Pop Art: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire
Qu’est-ce que le Pop-Art? – Les caractéristiques
Le terme Pop-Art a été inventé par le conservateur britannique Lawrence Alloway en 1955 pour décrire une nouvelle forme d’art "populaire" – un mouvement caractérisé par l’imagerie du consumérisme et de la culture populaire . Le Pop-Art a émergé à New York et à Londres au milieu des années 1950 et est devenu le style avant-gardiste dominant jusqu’à la fin des années 1960. Caractérisé par des images audacieuses, simples, de tous les jours et des couleurs de bloc vibrantes, il était intéressant de regarder et avait une sensation moderne "de la hanche". Les couleurs vives ont également permis à cette forme de art d’avant-garde souligner certains éléments de la culture contemporaine et a contribué à réduire le fossé qui sépare les arts commerciaux des beaux-arts. C’était le premier mouvement post-moderniste (où le médium est aussi important que le message) ainsi que la première école d’art reflétant le pouvoir du cinéma et de la télévision, à partir desquels nombre de ses images les plus célèbres ont acquis leur célébrité. Les sources communes de l’iconographie pop étaient les publicités, les emballages de produits de consommation, des photos de stars de cinéma, de stars de la pop et d’autres célébrités, ainsi que des bandes dessinées.
Grands artistes pop
Dans Art américain Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (né en 1930), Roy Lichtenstein (1923-97) et Andy Warhol (1928-1987). Autres exposants américains inclus: Jim Dine (b.1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Ray Johnson (1927-95), Alex Katz (né en 1927), Claes Oldenburg (b.1929), Ed Ruscha (b.1937), James Rosenquist (b.1933) et Tom Wesselmann (b.1931). Pour plus, s’il vous plaît voir Le Pop Art d’Andy Warhol des années soixante et soixante-dix.
Parmi les artistes britanniques de premier plan figuraient Sir Peter Blake (né en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (né en 1922), David Hockney (né en 1937) et Allen Jones (né en 1937).
Origines et influences
Le pop-art, comme presque tous les styles artistiques importants, était en partie une réaction contre le statu quo. Dans les années 1950 en Amérique, le style principal était Expressionisme abstrait, un style de peinture mystérieux et non figuratif qui, bien qu’admiré par la critique, les amateurs d’art sérieux et les visiteurs de musée expérimentés, ne "connectait" ni avec le grand public, ni avec de nombreux artistes. Plus un style pictural, plus il est abstrait et expressif, plus l’opportunité de créer un nouveau style utilisant des images plus figuratives et plus terre-à-terre est grande: à savoir quelque chose que la plus grande fraternité d’artistes peut se faire prendre et que les téléspectateurs pourraient se rapporter. C’est ainsi que le Pop-art, qui est devenu un style d’art établi, a été remplacé par d’autres écoles après 1970.
À certains égards, l’émergence du Pop-art (et son ascendant sur l’expressionnisme abstrait) ressemblait à l’émergence du pop-art. Dada et son successeur basé plus largement Surréalisme (et leur emprise sur Cubisme). Les deux écoles surdimensionnées (expressionnisme abstrait et cubisme) impliquaient des styles très intellectuels avec un attrait limité pour les amateurs d’art traditionnels. Certes, Dada était essentiellement anti-art, mais ses années de prospérité de 1916 à 1922 furent marquées par une grande polarisation et des conflits politiques, et dès que la situation se calma, la plupart des dadaïstes devinrent surréalistes. En tout état de cause, comme expliqué ci-dessous dans Objectifs et philosophie, le Pop-art partage bon nombre des caractéristiques du dada-surréalisme et lui doit plusieurs techniques issues de Kurt Schwitters "collages, le" readymades "de Marcel Duchamp, l’imagerie iconique de René Magritte et les créations éclatantes de Salvador Dali (par exemple, le canapé Mae West Lips ; le téléphone au homard).
Et si le surréalisme était essentiellement interniste et de nature évasive, alors que le Pop-art était défini par des forces consuméristes externes, tous deux étaient consumés par la nécessité de créer un impact visuel fort auprès du grand public.
Un autre artiste qui peut avoir eu un impact sur le Pop-art, est Edward Hopper (1882-1967) le peintre réaliste de l’Amérique urbaine. Bien que son style pictural soit très différent de la plupart des œuvres pop, ses images simples de scènes de la vie quotidienne ultra-américaines (par exemple, "Night Hawks", 1942 et "Gas", 1940) étaient bien connues de la génération pop et auraient pu informer leur peintures.
NOTE: Pour d’autres tendances importantes du 20e siècle similaires au pop art, voir Mouvements d’art, écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Histoire
Le British Pop-Art a émergé au sein du groupe indépendant un cercle informel d’artistes comprenant le peintre Richard Hamilton, le conservateur et critique d’art Lawrence Alloway et le sculpteur Eduardo Paolozzi, réunis à l’Institute of Contemporary Arts de Londres.
Dès la première réunion, en 1952, lorsque Paolozzi a présenté un certain nombre de collages assemblés à partir de coupures de magazines et autres " objets trouvés ", y compris son (maintenant) célèbre collage intitulé" J’étais un jeu pour un homme riche "(créé 5 ans auparavant en 1947), leurs discussions portaient principalement sur la valeur artistique et la pertinence de la culture de masse populaire .
