Romantisme: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire
Qu’est ce que le romantisme? – Les caractéristiques
Malgré les premiers efforts de pionniers comme El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) et Claude Lorrain (1604-82), le style que nous connaissons comme le romantisme ne prit pas de l’ampleur avant la fin du XVIIIe siècle, lorsque l’élément héroïque du néoclassicisme se vit confier un rôle central. La peinture. Cet élément héroïque, associé à l’idéalisme révolutionnaire, a donné naissance à un style romantique et émotif, qui a émergé à la suite de la Révolution française en réaction à la contrainte art académique de l’établissement artistique. Les principes du romantisme incluaient: un retour à la nature – illustré par l’accent mis sur la peinture en plein air spontanée – une croyance en la bonté de l’humanité, la promotion de la justice pour tous et une croyance forte en les sens et les émotions plutôt qu’en la raison et intellect. Les peintres et les sculpteurs romantiques avaient tendance à exprimer une réaction personnelle émotive à la vie, contrastant avec la retenue et les valeurs universelles prônées par Art néoclassique. Les architectes du 19ème siècle ont eux aussi cherché à exprimer un sens du romantisme dans la conception de leurs bâtiments: voir, par exemple, Architecture victorienne (1840-1900).
Parmi les plus grands peintres romantiques figuraient Henry Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Gericault (1791-1824) et Eugene Delacroix (1798-63). L’art romantique n’a pas déplacé le style néoclassique, mais a plutôt compensé la sévérité et la rigidité de ce dernier. Bien que le romantisme ait diminué vers 1830, son influence se poursuivit longtemps après. NOTE: Pour voir le rôle joué par la peinture romantique dans l’évolution de l’art du XIXe siècle, voir: Réalisme à impressionnisme (1830-1900).
Origines
Après la Révolution française de 1789, un changement social important s’est produit en une seule génération. L’Europe a été secouée par les crises politiques, les révolutions et les guerres. Lorsque les dirigeants se sont réunis au Congrès de Vienne (1815) pour réorganiser les affaires européennes après les guerres napoléoniennes, il est devenu évident que les aspirations des peuples à la «liberté, à l’égalité et à la fraternité» ne s’étaient pas concrétisées. Cependant, au cours de ces 25 années d’agitation, de nouvelles idées et de nouvelles attitudes ont envahi l’esprit des hommes.
Le respect de l’individu, de l’être humain responsable, qui était déjà un élément clé de la Peinture néoclassique, avait donné lieu à un phénomène nouveau mais apparenté – l’intuition émotionnelle. Ainsi, le néoclassicisme raisonnable et rationnel était maintenant confronté à l’émotion et à l’imagination individuelle qui en découlait. Au lieu de louer le stoïcisme et la discipline intellectuelle de l’individu (néoclassicisme), les artistes ont également commencé à célébrer l’intuition émotionnelle et la perception de l’individu (romantisme). Ainsi, au début du XIXe siècle, divers styles ont commencé à émerger – chacun étant façonné par des caractéristiques nationales – et relèvent tous du "romantisme".
Le mouvement a débuté en Allemagne où il était motivé en grande partie par un sentiment de lassitude vis-à-vis du monde (" Weltschmerz "), un sentiment d’isolement et un désir ardent de la nature. Plus tard, des tendances romantiques sont également apparues dans la peinture anglaise et française.
REMARQUE: pour d’autres tendances stylistiques historiques importantes telles que le romantisme, voir Mouvements d’art et écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Romantisme allemand (1800-1850)
En Allemagne, la jeune génération d’artistes a réagi à l’évolution des temps par un processus d’introspection: elle s’est retirée dans le monde des émotions, inspirée par une aspiration sentimentale aux temps passés, telle que l’époque médiévale, désormais perçue comme une époque. dans lequel les hommes avaient vécu en harmonie avec eux-mêmes et avec le monde. Dans ce contexte, le tableau Cathédrale gothique au bord de l’eau de Karl Friedrich Schinkel était tout aussi important que les œuvres de Nazaréens ’- Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld et Franz Pforr – qui s’inspirent des traditions picturales de la première Renaissance italienne et de l’art allemand du siècle d’Albrecht Durer. Dans leur souvenir du passé, les artistes romantiques étaient très proches du néoclassicisme, à la différence que leur historisme était critique à l’égard de l’attitude rationaliste du néoclassicisme. Pour le dire simplement, les artistes néoclassiques se sont tournés vers le passé pour affirmer leur préférence pour des individus responsables et rationnels, tandis que les romantiques se sont tournés vers le passé pour justifier leur intuition émotionnelle non rationnelle.
