Romantisme: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire

Malgré les premiers efforts de pionniers tels que El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) et Claude Lorrain (1604-1682), le style que nous connaissons sous le nom de romantisme n’a pas pris de l’ampleur avant la fin du XVIIIe siècle, lorsque l’élément héroïque du néoclassicisme a commencé à jouer un rôle central dans la peinture . Cet élément héroïque, combiné à l’idéalisme révolutionnaire, a donné naissance au style romantique émotionnel qui a émergé après la Révolution française comme une réaction contre l’art académique restreint de l’establishment artistique.

Les principes du romantisme comprennent un retour à la nature - illustré par l’accent mis sur la peinture spontanée en plein air - une croyance en la bonté de l’humanité, la promotion de la justice pour tous, et une forte croyance dans les sentiments et les émotions plutôt que dans la raison et l’intellect. Les peintres et sculpteurs romantiques ont cherché à exprimer une réponse personnelle émotionnelle à la vie, en contraste avec la retenue et les valeurs universelles prônées par l’art néoclassique. Les architectes du XIXe siècle ont également cherché à exprimer un sens du romantisme dans leurs projets de construction : voir, par exemple, L’architecture victorienne (1840-1900).

Parmi les plus grands artistes romantiques, citons Heinrich Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), J. M. W. Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Théodore Géricault (1791-1824) et Eugène Delacroix (1798-63). L’art romantique n’a pas supplanté le style néoclassique, mais a plutôt servi de contrepoids à son austérité et à sa rigidité. Bien que le romantisme ait connu un déclin vers 1830, son influence a duré longtemps. Pour voir le rôle que la peinture romantique a joué dans l’évolution de l’art au XIXe siècle, voir : Du réalisme à l’impressionnisme (1830-1900).

Les origines

Après la Révolution française de 1789, d’importants changements sociaux se produisent en l’espace d’une génération. L’Europe est secouée par des crises politiques, des révolutions et des guerres. Lorsque les dirigeants des nations se réunissent au Congrès de Vienne (1815) pour réorganiser les affaires européennes après les guerres napoléoniennes, il apparaît clairement que les espoirs des peuples en matière de «liberté, d’égalité et de fraternité» n’ont pas été comblés. Cependant, au cours de ces 25 années tumultueuses, de nouvelles idées et attitudes se sont imposées dans l’esprit des gens.

Le respect de l’individu, de la personne responsable, qui était déjà un élément clé de la peinture néoclassique, a donné naissance à un phénomène nouveau mais connexe : l’intuition émotionnelle. Ainsi, le néoclassicisme froid et rationnel est désormais confronté aux émotions et à l’imagination individuelle qui en découle. Au lieu de louer le stoïcisme et la discipline intellectuelle de l’individu (néoclassicisme), les artistes ont commencé à louer l’intuition émotionnelle et la perception de l’individu (romantisme). Au début du 19e siècle, on assiste donc à l’émergence d’une grande variété de styles, qui s’appuient chacun sur des caractéristiques nationales, et qui sont tous regroupés sous le nom de «Romantisme».

Le mouvement a débuté en Allemagne, où il était principalement motivé par un sentiment de lassitude du monde (» Weltschmerz»), un sentiment d’isolement et une nostalgie de la nature. Plus tard, les tendances romantiques se sont également manifestées dans la peinture anglaise et française.

Pour d’autres tendances stylistiques historiques importantes similaires au romantisme, voir Mouvements artistiques et écoles (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

Le romantisme allemand (1800-1850)

En Allemagne, la jeune génération d’artistes réagit au changement d’époque par un processus d’introspection : elle se retire dans un monde d’émotions - inspirée par une nostalgie sentimentale des temps passés, comme l’époque médiévale, qui est désormais perçue comme une époque où les gens vivaient en harmonie avec eux-mêmes et avec le monde. Dans ce contexte, le tableau «Cathédrale gothique au bord de l’eau» de Carl Friedrich Schinkel était aussi important que les œuvres «des Nazaréens» - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld et Franz Pforr, qui s’inspiraient des traditions picturales de la première Renaissance italienne et de l’art allemand de l’époque d’Albrecht Dürer.