Quatre ans plus tard, en 1956, un autre membre du groupe, Richard Hamilton, produisit son propre collage: "Qu’est-ce qui rend les maisons d’aujourd’hui si attrayantes?" – qui, avec le collage de Paolozzi en 1947, est considéré comme l’un des premiers exemples du Pop-Art britannique. En 1961, un certain nombre d’œuvres de style pop de Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj et Peter Phillips ont été présentées dans l’ exposition Young Contemporaries . En 1962, la British Pop donna une nouvelle publicité à la pop britannique lors de la projection de " Pop Goes the Easel ", un film de Ken Russell explorant le nouveau mouvement en Grande-Bretagne.
Etats-Unis
Pendant ce temps, aux États-Unis, vers le milieu des années 1950, un certain nombre d’artistes attachés à de petits mouvements ébranlaient le monde de l’art (par exemple, Neo-Dada, Funk Art, Lettrisme, Beat Art, Polymatérialisme, Common-Object, etc. quelques-uns), dont beaucoup incorporaient des articles de culture de masse dans leurs œuvres. Ils voulaient que leur art soit beaucoup plus inclusif que les styles traditionnels (tels que l’expressionnisme abstrait). Ils ont donc utilisé des matériaux non artistiques et se sont concentrés sur des sujets ordinaires, facilement reconnaissables, qui expriment la culture populaire de l’époque.
Parmi cette poussée d’innovation, le travail de Robert Rauschenberg Ray Johnson (1927-95) et Jasper Johns , commençait à avoir un impact sur la scène artistique importante de New York. Entre eux, ils ont ouvert toute une série de nouveaux sujets: Johns, avec ses peintures de drapeaux, de cibles et de chiffres, ainsi que ses sculptures d’objets comme des canettes de bière; Rauschenberg, avec son collage et art d’assemblage et "associez des peintures" (dans lesquelles une toile peinte est combinée à divers objets ou images photographiques, tels que: "Monogram" [1955-9] comprenant une chèvre empaillée entourée d’un pneu) d’animaux empaillés, Coca-Cola bouteilles et autres articles; Johnson avec ses collages de célébrités de James Dean, Shirley Temple et Elvis. Les autres pionniers et défenseurs influents du Pop-art étaient le compositeur John Cage (un enseignant influent au Black Mountain College en Caroline du Nord), et l’artiste de performance Allan Kaprow (1927-2006).
Cette montée de la pensée nouvelle a été renforcée par le regain d’intérêt pour les mouvements d’avant-garde antérieurs tels que Dada et le surréalisme, dont la vitalité durable était renforcée par l’influence, sinon la présence réelle, de plusieurs anciens ex-dadaïstes et surréalistes, tels que Marcel Duchamp, Max Ernst, et convertis locaux, tels que Joseph Cornell. Cela dit, il est important de préciser que si les artistes avant-gardistes américains de cette époque (en particulier Rauschenberg) étaient redevables aux Européens de l’époque (comme Duchamp, Schwitters et autres) d’avoir instauré certaines traditions (comme le collage), ils se concentraient uniquement sur la production. art qui reflète la réalité de l’Amérique contemporaine .
Au début des années 1960, une cohorte d’artistes de style pop a commencé à se faire connaître grâce à des expositions personnelles organisées à New York et Los Angeles, dont plusieurs ont utilisé des techniques de gravure commerciales (par exemple, impression d’écran) pour créer leur art, plutôt que des méthodes picturales traditionnelles. Parmi ces nouveaux talents figurent Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann et Andy Warhol. Plusieurs œuvres, devenues plus tard des icônes, ont été montrées pour la première fois. Ils comprenaient les huiles pour bandes dessinées de Lichtenstein, les sérigraphies de Warhol sur les boîtes de conserve Marilyn Monroe et Campbell, ainsi que les gigantesques burgers et glaces en vinyle d’Oldenburg.
Étrangement, jusqu’à la fin de 1962 ou le début de 1963, ces artistes étaient encore étiquetés par la critique comme de nouveaux réalistes ou un autre terme similaire. Ainsi, les deux expositions artistiques importantes organisées à l’automne 1962 – l’une organisée par Walter Hopps au Pasadena Art Museum, l’autre à la Sidney Janis Gallery à New York – étaient intitulées " La nouvelle peinture d’objets communs " (Pasadena) et " Nouveau réalisme "(New York). Le terme Pop-art n’a été utilisé que ci-après comme nom technique du mouvement, en partie à cause de l’inconfort de la critique face à ce terme. Réaliste, et en partie à cause de la présence à New York de Lawrence Alloway – maintenant conservateur au Guggenheim Museum – qui prônait l’adoption du terme.
À partir de 1963, le pop-art se répandit à travers l’Amérique et, grâce aux artistes pop britanniques, s’établit sur le continent. La montée en puissance du mouvement a été favorisée par une croissance parallèle dans d’autres régions. En économie, via la croissance de l’économie mondiale en général et de l’économie américaine en particulier; en science, via la diffusion de la télévision ; dans la musique contemporaine (elle-même connue sous le nom de "Pop") grâce à la miniaturisation de la radio, à l’augmentation de la production de disques, à l’apparition de groupes cultes comme les Beatles et au phénomène de pychedelia ; et enfin à travers un marché de l’art en expansion .
