Peinture romane (c.1000-1200) Automatique traduire

Dans l’histoire de l’art chrétien, le terme «roman» est un terme assez vague et principalement architectural qui a été étendu à d’autres disciplines des beaux-arts comme la peinture et la sculpture. Alors que l’architecture romane se caractérise par une nouvelle échelle et la sculpture romane par un plus grand réalisme, la peinture romane (1000-1200) se caractérise par une nouvelle formalité de style, largement dépourvue du naturalisme et de l’humanisme de ses prédécesseurs classiques et de ses successeurs gothiques. (En d’autres termes, l’austérité romane précède la sophistication gothique). Les motifs linéaires prédominent, créant un calme majestueux ou, au contraire, une expressivité agitée. Le caractère décoratif des vitraux romans, des manuscrits enluminés, des retables et d’autres représentations peut être considéré comme une sorte de pont entre l’art byzantin oriental - avec son iconographie symbolique et formalisée - et l’art gothique occidental , avec sa variante courtoise de la fin du XIVe siècle connue sous le nom de gothique international.

En général, l’art roman reflète la stabilité politique et économique croissante de l’Europe. Cette stabilité s’accompagnait d’une augmentation des recettes fiscales et des dîmes versées à l’Église, qui avait donc plus d’argent à dépenser pour construire de nouvelles églises - pleines de vitraux, de statues de saints en pierre, de fresques, de manuscrits enluminés et autres - qui attiraient à leur tour de grandes congrégations et d’importantes collections. Dans le même temps, de nouveaux ordres religieux (cisterciens, bénédictins et autres) ouvraient de nouveaux monastères (par exemple, Cluny dans le centre de la France ou Saint-Denis près de Paris) qui nécessitaient différentes formes d’ art religieux, notamment des peintures murales inspirantes dans les monastères et les réfectoires, ainsi que des bibles plus illustrées et d’autres types de livres de dévotion. Certains historiens de l’art considèrent d’ailleurs l’art roman comme le reflet d’une piété monastique croissante. Quoi qu’il en soit, le nouveau mouvement roman a donné un formidable élan aux artistes médiévaux, dans toute l’Europe occidentale.

Chronologie

L’école de peinture médiévale, connue dans l’opinion commune sous le nom de romane - terme que tous les historiens reconnaissent comme encore moins précis et moins clair que celui de gothique - commence dans les premières années du XIe siècle et s’achève au XIIIe, avec la naissance du monde gothique. Sa chronologie exacte est cependant difficile à établir, car son développement s’est fait de manière différente et à des époques différentes en Italie, en Allemagne, en France et en Espagne.

Après la période dite préromane, qui comprend l’art carolingien (vers 750-900) et une phase plus tardive de l’art ottonien (vers 900-1050) - bien que ce dernier se soit souvent maintenu jusqu’au milieu du XIe siècle dans les territoires appartenant à l’Empire - la peinture romane a développé ses propres styles.

Au milieu du XIe siècle, des artistes grecs invités par le futur pape Victor III décorent un certain nombre d’églises et de sanctuaires en Italie du Sud. C’est peut-être là le secret de la naissance de l’art roman, mais si c’est le cas, comment expliquer les peintures murales catalanes d’El Brulla (1062), de Durro, de Bohi, et celles de Maître Osormort, qui datent probablement de la même époque ; et en France les peintures murales de Berze la Ville et de Saint Chef ; et même dans le Jutland les fresques de l’église de Skibet.

L’étude combinée du style et de l’iconographie devrait permettre de dater assez précisément les peintures murales. Malheureusement, la destruction d’un grand nombre de peintures murales, qui ne permet pas d’avoir une vue d’ensemble, rend tout cela incertain, et l’on sait que l’étude iconographique seule peut être complètement erronée, de nombreux thèmes ayant été repris ou abandonnés par les artistes romans.

Face à la complexité des influences croisées et à la maturation simultanée des styles en des lieux dispersés dans toute l’Europe, nous suivrons la méthode habituelle qui consiste à étudier le développement de l’art roman selon la division géographique de l’Occident moderne.