Dans leurs souvenirs du passé, les artistes romantiques sont très proches du néoclassicisme, sauf que leur historicisme critique les attitudes rationalistes du néoclassicisme. En d’autres termes, les artistes néoclassiques font appel au passé pour justifier leur préférence pour des individus responsables et rationnels, tandis que les romantiques font appel au passé pour justifier leurs intuitions émotionnelles irrationnelles.

Le mouvement romantique a promu «l’intuition créatrice et l’imagination» comme base de tout art. L’œuvre d’art devient ainsi l’expression d’une voix intérieure», comme le dit le principal artiste romantique Caspar David Friedrich (1774-1840). Mais cette nouvelle subjectivité (contrairement à la subjectivité de l’ère moderne) n’impliquait pas un mépris pour l’étude de la nature ou l’art de la peinture. Au contraire, les peintres romantiques ont préservé les traditions académiques de leur art, et leurs qualités picturales représentent toujours le point culminant de l’art occidental.

Le genre préféré des romantiques était la peinture de paysage . La nature était considérée comme le miroir de l’âme et, dans une Allemagne soumise à des restrictions politiques, elle était également perçue comme un symbole de liberté et d’illimité. L’iconographie de l’art romantique comprend donc des figures solitaires dans la campagne qui regardent longuement au loin, ainsi que des motifs vanitas, tels que des arbres morts et des ruines envahies par la végétation, qui symbolisent le caractère éphémère et la finitude de la vie. Des motifs similaires de la peinture de vanité se retrouvaient auparavant dans l’art baroque : en effet, les artistes romantiques ont directement emprunté aux maîtres baroques le traitement pictural de la lumière avec ses effets d’ombre et de lumière. Dans le romantisme, l’artiste jette son regard subjectif sur le monde objectif et nous montre une image filtrée par son ressenti.

Lorsque la Restauration européenne est déclenchée par les Résolutions de Carlsbad (1819) et que la persécution des démagogues commence, l’appétit pour le romantisme allemand est déjà retombé et la rébellion a été remplacée par la soumission et la désillusion. Les aspirations libératrices du romantisme allemand sont écartées au profit des aspirations de la Restauration.

Face à ce conservatisme politique, l’artiste-citoyen se retire dans son idylle privée, donnant naissance à la période Biedermeier (1815-1848) du romantisme tardif, illustrée par les œuvres de Moritz von Schwind (1804-1871), Adrian Ludwig Richter (1803-1884) et Carl Spitzweg (1805-1885). Spitzweg est peut-être le représentant le plus remarquable du style Biedermeier : les scènes familiales narratives et anecdotiques sont ses sujets picturaux préférés, bien que ses peintures gaies et paisibles aient une signification plus profonde. Derrière la gentillesse innocente se cache une satire du matérialisme de la bourgeoisie allemande. Voir aussi : Art allemand, XIXe siècle .

Romantisme espagnol (1810-30)

Francisco de Goya (1746-1828) est le chef de file incontesté du mouvement artistique romantique en Espagne, affichant un penchant naturel pour les œuvres irrationnelles, imaginatives, fantastiques et horrifiques. En 1789, il était fermement établi en tant qu’artiste officiel de la cour royale espagnole. Malheureusement, vers 1793, il est frappé par une grave maladie qui le laisse sourd et renfermé. Pendant sa convalescence (1793-1794), il exécute une série de 14 petites peintures sur étain connues sous le nom de «Fantaisies et inventions», qui marquent un changement complet de style, dépeignant un monde dramatique de fantasmes et de cauchemars. En 1799, il publie un ensemble de 80 gravures intitulé Los Caprichos, qui commente les différents comportements humains à la manière de William Hogarth. En 1812-15, après la guerre napoléonienne, il réalise une série d’aquatintes intitulée «Les désastres de la guerre», représentant des scènes du champ de bataille de manière inquiétante et sombre.

Ces gravures sont restées inédites jusqu’en 1863. En 1814, pour commémorer le soulèvement espagnol contre les troupes françaises à la Puerta del Sol à Madrid et la fusillade d’Espagnols désarmés soupçonnés de complicité, Goya réalise l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre, «Le Troisième Mai 1808» (1814, Prado, Madrid). Un autre chef-d’œuvre est le «Colosse» (1808-12, Prado, Madrid). Après 1815, Goya se replie de plus en plus sur lui-même. Sa série de 14 tableaux connus sous le nom de Peintures noires (1820-23), dont Saturne dévorant son fils (1821, Prado, Madrid), offre un aperçu extraordinaire du monde de sa fantaisie et de son imagination personnelles.