À la fin des années 1960, Andy Warhol a émergé comme le Damien Hirst Il gagne sa notoriété et sa notoriété autant pour ses sérigraphies de célébrités emblématiques, son travail de film conceptualiste, ses méthodes de production d’art de plus en plus élégantes et sa promotion personnelle – du moins jusqu’à ce qu’il soit blessé par balle le 3 juin 1968. Roy Lichtenstein est également devenu célèbre grâce à ses exploits de bandes dessinées et à plusieurs rétrospectives prestigieuses des deux côtés de l’Atlantique. Pendant ce temps, Rauschenberg a remporté le grand prix à la Biennale de Venise en 1964 et a maintenu sa réputation d’avant-garde en aidant à former EAT (Experiments in Art and Technology) en 1966 afin de renforcer la collaboration entre artistes et ingénieurs, tandis que Johns a maintenu sa réputation en gagnant premier prix à la Biennale de Sao Paulo en 1967.
Peut-être inévitablement, après avoir résisté à la conformité des années 1950 et à la panique provoquée par la crise des missiles de Cuba (1962), le Pop-art américain a atteint son apogée au cours de la seconde moitié des années 1960, pour ensuite se retrouver infecté et miné par l’angoisse de la guerre. L’époque de la guerre du Vietnam et la montée correspondante de l’antiaméricanisme.
Bretagne
Bien que moins populeux, moins kitsch, plus romantique et plus nostalgique que son homologue d’outre-Atlantique, le Pop-art britannique du début et du milieu des années 1960 a été fortement influencé par une culture pop américaine qui, selon lui, était plus moderne et plus excitant que la variété maison. C’est au cours de cette période que la Grande-Bretagne a commencé à importer une quantité substantielle de programmes de télévision américains , ainsi que d’autres caractéristiques de la vie américaine, telles que des bars à burger et d’autres établissements de restauration rapide. En conséquence, les artistes ont commencé à s’inspirer des images américaines pour leur inspiration, bien que souvent sous un angle très britannique. En revanche, l’industrie britannique de la publicité et de l’imprimerie était beaucoup moins développée, ce qui empêchait les artistes britanniques d’utiliser des techniques déjà bien établies à New York (sérigraphie, par exemple) et les obligeait à recourir à des techniques plus anciennes.
L’Europe
En Europe, la primauté de la culture populaire américaine a été diluée à la fois par le langage et par la politique. À Paris, toujours soucieux de son statut de junior à New York en tant que premier centre d’art mondial, la culture pop américaine a été tolérée plutôt que célébrée. En outre, l’avant-garde française – peut-être en raison de son parti communiste enraciné – avait une saveur plus politique et adoptait donc une ligne plus dadaïste encourageant la participation du public à leurs arts de la scène, de la performance et des arts conceptuels préférés, sous le terme générique de Nouveau Réalisme (c.1960-70). Les principaux "artistes pop" français ou Nouveaux Réalistes étaient: Yves Klein (1928-62), François Dufrene (1930-1982), Matial Raysse (né en 1936), Jacques de la Villegle (né en 1926), Jacques Monory (né en 1934), Alain Jacquet (né en 1939), Jean Tinguely (1925-1991). L’Italie, étant moins politique (malgré un parti communiste encore plus grand!), Resta plus ouverte aux possibilités artistiques et de design inhérentes au Pop-art. C’est par exemple un groupe de design italien composé de Jonathan De Pas (1932-1991), Paolo Lomazzi (1936) et Donato d’Urbino (1935) qui a créé "Joe Sofa" (1971), un canapé ressemblant à un gigantesque gant de baseball.
Les buts, la philosophie et les méthodes du pop art
Aucun mouvement artistique international qui dure plus de 15 ans et qui englobe tous les types d’art, genres et types de médias connus, ainsi que des formes entièrement nouvelles, ne peut être résumé en quelques phrases. Malgré tout, aucune compréhension du Pop-art n’est possible sans prendre en compte les concepts suivants qui aident à en caractériser le noyau.
Signification instantanée
L’idée de base derrière Pop-art était de créer une forme d’art avec une signification instantanée. Cela contrastait fortement avec le super-intellectuel de l’expressionnisme abstrait, avec ses toiles ésotériques si chères aux professionnels de l’art. Pour atteindre leur objectif de signification instantanée, les artistes pop ont expérimenté de nouveaux processus commerciaux, tels que peinture acrylique collage sur toile à l’aide de matériaux qui ne sont normalement pas associés à la peinture et sérigraphie. En outre, les schémas d’imagerie et de couleurs de la plupart des peintures et des sculptures du Pop-art ont été empruntés à des médias ou des médias de grande consommation facilement reconnaissables, tels que: biens de consommation, graphiques publicitaires, magazines, télévision, films, dessins animés et bandes dessinées. Les personnages et les objets étaient présentés dans des couleurs vives, souvent très contrastées, tandis que les compositions étaient généralement très simples et visuellement attrayantes pour le grand public.