Les techniques de la peinture romane

Les différentes techniques de la peinture à fresque : fresque, détrempe, peinture à la cire et fresque al secco . Pour une fresque, le maçon prépare une surface spécifique de mortier ou d’enduit frais et lisse sur laquelle l’artiste travaille directement avec un pinceau légèrement humidifié et rempli de peinture d’apprêt. Les pigments colorants pénètrent le mortier en séchant. Cette technique requiert une grande habileté de la part de l’artiste qui ne peut ni revoir ses premiers traits, ni les corriger. Le choix des couleurs est limité aux dérivés de la terre ou de la craie : blancs, ocres, jaunes, bruns et rouges, tous assez sourds.

La peinture au détrempe, comme la fresque, se fait sur une couche d’enduit préalablement préparée et, dans ce cas, entièrement humidifiée. On peut l’appeler détrempe, bien qu’il s’agisse, à proprement parler, de travailler sur un support sec avec des couleurs humidifiées dans de l’eau mélangée à de la taille. Mais il n’existe pas de terme précis pour désigner cette technique, surtout utilisée en France à l’époque romane.

La peinture à la cire fondue, également connue depuis des siècles et même à l’époque romaine, consiste à mélanger des couleurs en poudre à de la cire, laquelle est fondue et introduite dans le sol à l’aide d’une spatule chauffée ou d’un morceau de métal. Voir aussi : La méthode de la peinture à l’encaustique .

La fresque al secco consiste à peindre directement sur du plâtre sec. Elle utilise des couleurs diluées dans l’eau, auxquelles on ajoute soit du blanc d’œuf, soit de la colle à base d’arêtes de poisson ou de peaux de lapin, qui sert à fixer les couleurs.

Pour les panneaux (retables) et les manuscrits enluminés (peintures de livres), la méthode habituelle de peinture était la détrempe .

La peinture romane en Italie

Pour en savoir plus sur la peinture italienne médiévale en Italie centrale, en Italie du Nord, en Toscane, en Lombardie, à Venise, au Frioul et en Suisse italienne, voir : La peinture romane en Italie .

La peinture romane en France

Pour les détails des différentes écoles romanes françaises du Maine, de l’Anjou, du Poitou, du Berry, d’Orléans, de Saint-Savin, de Bourgogne et d’Auvergne, voir : La peinture romane en France .

La peinture romane miniature (principalement des peintures dans des manuscrits enluminés) se développe parallèlement aux fresques de l’époque. Rome, Cluny, Salzbourg et Canterbury étaient des centres importants et attiraient les meilleurs peintres de miniatures de tout le continent. Parmi les œuvres importantes, citons Le manuscrit Moralia (vers 1111) ; le Psautier de St Albans (1120-30) ; le Psautier d’Henry de Blois (1140-60) ; et la Bible de Lambeth (1150).

La peinture romane en Espagne

Pour plus de détails sur la peinture espagnole de la période pré-gothique (vers 1000-1200) à Gérone, Roussillon, Catalogne, Sigen, Castille et Léon et Majorque, voir : La peinture romane en Espagne .

Pour une comparaison avec les styles modernes de l’Europe de l’Est, voir aussi : La peinture médiévale russe (c. 950-1100).

La peinture romane en Angleterre

Il est difficile de se faire une idée générale de la peinture murale romane en Angleterre. Seul le grand nombre de manuscrits illustrés dans les bibliothèques témoigne de la vitalité de l’art roman dans ce pays, car les fresques, qui étaient sans doute la caractéristique principale de cet art , ont presque entièrement disparu. Seules quelques églises conservent encore une partie de leur décoration du XIIe siècle.

A Hardham, dans le sud de l’Angleterre, l’intérieur de la petite église de St Botolph était autrefois entièrement recouvert de fresques. Dans la nef, sur le mur ouest (entrée), on peut encore distinguer des scènes de l’Apocalypse, bien qu’elles aient été considérablement effacées. Sur le mur est, au-dessus de l’arc menant au chœur, on voit l’Agneau en médaillon adoré par deux anges.