Le romantisme français (1815-1850)

En France, comme dans le reste de l’Europe, les guerres napoléoniennes se terminent par l’expulsion de Napoléon et la vague réactionnaire des politiques de la Restauration. La république française redevient une monarchie. Dans le domaine des arts visuels, tout cela conduit à un formidable essor du romantisme, encore freiné par la domination des néoclassiques tels que le peintre politique Jacques Louis David (1748-1825) et d’autres membres dirigeants de l’Académie française, qui règnent sans partage. Plus larges que leurs homologues allemands, les peintres romantiques français ne se limitent pas au paysage et aux rares peintures de genre, mais explorent également le portrait et la peinture d’histoire .

Un autre courant du romantisme du XIXe siècle exploré par les artistes français est la peinture orientaliste, généralement des scènes de genre d’Afrique du Nord. Parmi les meilleurs représentants, on trouve l’académicien Jean-Léon Jérôme (1824-1904), et le plus audacieux Eugène Delacroix.

Le premier grand peintre romantique en France est le meilleur élève de Jacques-Louis David, Antoine-Jean Gros (1771-1835). Chroniqueur des campagnes napoléoniennes et portraitiste habile, Gros est associé au style académique de la peinture, bien qu’il ait également exercé une influence significative sur Géricault et Delacroix.

Théodore Géricault (1791-1824) est un important pionnier du mouvement artistique romantique en France. Son chef-d’œuvre «Le Radeau de la Méduse» (1819, Louvre) fut le scandale du Salon de Paris de 1820. Jusqu’alors, aucun artiste n’avait représenté l’horreur de manière aussi graphique. L’impact du tableau est d’autant plus fort qu’il s’inspire d’une catastrophe réelle. La composition puissamment construite de Géricault ébranle de manière décisive la peinture calculatrice et intellectuelle du néoclassicisme académique.

La tridimensionnalité des personnages, combinée au positionnement minutieux du radeau, avec son désespoir symbolique. Cette représentation symbolique du naufrage (aspirations politiques populaires) confère au tableau la même dramatisation que celle qui caractérisait l’œuvre des anciens maîtres baroques tels que Rubens et Vélasquez. Géricault a également adopté une approche romantique pour ses célèbres portraits de pensionnaires d’asile.

Eugène Delacroix (1798-1863), qui deviendra plus tard le chef de file du romantisme français, suit les traces de Géricault après la mort prématurée de ce dernier en peignant des tableaux dont les couleurs vives et le coup de pinceau rapide sont destinés à stimuler les émotions et à remuer l’âme. Ce faisant, il a délibérément renouvelé le débat séculaire sur la primauté du dessin ou de la composition des couleurs. Delacroix opposait à ce qu’il considérait comme «l’obtusité» néoclassique, illustrée selon lui par Jean Auguste Dominique Engr (1780-1867) et l’Académie française conservatrice, un mouvement dynamique et une composition basée sur la couleur qui n’étaient pas sans rappeler l’œuvre de Titien ou de Rubens. Son chef-d’œuvre dans le style romantique est «La Liberté guidant le peuple» («La Liberté sur les barricades», 1830, Louvre), peint à l’occasion de la Révolution de 1830.

Delacroix était également un admirateur passionné de la couleur en peinture, en particulier de l’interaction de la couleur et de la lumière. Il trouvait que "la chair n’a sa vraie couleur qu’en plein air, et surtout au soleil. Si un homme a la tête à la fenêtre, il est tout à fait différent de ce qu’il est dans une chambre ; c’est là que réside la folie des études d’atelier qui cherchent à reproduire la mauvaise couleur".

L’un des résultats importants de ses recherches a été la découverte que des nuances de couleurs pouvaient être produites en mélangeant des couleurs primaires complémentaires, un fait qui a été repris avec grand intérêt par les impressionnistes. Delacroix lui-même a été fortement influencé par John Constable, le grand peintre paysagiste anglais, qui a également eu une grande influence sur les peintres «de l’école de Barbizon» près de Fontainebleu, qui se sont consacrés dans les années 1830 à la peinture en plein air.

