Fraternité préraphaélite:
histoire, philosophie des préraphaélites 
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Style important et influent de l’art victorien, le préraphaélisme est né d’un nouveau tempérament dans la peinture anglaise, reflétant les grands changements moraux et matériels de l’époque qui ont marqué le milieu du 19e siècle. Auparavant, la plupart des artistes les plus importants du siècle avaient grandi dans l’atmosphère de la peinture et de la composition académiques du XVIIIe siècle, et leur travail était le résultat de l’impulsion que William Hogarth (1697-1764), Joshua Reynolds (1723-1792), Thomas Gainsborough (1727-1788) et les dessinateurs topographiques avaient donnée à la peinture anglaise. Même Turner (1775-1851) et Constable (1776-1837), malgré leurs innovations en matière de perspectives et de techniques, étaient plus proches de l’esprit de Wilson et de Gainsborough que leurs successeurs victoriens.
Nous avons rassemblé ici des albums de peintures des membres les plus colorés de la confrérie préraphaélite :
Galerie d’images - Préraphaélites
Le mouvement préraphaélite
Mais au milieu du siècle, une nouvelle génération d’artistes - les précurseurs de l’art moderne - et, tout aussi important, un nouveau public dont les goûts et les perspectives étaient façonnés par les nouvelles tendances, avaient grandi. La réaction contre les tendances dominantes du XVIIIe siècle avait déjà produit le mouvement romantique dans la littérature, un renouveau religieux attesté par les mouvements évangéliques et de la haute Église, et un intérêt renouvelé pour l’art du Moyen Âge, tandis que la révolution industrielle avait eu des conséquences sociales de grande portée. (L’activité des Nazaréens, dirigés par Friedrich Overbeck, a exercé une influence supplémentaire sur les préraphaélites).
Tous ces facteurs ont façonné le caractère de la peinture du milieu et de la fin de l’époque victorienne, auxquels il faut ajouter l’invention de la photographie et l’influence personnelle de John Ruskin, dont le premier volume «de Modern Painters» a été publié en 1843, ces deux derniers ayant une influence de plus en plus forte au fur et à mesure que le siècle avançait.
L’influence de ces stimuli sur les différents esprits varie naturellement beaucoup, mais on peut dire que leur principal résultat a été la formation d’un moral général qui, dans le cas des hommes de moindre importance, a dégénéré en sentimentalité, en penchant pour les sujets romantiques et en un réalisme quelque peu littéral dans la représentation.
La méthode d’approche qui a ainsi façonné l’artiste victorien était la suivante. Il choisissait dans ses lectures ou dans son imagination un sujet sublime, pathétique ou romantique, et le réalisait sur la toile avec une précision photographique aussi grande que le lui permettait son habileté. De cette manière, le sujet du tableau devenait primordial et le tableau en tant que tel était d’une importance secondaire. Il devenait une chose non pas à regarder, mais à travers laquelle regarder, une fenêtre derrière laquelle se présentait un tableau vivant avec une morale.
Il ne faut cependant pas croire que toute la peinture typiquement victorienne était esthétiquement insignifiante, ou qu’une telle approche est nécessairement incompatible avec le bon art, comme on le pense trop souvent aujourd’hui, alors que c’est peut-être le vice inverse de l’abstraction à outrance qui prévaut. L’artiste victorien était sans doute toujours en danger de perdre sa position de créateur en ce qui concerne la forme et la couleur, mais il a survécu s’il avait le pouvoir créatif naturel et l’instinct de l’artiste.
Le nouveau tempérament s’est manifesté sous sa forme la plus belle et la plus sensible dans l’œuvre de la Fraternité préraphaélite, un groupe de jeunes artistes idéalistes qui se sont regroupés en 1847 pour s’opposer à ce qu’ils considéraient comme des tendances dégénérées dans l’art de leur époque. La confrérie comprenait William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, F. G. Stevens, W. M. Rossetti, Thomas Woolner et J. Collinson. Les trois chefs de file, Hunt, Millais et Rossetti, sont d’une grande importance artistique. Voir aussi : Artistes romantiques .