L’art peut être fait de n’importe quoi
Jusqu’au 20ème siècle, la tradition peinture d’art a été normalement fait dans les huiles: sculpture en bronze, pierre ou bois. De plus, les sujets étaient typiquement ceux qui méritaient un traitement esthétique: le nu humain, le visage humain, le paysage classique, la scène de genre ou la nature morte. Même le cubisme, malgré sa nature révolutionnaire, avait tendance à observer nombre de ces conventions artistiques. Puis vint la Première Guerre mondiale et le mouvement anti-art connu sous le nom de Dada. Ce mouvement a initié l’idée que l’art peut être créé à partir de toutes sortes de choses, y compris les restes de matériel les plus banals de tous les jours. Les artistes pop ont maintenu et développé cette idée. Ils ont présenté le monde moderne de la culture populaire avec tous les matériaux qu’ils jugeaient appropriés, qu’ils soient bas ou insignifiants.
L’idée est plus importante que l’œuvre d’art elle-même
En outre, jusqu’à Dada, l’art essentiel était l’œuvre même – peinture, sculpture, gravure, gravure ou autre. Sans "oeuvre d’art", il n’y avait rien. Toute l’attention s’est donc portée sur la qualité du produit fini et sur les compétences requises pour le produire. Dada s’est rebellé contre cela en célébrant "l’idée derrière l’œuvre" plutôt que l’œuvre elle-même. De nombreux artistes pop ont poursuivi cette tradition de Art conceptuel. Ils ont accordé plus d’importance à l’impact du travail et moins à sa réalisation. À l’instar de l’utilisation de matériaux à sourcils clairs, cette insistance sur le concept et l’impact d’une œuvre a été interprétée comme une tentative de démystifier la gravité du monde de l’art. Cela était en partie vrai: certains artistes pop partageaient le credo anti-art et anti-esthétique des dadaistes précédents. Cependant, le courant dominant de la pop était plus positif et plus soucieux de créer de nouvelles formes d’expression, utilisant de nouvelles méthodes et de nouvelles images, plutôt que de dénigrer la tradition. En effet, de nombreux artistes pop se considéraient comme contribuant aux beaux-arts plutôt que de les détruire.
Un style d’art plus inclusif et plus pertinent
Quelle que soit la qualité de sa conception et de sa peinture, et aussi bien accueillie par des critiques d’art influents comme Clément Greenberg (1909-94) Harold Rosenberg (1906-78) et d’autres, les œuvres monumentales de l’expressionnisme abstrait de Mark Rothko étaient en grande partie inconnues du grand public américain (ou britannique). En revanche, presque tout le monde a reconnu Elvis , Marilyn Monroe et de nombreuses autres célébrités, ainsi que les marques populaires d’aliments et de produits de marque qui sont rapidement devenues le sujet de base du Pop-art. C’est ainsi que très tôt, Pop-art a déclaré son intention de rejeter le caractère élitiste de l’art traditionnel ou des arts à la hauteur du front en faveur de peintures populistes de sujets connus.
Pour la plupart des gens à la fin des années 50 et au début des années 60, une visite dans un musée d’art consistait en un fastidieux parcours au-dessus de rangées de peintures obscures, dont la plupart n’étaient ni compréhensibles ni divertissantes. En règle générale, la plupart des œuvres célèbres (et les artistes qui les ont créées) ne pouvaient être appréhendées simplement en les visionnant, mais nécessitaient une étude attentive du guide du musée. Le pop art a contribué à ouvrir le monde de la peinture et de la sculpture aux gens ordinaires qui, peut-être pour la première fois de leur vie, pourraient instantanément reconnaître et apprécier l’exposition présentée devant eux. Cela ne les a peut-être pas plu, mais ils étaient beaucoup moins susceptibles de se sentir intimidés par une image de tous les jours à laquelle ils pouvaient se rapporter. En ce sens, le Pop-art a rendu les musées et les galeries plus pertinents pour le grand public.
Tenir le miroir devant la société
À la différence de Dada, dont le but entièrement négatif était de subvertir et de saper les valeurs d’un établissement bourgeois accusé du carnage de la Première Guerre mondiale, le Pop-art cherchait à refléter les valeurs sociales et l’environnement dont il était issu. Ainsi, ils se sont concentrés sur les préoccupations partagées par la plupart des consommateurs américains: nourriture , voitures et romance . Pour ce faire, on utilisait généralement des images impétueuses ou satiriques à fort impact visuel. Et s’ils étaient critiqués pour s’être préoccupés de tels sujets, ils pourraient simplement dire qu’ils étaient simplement (selon les termes de Shakespeare) "levant le miroir de la nature" ou, dans leur cas, "société moderne". Le Pop-art était au moins "l’expression" d’après-guerre d’un monde entièrement préoccupé par la poursuite du matérialisme.
Tendances postmodernistes
Le pop-art a débuté de manière picturale, principalement par sa nouvelle gamme de sujets populistes qui, espérait-il, traduirait une réalité plus pertinente et plus actuelle. Par la suite, il est devenu progressivement de plus en plus concerné, non pas par la description de la réalité (ou de la nature), mais par l’impact, le support et le style. Une telle tendance, qui conduit presque toujours à estomper la ligne de démarcation entre art et démonstration – entre beauté et divertissement – est la marque de fabrique de art postmoderniste. Pour cette raison, le Pop-art peut être considéré comme le premier mouvement à dépasser le modernisme pour art contemporain ère. En effet, les artistes pop des années 1960 ont ouvert la voie à Photoréalisme et plus tard Britart et d’autres styles contemporains similaires qui ont émergé dans les décennies qui ont suivi. Ils ont également ouvert la voie à la conception de bâtiments postmodernistes, qui ont réhumanisé Architecture américaine significativement.