Le mouvement romantique a promu «l’intuition créatrice et l’imagination» comme base de tout art. Ainsi, l’œuvre d’art est devenue l’expression d’une "voix de l’intérieur", en tant que principal peintre romantique Caspar David Friedrich (1774-1840) le dit. Mais cette nouvelle subjectivité (contrairement à celle de l’époque contemporaine) n’entraînait pas la négligence de l’étude de la nature ni de l’artisanat de la peinture. Au contraire: les artistes romantiques ont conservé les traditions académiques de leur art. En effet, leurs qualités picturales représentent encore un sommet de l’art occidental.
Le genre préféré des romantiques était peinture de paysage. La nature était considérée comme le miroir de l’âme, alors que dans l’Allemagne politiquement restreinte, elle était également considérée comme un symbole de liberté et d’infini. Ainsi, l’iconographie de l’art romantique comprend des personnages solitaires installés à la campagne, regardant au loin avec lointaine distance, ainsi que des motifs de vanité tels que des arbres morts et des ruines envahies par la végétation, symbolisant la fugacité et la nature finie de la vie. Similaire peinture de vanité motifs avaient déjà eu lieu dans Art baroque : en effet, les peintres romantiques ont emprunté le traitement pictural à la lumière, avec ses effets ténébristes de lumière et d’ombre, directement des maîtres baroques. Dans le romantisme, le peintre jette un regard subjectif sur le monde objectif et nous montre une image filtrée à travers sa sensibilité.
Au moment où la restauration européenne a été lancée par les résolutions de Carlsbad (1819) et que la persécution des démagogues a commencé, l’appétit pour le romantisme allemand s’est déjà estompé et la rébellion a été remplacée par la démission et la déception. Les aspirations émancipatrices du romantisme allemand sont abandonnées au profit de celles de la Restauration. Face à un tel conservatisme politique, l’artiste-citoyen s’est retiré de son idylle privée, marquant le début de la période Biedermeier (1815-1848) du romantisme tardif, illustré par les œuvres de Moritz von Schwind (1804-71), Adrian Ludwig Richter (1803-1884), et Carl Spitzweg (1805-1885). Spitzweg était peut-être le représentant exceptionnel de la Style Biedermeier : la narration, des scènes de famille anecdotiques figuraient parmi ses thèmes picturaux préférés, bien que ses peintures gaies et pacifiques aient un sens plus profond. Derrière sa beauté innocente, il fait la satire du matérialisme de la bourgeoisie allemande. Voir également: Art allemand, XIXe siècle.
Romantisme espagnol (1810-30)
Francisco de Goya (1746-1828) était le leader incontesté du mouvement artistique romantique en Espagne, faisant preuve d’un flair naturel pour les œuvres d’irrationnel, d’imagination, de fantaisie et de terreur. En 1789, il est fermement établi comme peintre officiel de la cour royale espagnole. Malheureusement, vers 1793, il fut atteint d’une maladie grave qui le rendit sourd et le fit retirer. Au cours de sa convalescence (1793-1794), il exécuta une série de 14 petites peintures sur étain, connues sous le nom de Fantasy and Invention, qui marquent un changement de style complet, illustrant un monde dramatique de fantaisie et de cauchemar. En 1799, il publia une série de 80 eaux-fortes intitulée Los Caprichos, qui commentait divers comportements humains à la manière de William Hogarth. En 1812-1815, au lendemain de la guerre napoléonienne, il achève une série d’estampes à l’aquatinte appelées The Disasters of War, illustrant des scènes du champ de bataille de manière inquiétante et macabre. Les tirages sont restés inédits jusqu’en 1863. En 1814, en commémoration de l’insurrection espagnole contre les troupes françaises à la Puerta del Sol de Madrid et de la fusillade d’Espagnols non armés soupçonnés de complicité, Goya réalisa l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre: Le trois mai 1808 (1814, Prado, Madrid). Un autre chef d’oeuvre est Le colosse (1808-12, Prado, Madrid). Après 1815, Goya se retire de plus en plus. Sa série de 14 tableaux appelés Black Paintings (1820-1823), comprenant Saturne dévorant son fils (1821, Prado, Madrid), offre un aperçu extraordinaire de son monde imaginaire et imaginaire.