Holman Hunt : chef de file de la Fraternité préraphaélite
William Holman Hunt (1827-1910) semble, malgré des témoignages contradictoires, avoir été le véritable fondateur du mouvement. Élevé dans l’environnement d’un foyer victorien typique de la classe moyenne, il s’imprègne des principes moraux et religieux forts de l’époque et est par nature un homme au caractère indépendant et à la volonté inflexible. Son père, un homme d’affaires, souhaitait qu’il poursuive une carrière dans les affaires, et ce n’est qu’en surmontant d’innombrables difficultés que Holman a pu choisir la profession d’artiste. En 1846, après deux échecs, il devient étudiant à la Royal Academy School, où il rencontre Millais, déjà brillant élève, et plus tard Rossetti.
L’attitude des préraphaélites à l’égard des styles académiques
A cette époque, Hunt a déjà acquis une indépendance de vue rare pour un étudiant, aidée par ses difficultés et ses luttes antérieures, et il commence à remettre en question la vénération aveugle «pour les vieux maîtres» qui a été inculquée aux étudiants de l’Académie. Il critique, d’une part, les tenants «du grand style» qui tentent de copier Raphaël et Michel-Ange selon les recettes des éclectiques bolonais transmises par Reynolds, et, d’autre part, la faible trivialité de l’école d’artistes plus populaires. Il remarque, comme Constable l’avait fait avant lui, le contraste entre le vert frais de la nature et le ton brun dominant des vieux maîtres admirés. Sur le plan technique, il reconnaît l’absurdité d’un système qui encourage la hardiesse de manœuvre chez les jeunes élèves.
La philosophie artistique des préraphaélites
Les moyens qu’il propose se résument ainsi : le choix d’objets dignes et ennoblissants, une stricte confiance en la nature dans leur traitement, une délicatesse précise et détaillée dans la manipulation. C’est en fait la somme des principes préraphaélites dont on parle tant, et ils y parviennent non pas en étudiant les primitifs italiens, mais simplement par le bon sens et un jugement indépendant. Millais adhéra bientôt aux vues de Hunt et, dit-on, en regardant un portfolio de gravures de Lacinio tirées des fresques du Campo Santo de Pise, ils reconnurent dans le travail de ces premiers artistes un esprit de sincérité naïve et une confiance dans la nature au lieu des règles auxquelles ils aspiraient eux-mêmes. C’est ce qui les a conduits à adopter le nom «de préraphaélites», que leurs camarades étudiants leur appliquaient avec mépris, et qui avait déjà été adopté par un groupe d’artistes allemands à Rome qui imitaient la manière des premiers peintres. Rossetti, troisième chef de file du mouvement, propose la création d’une fraternité et d’un mouvement organisé pour diffuser ses idées.
Les premières expositions des préraphaélites
Les premières peintures préraphaélites, «Lorenzo et Isabella» de Millais, «Rienzi» de Hunt, et «Maidenhood of the Virgin» de Rossetti, furent exposées en 1848, les œuvres de Millais et de Hunt à l’Academy, celles de Rossetti à la Free Exhibition de Hyde Park Corner. Elles étaient toutes signées des initiales P.R.B. après le nom de l’artiste et, sans attirer l’attention, eurent bonne presse. L’année suivante, la signification de ces initiales, P.R.B., est divulguée à la presse, et les peintures des jeunes artistes sont accueillies par un flot d’insultes cinglantes, tout à fait incompréhensibles de nos jours. John Ruskin, qui ne semble pas avoir remarqué leurs peintures en 1848, prend alors leur défense et répond à la critique inutile de leur travail dans deux longues lettres au «Times», dans lesquelles il développe leurs idées plutôt vagues de sincérité et de confiance en la nature en un système de principes dont ils ne sont pas responsables.
Les peintures des préraphaélites
A l’époque où le groupe venait de se constituer, les tableaux des préraphaélites devaient se distinguer sur les murs de l’Académie par l’intensité de leurs couleurs vives et pures et par la finesse des détails de leur dessin. Il n’y avait pas de coups de pinceau forts ou d’ombres légères, et les pigments étaient appliqués avec une précision miniaturisée. Les actions des personnages présentent une certaine maladresse, due au désir des artistes d’éviter les élégances traditionnelles de la pose et de s’appuyer entièrement sur les gestes naturels que nous venons d’observer. Dans la mesure où les peintures présentent une quelconque ressemblance avec les œuvres des artistes précédents, il s’agit de primitifs flamands plutôt qu’italiens, bien qu’il n’y ait pas eu d’imitation délibérée. Les artistes n’avaient probablement que peu ou pas de connaissances de l’art flamand ancien lorsqu’ils ont peint leurs premiers tableaux.
