Art Rococo Automatique traduire

Situé en France et né en réaction à la grandeur baroque de la cour royale de Louis XIV au château de Versailles, le style rococo dans la peinture française a été associé en particulier à Madame de Pompadour, maîtresse du nouveau roi Louis XV, et aux demeures parisiennes de l’aristocratie française. Il s’agit d’un style d’art fantaisiste et décoratif élaboré, dont le nom dérive du mot français « rocaille», qui signifie «rocaille» - maçonnerie en forme de coquillages.

Dans le monde rococo, tous les arts, y compris la peinture, l’architecture, la sculpture, la décoration intérieure, le mobilier, les tissus, la porcelaine et les autres «objets d’art» sont subordonnés à l’idéal d’une beauté élégante.

L’art rococo est illustré par les œuvres d’artistes célèbres, tels que Jean-Antoine Watteau (1684-1721), en particulier ses « fêtes galantes» - fêtes de cour en plein air ; Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) avec ses peintures d’amour et de séduction ; François Boucher (1703-1770) avec ses peintures somptueuses d’autosatisfaction luxueuse ; le Vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770), connu pour ses fresques fantastiquement décoratives de la Résidence de Würzburg (1750-3) ; et la sculpture de Claude Michel Clodion (1738-1814), sculpteur de l’Arc de Triomphe à Paris, surtout connu pour ses sculptures en terre cuite de nymphes et de satyres. En Grande-Bretagne, la peinture rococo atteint son apogée dans les portraits féminins de Thomas Gainsborough (1727-1788). Le rococo a été remplacé par l’art néoclassique, qui est devenu le style visuel caractéristique de Napoléon en France et de la Révolution américaine.

Origines

Le rococo est l’enfant frivole et rebelle du noble et majestueux baroque . Le parent est né en Italie, l’enfant en France. Le baroque (barocco, perle brute) est apparu au début du XVIIe siècle et s’est rapidement répandu dans toute l’Europe. Au départ, il s’agissait principalement d’un style sculptural et architectural, dont le plus grand représentant et génie était Gianlorenzo Bernini (1598-1680), qui, comme Michel-Ange avant lui, était d’abord sculpteur mais qui, après avoir servi plusieurs papes dans la reconstruction de Rome, s’est tourné vers la peinture, les décors de théâtre et l’architecture. Son « Extase de sainte Thérèse» et la petite église de San Andrea al Quirinale à Rome illustrent les tendances qui ont conduit au style rococo : l’utilisation brillante de la lumière et de l’ombre sur des matériaux coûteux et élaborés tels que les marbres colorés et le bronze.

Le XVIIe siècle a été un siècle de grandeur, de fort sentiment religieux, exprimé de manière claire et convaincante sous des formes visuelles vivantes dans les peintures du Caravage et de Cortona, les sculptures du Bernin et l’architecture de Francesco Borromini (1599-1667). Ses manifestations les plus importantes sont italiennes, et c’est bien le chant du cygne de l’Italie en tant que puissance créatrice, car dès la mort du pape Urbain VIII, mécène du Bernin, une nouvelle étoile brille : la France, qui poursuivra son ascension fulgurante tout au long du siècle et dominera l’Europe de la mode et de l’art au cours du siècle suivant. Voir aussi : Artistes rococo .

Le style rococo en France - traits caractéristiques

En 1651, le jeune Louis XIV atteint sa majorité et, dans les années 1660, toute dissension en France a été complètement étouffée, de sorte que Louis peut se consacrer à la construction et à la décoration de son château de Versailles . C’est là que le style baroque italien fut adopté et modifié par le tout puissant artiste, designer et décorateur de Louis, Charles Lebrun, afin de glorifier non pas les saints de l’Église catholique mais le roi de France : « Le Roi Soleil».

Le règne absolu de Louis impliquait non seulement une preuve visuelle de sa suprématie, mais aussi une étiquette de cour élaborée, aussi stricte et peu naturelle que les jardins aménagés par Le Nôtre autour du palais. Cette formalité extrême se retrouve dans des appartements tels que la célèbre galerie des Glaces et l’escalier coloré des ambassadeurs, et c’est dans ce contexte que naît le rococo ; la France démontre qu’elle est déjà l’arbitre du goût et qu’elle a soif de nouveauté.

L’architecture, l’aménagement intérieur et la décoration rococo française

Le rococo est à juste titre associé au XVIIIe siècle en France, mais dès les dernières années du siècle précédent, on trouve des signes du nouveau style, comme dans l’œuvre de l’architecte de la cour Jules-Arduin Mansart (1646-1708) au Trianon de Versailles et à Marly, une autre résidence royale. Dans ces deux bâtiments, Mansart abandonne l’usage soporifique du marbre et du bronze pour se tourner vers les boiseries et les couleurs plus pâles. L’ampleur du Trianon témoigne d’un désir d’évasion du palais grandiose, sentiment qui a suscité un certain nombre d’œuvres très significatives au XVIIIe siècle. (Notez également l’influence de l’ancienne École de Fontainebleau (1530-1610) sur le développement du style rococo, en particulier ses moulures ludiques et autres motifs de type rococo).

Louis XIV semble avoir encouragé cette réaction de toutes les manières possibles, comme en témoigne sa célèbre instruction à Mansart concernant la décoration de la chambre de la très jeune duchesse de Bourgogne au château de la Ménagerie : «Vous devez répandre partout le sentiment de la jeunesse». C’était en 1699, et le roi avait encore seize ans à vivre, des années qui allaient déterminer le cours de l’art et de la décoration pour au moins la génération suivante, non seulement en France mais aussi au-delà, en Sicile et en Autriche.

Si le rococo est avant tout une création française, de nombreux facteurs plus lointains ont influencé et contribué au style, comme les œuvres graphiques d’artistes italiens du XVIIe siècle tels que Stefano Delia Bella, qui a séjourné longtemps à Paris. Dans ses œuvres, des lignes minces et vaporeuses encadrent des formes dont l’intention est souvent purement décorative, comme c’est le cas dans une grande partie de l’art rococo.

De nombreux livres gravés des dernières décennies du XVIIe siècle montrent le style rococo à ses débuts. La sculpture torsadée et serrée, si caractéristique de la Renaissance flamande et allemande, et même de l’école de Fontainebleau, a été libérée, la rendant moins stricte et symétrique, et des éléments fantastiques inconnus dans les originaux ont été introduits. On le voit en France dans le mobilier d’André-Charles Boulle et à Venise dans le mobilier d’Andrea Brustolon, où les formes courbes et complexes du baroque ont commencé à être modifiées vers le début du siècle.