Romantisme français (1815-1850)
En France, comme dans une grande partie de l’Europe, les guerres napoléoniennes se sont soldées par un exil pour Napoléon et une vague de politiques de restauration réactionnaires. La république française est redevenue une monarchie. En termes de beaux-arts, tout cela a fortement stimulé le romantisme, jusqu’ici limité par la domination de néoclassicistes tels que le peintre politique. Jacques Louis David (1748-1825) et d’autres membres dirigeants du Académie Française qui avait régné sans contestation. Plus larges que leurs homologues allemands, les artistes romantiques français ne se limitent pas au paysage et aux peinture de genre, mais aussi exploré portrait d’art et peinture d’histoire.
Un autre volet du romantisme du 19ème siècle exploré par des artistes français était Peinture orientaliste, typiquement des scènes de genre en Afrique du Nord. L’académicien comptait parmi les meilleurs représentants. Jean-Léon Gérôme (1824-1904) ainsi que le plus non-conformiste Eugene Delacroix.
Le premier grand peintre romantique en France fut le meilleur élève de Jaques-Louis David – Antoine-Jean Gros (1771-1835). Chroniqueur des campagnes de Napoléon et portraitiste accompli, Gros est associé au style académique de la peinture, bien qu’il exerce également une influence notable sur Géricault et Delacroix.
Theodore Gericault (1791-1824) fut un important pionnier du mouvement artistique romantique en France. Son chef-d’œuvre Radeau de la Méduse (1819, musée du Louvre) était le scandale des années 1820 Salon de Paris. Aucun peintre jusque-là n’avait dépeint l’horreur de manière aussi graphique. L’impact de la peinture était d’autant plus efficace qu’il reposait sur un véritable désastre. La composition puissamment arrangée de Gericault sapait avec force la peinture calculée et intellectuelle du néoclassicisme académique. La tridimensionnalité des figures, alliée à la disposition minutieuse du radeau, au désespoir symbolique. Cette représentation symbolique d’un naufrage (d’aspirations politiques populaires) confère à la peinture le même drame que celui qui a caractérisé les œuvres de maîtres anciens baroques tels que Rubens et Velazquez. Géricault a également adopté une approche romantique de ses célèbres portraits de détenus de l’asile.
Eugene Delacroix (1798-1863), qui deviendra plus tard le chef du romantisme français, suivit les traces de Gericault après sa disparition précoce en peignant des tableaux dont les couleurs vives et le travail au pinceau impétueux étaient conçus pour stimuler les émotions et éveiller l’âme. Ce faisant, il a délibérément ravivé l’argument séculaire sur la primauté du dessin ou de la composition des couleurs. Delacroix a contré ce qu’il considérait comme une "matité néoclassique" – en ce qui le concernait, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) et l’Académie française conservatrice – avec un mouvement dynamique et une composition à base de couleurs assez semblable à celle de Titian ou de Rubens. Son chef-d’œuvre dans le style romantique est La Liberté guidant le peuple (1830, Louvre), peint à l’occasion de la révolution de 1830.
Delacroix était aussi un étudiant passionné de couleur en peinture, en particulier l’interaction de la couleur et de la lumière. Il découvrit que "la chair n’a sa vraie couleur qu’en plein air, et particulièrement au soleil. Si un homme garde la tête contre la fenêtre, il en va tout autrement de la pièce; c’est la stupidité des études en studio, qui s’efforcent reproduire la mauvaise couleur ". L’un des résultats importants de ses études a été la découverte qu’il est possible de produire des nuances de couleur en mélangeant des couleurs primaires complémentaires, ce qui a été repris avec un grand intérêt par les impressionnistes. Delacroix fut lui-même fortement influencé par le grand artiste paysagiste anglais John Constable, qui eut également un impact considérable sur les peintres de «l’école de Barbizon», près de Fontainebleu, qui se consacrèrent à la peinture en plein air dans les années 1830.