D’autres artistes français travaillant dans la tradition romantique comprennent : Pierre-Paul Prudon (1758-1823), Anne-Louis Giraudet-Trioson (1767-1824), François Gérard (1770-1837), Georges Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) et Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Le peintre historique classique Paul Delaroche (1797-1856) est un cas inhabituel. Il s’est spécialisé dans les scènes historiques mélodramatiques, impliquant généralement la royauté anglaise, comme L’exécution de Lady Jane Grey (1833, National Gallery, Londres). Il a joui d’une grande popularité de son vivant et a fait fortune en vendant des reproductions de ses peintures.

En Amérique, la tradition romantique de Delacroix en matière de peinture d’histoire a été maintenue par le peintre germano-américain Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), dont le chef-d’œuvre est «Washington traversant le Delaware» (1851, Metropolitan Museum of Art, New York).

Le romantisme en Angleterre (c. 1820-1850)

John Constable (1776-1837) appartient à la tradition anglaise du romantisme, qui rejette les compositions marquées par une idéalisation exacerbée de la nature, comme celles de Caspar David Friedrich, au profit du naturalisme du baroque hollandais du XVIIe siècle, et de Claude Lorrain (1604-1682). Cette tradition a cherché à trouver un équilibre entre (d’une part) une profonde sensibilité à la nature et (d’autre part) les progrès de la science de la peinture et du dessin. Les études systématiques du ciel et des nuages dans les années 1820, qui caractérisent l’œuvre de Constable, sont un exemple de ces dernières. Son observation précise de la nature l’a conduit à ignorer la signification traditionnelle de la ligne et à construire ses œuvres à partir de taches de couleur libres

Cette libération de la couleur est particulièrement caractéristique de la peinture de William Turner (1775-1851). Pour Turner, peut-être le plus grand des peintres romantiques anglais, l’observation de la nature n’est qu’un élément dans la réalisation de ses propres ambitions picturales. L’atmosphère de ses tableaux n’est pas tant créée par ce qu’il peint que par la manière dont il peint, en particulier la façon dont il utilise la couleur et le pinceau. Nombre de ses toiles sont peintes à l’aide de touches rapides. Des empâtements épais alternent avec des peintures minces alla prima, une peinture tonale avec de forts contrastes de lumière et d’obscurité.

Il faut souvent un certain temps pour que le sujet représenté émerge de ce tourbillon d’impressions de couleur et de matière. Ainsi, par exemple, dans son tableau «Snowstorm : Steamboat at the Harbour Mouth (1842, Tate, Londres), Turner n’a pas cherché à représenter la neige et le vent qui s’engouffrent, mais les a traduits dans le langage de la peinture. En cela, Turner est un précurseur important de la peinture abstraite moderne.

Son art a eu une influence plus directe sur les impressionnistes qui, contrairement aux peintres romantiques, étaient des réalistes - ils ne s’intéressaient pas aux visions de la lumière qui renforçaient l’expression, mais aux effets réels de la lumière dans la nature. Ce mouvement vers le réalisme est apparu vers 1850. À cette époque, un fossé de plus en plus profond se creuse entre l’émotion et la réalité. Les romantiques, y compris des groupes tels que les préraphaélites, se sont concentrés sur l’émotion, la fantaisie et les mondes créés artistiquement - un style très en phase avec l’époque de l’art victorien (1840-1900) - un bel exemple étant les très populaires portraits sentimentaux de chiens de Sir Edwin Landseer (1802-1873). En comparaison, les réalistes poursuivent un style plus naturaliste, embrassant des styles aussi divers que le réalisme français (avec des thèmes socialement pertinents) et l’impressionnisme.

Parmi les autres artistes romantiques anglais figurent William Blake (1757-1827) et John Martin (1789-1854).

L’influence du romantisme

Le style de peinture romantique a stimulé l’émergence de nombreuses écoles telles que : l’école de Barbizon des paysages de plein air, l’école des paysagistes de Norwich ; les Nazaréens, un groupe de peintres catholiques allemands et autrichiens ; le symbolisme (par exemple Arnold Bocklin 1827-1901) et le mouvement de l’Esthétisme.