Sur le même mur, plus à droite, commence le cycle «L’enfance du Christ», qui se poursuit dans le registre supérieur du mur sud et à nouveau sur le mur nord, pour se terminer à gauche de l’Agneau : Annonciation, Visitation, Nativité, Adoration des bergers, Étoile apparaissant aux Mages, Épiphanie, Mages devant Hérode, Adoration des Mages, Sommeil de Joseph, Sommeil des Mages, Fuite en Égypte, Massacre des Innocents, et soit la Présentation au Temple, soit l’Enfant Jésus face aux docteurs de la Loi. Le registre médian présente une série de scènes hagiographiques, dont l’histoire de saint Georges, et le registre inférieur présente un arrière-plan de draperies suspendues.

Dans le chœur, les peintures du registre inférieur sont presque indéchiffrables, et dans le registre supérieur il ne reste que deux séraphins, qui doivent représenter le Christ en majesté, et deux peintures sur le mur ouest, l’une représentant Adam et Eve et l’autre probablement Eve allaitant son enfant. Sur l’autre mur, on voit les vieillards de l’Apocalypse et les apôtres.

Les peintures murales de Hardham, comme la plupart de celles que l’on trouve encore en Angleterre, sont fortement influencées par l’art biblique roman du continent, héritier de la tradition carolingienne. On retrouve les mêmes influences et les mêmes styles dans un certain nombre d’églises rurales au Danemark (Orreslev, Jorlunde, etc.).

Plus au nord-ouest, à Claverley près de Wolverhampton, quelques fragments de décoration murale sont encore visibles dans la petite église de Tous les Saints. La frise de quinze cavaliers, bien qu’extrêmement grossière dans son exécution, ressemble à la tapisserie de Bayeux, surtout dans le dessin des visages ; elle ne peut être considérée comme un simple reflet de l’art romanesque chevaleresque. Certaines autorités l’interprètent comme la rencontre de Roger de Montgomery avec les Anglais à la bataille d’Hastings. D’autres y voient une psychomachie montrant le triomphe des vertus sur les vices.

Nous trouvons un autre exemple de l’influence de l’art roman continental dans les fresques de la charmante petite église Saint-Jean-Baptiste de Clayton. Ici, une influence orientale plus forte se fait déjà sentir, et nous reconnaissons des éléments byzantins adaptés à la manière bénédictine du style clunisien. Les deux détails reproduits, le Christ remettant l’Évangile à saint Paul et le saint représenté dans l’enceinte de la Jérusalem céleste, avec ses vêtements marqués par une double ligne conventionnelle, ont encore une certaine parenté avec les fresques de Hardham, mais le motif formant le fond de toutes ces compositions, les bandes de rouge, d’ocre, de blanc et de noir, est d’un caractère beaucoup plus oriental. Ces peintures ont probablement été exécutées vers le milieu du XIIe siècle.

Le centre monastique de Canterbury, dans le duché du Kent, avait des contacts plus directs et plus fréquents avec Rome que le reste de l’Angleterre. C’est pourquoi les fresques de sa cathédrale présentent une forte influence byzantine.

La chapelle de la crypte de Saint-Gabriel a dû être fortifiée après l’incendie de 1174, et les fragments de peinture, conservés dans l’abside, ne sont visibles qu’à la lumière artificielle. Ils sont remarquables par la grande fraîcheur des couleurs. Sur la voûte, on voit la Jérusalem céleste et le Christ dans la mandorle, soutenu par quatre anges ; sur le mur nord, l’Annonciation à Zacharie ; en bas, l’histoire de saint Jean-Baptiste, sa naissance et son nom, et à gauche de cette scène, un ange hiératique à la manière italo-byzantine.

Ces peintures datent du troisième quart du XIIe siècle, et celles de la chapelle Saint-Anselme, qui surplombe les chœurs de la cathédrale, datent de l’incendie de 1174. De la décoration de cette chapelle, il ne subsiste qu’un panneau : Saint Paul mordu par une vipère. Ce sujet, tiré d’un passage des Actes des Apôtres, a été rarement représenté par les artistes. L’exécution ressemble beaucoup aux peintures de la crypte, mais elle se distingue par un plus grand raffinement et plus de couleurs .