En 1851, Rossetti et Hunt voyagent en France et en Flandre et sont impressionnés par les œuvres de Memling et de Jan Van Eyck, mais les principales caractéristiques de leur travail sont déjà apparues en 1848. Sur un point très important, leurs œuvres très détaillées diffèrent de celles des anciens maîtres flamands, bien que cette différence ne soit pas facile à exprimer. Ils ont réussi, du moins dans leurs œuvres les plus réussies, à conférer aux petits détails une intensité curieuse et une signification figurative qui n’a rien à voir avec le sens littéraire ou symbolique qu’ils peuvent avoir. Chaque partie de l’image, aussi insignifiante soit-elle, est perçue et transmise de manière émotionnelle, et non simplement copiée avec une patience assidue. C’est la qualité la plus importante des préraphaélites, qui donne à leurs œuvres une curieuse distinction et les élève au-dessus du niveau d’une simple reproduction photographique d’une scène réelle ou imaginaire.
Bien que Hunt soit le précurseur des idéaux préraphaélites, il semble plus probable que Rossetti soit le principal responsable de cette qualité particulière. Il était moins habile techniquement que Hunt ou Millais, mais son esprit était déjà mûr au moment de la formation de la confrérie, et ; plusieurs de ses poèmes les plus connus avaient déjà été écrits. La puissance brûlante de son imagination était contagieuse, et pendant les années de leur collaboration, Hunt et Millais saisirent quelque chose de la fascination romantique de Rossetti que l’on ne retrouve pas dans leurs œuvres ultérieures, après que le lien étroit qui les unissait se soit rompu.
Dans les quelques années qui suivirent la fraternité, Hunt produisit la plupart de ses meilleures œuvres, notamment «Deux gentilshommes de Vérone» (Birmingham Art Gallery), «Missionnaire chrétien se réfugiant chez les druides» (Oxford, Ashmolean Gallery), «Le berger engagé» (Manchester Art Gallery). Ce dernier est peut-être son principal chef-d’œuvre, mais toutes ses œuvres sont caractérisées par la même sincérité de l’objectif moral et la même minutie consciencieuse de la technique.
Contrairement à la plupart de ses associés, il s’en tint strictement, tout au long de sa longue vie, à la méthode préraphaélite, mais avec une perte permanente de l’intensité de l’imagination. En 1855, le désir de peindre des scènes bibliques dans leur environnement réel l’amène à visiter la Palestine et l’Égypte, voyage qu’il renouvelle quelques années plus tard. Ces peintures religieuses sont remarquables par leurs couleurs vives et la patience indomptable avec laquelle les détails locaux ont été recueillis et enregistrés, mais son imagination n’était pas à la hauteur de sa richesse matérielle, et elles ne s’élèvent pas au niveau du grand art religieux .
Des œuvres telles que «Le Christ au Temple» et «Le Bouc émissaire», sont des curiosités plutôt que des œuvres d’art, et «Le Triomphe des Innocents», qui tente une interprétation plus figurative, échoue en raison de son traitement prosaïquement littéral du matériel figuratif. Le tableau le plus important de la fin de sa vie, «Lady Shalott», est une répétition à l’huile et à plus grande échelle d’une petite gravure sur bois de 1856 pour l’édition Tennyson Moxon. La tentative de répéter l’esprit de cette charmante œuvre de jeunesse n’a été que partiellement réussie, et sa réputation ne survit qu’à travers les peintures de sa vie de jeunesse.
Note : de nombreuses peintures préraphaélites peuvent également être trouvées dans la plupart des catalogues d’art de l’affiche.
John Millais (Milles)
John Everett Millais (1829-1896), ne possédant ni le sérieux intense des intentions de Hunt ni l’ardeur de l’imagination de Rossetti, fut un interprète plus brillant que l’un ou l’autre, et dans plusieurs tableaux peints au début des années cinquante, il donna la plus grande satisfaction aux idéaux préraphaélites.
«Lorenzo et Isabella» de 1848 (peint alors qu’il n’avait que 18 ans), est une œuvre remarquable, pleine de caractère dans la tête et très finement exécutée, mais elle présente des défauts de timidité et de maladresse qui disparaîtront dans ses peintures préraphaélites ultérieures. Son habileté technique en tant que peintre lui a permis de produire une grande quantité d’œuvres malgré le développement de la méthode préraphaélite, et la légèreté de sa main était telle qu’il est rare de trouver des traces d’un travail acharné qui aurait pu gâcher l’effet de ses tableaux. «Ferdinand et Ariel», «Marianne dans le manoir miné», «Le retour de la colombe à l’arche», «L’évasion de l’hérétique», «L’atelier du charpentier», et «La jeune fille aveugle» sont quelques-uns des tableaux de la période préraphaélite qui témoignent de son extraordinaire habileté technique.
