L’art de la réforme protestante: caractéristiques, histoire Automatique traduire

La Réforme protestante était une révolte contre les abus et autres formes de corruption perpétrés par la papauté et l’Église de Rome. L’étincelle qui a déclenché la révolte a été la décision du pape Léon X de lancer une campagne en Allemagne pour vendre des «indulgences» (en fait des permis permettant aux pécheurs d’acheter leur entrée au paradis) afin de financer la construction d’une nouvelle basilique Saint-Pierre à Rome.

La Réforme a débuté le 31 octobre 1517 lorsque le moine augustin allemand Martin Luther (1483-1546) a cloué son manifeste en 95 points sur la porte de l’église de Tous les Saints à Wittenberg, en Allemagne, et a conduit à la division de la chrétienté entre catholiques romains et protestants.

Le protestantisme (composé de quatre courants principaux : le luthéranisme, le calvinisme, l’anglicanisme et l’anabaptisme) a pris racine en Europe du Nord dans les pays associés à la Renaissance nordique, tels que l’Allemagne du Nord et de l’Ouest, la Suisse, la Hollande, la Grande-Bretagne et la Scandinavie. Cela a conduit à l’émergence d’un nouveau type d’art chrétien, qui célébrait le programme religieux protestant et se distinguait radicalement de l’art de la Haute Renaissance de l’Italie, de l’Espagne, de Naples et d’autres parties de l’Europe du Sud, qui restaient catholiques. La forme et le contenu de l’art protestant - en particulier la peinture - reflètent le christianisme plus simple, sans fioritures et plus personnel du mouvement de la Réforme. Par conséquent, les organisations ecclésiastiques protestantes ne commandaient plus d’œuvres d’art biblique de grande envergure. Et bien que les collectionneurs protestants aient continué à commander des peintures religieuses à des artistes privés, notamment Rembrandt (1606-1669), la quantité globale d’art religieux produite dans les pays protestants a été considérablement réduite.

La chute du mécénat ecclésiastique a contraint de nombreux anciens maîtres à se tourner vers des formes d’art profanes, telles que la peinture historique, les portraits, la peinture de genre et les natures mortes. Bien que l’art ouvertement religieux ait été interdit ou désapprouvé par la Réforme - comme en témoigne l’iconoclaste «beeldenstorm» de 1556 - il existait une demande croissante pour de petites œuvres contenant un message chrétien ou une leçon de morale. En Hollande, à l’époque du baroque néerlandais, les artistes ont répondu à cette demande en créant un type de nature morte appelé «Vanitas», ainsi que des scènes de genre qui prônaient la piété et un mode de vie dévot.

La différence entre l’art protestant et l’art catholique a été soulignée par le Concile de Trente (1545-63), qui a initié la Contre-Réforme catholique et, ce faisant, a produit un nouvel ensemble de normes esthétiques pour un style plus strict de peinture et de sculpture. Luther, le chef de file de la Réforme, a été excommunié par le pape en 1520, mais a reçu la protection et l’asile de Frédéric le Sage (1463-1525), électeur de Saxe.

Les caractéristiques de l’art protestant de la Réforme

Les principales caractéristiques de l’art de la Réforme sont issues de la théologie protestante, qui met l’accent sur la relation individuelle entre le fidèle et Dieu. Cet accent se reflète dans le nombre de personnes ordinaires et de scènes de la vie quotidienne qui sont représentées dans l’art protestant. En outre, le protestantisme enseignait que le salut n’appartenait qu’à Dieu : il ne pouvait résulter d’une intervention terrestre du Vatican ou de toute autre autorité ecclésiastique. L’art protestant reflétait correctement cet enseignement.

En outre, les théologiens et les artistes protestants ont minimisé ou ignoré un certain nombre de mystères importants «de la foi», notamment l’Immaculée Conception, l’Annonciation de la Vierge Marie, la Transfiguration du Christ, pour n’en citer que trois. La transsubstantiation (la transformation du pain et du vin en corps et en sang du Christ lors de la communion) était un autre point de désaccord entre Luther et Rome. Le catholicisme romain croyait en une interprétation stricte de cette doctrine et avait donc tendance à utiliser des scènes de crucifixion pour ses retables, tandis que les églises protestantes - du moins celles qui autorisaient la peinture de figures - insistaient sur la signification symbolique de l’eucharistie et privilégiaient donc les scènes de la dernière Cène .