Enfin, dans la cathédrale de Winchester, les peintures de la chapelle du Saint-Sépulcre, tout en conservant l’influence byzantine, annoncent l’arrivée de l’esprit gothique. Le thème iconographique de cette chapelle, particulièrement utilisée pendant la Semaine Sainte, est lié à la Passion. Les poses des personnages de «Descente de Croix» ou de Marie-Madeleine rappellent les peintures de Montmorillon, tout en révélant une tendance naturaliste encore plus marquée. Sur la manière dont des trésors de la peinture de livres comme la Bible de Winchester (1160-75) ont été produits, voir La création des manuscrits enluminés et Histoire des manuscrits enluminés (600-1200 ap. J.-C.).

La peinture romane en Allemagne et en Autriche

L’Allemagne et l’Autriche ont connu une telle floraison artistique entre le IXe et le XIe siècle qu’il est difficile d’établir une distinction précise entre les peintures murales romanes et celles qui les ont précédées. (Voir aussi : Art médiéval allemand c. 800-1250). La disparition presque totale des décorations murales réalisées à l’époque romane, ainsi que les restaurations désastreuses des dix-neuvième et vingtième siècles, ont encore aggravé ce problème.

Sur l’île de Reichenau (lac de Constance), l’église Saint-Georges, qui dépendait de l’abbaye d’Oberzell, ainsi que l’église d’Unterzell sont ornées de peintures religieuses, qui sont malheureusement en très mauvais état. Ces peintures, ayant subi deux restaurations déplorables, puis recouvertes d’une couche de destimper et retouchées à nouveau lors de leur mise au jour en 1880-2, comptent malgré tout parmi les plus beaux exemples de l’art ottonien que l’on ait pu découvrir.

Dans la nef de Saint-Georges d’Oberzell, les peintures - les plus anciennes - sont disposées sur trois registres. En bas, entre les arcades séparant l’allée centrale et les allées latérales, on trouve des saints et des prophètes, tandis que le registre supérieur est décoré de figures d’apôtres. Sur le registre médian sont représentés les miracles du Christ : l’expulsion des démons du possédé de Gerasa ; la guérison de l’aveugle-né et de la femme atteinte d’hydropisie ; Jésus calmant la tempête, où le Seigneur est représenté deux fois, d’abord endormi puis calmant les eaux ; la purification du lépreux ; puis, sur un même tableau, la guérison de la femme qui saigne et la résurrection de la fille de Jaïre ; et enfin, la résurrection du fils de la veuve de Naïn et la résurrection de Lazare.

De nombreux historiens considèrent cette série de tableaux comme la plus ancienne et la situent au début du XIe siècle en raison de sa parenté apparente avec l’Evangelarium d’Otto III, qui se trouvait à l’origine à Reichenau et qui date d’environ 1000.

Un retable dédié à saint Waldburg, peint vers 1180, ne donne qu’une faible idée de ce que devait être la peinture murale dans le Bas-Rhin.

Ratisbonne, aujourd’hui Ratisbonne, en Bavière, était l’un des grands centres de l’art roman et était célèbre pour son école de miniaturistes. Les fresques de la chapelle de Tous les Saints dans le cloître de la cathédrale et de l’église de l’abbaye de Prufening, à quelques kilomètres de là, sont en trop mauvais état pour être reproduites. Elles permettent de discerner, sous les déplorables restaurations du XIXe siècle, une puissante influence byzantine qui, sous le mouvement bénédictin, s’est répandue en Italie du Nord, en Allemagne du Sud, au Tyrol et dans l’Est de la France.

A Salzbourg, qui, comme Ratisbonne, fut un grand centre culturel au XIIe siècle, la destruction presque complète des églises médiévales et la disparition de la cathédrale romane nous privent de fresques antérieures au XIIe siècle. Les peintures les plus importantes de cette branche de l’art roman de la fresque sont celles conservées au monastère du Nonnberg à Salzbourg, qui était réservé exclusivement aux dames de noble naissance.