L’une des premières apparitions du nouveau style dans un cadre très important est la chambre à coucher de Louis XIV à Versailles. Elle fut remodelée vers 1701 dans des couleurs principalement blanches et dorées, en s’appuyant entièrement sur les contrastes clairs de fins pilastres sculptés avec de riches zones de sculpture dorée et, au-dessus des cheminées, de grands miroirs aux sommets arrondis.

Les grandes surfaces de miroirs vénitiens étaient déjà des éléments décoratifs importants dans la création de la Galerie des Glaces, ainsi que dans la Salle des Miroirs du Grand Trianon : on les identifie souvent, à tort, uniquement à l’émergence du style rococo, dans lequel ils joueront d’ailleurs un rôle important. Cependant, l’aménagement de la chambre de Louis montre encore une forte préférence pour les ordres classiques, avec un décor de pilastres dans la tradition typiquement académique du XVIIe siècle.

L’un des problèmes que pose toute étude de la décoration rococo est qu’il est impossible de déterminer exactement la part qui revient à une petite armée de dessinateurs dont les figures de proue, comme Mansart, sont restées dans les coulisses, et la part qui revient aux grands architectes eux-mêmes. Ainsi, si un bâtiment ou un intérieur est présenté comme l’œuvre de Mansart ou de Cotte, les détails novateurs qu’il contient peuvent tout aussi bien avoir été créés «par un dessinateur fantôme» doté d’un certain sens de l’imagination et de l’originalité que l’architecte royal a fait passer pour le sien.

Ces dessinateurs connaissaient vraisemblablement les livres de motifs décoratifs - empruntés à la Renaissance - illustrant les célèbres grotesques de Raphaël à la Villa Madama et à la loggia du Vatican. Les grotesques, dérivés des reliefs moulés et des peintures des tombes romaines (ou grottes, d’où «grotesque»), ont joué un rôle important dans la décoration française dès les années 1650 et sont apparus plus tard dans certaines des décorations de Lebrun, par exemple dans la Galerie d’Apollon au Louvre. Il s’agit de formes végétales et de rinceaux courbes, souvent issus d’une urne ou d’un pot, qui s’enroulent vers le haut en un motif régulier peuplé de singes, d’insectes et d’autres créatures ludiques qui ajoutent une légère touche asymétrique. La légèreté de ce type de décor a été prise en compte par Pierre Lepotre lorsqu’il a décoré les chambres royales de Marly en 1699.

Les intérieurs de Lepotre à Marly ne nous sont malheureusement connus que par des dessins. Ils montrent qu’il abandonne les lourds cadres rectangulaires autour des portes et des miroirs pour les remplacer par des décors miniatures courbes intégrés dans les angles des moulures, elles-mêmes plus fines et plus élégantes que jamais. Au lieu du traditionnel plafond peint et doré, Lepotre se contente de souligner le grand espace de plâtre blanc par une fine rosace dorée au centre, technique qui sera imitée tant sur les plafonds que sur les lambris pendant toute la période rococo.

Le style rococo s’est surtout développé pendant la période de la régence du duc d’Orléans (1715-23), dont le siège de la ville était le palais royal. La liberté y règne et le ton de la société rococo est donné : la société exige constamment de la nouveauté, de l’esprit et de l’élégance - précisément les qualités du style rococo. La société ouvre ses portes à des personnes que Louis XIV n’aurait jamais acceptées : les nouveaux riches et les intellectuels de plus en plus importants. Pendant la Régence, une grande partie de l’aristocratie, qui avait été confinée à Versailles sous le règne de Louis XIV, revint à Paris et commanda de nouveaux hôtels particuliers, comme ceux de la place Vendôme, où le style de transition est encore clairement visible.

Leurs intérieurs ne nécessitaient pas les peintures de plafond élaborées du siècle précédent, et une nouvelle école d’artistes est apparue, qui s’est spécialisée dans les trumeaux (au-dessus des portes) aux courbes douces et les petits panneaux peints qui constituent une grande partie de la production (par exemple) François Boucher (1703-1770). De cette période jusqu’à la Révolution, il y avait également un flux constant de malfaiteurs qui exécutaient les sculptures souvent élaborées sur des boiseries, des cadres de panneaux décorés.

Vers 1720, le style transitoire commence à céder la place au style rococo proprement dit. Le terme «rococo», est probablement dérivé du français «rocaille», qui désignait à l’origine un type de décoration sculpturale dans l’art des jardins. Les principaux créateurs du style rococo, Gilles-Marie Oppenordt, Nicolas Pinault, et Juste-Aurel Meissonier, en étaient certainement conscients. Les grotesques du XVIIe siècle évoluent en arabesques sous la direction de Claude Audran, le maître de Watteau, plein d’une imagination et d’une sophistication nouvelles.

De grands progrès sont réalisés dans la décoration intérieure et la peinture, alors que l’extérieur ne change guère, si ce n’est que la lourdeur du style Louis XIV est remplacée par un léger raffinement, et qu’au lieu de s’appuyer sur des ordres classiques, des architectes tels que Jean Baptiste, le maître de Watteau, s’inspirent de l’art de la peinture, des architectes comme Jean Courtonne et Germain Beauffrand ont créé des bâtiments dont l’effet principal réside dans la finesse du travail de la pierre et la disposition habile de sculptures délicates sur un fond rustique complexe. A Paris, les deux meilleurs exemples sont le célèbre Hôtel de Matignon de 1722-23 et l’Hôtel de Torsi de 1714.

La décoration intérieure de la Régence montre une progression constante vers un raffinement extrême, comme en témoignent le Palais Royal et l’Hôtel d’Assy, culminant dans des salles triomphalement raffinées comme le Salon ovale de l’Hôtel de Soubise à Paris (1738-39) par Boffrand, dont l’influence sur l’architecture rococo allemande a été considérable.

On observe également une tendance à remplacer l’immense série d’appartements très formels de l’époque de Louis XIV par des pièces plus petites et plus intimes, comme celles des Petits Appartements de Versailles, où la forme suit plus étroitement la fonction. Malheureusement, comme beaucoup des plus belles pièces rococo, elles ont disparu sans laisser de traces. Outre Paris, une grande partie de l’architecture et de la décoration rococo a été créée à Nancy, où vivait le roi déchu de Pologne.

Pour d’autres mouvements importants dans l’art et le design similaires au rococo, voir Mouvements artistiques et écoles (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

La peinture rococo française

Paradoxalement, le style rococo a été proclamé en peinture bien plus tôt que dans les autres arts par le peintre flamand Jean-Antoine Watteau (1684-1721). Il s’installe à Paris vers 1702 et commence à travailler comme peintre de scènes de théâtre avant d’étudier auprès du gardien du palais du Luxembourg, Claude Audran, un artiste qui peint dans le style décoratif du baroque tardif.

