Art Russe: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Les plus anciens objets d’art en Russie remontent à l’âge de pierre. La plus ancienne œuvre d’art russe connue est la Vénus de Kostenki (vers 23 000-22 000 av. J.-C.), une sculpture sur os de mammouth. La figure féminine découverte à Kostenki (Kostenki) appartient à la culture gravettienne.

Une sculpture préhistorique similaire taillée dans une roche calcaire a été trouvée sur le même site. Parmi les autres pièces d’art préhistorique russe de l’époque gravettienne, on peut citer la Vénus de Gagarino (vers 20 000 av. J.-C.), la Vénus d’Avdeevskie (vers 20 000 av. J.-C.), et une sculpture en ivoire connue sous le nom de Vénus de Malte (20 000 av. J.-C.) provenant des environs du lac Baïkal, en Sibérie. L’art de la madeleine en Russie est représenté par les peintures rupestres de Kapova dans la réserve de Shulgan-Tash, Bashkortostan, dans le sud de l’Oural, et les céramiques du bassin du fleuve Amour (14 300 av. J.-C.).

L’art russe des âges du bronze et du fer

Près de deux mille ans avant que les Grecs n’étourdissent le monde civilisé avec leur architecture, leurs statues de marbre, leurs poteries, leur science et leur démocratie, et à peu près au même moment où les tribus britanniques et irlandaises construisaient leurs mégalithes à Newgrange et Stonehenge (voir aussi mégalithes à Newgrange et Stonehenge. art mégalithique), les bijoutiers et orfèvres russes de la région du Caucase créaient des pièces exquises en divers métaux précieux.

Un exemple de cet art de l’âge du fer est le célèbre taureau d’or de Maikop (2 500 av. J.-C., musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), qui a été découvert par des archéologues en 1897 près de l’extrémité nord des montagnes du Caucase. D’une hauteur d’environ 8 cm et fabriqué en or (selon la méthode de la fonte à la cire perdue), il a été retrouvé dans ce que l’on pense être une chambre funéraire royale. Un taureau en or et son double, ainsi que deux taureaux en argent, constituaient le quatuor de sculptures animales qui ornaient les quatre supports du baldaquin. Le taureau est minutieusement décoré de cercles concentriques sculptés entre des cornes incurvées, ainsi que de lignes soulignant les yeux, le nez, la bouche, les sabots et la queue.

Les historiens de l’art pensent que le Caucase a reçu ses connaissances et traditions artistiques de la Mésopotamie (l’Irak moderne), probablement via le Liban et la route commerciale maritime vers la mer Noire. Quinze siècles plus tard, c’est-à-dire vers l’an 1000 avant J.-C., le Caucase et les steppes du sud de la Russie ont été le théâtre de la première des nombreuses migrations tribales des Celtes vers l’Europe centrale et orientale. Le travail du métal était une spécialité des Celtes, même si, en tant que peuple pratique et semi-nomade, ils préféraient travailler le fer plutôt que l’or ou l’argent. Ce sont les armes de haute qualité fabriquées par leurs forgerons qui ont permis aux Celtes de s’établir sur le continent européen.

L’art russe byzantin

C’est en Russie que l’influence de l’art byzantin a été la plus durable ; la Russie n’a jamais connu de phase romane ou gothique, ni de Renaissance complète comme dans la plupart des pays européens. L’art byzantin est resté pratiquement inchangé en Russie malgré les guerres, les migrations raciales et près de deux siècles de joug mongol, jusqu’à ce qu’il prenne un caractère plus national sous les tsars moscovites au XVe siècle.

Même lorsque Pierre le Grand entreprit l’européanisation de la Russie au début du XVIIIe siècle, un style baroque apparut, dans lequel les monastères et les églises conservaient de nombreux éléments byzantins, tels que les groupes de dômes et les tours à toit pyramidal, que l’art russe avait adoptés des centaines d’années auparavant, reproduisant en pierre l’architecture locale en bois.

Après le déclin et la chute de Rome vers 450 après J.-C., le centre de la chrétienté s’est déplacé vers Byzance (Constantinople) dans l’actuelle Turquie. L’Église orthodoxe orientale, comme on l’appelait, est devenue le prochain grand mécène et sponsor des arts.