Critiques contre le public et les collectionneurs
La critique a souvent dédaigné le pop-art de se focaliser sur son front bas. Par exemple, Harold Rosenberg, l’un des plus influents critiques d’art dans le domaine de l’art contemporain, il a été qualifié de "comme une blague sans humour, répété jusqu’à ce que cela commence à ressembler à une menace… Un art publicitaire qui se présente comme un art qui déteste la publicité". En réponse, on peut raisonnablement se demander: avec quoi l’art devrait-il s’intéresser, sinon avec la société dont il est issu? Après tout, même dans les années 1960, il suffisait de regarder la télévision, avec son flot incessant de publicités, ou de parcourir des rues recouvertes de panneaux publicitaires, ou de lire des magazines sur papier glacé contenant des clichés répétitifs de la musique et des vedettes de cinéma, pour apprécier le niveau intrinsèque bas. foyer de la vie moderne. Pourquoi l’art devrait-il être différent?
Plus important encore, le Pop-art était (et est toujours) l’un des styles d’art les plus populaires, qui ont réussi à toucher le grand public d’une manière que peu de mouvements de l’art moderne ont connue – ou ont connue depuis. Et collectionneurs d’art aime ça aussi. Par exemple, la peinture "False Start" (1959) de Jasper Johns s’est vendue en 2006 pour 80 millions de dollars: la neuvième œuvre d’art la plus chère de l’histoire. (Pour plus, voir Top 10 des peintures les plus chères). L’œuvre "Green Car Crash" (1963) (polymère synthétique, encre pour sérigraphie et acrylique sur toile de lin) de Andy Warhol vendue à Christie’s, New York, en 2007, pour 71, 7 millions de dollars, ce qui en fait la 14e œuvre d’art la plus chère jamais vendue. (Voir Top 20 des peintures les plus chères). Pas mal pour un travail d’art de bas-front.
Au cours de la récession de 2009, un acheteur inconnu aurait acheté la sérigraphie Eight Elvises (1964) d’Andy Warhol pour une somme de 100 millions de dollars lors d’une vente privée, ce qui en fait la cinquième œuvre d’art la plus chère jamais vendue.
Pop-artistes américains célèbres
Jim Dine – Robert Indiana – Jasper Johns – Alex Katz – Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg – Robert Rauschenberg – James Rosenquist – Edward Ruscha
Andy Warhol
Jim Dine (b.1935)
Jim Dine était un exposant de Neo-Dada et de Pop-art, spécialisé dans les collages, les "readymades" (ou "objets trouvés composés") et Événements. Il est apparu pour la première fois en 1959 avec son film Happenings, qu’il a organisé en collaboration avec Claes Oldenburg, Allan Kaprow et le compositeur et conceptualiste avant-gardiste John Cage. En 1962, avec Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Edward Ruscha et Wayne Thiebaud, il participe à l’importante exposition Pop-art de Pasadena. Au cours des années 1960, Dine réalisa une gamme d’œuvres d’art utilisant des objets et des images de la culture pop, faisant parfois appel au sensationnalisme dada, comme lors de son installation "Canticles to the Penis", que la police de Londres avait fermée pour indécence.
Robert Indiana (b.1928)
Né Robert Clark, il a commencé comme peintre abstrait et sculpteur sur bois avant de rejoindre le mouvement du pop art à New York en 1954. Des pochoirs abandonnés l’ont amené à explorer l’art des mots en mettant des lettres et des mots (par exemple, Love, Eat, Die) dans ses peintures qui étaient basées sur le décor de flippers. Il s’appelait le " peintre américain des signes ". Il est surtout connu pour son image graphique des années 1960, "Love", apparue pour la première fois sur des cartes de vœux et des timbres. Plus tard, il créa une version sculpturale, qu’il répliqua dans différents styles et langues, y compris une version en acier hébreu – en utilisant le mot "Ahava". En 2008, il a créé une nouvelle image en utilisant le mot "Hope", dont le produit a été reversé au fonds de campagne électorale de Barack Obama.
Jasper Johns (b.1930)
Avec Rauschenberg, Johns fut l’un des pionniers du pop-art dans les années cinquante. En 1949, quittant la Caroline du Sud pour se rendre à New York, il se fait d’abord connaître pour ses peintures représentant le drapeau américain (par exemple, "Flag", 1954-1955), ainsi que pour d’autres images graphiques classiques telles que des cibles et des nombres. Il a également été noté pour avoir inclus peinture encaustique et relief en plâtre dans son peintures à l’huile. Après avoir photographié ses drapeaux, il a commencé à incorporer de vrais objets dans ses peintures et s’est également mis à la sculpture (par exemple "Ale Cans", 1964). Son utilisation d’images et de matériaux issus de la culture pop lui a naturellement valu d’être qualifié d’artiste pop, mais ses déclarations artistiques (notamment une grande partie de la parodie, du paradoxe et des contradictions de Duchamp) ont également conduit à qualifier son travail de néo. -Dadaïste . Plus un artiste peintre classique que beaucoup d’autres jeunes praticiens de la Pop qui s’appuient sur des techniques de l’art commercial moderne, les œuvres intelligentes et novatrices de Johns ont suscité beaucoup d’éloges et de favoritisme. Il a ensuite exploré divers autres supports, notamment la sérigraphie et les impressions en taille-douce, et lithographies. En 1998, le Metropolitan Museum of Art de New York aurait déboursé 20 millions de dollars pour son oeuvre "White Flag", tandis qu’en 2006, son oeuvre "False Start" avait été achetée par des collectionneurs privés pour un montant réputé de 80 millions de dollars, ce qui en faisait le tableau le plus cher. par un artiste vivant.