C’est la série de tableaux de Rubens «La vie de Marie de Médicis» au palais du Luxembourg qui fait la plus grande impression sur Watteau et influence à travers lui le cours de la peinture rococo française. Il les étudie aux côtés des grands peintres vénitiens et, selon Michael Levy, bien qu’il «n’ait pas eu de carrière publique, pas de grandes commandes de l’église ou de la couronne ; il a rarement exécuté de grands tableaux : il ne s’est pas intéressé à la peinture de sujets historiques», il est devenu le plus grand peintre français de la première moitié du siècle.

Les tableaux de Watteau - voir : Pèlerinage à Cythère (1717) Louvre, Paris ; Charlottenburg, Berlin - avec leur combinaison de la couleur de Rubens et de son propre érotisme subtil, étaient toujours plus qu’un peu mélancoliques. La qualité lyrique de ses tableaux, avec son soupçon d’amoralité subtile, correspondait exactement à ce que la société française recherchait pendant les années de la Régence : Watteau n’a pas seulement satisfait le goût, il l’a créé. Pour en savoir plus sur la nudité dans la peinture rococo, voir : La nudité féminine dans l’histoire de l’art .

Deux autres peintres majeurs de la période rococo française, François Boucher (1703-1770) (également connu comme le directeur de la Manufacture de tapisseries Tapisserie) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), représentaient tous deux un style très différent de celui de Watteau, et sont souvent considérés comme ayant vulgarisé ce que Watteau avait perfectionné. Alors que Watteau obtenait une aura globale de détachement aristocratique, Boucher et Fragonard produisaient un effet plus intime et plus évident.

Il est important de noter que la carrière de Boucher a commencé en tant que graveur des tableaux de Watteau, et qu’à partir de là, sa carrière a été traditionnellement couronnée de succès. Prix de Rome, il travaille en Italie de 1727 à 1731. En 1734, il devint académicien et, avec l’aide de son amie et maîtresse de Louis XV, Madame de Pompadour, il devint l’artiste le plus recherché en France pour toutes sortes de peintures, mais surtout pour ses peintures mythologiques très vivantes sur des sujets classiques. Dans ces tableaux, souvent exécutés dans une veine érotique quelque peu ouverte, Boucher, comme Watteau, trouve une forte dette envers Rubens et l’art vénitien, en particulier envers Paolo Veronese, son meilleur prédécesseur dans la peinture de mythologies brillamment vêtues et présentées. Boucher devint directeur de l’Académie en 1765 et apporta généralement une contribution très importante au mouvement rococo avec ses nombreux tableaux et dessins pour des tapisseries et autres décorations.

L’irréalité de la plupart de ses dernières formes rappelle l’indignation de Sir Joshua Reynolds lorsqu’il découvrit que Boucher avait abandonné les modèles. Comparés au monde irréel de Watteau, les décors de Boucher sont encore moins réels, et le contraste avec Thomas Gainsborough, qui créait ses paysages à partir de morceaux de miroirs, de brindilles et de mousse, est encore plus extrême. Des arbres miniatures entourent des bâtiments rustiques qui semblent faits de sucre glace, et l’eau semble être en verre. Il n’y a pas vraiment d’ombre ni de lumière, peut-être pour ne pas trop contraster avec le décor de boiserie rococo, pâle et superficiel, dans lequel il s’inscrit.

S’il y eut un certain nombre de grands artistes individuels, il y eut aussi des familles de peintres qui suivirent une tradition stylistique presque immuable. Il s’agit notamment des Coypel, qui ont exécuté le plafond de la chapelle de Versailles, des Van Loos et des De Troys, qui ont tous peint des tableaux invariablement amusants pour les classes supérieures et pour les classes moyennes montantes, qui apparaissent pour la première fois comme des mécènes importants à l’époque rococo et expliquent dans une certaine mesure l’augmentation de la demande de portraits. Les portraits de Natier, Drouet, Roslin et, bien sûr, de Boucher lui-même, dont le portrait de Madame de Pompadour est l’un des plus beaux portraits de femme du siècle, offrent une représentation admirable du raffinement de la société. Voir aussi les portraits rococo d’Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), portraitiste de la cour de la reine Marie-Antoinette.

À côté du portrait, de nombreux autres domaines spécialisés de la peinture voient le jour, comme la nature morte, où Jean Baptiste Oudry (1686-1755) et François Deportes (1661-1743) font figure de pionniers.

Dans ces «petits» domaines, un homme se distingue : Jean Chardin (1699-1779). Ses sujets de genre et ses natures mortes, admirablement simples et profondément sincères, ont une qualité qui, à première vue, est plus proche du réalisme hollandais - avec la précision et la sensibilité françaises en plus - que du style rococo dominant. D’une minuscule représentation d’un vase de Delft avec quelques fleurs, ou d’une simple esquisse à deux figures, peut naître un chef-d’œuvre. C’est leur délicatesse et leur subtilité qui les rattachent au rococo. Un autre peintre de genre rococo remarquable est le «moraliste» Jean-Baptiste Grèze (1725-1805).

Le mobilier et les arts décoratifs rococo français

La même délicatesse caractérise le mobilier français et une grande partie de l’art décoratif français de cette période. Entre 1715 et 1770 environ , les créateurs français ont produit des meubles qui restent inégalés pour la beauté des lignes et des détails, la finesse des finitions et le coût des matériaux savamment utilisés. C’est aussi à cette époque qu’apparaissent la plupart des meubles que nous connaissons aujourd’hui : le bureau plat, le secrétaire (de différents types, notamment à façade abaissée et cylindrique) et le canapé sous de multiples formes (canapés, lits de repos).

Les lourds objets de la fin du XVIIe siècle, incrustés de laiton et d’écaille à la manière de Boulle, ont été remplacés par des objets plus petits et plus légers à partir de la Régence, ce qui coïncide avec la réduction de la taille des pièces et le déclin de la formalité. La commode était surélevée par rapport au sol sur de gracieux pieds incurvés, et les façades du buffet étaient recouvertes d’un élégant bronze doré, qui courait souvent le long de la pièce entière et dans lequel on retrouve bon nombre des meilleures décorations rococo.

Cet artisanat rococo faisait un excellent usage de bois incrustés de toutes sortes, souvent importés d’Orient, ce qui contribuait à la fois au coût élevé de la pièce et à la fascination pour l’exotisme qui imprégnait la société française et conduisait à l’utilisation (souvent tout à fait inappropriée) de termes tels que «à la polonaise», «à la grecque» et «à la chinoise». Dans l’ameublement, la principale manifestation de cet intérêt pour l’Orient était l’utilisation de laques importées ou d’imitations, et de nombreux bons exemples de laques orientales ont beaucoup souffert du processus de dissection et d’altération.