«L’atelier du charpentier» est peut-être la meilleure peinture religieuse de cette période, où de tels sujets étaient souvent, mais rarement, peints avec une telle perspicacité imaginative et une telle puissance créative qu’ils passaient du statut d’illustrations à celui d’œuvres d’art à part entière. Elle est peinte avec une naïveté immédiate et une fraîcheur de vision inoubliables, et l’immobilité des personnages combinée à la réalisation précise de la scène dans son ensemble produit un effet de crainte véritablement religieux. «La jeune fille aveugle» peut bénéficier de la même faveur. Le sujet est traité de manière objective et son pathos lui permet de parler de lui-même sans être intrusif. Aucun des tableaux n’est dramatisé, mais dans chacun d’eux, le sujet le plus simple est doté d’une signification étrangement touchante par des moyens purement légitimes.
Au début des années soixante, Millais abandonne progressivement la méthode préraphaélite au profit d’une interprétation plus large, qui doit probablement quelque chose à Vélasquez, mais il n’atteint jamais la simplicité de vision et la justice des valeurs. Dans son œuvre tardive, il n’est plus qu’un représentant de l’école populaire victorienne des peintres anecdotiques, même si, jusqu’à la fin de sa vie, il fait preuve de la grande habileté qui l’avait caractérisé dans son enfance.
Les peintures «Northwest Passage», «Speak, Speak», «Bubbles» (dont la célèbre affiche a été reproduite) et «Ripe Cherry» sont typiques de son travail ultérieur. Il a également peint des portraits et des paysages, qui étaient de simples transcriptions de la nature, admirables en tant que telles, mais qui ne se distinguaient pas par beaucoup d’imagination ou de conception. Élève très brillant de la Royal Academy dans sa jeunesse, il mourut en 1896 en tant que président de cette institution, mais, lorsque ses honneurs académiques seront oubliés, sa mémoire sera probablement préservée par les peintures de sa prime jeunesse.
Dante Gabriel Rossetti
Gabriel Charles Dante Rossetti (1828-1882) fut le plus inventif de tous les préraphaélites - sa vie colorée et son œuvre inégalée seront examinées séparément, voir Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) : Dante Gabriel Rossetti .
Autres membres de la Fraternité
Les frères préraphaélites restants ont produit peu d’œuvres d’intérêt artistique, mais de nombreux artistes en dehors de la fraternité ont adopté leur manière, et en effet peu de leurs contemporains en Angleterre n’ont pas été complètement affectés par leur vision. Leurs couleurs vives et leurs tons élevés sont devenus courants dans la peinture anglaise de la fin du XIXe siècle, et la précision de leur dessin et de leur traitement des tableaux a eu une influence bénéfique sur d’autres artistes.
L’influence directe de ce mouvement se divise en deux courants distincts, l’un provenant de l’œuvre de Hunt et Millais et l’autre de celle de Rossetti. Le premier a favorisé un naturalisme frais et non sophistiqué ; le second a conduit à l’émergence d’une école d’artistes dont les objectifs étaient plus décoratifs que naturalistes. Naturellement, les jeunes artistes de l’époque succombèrent le plus facilement aux charmes des préraphaélites, mais certains artistes plus âgés furent également influencés par eux, parmi lesquels Ford Madox Brown, William Dyce et J. F. Lewis.
Ford Madox Brown
Parmi eux, Ford Madox Brown (1821-1893) fut le plus étroitement associé à la fraternité. Il a fait ses études sur le continent et ses premières œuvres ne ressemblent pas du tout à celles des préraphaélites - elles reflètent les diverses modes continentales de l’époque. En 1845, il rencontre les préraphaélites allemands Cornelius et Overbeck, dont les œuvres l’influencent considérablement pendant un certain temps. À cette époque, il cherche, comme les préraphaélites, une nouvelle voie et évolue progressivement dans la même direction qu’eux, comme en témoigne le portrait qu’il appelle «Le Holbein moderne».