Alex Katz (b.1927)
Un peintre figuratif unique, bien qu’il ait également travaillé dans gravure et la sculpture, Katz a été associé au Pop art en raison de sa réinterprétation des thèmes traditionnels dans un idiome pop. Il est connu pour sa refonte innovante des idées utilisées par les impressionnistes (notamment Edouard Manet, Claude Monet et Georges Seurat), telles que les effets de la lumière, et des scènes de chercheurs de loisirs bourgeois, exécutées à l’aide de techniques à base d’huile pinceau lâche. D’autre part, certaines de ses œuvres sont plutôt sombres, apparemment sans émotion ni sensibilité.
Roy Fox Lichtenstein (1923-97)
Artiste pop de premier plan au style immédiatement reconnaissable, ses œuvres ont transformé le graphisme de bande dessinée en une forme d’art international. Ayant débuté comme artiste abstrait dans les années 1950, un poste d’enseignant à l’Université Rutgers l’a mis en contact avec un collègue enseignant, Allan Kaprow, et a déclenché son engagement dans l’art de la culture pop. Il a commencé par peindre des versions à main levée de cadres de bandes dessinées , complétées par des bulles de texte (par exemple, "Look Mickey", 1961), puis a présenté un spectacle à guichets fermés à la galerie new-yorkaise de Leo Castelli en 1961. L’année suivante, ses œuvres paraissent dans les deux grandes expositions de 1962 à Pasadena et à New York. À la fin de 1963, Lichtenstein commença à attirer l’attention du monde entier. Les œuvres emblématiques de l’époque comprenaient: "Drowning Girl" (1963) et "Whaam!" (1963). En 1989, lors de la vente d’art contemporain à Christies à New York par Christies, le tableau de Lichtenstein "Torpedo… Los!" vendu 5, 5 millions de dollars – un record pour l’artiste.
Claes Oldenburg (b.1929)
Considéré comme le plus grand sculpteur de pop-art, il est réputé pour ses installations d’art public, qui proposent souvent des répliques monumentales d’objets du quotidien, notamment des burgers et des cornets de crème glacée . Actif à New York à partir de 1956, Oldenburg est entré en contact avec Allan Kaprow, Jim Dine et le sculpteur George Segal, et a commencé à s’intéresser aux Happenings et à d’autres formes de Performance et Installation d’art. Parmi les travaux notés, citons: "Dual Hamburger" (1962), ainsi que son rouge à lèvres géant érigé à l’Université de Yale en 1969. Sa principale contribution à Pop, semblable à celle de Rosenquist, consista à transformer des objets banals en art.
Robert Rauschenberg (1925-2008)
Basé en grande partie à New York, Rauschenberg – a considéré, avec son amant de longue date, Jasper Johns, comme l’un des dirigeants de Art néo-dada – une des premières tendances du Pop-art – a étudié au Black Mountain College en Caroline du Nord, en 1948, sous l’ancien artiste Bauhaus Josef Albers (célèbre pour sa série "Hommage à la place"). En 1951, il a eu sa première exposition personnelle à la galerie Betty Parsons et en 1954 a eu une deuxième exposition personnelle à la galerie Charles Egan. Souvent décrit comme un membre de Neo-Dada pour son affiliation avec les "readymades" de Marcel Duchamps, il est surtout connu pour ses " Combines de peinture " des années 1950, constituées de matériaux non traditionnels et d’objets présentés dans des combinaisons innovantes. A cette époque, Rauschenberg se spécialisa dans l’utilisation de matériaux "trouvés", tels que des déchets et autres détritus, qu’il ramassa dans les rues de New York. Cependant, de 1961 à 1962, il a commencé à inclure des images ainsi que des objets trouvés dans ses œuvres, généralement des photographies transférées sur la toile par sérigraphie. De cette manière, son travail peut être considéré comme contemporain à celui d’Andy Warhol. Rauschenberg a également travaillé dans la photographie d’art, la gravure, la fabrication du papier et la performance.
James Rosenquist (b.1933)
Peintre éminent de la pop, Rosenquist a étudié à la Minneapolis School of Art puis à l’Université du Minnesota. En 1955, âgé de 21 ans, il s’installe à New York pour étudier à la Art Students League, avant de travailler comme peintre de panneaux publicitaires. Utilisant ses techniques de peinture des signes acquises pour créer des peintures à grande échelle, il a juxtaposé ce qui semblait être de la publicité avec des images de magazines romantiques afin de produire un sentiment de discontinuité et d’irrationalité en tant que commentaire de la vie moderne. Une oeuvre notée à cette époque était son tableau grandeur nature "F-111" (1965). Comme Oldenbourg, Rosenquist a principalement contribué à la transformation du pop en objets d’art en leur donnant une taille et un poids monumentaux.