L’étalage du luxe dans les objets rococo ne se limitait certainement pas au mobilier, et l’apparence austère de nombreux ensembles rococo d’aujourd’hui est trompeuse. La frivolité et les garnitures - froufrous, rubans, baldaquins élaborés sur les lits, les portes et les fenêtres, festons de franges, élastiques et colifichets - souvent associées uniquement aux Victoriens, ajoutaient un air de luxe et de confort, une qualité peu connue dans les intérieurs français du XVIIe siècle.

Malgré, ou peut-être même à cause de l’extrême rigueur du système des guildes, le mobilier français a atteint une telle excellence au XVIIIe siècle qu’il était recherché dans toute l’Europe. Les règles des guildes encourageaient la spécialisation et incitaient les fils d’artisans à poursuivre l’activité de leurs pères grâce à la perspective d’un avantage économique. Il en résulta une excellence professionnelle exceptionnelle et l’émergence de véritables dynasties de menuisiers et d’ébénistes qui se transmettaient les secrets de leur métier de père en fils.

Ainsi, le menuisier ne s’occupait que de la création de la forme du meuble ; l’ébéniste créait les couches complexes de marqueterie et de décoration de surface, tandis qu’un autre artisan était chargé de monter le bronze doré sur le socle préparé ; aucune des deux corporations n’était autorisée à envahir le territoire de l’autre. Comme dans les autres arts, de grands noms apparaissent dans tous les domaines : Foliot, Lelarge, Sene, Cressent, et de plus en plus d’Allemands : Oeben, Riesener, Weisweiler . Ils occupaient des positions influentes et une œuvre signée de l’un de ces maîtres était aussi recherchée qu’un tableau de Boucher ou de Fragonard.

Le rococo est un style dominé par la féminité, qui se manifeste dans le mobilier par ses courbes souples et souvent sensuelles, son aspect fragile et même dans sa terminologie : duchesse et sultane. Les fleurs ornent une grande partie des boiseries murales et des meubles de l’époque, et de nombreuses boiseries rococo contiennent des guirlandes élaborées en trompe-l’œil et des gerbes de fleurs habitées par de minuscules oiseaux et animaux, descendants directs du grotesque.

La petite taille de nombreux meubles, en particulier ceux destinés à l’écriture, exclut presque leur utilisation par les hommes, bien que, paradoxalement, l’une des plus belles créations de l’époque, le bureau de Louis XV lui-même, réalisé par Eben et Riesener entre 1760 et 1769, soit de grande taille et d’une apparence étonnamment masculine.

La porcelaine était parfois incorporée dans le design des meubles français, généralement sous forme de plaques peintes ou de disques dans des cadres en bronze. Une grande partie de la porcelaine était fabriquée dans la manufacture de Sèvres. Louis XV lui-même a financé une fabrique de porcelaine à Vincennes, près de Paris, spécialement pour imiter la porcelaine de Meissen, qui a déménagé à Sèvres en 1756. Bien que Vincennes-Sèvres n’ait pas été la première manufacture de porcelaine en France (Rouen et Saint-Cloud ont opéré dans les dernières années du XVIIe siècle), elle a certainement été la plus performante dans la production de porcelaine dure, et ses concepteurs comprenaient des artistes célèbres tels que Boucher.

L’importance accordée à la porcelaine de Sèvres est illustrée par le nombre de pièces ou de services individuels, comme le service réalisé pour l’impératrice Marie-Thérèse en 1758 et envoyé par Louis XV en guise de cadeau diplomatique. D’autres services célèbres sont ceux de Catherine la Grande et de Madame du Barry. Les couleurs mises au point à Sèvres ne sont pas très différentes de celles que l’on trouve dans les tableaux de Boucher : des bleus verdâtres et le joli rose dit de Pompadour. Les types d’objets produits allaient des appliques murales aux encriers et aux vases à pot-pourri, dont certains des plus beaux exemples se trouvent dans la Wallace Art Collection à Londres.

Pour en savoir plus sur la porcelaine et la sculpture rococo, lisez les articles consacrés à deux importants sculpteurs français Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) et Etienne Maurice Falcone (1716-1791).

Le style rococo en France a représenté sa plus grande contribution artistique jusqu’à la montée de l’impressionnisme au XIXe siècle et a englobé tous les arts dans une plus large mesure que partout ailleurs en Europe, à l’exception de l’Allemagne. La qualité remarquable du rococo français est due au maintien des normes les plus élevées. Il présente l’attrait supplémentaire d’avoir été patronné par des personnalités telles que Madame de Pompadour, avec laquelle le style est identifié, et il se situe à la fin d’une longue tradition de l’artisanat français le plus raffiné.

Le style rococo en Italie - éléments caractéristiques

Une grande partie de l’histoire du rococo en Italie est l’histoire de la peinture à Venise - en particulier la peinture du grand génie Giambattista Tiepolo (1696-1770) - car c’est là que se trouvent les œuvres importantes du style dans sa forme la plus originale. A l’exception de certains bâtiments de Juvarra et de Bernardo Ittone, l’architecture italienne de la première moitié du siècle passe de façon assez linéaire du baroque tardif au néoclassicisme précoce, avec de légers signes d’un style rococo bien défini.

Architecture rococo italienne, aménagement intérieur et décoration

Architecture et Arts décoratifs Au début du siècle, l’œuvre de deux hommes, le Bernin et Borromini, mais surtout de ce dernier, domine. Bientôt, cependant, le principal architecte de Rome devint Ferdinando Fuga (1699-1782), un Florentin dont les plus grandes œuvres furent le Palazzo degli Consulta (1732-37) et la façade de Santa Maria Maggiore (1741-43). Dans la première, le rythme subtil n’est pas créé par des colonnes massives mais par des panneaux finement proportionnés et légèrement en retrait.

Contre ces panneaux, des fenêtres très décoratives et, pour couronner le tout, une grande sculpture centrale d’anges soutenant un cartouche. Il s’agit d’un effet beaucoup plus sculptural que n’importe quel bâtiment français de la même époque, et qui s’apparente davantage au rococo allemand. Le même accent central se retrouve sur la façade de Santa Maria Maggiore, mais là, toute la façade est conçue comme une loggia ouverte, diluée uniquement par des sculptures légères. Ailleurs à Rome, d’autres projets architecturaux s’approchent de l’esprit rococo, comme la Place d’Espagne (1723-25) de Francesco de Sanctis.

Alors que les architectes français tels que Beauffrand cherchaient des moyens économiques d’exprimer le raffinement de leurs intérieurs à l’extérieur, les architectes italiens étaient encore plus préoccupés par l’extérieur comme moyen d’exprimer une impression immédiate. Ils y consacrent souvent leur énergie au détriment des intérieurs et ne réussissent ainsi qu’à l’intérieur des bâtiments où de vastes espaces sont concernés, comme dans certaines œuvres de Filippo Iuvarra (1678-1736).