Le chœur des moniales, une pièce adjacente au mur ouest de l’église, contient des niches sur trois murs dans lesquelles sont peints des bustes de saints. Bien que ces fresques ne soient pas complètes, elles témoignent - par la pureté et l’harmonie des couleurs, la beauté des têtes à la noblesse byzantine, la richesse et l’habileté du modelage des vêtements de soie des martyrs - d’une grande connaissance des traditions de l’art grec ou du moins des modèles byzantins.

La diffusion de l’influence de L’Aquilée et de Venise vers Salzbourg a conduit à la création d’écoles locales qui, à leur tour, ont combiné les nouvelles tendances italo-byzantines avec l’apport de l’art germanique du XIIIe siècle.

Les fresques de la chapelle Saint-Jean de Purg sont un exemple de la complexité des courants croisés qui caractérisent l’ensemble de la période romane. Le décor de ce petit sanctuaire de montagne, datant du tout début du XIIIe siècle, représente l’Agneau avec ses adorateurs traditionnels dans le chœur, tandis que l’arc triomphal est peint avec les sacrifices de Caïn et d’Abel et les portraits des donateurs. Dans la nef, trois sujets religieux sans lien direct entre eux, la Nativité, le Miracle des pains et la Parabole des vierges sages, culminent dans une scène profane, une guerre entre souris et rats.

Sur l’ancienne route principale qui, par la Via Mala et le col du Saint-Bernard, relie l’Italie à la région du lac de Constance, l’église Saint-Martin in Zillis offre une merveilleuse surprise : son plafond en bois, divisé en cent cinquante-trois panneaux - un livre d’images unique, le seul plafond roman peint à avoir survécu presque entièrement - représente toute la cosmogonie médiévale, avec son ciel et son enfer et ses créatures fabuleuses.

Sa conception est d’une grande audace et son exécution d’une merveilleuse harmonie. Le gris, le vert olive et le bleu ciel sont les couleurs dominantes, sur lesquelles les rouges se détachent avec un éclat extraordinaire. La bordure représente une quarantaine de monstres à queue de poisson aux corps variés : dragons, sirènes jouant de la corne, de la harpe ou du violon, singe chevauchant un poisson, etc. Ces cadres représentent la vie du Christ, avec des miracles et des scènes de la Passion. Plusieurs épisodes de la légende de saint Martin, patron de l’église, complètent cet ensemble. Ce plafond de Zillis, peint au milieu du XIIe siècle, est l’un des trésors de l’art roman. S’il ne peut revendiquer la main d’un maître ingénieux, il témoigne avec éloquence de la valeur d’un style propre.

La peinture romane en Hongrie, en Bohême et en Slovaquie

Historiquement, la Hongrie a sans doute joué le rôle le plus intéressant dans le développement de l’art roman. Ses églises sont importantes du point de vue de l’architecture romane et de la sculpture, mais elles ont en grande partie perdu la peinture qu’elles possédaient sans doute autrefois, et qui devait être marquée par l’influence orientale.

Quelques exemples ont été conservés, dont une peinture dans l’église inférieure de Feldebro, où les bustes du Christ et des saints et les sacrifices de Caïn et d’Abel sont d’un style résolument roman occidental.

En Tchécoslovaquie, un ensemble très complet de peintures, datant d’environ 1134, recouvre entièrement les murs et la coupole de la chapelle ronde dédiée à Sainte Catherine dans le château de Znojmo.

La partie inférieure représente des scènes de la vie de Jésus, et au-dessus une série très intéressante de scènes de la légende de Przemysl. Le centre de la coupole est occupé par la colombe du Saint-Esprit, et autour d’elle, quatre séraphins alternent avec les quatre évangélistes qui écrivent, chacun sous un symbole différent. Dans la partie inférieure de la coupole, entre le centre de la coupole et les murs, le roi Vratislav et dix-huit chevaliers de sa famille sont représentés sous les arcades. L’ensemble est splendide, dans un style libre et expressif, résolument roman.