Pierre-Paul Prud’hon (1758-1823), Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824), François Gérard (1770-1837), George Michel (1763-1843) comptent parmi les artistes français ayant œuvré dans la tradition du romantisme.), Antoine-Jean Gros (1771-1835) et Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Un cas inhabituel est le peintre d’histoire classique Paul Delaroche (1797-1856), spécialisé dans les scènes historiques mélodramatiques mettant en vedette la royauté anglaise, comme l’ exécution de Lady Jane Grey (1833, National Gallery, Londres). Immensément populaire au cours de sa vie, il a fait fortune en vendant des gravures de ses tableaux.
En Amérique, l’artiste germano-américain a maintenu la tradition de peinture de l’histoire romantique de Delacroix. Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868) dont le chef-d’œuvre est Washington Traversant le Delaware (1851, Metropolitan Museum of Art, New York).
Le romantisme en Angleterre (c.1820-1850)
John Constable (1776-1837) appartenait à une tradition anglaise du romantisme qui rejetait les compositions marquées par une idéalisation accrue de la nature, telles que celles de Caspar David Friedrich, en faveur du naturalisme du 17ème siècle Art baroque hollandais, ainsi que celle de Claude Lorrain (1604-82). Cette tradition recherchait un équilibre entre, d’une part, une sensibilité profonde à la nature et, d’autre part, des avancées de la science de la peinture et du dessin. Ces dernières ont été illustrées par les études systématiques du ciel et des nuages des années 1820 qui ont caractérisé le travail de Constable. L’observation précise de la nature l’a amené à faire abstraction de l’importance conventionnelle de la ligne et à construire ses œuvres à partir de zones de couleur libres.
Cette émancipation de la couleur est particulièrement caractéristique de la peinture de William Turner (1775-1851). Pour Turner, sans doute le plus grand des peintres anglais du romantisme, l’observation de la nature n’est qu’un élément dans la réalisation de ses propres ambitions picturales. L’ambiance de ses peintures est moins créée par ce qu’il a peint que par la manière dont il a peint, en particulier par la couleur et le pinceau. Beaucoup de ses toiles sont peintes avec des barres rapides. Épais empâtement alterne avec la peinture alla prima délicate, la peinture ton sur ton avec de forts contrastes de lumière et d’obscurité. L’objet représenté met souvent un certain temps à émerger de cette impression tourbillonnante de couleur et de matière. Ainsi, par exemple, dans son tableau Snowstorm: Un bateau à vapeur au large d’une embouchure d’un port (1842, Tate, Londres), Turner n’essayait pas de décrire la neige battante et le vent battant, mais les traduisait plutôt dans le langage de la peinture. Turner est en cela un important précurseur de la peinture abstraite moderne. Plus immédiatement, son art eut un impact considérable sur les impressionnistes, qui, contrairement aux peintres romantiques, étaient réalistes: ils ne s’intéressaient pas aux visions de la lumière qui renforçaient l’expressivité, mais aux véritables effets de lumière dans la nature. Ce mouvement vers le réalisme est apparu vers 1850. À ce stade, un fossé grandissant s’est ouvert entre émotion et réalité. Les romantiques, y compris des groupes comme le Préraphaélites, axé sur l’émotion, la fantaisie et les mondes créés de manière artistique – un style très en phase avec l’ère de Art victorien (1840-1900) – un excellent exemple étant les très populaires portraits sentimentaux de chiens de Sir Edwin Landseer (1802-1873). En comparaison, les réalistes adhéraient à un langage plus naturaliste, englobant des styles aussi divers que le réalisme français (avec des thèmes à conscience sociale) et l’impressionnisme.
Autres peintres romantiques anglais incluent William Blake (1757-1827) et John Martin (1789-1854).
Impact du romantisme
Le style de peinture romantique a favorisé l’émergence de nombreuses écoles, telles que: École de Barbizon de paysages en plein air, le École de paysagistes de Norwich ; les Nazaréens, un groupe de peintres catholiques allemands et autrichiens; Symbolisme (par exemple, Arnold Bocklin 1827-1901) et le mouvement de l’esthétisme.