Né à Messine dans une famille d’orfèvres, Juvarra se forme à Rome auprès de Carlo Fontana et remporte ses premiers succès en tant que concepteur de décors de scène élaborés et décoratifs, une expérience qui lui sera utile par la suite. Après avoir été nommé premier architecte du roi à la cour de Savoie en 1714, il voyagea au Portugal, à Londres et, en 1719-20, à Paris, où il vit probablement le rococo français à ses débuts.

À son retour, il devient en Italie le parallèle le plus proche de l’architecte-designer français, s’occupant non seulement d’architecture mais aussi d’intérieurs, de mobilier et d’arts appliqués. Ses réalisations les plus remarquables sont le pavillon de chasse qu’il conçoit entre 1729 et 1733 pour la cour du château de Stupinigi, l’église du Carmine (1732-35) à Turin et le sanctuaire de Superga près de Turin (1717-31). Stupinigi est sa création la plus spectaculaire. Des ailes géantes rayonnent à partir d’un noyau central en forme de dôme, au-dessus duquel trône un cerf en bronze. L’extérieur blanc prépare aux incroyables acrobaties spatiales et aux couleurs de la grande salle centrale, qui est proche de nombreuses fantaisies architecturales et des dessins théâtraux de Júvarra.

La peinture illusionniste est largement utilisée ici, les urnes en trompe-l’œil remplissant les niches géantes peintes sur les nombreuses cheminées de la salle, et une galerie se balançant doucement court le long des murs et semble percer les grands piliers. C’est un tour de force théâtral. Comparé à lui, Superga et Carmine semblent un peu pédants, mais le premier est sensationnellement situé au sommet d’une colline, dominant le quartier avec son élégant portique et sa haute coupole aux tours d’oignon.

Comparable à Juvarra, Bernardo Ittone (1704-1770) a travaillé exclusivement dans le Piémont, où il est né et où il est retourné après avoir étudié à Rome et édité «Architettura Civile» du grand architecte baroque Guarini. Ses œuvres les plus significatives se situent dans des villages piémontais peu connus et allient la complexité spatiale de Guarini à la légèreté et au brio de Juvarra. Dans cette veine, ses chefs-d’œuvre sont le sanctuaire de Vallinotto (1738-39) et l’église de Santa Chiara à Bra de 1742.

Si l’architecture domestique de Vittone est piétonne, celle d’Iuvarra ne l’est pas et ses intérieurs rococo sont parmi les plus beaux d’Italie. Contrairement à la France, l’Italie n’était pas gouvernée par un seul monarque, de sorte que le mécénat était généralement limité à une certaine région du pays, comme dans le cas de Juvarra

Son mécène, Vittorio Amadeo II de Savoie, avait la chance d’avoir un architecte de cour aussi compétent, et c’est pour lui que Yuvarra a conçu la façade du Palazzo Madama à Turin (1718-21), ainsi que certains des rares intérieurs qui s’approchent de la qualité française ; c’est le cas de la salle chinoise du palais royal de Turin, avec sa boiserie laquée et dorée, peut-être influencée par le livre d’ornements de J. A. Meissonnier. A. Meissonnier, publié en 1734. La comparaison des intérieurs de Juvarra avec d’autres intérieurs italiens montre qu’il était le seul à pouvoir rivaliser avec d’autres créateurs européens.

Mobilier et arts décoratifs italiens

Malheureusement, l’histoire du mobilier rococo italien n’est pas aussi simple que celle du mobilier français. Le style du XVIIe siècle chevauche celui du XVIIIe, et les pièces que l’on peut ostensiblement dater d’avant le début du siècle sont en fait souvent beaucoup plus tardives. La plupart des meubles de Yuvarra restent assez lourds et utilisent des formes naturelles d’une manière très différente des designers français tels que Nicolas Pinault ou Meissonier.

La splendeur héritée de l’ère baroque était encore l’état d’esprit dominant pour tous les grands projets d’intérieur, et il n’y avait pas, comme en France ou même en Allemagne, de sens de la petite échelle. C’est pourquoi des meubles et des objets d’ameublement plus élaborés, mais tout aussi imposants, ont été créés. Alors que le goût français s’oriente vers une nouveauté constante, les intérieurs italiens changent peu après le tournant initial vers le rococo. Comme en France, et dans une plus large mesure en Angleterre, les nouveaux riches ou les personnes moyennement aisées s’efforcent désormais de suivre les tendances modernes.

Ce qui surprend le plus les voyageurs étrangers en Italie, c’est le vide des grands appartements qui se cachent derrière les façades de la plupart des grands palais. Hormis les quelques magnifiques appartements que l’on pouvait voir, les palais comportaient de nombreuses pièces sans intérêt, dont le contenu n’était pas comparable au mobilier français et à l’éclat des styles parisiens, que les Italiens avaient remplacés par une extravagance criarde. Les peintures de Pietro Longhi d’intérieurs vénitiens évoquent les pièces peu meublées de nombreuses maisons rococo italiennes.

Les figures d’Andrea Brustolon et d’Antonio Corradini ont dominé le design vénitien au début du siècle, leurs lourdes formes baroques ont continué à être créées par les maîtres suivants après leur mort, presque jusqu’à la fin du siècle. Néanmoins, les Vénitiens furent les seuls Italiens à prendre le style rococo au sérieux et à imiter les Français, en produisant des commodes à bombe exagérées, reposant souvent sur des pieds minuscules et fragiles. Dans le domaine du mobilier italien du XVIIIe siècle, peu de grands noms sont connus, et l’on se souvient surtout d’œuvres significatives uniques, comme la cheminée peinte et dorée de G. M. Bonzanigo dans le Palais Royal. M. Bonzanigo au Palais royal de Turin.

En Italie, plus encore qu’en France, il existait une demande apparemment insatiable d’objets excentriques ou inhabituels, habilement peints dans le style vénitien avec des scènes rustiques ou des fleurs, incrustés, mais jamais avec autant d’art que les ébénistes français. Laques, dorures abondantes, miroirs, verres peints, combinaisons d’autres matériaux aboutissent à un mélange de styles déconcertant et pas toujours heureux.

Un maître exceptionnel de la marqueterie fut Pietro Piffetti (1700-1777), qui travailla pour la Maison de Savoie à Turin, créant des meubles hautement personnalisés, combinant la marqueterie de bois et d’ivoire avec des délicatesses métalliques telles que des masques sur les coins et les montures de pieds.