Lorsque le prince Vladimir de Kiev adopta le christianisme pour lui-même et ses sujets en 988, il commença également à engager des architectes byzantins pour construire ses églises et des artistes pour les décorer de magnifiques fresques et mosaïques . L’une des plus anciennes et des plus belles est la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev, conçue par Saint Vladimir et construite entre 1020 et 1037 par son fils Yaroslav. La cathédrale a été reconstruite dans le style baroque russe et ne donne plus aucune idée du plan original avec ses cinq nefs. Certes, elle ne pourra jamais rivaliser avec la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, mais avec sa coupole principale peu profonde et ses autres coupoles secondaires, ainsi que ses deux tours de flanquement sur la façade ouest, elle était à l’époque la plus belle et la plus riche des églises construites en Russie sous l’influence byzantine.

La plupart des églises étaient construites en bois, ce qui rendait la peinture à fresque peu pratique. Les images religieuses étaient donc peintes sur des panneaux de bois (icônes), généralement exposés sur un écran séparant le sanctuaire de la partie principale de l’église. Cet écran, caractéristique de l’art byzantin, s’est finalement transformé en iconostase, une cloison élaborée décorée d’ icônes . L’un des exemples les plus connus de cette première forme d’art iconographique est «Notre-Dame de Vladimir» (vers 1100), aujourd’hui conservée à la galerie Tretyakov à Moscou. (Pour plus d’informations sur les icônes, voir ci-dessous.)

Au début , la peinture médiévale russe suivait de près tous les développements byzantins. Les représentations de la Cène, par exemple, dans l’église du monastère de Saint-Michel à Kiev, achevée en 1108, présentent les mêmes figures allongées avec de petits visages qui sont caractéristiques de l’art byzantin de la même époque. Sur les fresques du monastère de Saint Cyrille, près de Kiev, fondé en 1140, des visages slaves apparaissent pour la première fois. Des éléments purement russes apparaissent plus clairement dans la miniature de cette période dès qu’elle cesse d’être exclusivement l’œuvre des Grecs.

Les différences sont nettes : des motifs animaux et végétaux réalistes apparaissent à côté des visages byzantins conventionnels, et les rouges et bleus vifs - couleurs toujours préférées en Russie - soulignent le caractère national de ces enluminures manuscrites, qui se poursuivent jusqu’au XIIIe siècle.

Le plus ancien qui puisse être qualifié de véritablement russe est l’Évangile d’Ostromirov de 1057, mais à cette époque, le style russe ne s’est pas développé davantage, car après 1054, le royaume de Kiev a éclaté en diverses principautés indépendantes et souvent hostiles.

L’art sous les Khans mongols

En 1222 , les Mongols, sous la direction de Gengis Khan, débarquent sur la côte sud de la Crimée et s’emparent de la partie méridionale de la péninsule ; en 1237, les Tartares mongols pénètrent dans le nord de la Russie, capturant et détruisant les villes d’Ayasan, de Vladimir, de Kolomna et de Moscou. En 1240, Tchernigov et Kiev sont prises, et en 1242, la Russie fait partie de l’Empire mongol de la Horde d’or.

Le khan Polovtsev, depuis sa capitale Saraï, située sur un affluent de la Volga (près de la ville moderne d’Astrakhan), dirigeait ses possessions russes en despote. Sous cette domination asiatique, l’art russe a subi de nombreuses influences, et pas seulement byzantines comme auparavant. Dans le grand empire mongol qui, dans la seconde moitié du XIIIe siècle, s’étendait de la mer de Chine aux frontières de la Pologne et de l’Himalaya à la Sibérie, les Mongols orientaux adoptèrent le bouddhisme et les Mongols occidentaux l’islam, de sorte qu’un flot d’art chinois, indien et islamo-persan se déversa sur le territoire de la Russie.

L’architecture islamique, à cette époque - surtout en Perse - acquiert des formes sensuelles adaptées au tempérament russe. Les arcs quadripartites, les dômes en forme de bulbe ou de cœur, les fenêtres aveugles et les niches sont désormais monnaie courante dans l’architecture russe. Les nouvelles toitures et coupoles aux couleurs vives peuvent également être attribuées à l’influence asiatique.