Les représentants les plus influents du romantisme figuratif anglais à l’époque victorienne étaient les membres de la confrérie préraphaélite, cofondée par William Holman Hunt (1827-1910) et Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), connus pour «L’Annonciation» et d’autres œuvres. Parmi les autres artistes associés au mouvement, citons John Everett Millais (1829-1896), surtout connu pour sa peinture romantique «Ophélie», Edward Burne-Jones (1833-1898), peintre éminent, créateur de vitraux et de tapisseries pour William Morris & ; Co, et John William Waterhouse (1849-1917), qui a créé le célèbre tableau «Lady Shalott».

Un autre groupe important d’artistes romantiques est l’école de peinture paysagère de l’Hudson River, active entre 1825 et 1875. Elle a été lancée par Thomas Doughty, dont les compositions calmes ont grandement influencé les artistes suivants de l’école. Parmi les autres membres de l’école, citons Thomas Cole (paysages dramatiques et vivants), Asher B Durand, Frederick Edwin Church, J F Kensett, S F Morse, Henry Inman et Jasper Cropsey. Un sous-groupe d’artistes de la rivière Hudson a introduit le style Luminisme, actif dans les années 1850-75. Les paysages luministes, illustrés par les œuvres de Frederick Church, Albert Bjerstadt, et du peintre de la frontière du Missouri George Caleb Bingham (1811-1879), se caractérisent par des effets de lumière intenses, souvent dramatiques, un style que l’on retrouve également dans les œuvres d’une beauté fantomatique de Whistler, telles que «Crepuscule in Flesh and Green, Valparaiso» (1866) et «Nocturne : Bleu et argent - Chelsea (1871).

Les plus grands tableaux romantiques

Les œuvres du romantisme sont exposées dans un grand nombre des plus grands musées d’art du monde. Voici une courte liste d’œuvres sélectionnées.

Carl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Cathédrale gothique au bord de l’eau (1813) Musée national de Berlin.
John Constable (1776-1837)

Le métier à foin (1821) National Gallery, Londres.
J. M. W. Turner (1775-1851)
La bataille de Temeraire (1838) National Gallery, Londres.
Navire négrier (1840) Musée des Beaux-Arts, Boston.
Bateau à vapeur à l’entrée du port (1842) Tate, Londres.
Pluie, vapeur, vitesse - Great Western Railway (1844) NG, Londres.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Paysage d’hiver (c.1811) National Gallery, Londres.
Homme et femme contemplant la lune (1824) National Gallery, Berlin.
Francisco Goya (1746-1828)
Troisième mai 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturne dévorant l’un de ses enfants (1821) Prado, Madrid.
William Blake (1757-1827)
La nuit de joie d’Enitharmon (1795) Tate Britain, Londres.
Satan attisant les anges rebelles (1800) Victoria and Albert Museum.
Théodore Géricault (1791-1824)
Radeau de la Méduse (1819) Louvre, Paris.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868)
Washington traversant le fleuve Delaware (1848) Metropolitan Museum of Art, New York.
Eugène Delacroix (1798-63)
Mort de Sardanapale (1827) Musée du Louvre.
La liberté guidant le peuple (1830) Musée du Louvre.
John Martin (1789-1854)
Le grand jour de sa colère (1853) Tate, Londres.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Commémoration de Mortefontaine (1864) Louvre, Paris.
Ville d’Avray (1867) National Gallery of Art, Washington.
Arnold Bocklin (1827-1901)
Marie-Madeleine pleurant le corps du Christ (1867) Kunstmuseum, Bâle.

Le néo-romantisme

Au début des années 1920, un groupe de peintres figuratifs est apparu à Paris, dont les peintures sombres ont rapidement été qualifiées de néo-romantiques. Parmi eux, un trio de natifs russes : Eugène Berman et son frère Leonid, et Pavel Chelitchev . Cependant, au moins dans les arts visuels britanniques, le terme néo-romantique désigne le style de paysage figuratif quasi-abstrait créé par Paul Nash (1889-1946) et Graham Sutherland (1903-1980) et d’autres à la fin des années 1930 et dans les années 1940. Inspirés en partie par les paysages visionnaires de William Blake et Samuel Palmer, les tableaux néo-romantiques comprenaient souvent des personnages, étaient généralement d’humeur sombre, mais faisaient parfois preuve d’une intensité saisissante. Parmi les autres néo-romantiques importants, citons Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper et Keith Vaughan.

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Chronologie et dates voir : CHRONOLOGIE DE L’HISTOIRE DE L’ART .

Pour des informations sur d’autres mouvements et périodes de l’art, voir : Histoire de l’art .