Le Palais royal de Turin contient des objets à couper le souffle, littéralement recouverts d’incrustations d’ivoire, qui semblent parfois soutenus par le seul hasard, tant les pieds sont fragiles sous leurs plateaux élaborés. Au Museo Civico de Turin se trouve une table à cartes de Piffetti, étiquetée et datée de 1758, avec un trompe-l’œil tout à fait convaincant de cartes à jouer en ivoire et en bois rares.

Dans le domaine des beaux-arts, l’Italie ne produisait rien d’important par rapport au reste de l’Europe, et aucune fabrique de céramique ne pouvait rivaliser avec celle de Sèvres. Cependant, deux usines ont produit de la porcelaine, dont une grande partie est certainement très belle : Vinovo dans le Piémont et Capodimonte près de Naples. La porcelaine de Capodimonte est remarquable pour l’éclat de ses couleurs, souvent dans des combinaisons inattendues, comme, par exemple, dans la célèbre salle de porcelaine du palais de Portici (1754-59).

La peinture rococo italienne

Le rococo est apparu en Italie un peu plus tard qu’en France. On en trouve les premières traces dans le style plus léger de la peinture baroque tardive, représentée à Rome comme à Naples par des artistes tels que Luca Giordano (1634-1705) et Francesco Solimena (1657-1747).

Puis, en 25 ans, Venise produit Giambattista Tiepolo (1696-1770), son fils, Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768), Pietro Longhi (1701-1785), Francesco Guardi (1712-1793), Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) et Bernardo Bellotto, neveu de Canaletto (1720-1780). Tous, à l’exception des deux derniers, ont passé leur vie professionnelle à Venise, bien que Canaletto ait visité l’Angleterre en 1746.

Longi et, dans une moindre mesure, le jeune Tiepolo dépeignent la vie quotidienne de Venise, le premier par de petites toiles, le second par des dessins, tandis que Canaletto, Guardi et Bellotto peignent des scènes d’extérieur sur les canaux et les piazzas. Piranèse, bien que né à Venise, vint à Rome en 1738. On ne connaît pas un seul de ses tableaux et sa renommée repose entièrement sur ses gravures d’architecture et de ruines.

Tiepolo père est surtout connu pour son extraordinaire fresque de la grande salle à manger ) Kaiseraal) et du plafond du grand escalier ) Trepenhaus) de la résidence de Würzburg du prince-évêque Carl Philipp von Greiffenklau, qui est sans aucun doute le chef-d’œuvre le plus grand et le plus imaginatif de sa carrière. La pièce maîtresse est la majestueuse fresque «Apollon amenant la mariée» (1750-1) au centre du Trepenhaus, une œuvre qui résume majestueusement la tradition italienne de la peinture à fresque commencée par Giotto (1270-1337) quatre cents ans plus tôt.

Tiepolo

Chez Tiepolo, et chez lui seul, on peut parler d’un style rococo pur, proche à bien des égards du baroque tardif, mais créant un type d’expérience visuelle entièrement nouveau. Il n’est pas surprenant que son œuvre contienne beaucoup des plus grandes qualités vénitiennes du passé : la couleur et l’imagination originale de Titien ; les types de figures et les matériaux somptueux de Paolo Veronese ; et son amour de l’architecture classique luxuriante comme toile de fond pour de riches scènes d’histoire et de mythologie.

L’artificialité de l’atmosphère dans ses premières fresques relie immédiatement Tiepolo au courant principal de l’art rococo, mais à une époque où il ne devait pas connaître grand-chose de la peinture française contemporaine. Dès lors, sa carrière connaît un succès fulgurant jusqu’à son éclipse à Madrid, à la fin de sa vie, aux mains des néoclassiques de Mengs (1728-1779).

Il reçut sa plus importante commande en 1750, lorsqu’il se rendit à Würzburg pour peindre des fresques pour le nouveau palais, et y resta jusqu’en 1753, décorant l’escalier (la plus grande peinture murale du monde), la Kaisersaal et la chapelle. Peu avant son départ pour Würzburg, Tiepolo décora le palais Labia à Venise avec l’histoire d’Antoine et Cléopâtre, l’une de ses recréations les plus expressives de l’histoire classique.

Une comparaison du style de Tiepolo avec celui de son exact contemporain, Boucher, révèle un tempérament différent et peut-être plus intellectuel. Ses nus d’une élégance glaçante mais toujours voluptueux et sa juxtaposition subtile de types, comme dans l’escalier de Würzburg, où les «continents» sont brillamment opposés les uns aux autres, sont plus originaux et plus complexes que ceux de Boucher. Ce n’est pas un hasard si Boucher admirait Tiepolo plus que quiconque ; «bien plus que Watteau, son art est l’art du théâtre, avec une scène qui nous domine délibérément et des acteurs qui se tiennent à distance», dit Michael Levy. Son art est le dernier à représenter véritablement les idéaux aristocratiques bientôt remplacés par les valeurs républicaines de la Révolution française, un art qui ne pouvait s’épanouir que dans une cité-État décadente comme Venise au XVIIIe siècle

Voir les peintres

Si Tiepolo, père et fils, sont les meilleurs décorateurs de la ville, il existe des vedutisti, ou peintres de vues, comme Canaletto (1697-1768), dont la grande renommée le conduit en Angleterre entre 1746 et 1756, et son neveu Bernardo Bellotto (1720-1780).

Les peintures de Francesco Guardi (1712-1793) sont un triomphe de l’exploration atmosphérique et de la compréhension des effets inhabituels de la lumière vénitienne sur l’eau et l’architecture. Utilisant une palette minimale, réduite dans certains cas presque entièrement à de simples verts et gris, Guardi crée des paysages et des vues de canaux presque de la même manière que Tiepolo exécute des figures, et utilise des points de couleur magiques pour représenter des personnes se pressant ou engagées dans une conversation sur la Piazza San Marco ou sur l’une des nombreuses places de Venise qu’il aimait manifestement.

Pietro Longhi (1702-1785), en revanche, s’est spécialisé dans les représentations quelque peu criardes de la vie moderne ; c’est dans leur criardise, cependant, que réside leur grand charme, ainsi que dans le choix souvent délicieusement inattendu de leur sujet, par exemple «Rhinocéros» (National Gallery, Londres) ou «Envoyé maure» (Ca’ Rezzonico, Venise).

Mais l’Italie n’a jamais été aussi heureuse avec le style rococo qu’avec le baroque ou le néoclassicisme qui l’ont précédé, tous deux plus lourds et plus aptes à exprimer la grandezza, si chère à l’art italien de l’après-Renaissance. Chez Tiepolo, cependant, elle apparaît sous une forme modifiée, et c’est son nom qui reste proéminent.