Les représentants les plus influents du romantisme figuratif anglais à l’époque victorienne étaient les membres de la Fraternité préraphaélite, cofondée par William Holman Hunt (1827-1910) et par Dante Gabriel Rossetti (1828-82), noté pour l’Annonciation et d’autres travaux. Autres artistes associés au mouvement inclus: John Everett Millais (1829-96) connu pour sa peinture romantique Ophelia, Edward Burne-Jones (1833-1898), célèbre peintre, concepteur de vitraux et de tapisseries de William Morris & Co, et John William Waterhouse (1849-1917) qui a créé le célèbre tableau de la Dame de Shalott.
Un autre groupe important de peintres romantiques était le Hudson River School of Landscape Landscape, actif durant la période 1825-1875. Commencé par Thomas Doughty dont les compositions pacifiques ont grandement influencé les artistes de l’école, autres membres Thomas Cole (paysages dramatiques et vivants) Asher B Durand, Frederick Edwin Church, JF Kensett, SFB Morse, Henry Inman et Jasper Cropsey. Un sous-groupe d’artistes de Hudson River a introduit le style de Luminisme, actif entre 1850 et 1875. Paysages luministes – illustrés par ceux de Frederic E Church, Albert Bierstadt, et le peintre de la frontière du Missouri George Caleb Bingham (1811-1879) – se caractérisaient par des effets de lumière intenses, souvent dramatiques, un style visible également dans les œuvres d’une beauté obsédante Whistler, comme Crepuscule en couleur chair et vert, Valparaiso (1866) et Nocturne: bleu et argent – Chelsea (1871).
Les plus grandes peintures romantiques
Les œuvres du romantisme sont présentes dans beaucoup de meilleurs musées d’art autour du monde. Voici une courte liste de travaux sélectionnés.
Karl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Cathédrale gothique au bord de l’eau (1813) Staatliche Muzeen zu Berlin.
John Constable (1776-1837)
The Hay Wain (1821) Galerie nationale, Londres.
JMW Turner (1775-1851)
Combattant Temeraire (1838) National Gallery, London.
La traite négrière (1840), musée des beaux-arts, Boston.
Bateau à vapeur au large de la bouche d’un port (1842) Tate, Londres.
Pluie, vapeur, vitesse – Le Great Western Railway (1844) NG, Londres.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Paysage d’hiver (c.1811) National Gallery, London.
Homme et femme contemplant la lune (1824) Nationalgalerie, Berlin.
Francisco Goya (1746-1828)
Le trois mai 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturne dévorant un de ses enfants (1821) Prado, Madrid.
William Blake (1757-1827)
La nuit de la joie d’Enitharmon (1795) Tate Britain, London.
Satan suscitant les anges rebelles (1800) Victoria and Albert Museum.
Theodore Gericault (1791-1824)
Le radeau de la méduse (1819) du Louvre, Paris.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868)
Washington traversant le fleuve Delaware (1848) Metropolitan Museum, NY.
Eugene Delacroix (1798-63)
La mort de Sardanapalus (1827) Musée du Louvre.
La liberté guidant le peuple (1830) Musée du Louvre.
John Martin (1789-1854)
Le grand jour de sa colère (1853) Tate, Londres.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Mémoire de Mortefontaine (1864) Louvre, Paris.
Ville d’Avray (1867), Galerie d’art nationale, Washington DC.
Arnold Bocklin (1827-1901)
Marie-Madeleine endeuillée par le corps du Christ (1867) Kunstmuseum, Basel.
Néo-romantisme
À Paris, au début des années 1920, un groupe de peintres figuratifs fait son apparition. Leurs peintures somptueuses sont rapidement étiquetées néo-romantiques. Parmi eux se trouvaient le trio russe Eugène Berman et son frère Leonid , ainsi que Pavel Tchelitchew . Cependant, dans les beaux-arts britanniques au moins, le terme néo-romantique désigne le style imaginaire quasi abstrait du paysage créé par Paul Nash (1889-1946) et Graham Sutherland (1903-1980) et d’autres à la fin des années 1930 et 1940. Inspirés en partie par les paysages visionnaires de William Blake et de Samuel Palmer , les images néo-romantiques comportaient souvent des figures, leur humeur était généralement sombre, mais leur intensité était parfois frappante. Parmi les autres néo-romantiques importants figurent Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper et Keith Vaughan.
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