, les clips d’information et la publicité, comme les nuages en forme de champignon de la bombe atomique, les chaises électriques des prisons, les accidents de voiture et les émeutes raciales. Ses peintures étaient donc immédiatement reconnaissables et suscitaient l’intérêt du plus grand nombre.

En partie éclipsé par les questions relatives à sa célébrité et à son mode de vie, le statut de Warhol en tant qu’artiste innovant et exceptionnellement créatif est indéniable, notamment en raison de sa transformation d’images ordinaires en icônes de l’art mondial. Il a également été exceptionnellement prolifique, travaillant dans un large éventail de médias, notamment le dessin , la peinture, la gravure, la photographie et le cinéma.

Artistes pop britanniques célèbres

Peter Blake (né en 1932)

D’abord cité comme membre du mouvement pop art britannique naissant lorsqu’il participe, avec David Hockney, R.B. Kitai et d’autres, à l’exposition «Young Contemporaries» en 1961, Blake attire davantage l’attention lorsqu’il joue dans le film de Ken Russell «Pop Goes to the easel», un film sur le pop art britannique. Cependant, il reste surtout connu pour avoir conçu les pochettes des «Beatles» « Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band».

Patrick Caulfield (1936-2006)

Caulfield a étudié à la Chelsea School of Art en 1956 et au Royal College of Art (1960-1963), où il a notamment étudié avec David Hockney et R.B. Kitaj. En 1964, son travail a été présenté dans l’exposition «New Generation» à la Whitechapel Gallery de Londres, qui a attiré pour la première fois l’attention sur son implication dans la scène britannique du Pop Art.

Il s’est spécialisé dans les peintures dans lesquelles il utilise des objets ordinaires, des lignes impassibles et des couleurs tirées du vocabulaire de la publicité et des illustrations bon marché pour transmettre une intensité vivante et de l’humour. Souvent figuratives, ses œuvres se caractérisent par la représentation de quelques objets simples dans un intérieur, rendus par des aplats de couleur unie (ou d’une seule nuance) bordés d’un contour noir.

Richard Hamilton (né en 1922)

L’un des membres fondateurs de l’Independent Group à l’Institute of Contemporary Art de Londres, un groupe de discussion d’artistes qui a lancé le Pop Art en Grande-Bretagne, il est surtout connu pour son collage de 1956 intitulé « Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?», aujourd’hui considéré comme l’un des premiers exemples du Pop Art britannique. Au milieu des années 1950, après plusieurs expositions personnelles, Hamilton commence à enseigner à Newcastle-Upon-Tyne. Il participe alors à un projet de recherche sur l’artiste moderne français Marcel Duchamp, qu’il admire beaucoup.

Au début des années 1960, il reçoit une bourse de l’Arts Council of Great Britain pour organiser et conserver une collection de collages du dadaïste Kurt Schwitters «de Merzbaugh» en Cumbria. Également actif à Londres en tant qu’artiste, enseignant et militant CND, Hamilton a été le commissaire d’une grande rétrospective britannique de l’œuvre de Duchamp à la Tate Gallery en 1966. En outre, ses contacts avec la scène musicale contemporaine l’ont amené à se lier d’amitié avec Paul McCartney, ce qui l’a amené à concevoir la pochette et les affiches du «White Album» «des Beatles» .

David Hockney (né en 1937)

Important contributeur au Pop Art britannique des années 1960 et brillant dessinateur, David Hockney est l’un des artistes britanniques les plus importants du XXe siècle. Il a participé à l’exposition «Young Contemporaries» (1961), qui a marqué l’émergence du Pop Art britannique - bien que son travail ne se soit en aucun cas limité à ce style. En 1963, il se rend à New York, où il rencontre Andy Warhol. Il se rend ensuite à Los Angeles, en Californie, un État qui deviendra plus tard sa résidence pendant de nombreuses années.