Le style rococo en Angleterre - traits caractéristiques

De tous les pays européens qui ont adopté ou contribué au style baroque, l’Angleterre est celui qui a accordé le moins d’attention au rococo.

Architecture, aménagement intérieur et décoration rococo anglais

En architecture du moins, l’Angleterre est passée directement du style baroque de Wren et Vanbrugh au palladianisme, une transition si rapide qu’elle n’admet aucun développement intermédiaire. Dans des bâtiments tels que Strawberry Hill de Walpole, Twickenham, construit en 1748, et Arbury, Warwickshire, de la même période, et d’autres bâtiments gothiques érigés à l’époque de l’architecture de la fin du dix-huitième siècle, c’est l’ambiance qui place ces œuvres dans la catégorie rococo, plutôt qu’une quelconque relation avec la rocaille.

En fait le style gothique anglais se divise en deux catégories distinctes - «associatif» et «rococo», ce dernier étant une forme frivole de décoration, vaguement basée sur des précédents médiévaux, mais suffisamment frivole pour être presque un analogue du rococo continental dans son sens de l’abandon et de la superficialité. William Kent (1684-1748), architecte et décorateur, a développé son propre vocabulaire de décoration gothique, qui s’est répandu en Angleterre aussi rapidement et efficacement que les arabesques du rococo continental. Mais à part cela, le rocaille en Angleterre n’a touché que quelques intérieurs, quelques meubles de haute qualité, quelques peintures et la porcelaine, notamment les produits de Chelsea et Bow.

Le premier exemple de rocaille en Angleterre est la commande passée par le duc de Kingston au grand designer français Meissonier en 1735 pour un ensemble de meubles de table en argent. Mais il s’agit là d’un cas plutôt rare, et le design rococo se limitait généralement à une décoration gravée sur des formes sobres, presque entièrement non affectées par le style.

Les nouvelles tendances se sont surtout répandues par le biais de livres de modèles tels que «The Gentleman’s or Builder’s Companion» de Matthias Locke ou Jones de 1739, dans lesquels les détails rococo ou quasi-rococo étaient à la disposition de tous les artisans qui pouvaient se les offrir. Le fait qu’il ne s’agissait que de détails détachés de leur environnement explique la qualité souvent criarde d’une grande partie du mobilier rococo anglais, car on ne pouvait s’attendre à ce qu’un artisan apprécie la nature organique du style à partir de simples fragments.

Comme en Italie et en France, le goût du mécène du XVIIIe siècle s’étendait souvent à l’Orient sous une forme ou une autre. Cela explique plusieurs pièces rococo remarquables en Angleterre, comme la chambre à coucher du prieuré de Nostell, dans le Yorkshire, datant de 1745, ou, plus important encore, la Claydon House, dans le Buckinghamshire. Claydon House dans le Buckinghamshire (vers 1768), où plusieurs pièces ont été décorées par un certain Lightfoot, dont on sait peu de choses. Dans ces pièces, le style n’est toutefois pas aussi pur que le rococo continental.

L’art décoratif rococo apparaît dans les intérieurs d’autres maisons de ville et de campagne anglaises et est parfois de la plus haute qualité - notamment dans le hall de Ragley, à Hagley, non loin de là, et dans les plâtres tourbillonnants des frères Franchini, qui ont exécuté beaucoup de stucs en Irlande et qui étaient particulièrement célèbres pour leur travail à Russborough. Mais cet artisanat local attrayant est loin des projets parfaits et complets du continent.

Le mobilier et les arts décoratifs anglais

Contrairement aux Français, les ébénistes anglais ne signaient généralement pas leurs produits, et c’est pourquoi on sait relativement peu de choses sur des hommes comme John Linnell, John Cobb, Benjamin Goodison, et William Weil, qui semblent avoir beaucoup travaillé dans le cadre de la nouvelle mode. Toutefois, le nom de Chippendale est important non seulement en raison de la qualité de son travail, mais aussi parce qu’il a publié «The Gentleman and Cabinet-maker’s Director» (1754).

Dans ses créations de miroirs et de cheminées, souvent teintées de Chinoiserie, on trouve des exemples exotiques du style rococo, aussi élaborés que la boiserie française, mais destinés à être utilisés en tant qu’éléments individuels et rarement dans le cadre d’un ensemble décoratif. De même, les sculptures élaborées et fantastiques du hall de Claydon sont isolées dans un cadre classique.

Peinture anglaise

En peinture, deux artistes anglais ont fait de nettes concessions au rococo - William Hogarth (1697-1764) et Thomas Gainsborough (1727-1788). Hogarth s’opposa vivement à la peinture baroque historique tant recherchée par les amateurs «», et introduisit dans ses œuvres ce que l’on appelle «la ligne de beauté», qu’il expliqua dans son «Analyse de la beauté» (1753) et qui était une ligne serpentine ressemblant plutôt à une lettre «S» allongée. C’était, bien sûr, la forme de nombreux bijoux rococo.

Gainsborough, quant à lui, a commencé sa vie en tant que peintre de portraits petits et guindés, puis, après avoir déménagé à Bath, une ville à la mode, il a développé un style plus complexe. Il a peint plusieurs portraits dans un style rococo remarquablement proche de celui de Boucher, avec un pinceau flottant et des paysages de plumes, des roses vifs et des tons gris argentés plus rococo que dans n’importe quelle peinture anglaise contemporaine. Voir aussi Portraitiste de la société de la Régence Thomas Lawrence .

Le néoclassicisme a balayé l’Angleterre après le retour de Robert Adam dans le pays en 1758, mais même son style chaste et épique fait écho à la qualité raffinée et méticuleuse de la plupart des décorations rococo françaises, et son «gothique» est aussi rococo que n’importe quelle autre décoration de l’époque en Angleterre. La portraitiste et peintre d’histoire suisse Angelica Kauffmann (1741-1807), admirée par Sir Joshua Reynolds pour ses portraits, a travaillé avec Robert Adam sur un certain nombre de ses décorations architecturales.

Le style rococo en Allemagne - traits caractéristiques

Contrairement à la superbe retenue du meilleur rococo français, l’Allemagne offre un éventail époustouflant de décorations architecturales et intérieures rococo parmi les plus extravagantes et les plus magnifiques de l’histoire de l’art européen.

Architecture, design et décoration intérieure rococo allemande

Ce haut niveau d’excellence s’étendait de l’architecture aux arts appliqués - meubles, objets d’ameublement et porcelaine, même si ceux-ci surpassaient rarement ceux de la France. Ni la France, ni l’Italie, ni l’Angleterre du XVIIIe siècle ne peuvent rivaliser avec des chefs-d’œuvre architecturaux tels que Melk ou le Zwinger de Dresde, tandis qu’en ce qui concerne le nombre d’églises et de palais de premier ordre, l’Allemagne dépasse largement les autres pays. Peut-être est-ce dû au fait que ce que nous appelons aujourd’hui l’Allemagne était divisé en plusieurs principautés, royaumes et évêchés au XVIIIe siècle, de sorte qu’une certaine rivalité a dû déterminer la création d’édifices de grande importance - contrairement à la France ou à l’Angleterre, où les commandes vraiment importantes étaient invariablement confiées à un petit nombre de mécènes.