Edward Ruscha (né en 1937)
Un gars de l’Oklahoma devenu célèbre à LA en 1956, Ruscha s’est formé au Chouinard Art Institute (aujourd’hui l’Institut des Arts de Californie) jusqu’en 1960 (influencé par l’art de Marcel Duchamp et de Jasper Johns), avant de travailler comme maquettiste. pour l’agence de publicité Carson-Roberts à Los Angeles. En 1962, ses peintures figurent aux côtés d’œuvres de Roy Lichtenstein, d’Andy Warhol, de Robert Dowd, de Phillip Hefferton, de Joe Goode, de Jim Dine et de Wayne Thiebaud, lors de l’exposition novatrice du Pasadena Art Museum. Ses premières œuvres notées, qui reproduisent généralement parfaitement des panneaux publicitaires et des stations-service, comprennent: "Large Trademark with Eight Spotlights" (1961), et la peinture à l’huile "Standard Station, Amarillo, Texas." (1963), qui avait des échos de Hopper "Gas" (1940). À partir du milieu des années 1960, il est devenu connu pour ses Word Paintings (également connus sous le nom de Liquid Word Paintings).
Andy Warhol (1928-1987)
Considéré par beaucoup comme le grand prêtre du pop-art, Warhol a connu une carrière fructueuse en tant qu’illustrateur commercial avant de se faire connaître par sa peinture, ses sérigraphies, ses films d’avant-garde et son style de vie pop, intellectuels, artistes d’avant-garde et célébrités underground. Sa vision de l’impact de la télévision – un facteur crucial de l’identité et de la popularité du Pop-art – sur l’art et la vie est résumée avec justesse dans sa phrase célèbre: " N’importe qui peut être célèbre pendant 15 minutes ".
Dans les années 1960, il commence à produire des peintures de produits américains emblématiques, tels que les cannettes de soupe Campbell , les bouteilles de Coca-Cola et les billets d’un dollar , ainsi que des images de stars internationales telles que Marilyn Monroe, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor et Elvis Presley. Il a également établi son célèbre studio d’art new-yorkais, connu sous le nom de " The Factory ", où il a anticipé les méthodes de production de masse de Damien Hirst de plus de 30 ans.
Surtout, l’art de Warhol s’articule autour de l’iconographie rendue célèbre par la télévision, des clips de films d’information et de la publicité, tels que des nuages de champignons, des fauteuils électriques pénitentiaires, des accidents de voiture et des émeutes raciales. Ses images étaient donc immédiatement reconnaissables et suscitaient un appel de masse.
Partiellement occulté par des problèmes liés à sa renommée et à son style de vie, le statut de Warhol en tant qu’artiste novateur et remarquablement créatif est assuré, notamment pour sa transformation d’images banales en icônes de l’art mondial. En outre, il a été exceptionnellement prolifique, travaillant avec une grande variété de médias, y compris dessin, peinture, gravure, photographie et films.
Pop-artistes britanniques célèbres
Peter Blake – Patrick Caulfield – Richard Hamilton
David Hockney – Allen Jones – Eduardo Luigi Paolozzi
Peter Blake (b.1932)
Identifié pour la première fois en tant que membre du mouvement émergent du pop art britannique lorsqu’il a joué aux côtés de David Hockney, de RB Kitaj et d’autres à l’exposition "Young Contemporaries", en 1961, Blake a suscité une plus grande attention lorsqu’il a été présenté dans "Pop Goes the Easel". Film de 1962 de Ken Russell sur le Pop-art britannique. Cependant, il reste surtout connu pour avoir conçu la pochette de l’album " Lonely Hearts Club Band " du sergent Pepper .
Patrick Caulfield (1936-2006)
Caulfield s’entraîna à la Chelsea School of Art en 1956 et au Royal College of Art (1960-1963), où David Hockney et RB Kitaj figuraient parmi ses camarades. En 1964, ses œuvres sont présentées à l’exposition "New Generation" de la Whitechapel Gallery, à Londres, qui attire pour la première fois l’attention sur son implication dans la scène du pop-art britannique. Il s’est spécialisé dans les peintures qui utilisaient des sujets ordinaires, des lignes en creux et des couleurs tirées du vocabulaire de la publicité et des illustrations bon marché, afin de transmettre une intensité et un humour vivants. Souvent figuratifs, ses œuvres représentent de manière caractéristique quelques objets simples dans un intérieur, exécutés à l’aide de zones plates de couleur simple (ou d’une seule teinte) bordées de contours noirs.
Richard Hamilton (b.1922)
Cofondateur du groupe indépendant de l’Institute of Contemporary Arts de Londres, groupe de discussion d’artistes qui a engendré le Pop-Art en Grande-Bretagne, il est surtout connu pour son collage de 1956 intitulé " Ce qui fait que les maisons d’aujourd’hui sont si différentes, Si attrayant? "- Considéré à présent comme l’un des premiers exemples du pop-art britannique. Au milieu des années 1950, après plusieurs expositions personnelles, Hamilton commence à enseigner à Newcastle-Upon-Tyne, au cours duquel il poursuit un projet de recherche sur l’artiste contemporain français Marcel Duchamp, une figure très admirée par Hamilton, a reçu une subvention du Conseil des arts du Royaume-Uni au début des années 1960 pour organiser et préserver la collection de collages dadaïstes "Merzbau" de Kurt Schwitters, à Cumbria. Professeur et militant du CND, Hamilton a présidé une grande rétrospective britannique sur le travail de Duchamp à la Tate Gallery en 1966. En outre, ses contacts au sein de la scène musicale contemporaine ont conduit à une amitié avec Paul McCartney qui a abouti à la création de la art de l’affiche pour l’ album blanc des Beatles.