Le voyage à Los Angeles l’inspire pour créer une série de peintures représentant des piscines, en utilisant un nouveau médium, la peinture acrylique. Les peintures sont réalisées dans un style plat mais très réaliste, avec des couleurs vives. Parmi les œuvres notables des années 1960 figurent «Peter climbing out of Nick’s Pool» (1966), qui a remporté le prix John Moores à la Walker Art Gallery de Liverpool l’année suivante ; «Sunbather» (1966) ; et «Bigger Splash» (1967), qui a été achetée en 2006 pour 2,6 millions de livres sterling, un prix record pour une peinture de Hockney.

Allen Jones (né en 1937)

L’un des fondateurs du Pop Art britannique, Allen Jones utilise une imagerie figurative simple combinée à des couleurs vives et audacieuses. Il est surtout connu pour ses sculptures érotiques (par exemple l’ensemble «Chair, Table and Hat Stand», 1969). D’autres œuvres notables sont «Wet Print» (1966) et «What Do You Mean, What Do I Mean?». Il est également graphiste et peintre à l’huile.

Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)

Fondateur du Pop Art britannique, Paolozzi a étudié à l’Edinburgh College of Art (1943), à la St Martin’s School of Art (1944) et à la Slade School of Art (1944-1947) avant de travailler à Paris, en France (1947-1949), où il a rencontré et subi l’influence d’un certain nombre d’artistes de renom, notamment le sculpteur suisse , l’artiste de l’art contemporain et l’artiste de l’art contemporain, dont le sculpteur suisse Alberto Giacometti, l’ancien dadaïste et surréaliste Jean Arp, le sculpteur roumain Constantin Brancusi, et les cubistes Georges Braque et Fernand Léger. Son collage phare «J’étais le jouet d’un riche « (1947) fait référence à cette période parisienne.

De retour à Londres, il travaille avec des sculptures, des constructions, des collages et des lithographies, principalement dans un style surréaliste, ses compositions incorporant une grande variété d’objets et de matériaux. En 1952, il devient l’un des principaux fondateurs de l’Independent Group, dont les discussions préfigurent à bien des égards l’école du Pop Art qui va bientôt émerger.

Néo-pop

Les années 1980 ont été marquées par un regain d’intérêt pour le Pop Art, un phénomène connu sous le nom de Néo-Pop (ou «Shock Pop Art»). Il ne s’agissait pas d’un nouveau mouvement artistique à proprement parler, mais plutôt d’un renouveau des œuvres d’art basées sur la culture populaire - cette fois-ci tirée des années 1980. Alors que le mouvement pop art original était totalement avant-gardiste, le néo-pop art est plutôt une répétition.

Ainsi, les artistes néo-pop continuent d’utiliser «des readymades» et des objets préexistants dans leurs œuvres, et s’appuient fortement sur les icônes de célébrités telles que Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton, etc. Ils s’inspirent également du Minimalisme, Art conceptuel, Photoréalisme, Installation et Performance entre autres. Le néo-pop est simplement une version plus extrême de Warhol, Oldenburg et Rauschenberg.

Le principal représentant du néo-pop est Jeff Koons (né en 1955), au sujet duquel le célèbre critique Robert Hughes a écrit ce qui suit : «Koons se prend vraiment pour Michel-Ange et n’hésite pas à le dire. Ce qui compte, c’est qu’il y ait des collectionneurs, surtout en Amérique, qui le croient. Il a une certitude viscérale, un discours approximatif de transcendance par l’art, comme un baptiste desséché qui vendrait des hectares de marais en Floride. Par conséquent, on ne peut imaginer la culture corrompue de l’Amérique sans lui». Des échos des critiques d’Andy Warhol et de Damien Hirst? (Koons a été élu membre de l’Académie américaine des arts et des sciences en 2005).

Parmi les autres chefs de file, citons Katharina Fritsch, Daniel Edwards, et Yasumasa Morimura . Les œuvres néo-pop emblématiques, toutes deux réalisées par Jeff Koons, comprennent «Michael Jackson and Bubbles» (1988) - vendue en 1991 pour 5,6 millions de dollars - et «Puppy» (1992).

Artistes néo-pop célèbres

Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Ingvar Larsen, Allan McCollum, Komar et Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Steinbach, Gavin Turk.

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les tendances et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art .