En général, en ce qui concerne les autres thèmes bibliques, l’art protestant tend à éviter les images grandioses de Jésus ou de la Vierge Marie, les grandes scènes de la Bible (par exemple, la Passion du Christ), les images de saints et surtout les images de papes et d’autres ecclésiastiques de haut rang. L’art protestant s’est plutôt concentré sur des représentations modestes de scènes bibliques et des représentations moralisatrices de la vie quotidienne contemporaine.

Voir aussi les peintures architecturales d’Emanuel de Witte (1615-1692) et de Pieter Jans Saenredam (1597-1665), connues pour leurs intérieurs d’église blanchis à la chaux.

En clair, les protestants ont supprimé l’art public de leurs églises et de leurs espaces urbains, préférant défendre leur foi par de petites et modestes images bibliques dans une variété de formats d’impression, y compris des bibles illustrées.

Dans le même temps, les sociétés protestantes ont adopté un style sobre d’art, qui mettait en avant le besoin de piété personnelle ainsi que le respect de la beauté sans fioritures des créations de Dieu, y compris des êtres humains créés à son image. En revanche, la Contre-Réforme catholique a pleinement soutenu l’art ecclésiastique inspirant ou éducatif - comme les célèbres fresques et autres places à Rome - et a continué à défendre sa propre marque «d’art sacré», qui illustrait des questions importantes du dogme catholique ou glorifiait les traditions catholiques, en particulier la liturgie, les sacrements et les saints.

Histoire de l’art de la Réforme protestante

Bien que les réactions des ecclésiastiques, des paroissiens et des dirigeants laïques varient considérablement d’un pays à l’autre et d’une région à l’autre, la Réforme protestante a généralement déclenché une vague de destruction iconoclaste des images chrétiennes. Plusieurs chefs protestants, notamment Jean Calvin et Huldrych Zwingli, ont ordonné que les églises soient dépouillées de leurs peintures et de leurs statues. Si une peinture (telle qu’une fresque) ne pouvait être enlevée, elle était blanchie à la chaux ; si une sculpture faisait partie du tissu architectural d’un bâtiment (une colonne , une statue ou une sculpture en relief), elle était défigurée ou brisée, tout comme d’innombrables exemples de magnifiques vitraux . Les autels secondaires ont été démantelés ou physiquement enlevés. Tous les reliquaires (réceptacles de reliques), les ustensiles d’autel en or et les kivories (réceptacles d’objets utilisés dans l’Eucharistie) ont été fondus, et des peintures, des sculptures, des ustensiles d’église et d’autres objets ont été brûlés dans de grands bûchers, y compris des triptyques, des tableaux et des sculptures : triptyques et plus grands polyptyques, autres panneaux, la plupart des exemples de sculptures sur bois, y compris les statues, les chœurs et confessionnaux sculptés, les missels et autres manuscrits enluminés, et les vêtements sacerdotaux. Cet iconoclasme s’est intensifié au cours de ce que l’on appelle «la deuxième Réforme» vers 1560-1619.

Les cas de destruction d’églises étaient relativement rares. Pour les priver de leur identité «catholique», il suffisait d’enlever les décorations «catholiques» et d’installer une chaire à un endroit bien visible. Les nouvelles églises ont été conçues davantage comme des auditoriums, avec plus d’emphase sur la chaire et moins sur l’autel.

L’ornementation est généralement réduite au minimum, bien que certains architectes, comme Christopher Wren (1632-1723), soient plus ecclésiastiques que d’autres. Paradoxalement, l’élimination de l’architecture «catholique» et son remplacement par des projets protestants moins imposants ont peut-être contribué à la diffusion de l’architecture néoclassique païenne deux siècles plus tard.

Les dirigeants politiques des pays protestants se sont montrés très favorables à la Réforme, notamment parce qu’elle leur permettait de mettre la main sur les terres et les richesses de l’Église catholique romaine et de ses ordres monastiques. Ainsi, le démantèlement de la châsse de saint Thomas Becket dans la cathédrale de Canterbury a mis au jour 24 charrettes de trésors, dont de nombreux bijoux médiévaux, qui ont été rapidement fondus pour alimenter les coffres d’Henri VIII. La Réforme a également donné aux dirigeants laïques un contrôle beaucoup plus important sur la nomination des évêques et des autres membres du clergé.