Par l’intermédiaire de Rossetti, qui devint brièvement son élève, il a pu avoir une certaine influence sur les préraphaélites anglais, mais il ne fut pas, comme on le dit parfois, un véritable participant à ce mouvement ; et ce n’est qu’en 1852 qu’il adopta pleinement leurs méthodes en «Dernière Angleterre» (Birmingham Picture Gallery). Ce tableau et le «Travail» qui se trouve actuellement à la Manchester Picture Gallery sont de conception entièrement naturaliste et possèdent toutes les caractéristiques des préraphaélites. Les deux tableaux sont des merveilles d’exécution patiente et sont pleins de sens littéraire, mais ils sont encombrés de nombreux incidents introduits pour rendre ce sens clair.
Beaucoup plus beau «Le Christ lavant les pieds de Pierre» (National Gallery). La composition est serrée et rythmée, la richesse des couleurs rayonnantes rivalise avec celle de Rossetti, et l’ensemble du sujet est conçu avec une véritable pénétration poétique. Il s’agit à tous égards d’un chef-d’œuvre. Dans quelques autres œuvres, il a tenté de recréer la scène réelle de manière absolument fidèle, mais la plupart de ses œuvres ultérieures reflètent la fantaisie romantique de Rossetti.
Vers la fin de sa vie, son sens naturel de la forme s’est émoussé, son dessin s’est relâché et il a perdu la clarté de son trait. La commande de décoration murale de l’hôtel de ville de Manchester lui est parvenue trop tard pour qu’il puisse l’honorer pleinement, et les séries de tableaux qu’il a produites, bien qu’intéressantes dans leur conception, n’ont pas les qualités artistiques de ses œuvres antérieures, telles que sa caricature pour décoration murale «Finding Harold’s Body».
Dans ses meilleures années, il était l’un des artistes les plus distingués de l’ère victorienne et mérite certainement plus de reconnaissance qu’il n’en a reçu de son vivant.
William Dyce
William Dyce (1806-1864), un homme beaucoup plus âgé que les jeunes préraphaélites, a néanmoins montré une étroite affinité avec eux dans ses dernières œuvres. Comme Ford Madox Brown, il fut d’abord influencé par les préraphaélites allemands qui, s’ils n’étaient pas de grands artistes, appréciaient au moins les mérites de l’art italien du XVe siècle de la Renaissance à une époque où seuls les maîtres des XVIe et XVIIe siècles étaient généralement admirés.
Dyce s’inspirait du travail de ces maîtres, son dessin était précis et fin, sa couleur claire, fraîche et posée en douceur, mais ce n’est que plus tard dans sa vie que les détails méticuleux caractéristiques des préraphaélites anglais sont apparus dans son œuvre. Cette phase de son travail est bien représentée par la délicieuse et plutôt fantaisiste peinture «Pegwell Bay» (National Gallery), peinte en 1858, est un paysage très élaboré avec des personnages.
John Frederick Lewis
John Frederick Lewis (1805-1876) peut être classé parmi les préraphaélites en raison des couleurs brillantes et des détails de ses peintures à l’huile, mais son atmosphère émotionnelle est tout à fait différente. Il a développé son style de manière tout à fait indépendante et s’est efforcé d’obtenir encore plus de détails que les préraphaélites.
Ses peintures, représentant principalement la vie en Espagne et en Égypte, ne sont pas remarquables pour leur conception spéciale ou leur talent de dessinateur, mais en tant que documents d’une précision quasi photographique, elles sont d’un intérêt considérable, et leurs couleurs vives et ensoleillées leur confèrent un certain attrait esthétique.
Les tableaux «Siesta» (National Gallery) et «Lilium Auratum», tous deux magnifiques en couleur, le présentent sous son meilleur jour en tant que peintre à l’huile. Il a également beaucoup peint à l’aquarelle, dans une technique de couleurs chair finement exécutée qui rappelle le travail des miniaturistes médiévaux, mais qui leur est tout à fait différente dans l’esprit - il s’agit d’illustrations pour un livre de voyage. En tant que telles, elles sont admirables.
Autres artistes préraphaélites
De nombreux jeunes artistes ont adopté les méthodes des préraphaélites, mais nous n’en citerons que quelques-uns. Walter Howell Deverell (1827-1854), un ami de Rossetti, a peint quelques tableaux remarquables avant de mourir prématurément de consomption. Elles sont individuelles, tant dans la conception que dans la technique. Son travail était moins détaillé et ses couleurs plus denses que celles des autres peintres préraphaélites, mais il est mort trop tôt pour que sa personnalité ait eu le temps de se développer pleinement.