Le rococo allemand semble trouver ses origines dans les églises baroques romaines telles que Sant’Andrea al Quirinale du Bernin, qui combinaient couleur, lumière et sculpture élaborée. Il est apparu pour la première fois en Allemagne dans l’église de l’abbaye de Weltenburg, construite après 1714, dont la coupole ovale a été découpée de l’intérieur pour révéler une vision des cieux peinte à fresque.

La couleur était le pilier du rococo allemand - rose, lilas, citron, bleu - tous combinés ou utilisés séparément pour un effet stupéfiant, comme à Amalienburg, près de Munich. Les formes plus lourdes et plus courbes du baroque se transforment dans le rococo allemand en rythmes plus staccato, et l’on peut déceler l’influence d’un monument baroque majeur tel que le baldacchino du Bernin dans la cathédrale Saint-Pierre, transformé par Balthasar Neumann (1687-1753) (1687-1753) en une confection de l’ordre du maître-autel de Verseichenheiligen, peut-être la plus élaborée et la plus satisfaisante des églises allemandes.

Alors qu’au XVIIIe siècle, en France, la forme des pièces est restée pratiquement inchangée et que le plan des bâtiments ecclésiastiques n’a pratiquement pas changé, les architectes allemands du rococo ont exploré toutes les possibilités. Non seulement les murs se balancent malgré leur taille gigantesque, mais des pans entiers semblent être découpés, de sorte que les immenses plafonds décorés de fresques qui dominent complètement la plupart de ces églises paraissent flotter au-dessus des fidèles.

L’une des caractéristiques les plus intéressantes de l’architecture rococo allemande est la disposition dramatique de certains des exemples les plus importants, comme l’abbaye de Melk du Prandtauer, commencée en 1702. Deux grandes tours, délibérément placées en évidence au-dessus du Danube, dominent la cour, qui est ouverte sur le monde extérieur par un grand arc de type palladien. Ce sens du drame et de l’implication totale des fidèles, tant à l’extérieur qu’à l’intérieur, est également présent à Ettal, mais dans le sens inverse, le monastère dominant les montagnes environnantes.

La construction séculière a également atteint un haut niveau de perfection. Les exemples les plus exquis se trouvent peut-être à Munich et dans ses environs, où François Cuveillis (1695-1768), en tant que carliste de la cour et architecte, a participé à la construction de nombreux bâtiments, dont le plus beau est peut-être l’Amalienburg.

Ce petit pavillon, construit entre 1734 et 1739 et nommé en l’honneur de l’épouse du prince électeur, possède, selon Hugh Honor, «une légère élégance et une délicatesse». Sa façade légèrement ondulée, sa rustication peu profonde et ses pignons inhabituels préfigurent l’une des plus belles salles d’Europe, la fameuse galerie des Glaces, avec sa rocaille d’argent sur fond bleu poudre et ses verres étincelants. À l’opposé, le Residenz-théâtre de Munich (1751-53) de Cuvillis, où des personnages et des instruments de musique richement dorés encadrent toute la salle, contrastant vivement avec le damas et le velours rouges des murs et des sièges, est à l’opposé de l’ensemble.

Potsdam et Dresde n’ont jamais produit un style rococo aussi raffiné que celui de Munich, mais des bâtiments comme le Zwinger (1709-19) de Poppelmann à Dresde frappent par leur ampleur et l’abondance des détails décoratifs. L’influence de ce type d’architecture se fait également sentir dans le petit palais de Sans-Souci à Potsdam (1745-51), construit pour Frédéric le Grand.

Le rococo allemand occupe la première place en Europe pour ce qui est de l’ampleur, de l’opulence et de la grandeur écrasante des détails.

Pour en savoir plus sur les intérieurs rococo en Russie, voir les œuvres de Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).

Variétés ultérieures de rococo

Le style rococo ne s’est jamais éteint dans la France provinciale. Avec l’avènement de l’historicisme dans les années 1820, de nombreux artisans ont trouvé relativement facile de créer des intérieurs et des bâtiments entiers dans le style «du second rococo», si prisé par Louis Philippe et sa reine, et dont on trouve des exemples dans tout Paris.

Le renouveau de l’architecture et du design rococo est apparu en Angleterre dès 1828 avec la chambre de Waterloo à Apsley House, les intérieurs de Lancaster House et le salon d’Elizabeth à Belvoir Castle. Les Rothschild ont décoré plusieurs maisons dans ce style et, dans les années 1880, ils ont même créé des intérieurs du dix-huitième siècle à Waddesdon Manor.

L’approbation royale de ce style a été donnée par Louis de Bavière dans ses palais de Linderhof et de Herrenkimsee à la même époque. Le style est devenu une caractéristique commune à de nombreux nouveaux hôtels de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, et «Le gout Ritz» est devenu synonyme de luxe et d’élégance.

Pour une brève introduction aux aspects architecturaux de ce style artistique, voir : Architecture rococo .

LES COULEURS POUR L’IMPRESSION
Pour plus de détails sur les pigments colorés utilisés par les artistes rococo, voir : Palette de couleurs du XVIIIe siècle .

MOUVEMENTS, STYLES, ÉCOLES
Pour des informations sur les principaux mouvements dans le domaine de la peinture et de la sculpture, voir : Histoire de l’art .

LE PLUS GRAND ART MONDIAL
Pour une liste des meilleures peintures à l’huile et à l’aquarelle, voir Les plus grands tableaux de tous les temps . Une liste des meilleures sculptures se trouve au Les plus grandes sculptures de tous les temps .

LES GRANDS ARTISTES EUROPÉENS
Biographies et images des plus grands artistes européens de la Renaissance à 1800 voir : MAÎTRES ANCIENS .

LES PLUS GRANDS ARTISTES DU MONDE
Les plus beaux tableaux de Les meilleurs paysagistes . Les meilleures natures mortes voir : Les meilleurs peintres de natures mortes . Pour les meilleurs portraits, voir : Les meilleurs peintres de portraits : Meilleurs portraitistes . Pour les meilleures peintures historiques, voir : Meilleurs peintres historiques .

ESTHETIQUE
Pour une discussion sur la beauté dans les arts visuels, voir : Définition et signification de l’art .

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Détails dans Chronologie de l’histoire de l’art .