Après des bouleversements considérables, les catholiques et les protestants se sont réconciliés en 1555 grâce à la paix religieuse d’Augsbourg, qui accordait aux protestants la liberté de culte. Cependant, ce compromis ne s’étend pas aux arts, et la peinture et la sculpture ainsi que l’architecture continuent d’être utilisées comme propagande par les deux églises belligérantes.

L’art protestant du XVIe siècle

Tant la Renaissance allemande que la Renaissance hollandaise touchaient à leur fin au moment où la Réforme prenait de l’ampleur. En Allemagne, la plupart des grands artistes, comme Martin Schongauer (vers 1440-91), Matthias Grünewald (1470-1528), Albrecht Dürer (1471-1528), Albrecht Altdorfer (1480-1538), Hans Baldung Grin (1484-1545) et d’autres, sont soit morts, soit en pleine vieillesse. Il en va de même pour la Hollande, dont le plus grand maître, Hieronymus Bosch (1450-1516), vient de mourir, et pour la peinture flamande du XVIe siècle, dont les vedettes sont Quentin Massis (1465-1530), Jan Provost (1465-1529), Jan Gossaert (1478-1532), Joachim Patenier (1480-1525) et Jos van Cleuwe (1490-1540).

Hans Holbein le Jeune

Hans Holbein le Jeune (1497-1543) naît à Augsbourg, en Allemagne, où il étudie auprès de son père Holbein l’Ancien, et est actif dans la Bâle luthérienne, mais surtout à Londres, où il peint Henri VIII et Thomas Cromwell, occupé à instaurer la Réforme anglaise et à organiser la dissolution des monastères. Parmi ses chefs-d’œuvre, citons Portrait d’Érasme (1523, National Gallery, Londres) ; Portrait de Sir Thomas More (1527, Frick Collection) ; Portrait d’une dame avec un écureuil et un étourneau (1528, National Gallery, Londres) ; Marchand Georg Gisse (1532, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin) ; Portrait de Thomas Cromwell (1532-4, National Portrait Gallery, Londres) ; Ambassadeurs (1533, National Gallery, Londres) ; et Portrait d’Henri VIII (1536, Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid).

Pieter Bruegel l’Ancien

Seul le grand peintre flamand Pieter Bruegel l’Ancien (vers 1525-1569) a eu le temps de marquer de son empreinte la peinture protestante des Pays-Bas, en produisant une série de magnifiques tableaux de genre (dont des scènes de taverne) et en transmettant son savoir-faire à des apprentis comme Frans Snyders (1579-1657).

Les meilleures œuvres de genre de Bruegel comprennent Proverbes hollandais (1559, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin) ; Chasseurs dans la neige (1565, Kunsthistorisches Museum, Vienne) ; et Noces paysannes (1568, KM, Vienne). Ses meilleures œuvres religieuses - toutes peintes sur fond de paysages ou de situations ordinaires - comprennent La Tour de Babel (1563, KM, Vienne) ; Le Massacre des Innocents (1565-67, KM, Vienne) ; et La Parabole de l’aveugle (1568, Museo Capodimonte, Naples).

La Flandre était en fait un pays catholique (en grande partie) dominé par un petit nombre de centres commerciaux riches (mais en déclin), dont Anvers, Bruges, Gand et Ypres. Au milieu du XVIe siècle, un avocat protestant a fui Anvers pour l’Allemagne afin d’échapper aux persécutions religieuses. En Allemagne, il eut un fils qui, de retour à Anvers, devint le plus grand représentant de l’art catholique de l’époque de la Contre-Réforme - il s’appelait Pierre Paul Rubens (1577-1640).

L’art protestant du XVIIe siècle

L’art baroque néerlandais du XVIIe siècle illustre les nouvelles formes de la peinture protestante. Il a illustré les sujets bibliques dans le contexte quotidien et terre-à-terre exigé par les autorités protestantes ; il a produit plusieurs des meilleurs peintres de genre du XVIIe siècle, dont les œuvres donnaient des instructions morales claires sur la façon de vivre pieusement, et plusieurs des meilleurs peintres de natures mortes que nous ayons jamais vus.