Lord Frederick Leighton (1830-1896), bien que ses sujets soient plus classiques que traditionnels, est l’un des artistes les plus populaires associés à l’idiome préraphaélite. Il incarne également le credo «du mouvement de l’art pour l’art» de l’esthétisme anglais du XIXe siècle. Un autre peintre, plus romantique, d’œuvres historiques et littéraires à la manière générale des préraphaélites est John William Waterhouse (1849-1917), dont la «Lady of Shalott» (1888, collection Tate) est l’une des peintures anglaises les plus populaires du dix-neuvième siècle.
Charles Allston Collins (1828-1873), Arthur Hughes (1832-1915), W. L. Windus (1823-1907), le peintre irlandais William Barton (1816-1900) et Frederick Sandys (1832-1904) ont tous produit des œuvres intéressantes dans la manière préraphaélite. «April Love» d’Arthur Hughes est l’une des peintures les plus réussies de l’école, délicieusement colorée et très délicate dans son exécution. Dans sa représentation des détails du feuillage, il n’est pas inférieur à Millais et, en termes d’imagination, il dépasse même le niveau général de son travail. Hughes a produit d’autres œuvres délicates et charmantes, mais la plupart d’entre elles n’atteignent pas ce niveau. Frederick Sandys était un dessinateur et un concepteur particulièrement fort et énergique qui était à son meilleur dans l’illustration de livres . Ses peintures à l’huile sur des sujets romantiques étaient trop souvent rigides et métalliques dans l’exécution et pas très agréables dans la couleur.
Malgré les difficultés évidentes et presque insurmontables, quelques artistes ont appliqué les méthodes préraphaélites au paysage pur . C’est le cas de John William Inchbold (1830-1888) et de George Boyce (1826-1896), aquarelliste non dépourvu d’un charme particulier, et de John Brett (1830-1902), peintre de marines. Brett se tourna très tôt vers le préraphaélisme et peignit un paysage presque pur sur le fond complexe de «Stonecutter». Ce tableau fut suivi par «Val d’Aoste», une merveille de patience, et ses peintures de mer panoramiques ultérieures doivent certainement leur finition élevée et leurs couleurs vives aux préraphaélites.
D’autres adeptes du naturalisme préraphaélite dans certaines de leurs peintures furent Sir Noel Paton (1821-1901), Sir William Fettes Douglas (1822-1891), James Archer (1823-1904), W. Bell Scott (1811-1890), Thomas Seddon (1821-1856), R. B. Martineau (1826-1869), G. D. Leslie (1835-1921), G. A. Storey (1834-1919) et Byam Shaw (1872-1919).
Sir Edward Burne-Jones (1833-1898) est de loin le plus important des artistes dont le travail s’inspire de l’œuvre de Rossetti plutôt que du préraphaélisme au sens strict. Il était étroitement associé au designer William Morris, qui, bien qu’il ait peint peu de tableaux, a exercé une grande influence sur l’art anglais par ses œuvres décoratives, ses écrits et ses conférences.
Burne-Jones
Edward Burne-Jones (1833-1898), fils d’un petit encadreur de Birmingham, se destine d’abord aux travaux d’église et ne commence à peindre qu’à l’âge de vingt-trois ans. Alors qu’il est encore étudiant à Oxford, il s’enthousiasme pour l’art avec William Morris après avoir vu des peintures préraphaélites. Tous deux abandonnent leur carrière initiale et Burne-Jones commence à peindre sous la direction de Rossetti. Il n’avait aucune expérience, mais sur les conseils de Rossetti, il commença immédiatement à produire des œuvres originales. Dans ces circonstances, c’était probablement la voie la plus sage, mais certaines lacunes dans son travail, en particulier sa mauvaise compréhension des formes solides, sont attribuables à son manque de formation minutieuse, et ces lacunes ont persisté jusqu’à la fin de sa vie.
Dans ses premières œuvres, Burne-Jones s’identifie le plus possible à Rossetti, tant dans le sujet que dans le traitement. Mais même dans les premières aquarelles comme «Clara Van Bork» et «Sidonia Van Bork», une personnalité distincte peut être discernée sous le déguisement rossettien. Cette période ne dura pas longtemps et, à mesure que sa propre personnalité se développait, l’influence de Rossetti fut supplantée par celle de certains artistes italiens, notamment Botticelli, Michel-Ange et Mantegna . Son don le plus remarquable est celui des motifs linéaires abstraits, un don qui permettra à ses œuvres de survivre plus longtemps que celles de certains autres. À cet égard, le fait que Burne-Jones soit d’origine celtique est suggestif, puisque c’est de l’art celtique qu’est issue la tradition médiévale anglaise des motifs linéaires.