David Hockney (né en 1937)
Contributeur important au Pop art britannique des années 1960 et brillant dessinateur, David Hockney est l’un des artistes britanniques les plus remarquables du XXe siècle. Il a été représenté à la Young Contemporaries Exhibition (1961), qui a marqué l’apparition du Pop Art britannique – bien que son travail ne soit nullement confiné à ce style. En 1963, il s’est rendu à New York où il a rencontré Andy Warhol. Après cela, il s’est rendu à Los Angeles en Californie, État qui est devenu son domicile pendant de nombreuses années. Le voyage à Los Angeles l’a inspiré à créer une série de tableaux comportant des piscines, en utilisant le nouveau support des acryliques. Les images ont été exécutées dans un style plat mais très réaliste, utilisant des couleurs vives. Parmi les œuvres notables des années 1960, on peut citer "Peter Getting Out Of Nick’s Pool" (1966), lauréat du prix de peinture John Moores à la Walker Art Gallery de Liverpool l’année suivante; "Sunbather" (1966); et "A Bigger Splash" (1967), acheté en 2006 pour 2, 6 millions de livres sterling – un record pour un tableau de Hockney.
Allen Jones (né en 1937)
L’un des fondateurs du pop-art britannique, Jones utilise une imagerie figurative simple, associée à des couleurs vives et audacieuses. Il est surtout connu pour ses sculptures érotiques (par exemple, l’ensemble set Chair, Table and Hat Stand, 1969). Parmi les autres travaux notables, citons: "Wet Seal" (1966) et "Que voulez-vous dire, que veux-je dire?" Il est également graphiste et peintre à l’huile.
Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)
Fondateur du pop-art britannique, Paolozzi a étudié à l’Edinburgh College of Art (1943), à la St Martin’s School of Art (1944) et à la Slade School of Art (1944-1947), avant de travailler à Paris, en France (1947). -1949) où il rencontra et subit l’influence de nombreux artistes célèbres, dont le sculpteur suisse Alberto Giacometti, l’ancien dadaïste et surréaliste Jean Arp, le sculpteur roumain Constantin Brancusi et les cubistes Georges Braque et Fernand Léger. Son collage séminal " J’étais un homme riche " (1947) date de cette période parisienne. De retour à Londres, travaillant avec des sculptures, des constructions, des collages et des lithographies, dans un style en grande partie surréaliste, ses compositions incluent une grande variété d’objets et de matériaux. Il était l’un des principaux fondateurs du groupe indépendant en 1952, dont les discussions anticipaient en grande partie sur la prochaine école de pop art.
Liste d’œuvres Pop-Art
Voici une courte liste d’œuvres célèbres d’artistes pop.
Néo-pop
Au cours des années 1980, le Pop Art suscite un regain d’intérêt, un phénomène connu sous le nom de Neo-Pop (ou "Shock Pop-Art"). Ce n’était pas un nouveau mouvement artistique en tant que tel, mais plutôt une résurgence d’œuvres d’art basées sur la culture populaire – cette fois tirée des années 1980. Alors que le mouvement Pop Art original était totalement avant-gardiste, le Néo-Pop Art est plutôt une répétition. Ainsi, les artistes néo-pop continuent d’employer des "readymades" et des éléments préexistants dans leurs œuvres et comptent également beaucoup sur des icônes de célébrités comme Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton, etc. Ils s’inspirent également du minimalisme, de l’art conceptuel, du photoréalisme, de l’ installation / de la performance et plus. En réalité, la néo-pop n’est qu’une version plus extrême de Warhol, Oldenburg et Rauschenberg.
Le principal représentant de Neo-Pop est Jeff Koons (1955), à propos duquel le célèbre critique Robert Hughes a écrit: "Koons pense vraiment qu’il est Michel-Ange et n’hésite pas à le dire. L’important, c’est qu’il existe des collectionneurs, en particulier en Amérique, qui y croit. Il a l’assurance gluante, la prétention grossière à propos de la transcendance à travers l’art, d’un baptiste séché sur le feu vendant des hectares de marais en Floride. Et le résultat est que vous ne pouvez pas imaginer la culture singulièrement dépravée de l’Amérique sans lui. " Des échos aux critiques adressées à Andy Warhol et Damien Hirst? (En 2005, Koons a été élu membre de l’Académie américaine des arts et des sciences.)
D’ autres exposants leader comprennent Katharina Fritsch, Daniel Edwards et Yasumasa Morimura. Parmi les œuvres emblématiques de Neo-Pop, toutes deux de Jeff Koons, figurent "Michael Jackson and Bubbles" (1988) – vendu en 1991 à 5, 6 millions de dollars – et "Puppy" (1992). Voir également: Meilleurs artistes contemporains 2014.
Artistes néo-pop célèbres
Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Yngvar Larsen, Allan McCollum, Komar et Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Stein, Gavin Turc.
Liste d’œuvres d’art néo-pop
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