A Starý Boleslav, l’église Saint-Clément (XIIe siècle) est décorée dans la partie supérieure du mur ouest de scènes de la légende de saint Clément, pape, avec une frise de méandres, tandis que la partie inférieure est couverte de grands médaillons ronds dans lesquels sont représentées des figures féminines auréolées, probablement allégoriques.

Toujours en Tchécoslovaquie, à Albrechtice, les fresques de l’abside de l’église Saint-Pierre et Saint-Paul (seconde moitié du XIIe siècle) ont été restaurées, à l’exception de quelques fragments qui comprennent la figure d’un prêtre devant l’autel avec deux assistants.

On peut encore mentionner à Prague un ange de plein visage dans une niche de l’église Saint-Pierre, et à Rovno, dans l’abside de l’église Saint-Jacques, le Christ dans une mandorle soutenu par des anges, avec la mission des apôtres autour, et au-dessous, la Vie de saint Jacques ; dans la nef, la Vie de Jésus.

La peinture romane au Danemark et en Suède

A l’exception du groupe byzantin de Gotland, grand centre de commerce avec Novgorod (voir d’ailleurs L’école iconographique de Novgorod (vers 1100-1500), la peinture romane en Scandinavie présente un lien évident avec la Grande-Bretagne d’une part et l’Allemagne d’autre part. Il en va de même pour l’architecture et la sculpture. Les églises en bois étaient très simples et sans prétention. Malheureusement, seuls quelques exemples nous sont parvenus, comme les panneaux du musée de Stockholm, qui appartenaient peut-être à l’autel et ne faisaient probablement pas partie de la décoration murale.

Seules les églises construites en pierre ou en maçonnerie ont parfois conservé leur décoration. Des deux plus anciens exemples danois, la cathédrale romane de Roskilde a disparu et a été remplacée par un édifice plus récent, et des fresques de l’église royale de Jellinge il ne reste que des copies. Cependant, on peut trouver quelque chose de leur art, bien que dans un style plus rigide et archaïque, dans les vestiges de Tamdrup et d’Orreslev (tous deux vers 1125), où les sacrifices de Caïn et d’Abel sous le médaillon du Christ sont représentés à l’intérieur de l’arc de triomphe. Ce type d’art vigoureux, avec ses lignes fortes et ses motifs géométriques, se retrouve également dans les églises de Kirke-Hillonge-Saeby et de Jorlunde.

Ferring contient un ensemble très curieux de peintures basées sur des traditions anciennes et traitées dans le style populaire.

En outre, il subsiste un certain nombre de fresques, peintes jusqu’au milieu du XIIe siècle, dans lesquelles sont mélangés divers éléments. L’utilisation fréquente dans l’ornementation de larges bandes avec des motifs en méandres d’origine classique, la prédominance de scènes avec des figures rigides et stylisées, presque géométriques, sont caractéristiques de tout un groupe d’églises : St. Ibsa de Roskilde, St. Ibs de Roskilde, Hildebrand, Todbjarg, Raasted, Sindbjarg, Faarup, Fjenneslev, Maalov, Skibet - la fresque des cavaliers y est l’un des chefs-d’œuvre de la peinture romane - et bien d’autres encore.

Dans un autre groupe d’églises plus tardives - à Sostrup, Aala, Farup, Wislev - des contacts avec le byzantinisme insulaire et germanique sont plus ou moins clairement perceptibles.

Les fresques romanes de Suède peuvent être divisées en deux groupes : celles de la partie méridionale du pays - la Scanie (qui fut pendant des siècles annexée au Danemark) - et celles du nord. Malheureusement, la plupart d’entre elles ont souffert des restaurations du XIXe siècle. Parmi elles, les églises de Va, Ovrabi, Lakalanga, Finja et Vinslov.

Les peintures romanes se trouvent dans certaines des plus anciennes églises et cathédrales et dans les meilleurs musées d’art du monde.

Sur les styles ultérieurs, voir : Manuscrits gothiques enluminés, puis les Illuminations gothiques internationales, plus décoratives et plus courtoises .