Par nature, Burne-Jones était apte à réaliser des travaux décoratifs à grande échelle, mais il n’a pas eu en Angleterre les opportunités qu’il aurait eues s’il avait été français. Plusieurs projets de décoration murale pour des maisons privées et une série de mosaïques pour une église protestante américaine à Rome constituent l’essentiel de son œuvre décorative, à l’exception des vitraux.
Son nom est aujourd’hui principalement associé aux fenêtres réalisées par la firme «Morris and Co», créée par son ami William Morris pour réaliser des travaux décoratifs de toutes sortes selon les principes du Arts and Crafts Movement (v. 1862-1914). Certaines des caricatures qu’il réalise pour eux comptent parmi ses meilleures œuvres, comme la «Crucifixion», créée pour l’église St Philip, à Birmingham, et aujourd’hui conservée au Victoria and Albert Museum, mais elles sont presque toujours décevantes dans le verre. L’échec de Morris dans le domaine du verre est surprenant compte tenu de son génie dans la plupart des métiers artistiques qu’il pratiquait et de son admiration passionnée pour le verre du Moyen Âge.
Les adeptes des préraphaélites
Plusieurs autres artistes se sont inspirés de l’œuvre de Rossetti et de Burne-Jones, parmi lesquels Walter Crane (1845-1915), Simeon Solomon (1840-1905) et Spencer Stanhope (1829-1908). Aucun d’entre eux n’était préraphaélite au sens premier du terme utilisé par Hunt et Millais. Leurs objectifs étaient avant tout décoratifs plutôt que naturalistes, et les œuvres de Rossetti sont le seul lien entre eux et le mouvement d’origine. Dans un autre sens, ils peuvent à juste titre être appelés préraphaélites, car la plupart d’entre eux montrent l’inspiration d’artistes qui ont vécu avant Raphaël.
Le préraphaélisme a été le mouvement artistique le plus important de l’ère victorienne en Angleterre. Alors que, en tant que mouvement, il était passé de mode depuis quelques années, son influence sur l’art anglais n’était pas encore épuisée. Il a suscité un regain d’intérêt pour l’artisanat décoratif , qui a contribué à la création de sociétés telles que l’Arts and Crafts Society et l’Art Workers Guild, et a élevé le niveau des arts décoratifs dans toute l’Angleterre. Cela a permis d’enrayer le déclin rapide de la peinture anglaise observé au début du dix-neuvième siècle, et l’inspiration des préraphaélites se retrouve encore dans le travail de nombreux artistes anglais de l’école moderne, ainsi que dans des éléments dérivés de sources étrangères.
Sur l’influence de l’art romantique sur la peinture en Allemagne, voir : Art allemand, XIXe siècle . Burne-Jones en particulier, malgré l’élégance langoureuse de ses figures, aujourd’hui si peu à la mode, fut, en insistant sur les éléments abstraits dans la peinture, un précurseur de l’art moderne.
LES PLUS GRANDS ARTISTES DU MONDE
Pour les biographies et les œuvres des plus grands artistes contemporains, voir : Artistes célèbres .
LES MEILLEURES IMAGES MODERNES
Pour une liste de grandes œuvres, voir : Les plus grands tableaux modernes .
COULEURS ET TEINTES
Pour des détails sur les pigments de couleur utilisés par les artistes préraphaélites dans les peintures à l’huile et les aquarelles, voir : Palette de couleurs du XIXe siècle .
LE PLUS GRAND ART DU MONDE
Liste des 10 meilleurs peintres et sculpteurs : Les meilleurs peintres de tous les temps . Une liste des 300 meilleures peintures à l’huile et aquarelles se trouve à Les plus grandes peintures de tous les temps . Une liste des 100 meilleures sculptures se trouve dans Les plus grandes sculptures de tous les temps .
LA SIGNIFICATION DE L’ART
Pour une discussion sur les types, les valeurs et la signification des arts visuels, voir : Définition de l’art .
EVOLUTION DES ARTS VISUELS
Pour en savoir plus sur les tendances et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art .
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