La peinture biblique protestante

L’œuvre de Rembrandt (1606-1669), dont les peintures religieuses mettent toujours l’accent sur les personnalités humaines plutôt que sur des questions doctrinales grandioses, en est un exemple. Parmi les exemples, citons Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654, Louvre, Paris) ; La Fiancée juive (c. 1665-8, Rijksmuseum, Amsterdam) ; et Le retour du fils prodigue (1666-69, Ermitage).

Peinture de genre protestante

Peinture de genre réaliste hollandaise - essentiellement de petites peintures à l’huile représentant des scènes quotidiennes avec un message chrétien ou moral implicite - à laquelle ont participé certains des plus grands maîtres anciens hollandais. Parmi les artistes qui ont peint des scènes d’auberge, citons Adrian Brouwer (1605-1638), Adrian van Ostade (1610-1685) et Jan Sten (1626-1679) ; Parmi les artistes qui ont représenté des scènes domestiques, citons Gerrit van Honthorst (1592-1656), David Teniers le Jeune (1610-1690), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667) et Pieter de Hoch (1629-1683). Par exemple, les peintures moralisatrices : «Concert» (1625, Galleria Borghese, Rome) de Gerrit van Honthorst, «Un couple flirtant dans la rue» (vers 1650, Stedelijk, Rome) de Gerrit van Honthorst. 1650, Stedelijk Museum, Leiden) par Jan Wall et «Une mère laçant son corsage au berceau» (1662, SMPK, Berlin) par Pieter de Hoch.

Le plus grand peintre de genre est cependant le peintre de Delft Jan Vermeer (1632-1675), dont les chefs-d’œuvre sont les suivants : Petite rue (1657-58, Rijksmuseum, Amsterdam) ; Laitière (1658-60, Rijksmuseum) ; Femme tenant une balance (1662-63, National Gallery, Washington) ; Jeune femme tenant une cruche (1662, Metropolitan Museum of Art, New York) ; Femme au collier de perles (1663, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin) ; et Dentellière (1669-70, Louvre, Paris).

Nature morte protestante

Les natures mortes protestantes étaient principalement des peintures symboliques contenant un récit religieux caché. Un exemple particulier est Nature morte «Vanitas» - un passage de l’Ecclésiaste 12:8 «Vanité des vanités, dit le prédicateur, tout est vanité» - qui contient généralement des images symboliques (y compris des crânes, des bougies éteintes, des sabliers avec du sable versé, des horloges, des papillons, etc.

Parmi les artistes qui se sont spécialisés dans la peinture de natures mortes, on peut citer : Frans Snyders (1579-1657), connu pour ses natures mortes représentant du gibier mort et de la viande, remplies d’allusions religieuses et d’instructions morales ; Harmen van Steenwyk (1612-1656), un peintre de vanités de premier plan ; Willem Claes Heda (1594-1681), un partisan de la monochromie banketje ; Pieter Claes (1597-1660), spécialiste des ontbijtjes (natures mortes avec petit déjeuner) ; Jan Davids de Heem (1606-1683) et Willem Kalf (1619-1693), spécialisés dans les natures mortes décoratives ; Samuel Van Hoogstraten (1627-1678), dont la spécialité était les intérieurs avec une perspective linéaire profonde ; et Rachel Ruysch (1664-1750), peut-être la plus grande femme fleuriste.

Parmi les plus grandes natures mortes protestantes, citons : «Vanité de la vie humaine» (1645) de Harmen Stenwick ; «Nature morte avec Vanitas» (1645) de Peter Claes ; «Déjeuner de crabe» (1648, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) de Willem Claes Heda ; Nature morte à la cruche en porcelaine de Chine (1662, SMPK, Berlin) par Willem Kalf ; Chaussons (1654) par Samuel Hogstraten ; Nature morte décorative sur fond d’architecture (dessert) (1640, Louvre, Paris) par Jan Davids de Heem.

L’art de la Réforme protestante peut être admiré dans certains des plus beaux musées d’art du monde.