De nombreuses flèches d’églises brillent de rouge, de blanc et de vert, et l’on a de plus en plus tendance à les recouvrir d’or. Dans des villes comme Rostov, qui avaient déjà été des centres prospères à l’époque mongole, le Kremlin «tatare», ou citadelle fortifiée, apparut, et lorsque le grand-duc Ivan Ier de Moscou transféra sa capitale à Moscou et fut confirmé dans sa dignité par le Grand Khan en 1333, les premières églises en pierre furent construites dans la ville, qui, même sous la domination mongole, essayait toujours de surpasser tous les autres centres russes. Le pouvoir grand-prince était si solidement établi qu’en 1480, Ivan III put libérer toute la Russie du joug tatar.

Création de l’État russe

En 1453 , les Ottomans, sous le commandement de Mahomed II, assiègent Constantinople avec une grande armée et une puissante flotte, détruisent la ville antique en quarante jours, massacrent ses dignitaires et en font la capitale de l’Empire ottoman. Ce n’est que dans les monastères du Mont Athos, sur la plus orientale des trois pointes de la péninsule de Chalcidique, dans le nord de la Grèce, que l’art byzantin est resté entre les mains de moines grecs et russes. Pour le reste , l’héritage byzantin passa au Grand-Duché de Moscou.

En épousant la tsaréva Sophie, nièce du dernier empereur byzantin réfugié à Rome, Ivan III établit des contacts avec Byzance et l’Europe. C’est lui qui ajoute l’aigle bicéphale, signe des empereurs grecs, au George de Moscou et se fait appeler Grand-Duc et Autocrate de toutes les Russies. Sous lui et son fils Ivan le Terrible (Ivan IV), un nouvel empire russe est créé, et avec lui un art national.

Ivan IV, couronné «tsar» à l’imitation de César, se considérait comme l’héritier légitime des empires romain et byzantin. Le clergé élabore immédiatement une idéologie qui place les tsars moscovites à la tête d’un nouvel État mondial : tous les pays orthodoxes doivent s’unir en un seul royaume russe, et le tsar sera le seul empereur chrétien sur terre. Aucune quatrième Rome ne pouvait succéder à la troisième, mais seulement le royaume éternel du Christ.

Dans la légende de Constantin Monomaque, qui sépara les orthodoxes de l’Église romaine, la majesté du titre de roi est constamment répétée. Coiffé du chapeau et du pallium de Monomaque, vêtu de brocart et couvert d’or, le tsar est assis sur son trône, immobile. Ivan IV n’était «Terrible» que pour les peuples non orthodoxes ; pour les Russes orthodoxes, il était un souverain sévère et craignant Dieu. La religion devint, comme à Byzance, un puissant facteur de la vie politique ; des églises et des cathédrales en pierre, richement dotées, furent construites dans toutes les régions du pays.

Lorsque la cathédrale de l’Assomption de la Vierge Marie, à peine commencée par des architectes locaux inexpérimentés, s’effondra, l’autocrate fit venir de Venise l’Italien Aristote Fioraventi, qui construisit en 1475-79 une cathédrale sur le modèle de l’ancienne cathédrale de Saint-Démétrius de Vladimir. Il lui donna, comme préfiguration du nouveau style russe, cinq dômes en oignon brillants (les soi-disant «toits impériaux») avec des flèches dorées et des croix avec des chaînes, et l’intérieur fut décoré dans le style italien. Son exemple fut bientôt suivi par d’autres Italiens, parmi lesquels Pietro Antonio Solari, Alevisio Novi et Marco Rufo .

Entre 1484 et 1507, ils construisirent la cathédrale de l’Annonciation sur le point le plus élevé du Kremlin, et Marco Rufo, vers 1487, commença la construction du palais à facettes, résidence principale d’Ivan IV. C’est ainsi que la mode de la taille et du polissage de la maçonnerie, connue sous le nom de facette, pratiquée pour la première fois au début de la Renaissance , a été introduite en Russie. A Moscou, dans la mesure où les Italiens pouvaient l’influencer, une Renaissance byzantino-italienne eut lieu ; mais, malgré cela, l’intérieur des églises resta dans le style russo-byzantin, comme dans la troisième grande cathédrale du Kremlin, la cathédrale de l’archange Michel.

La majestueuse  ; cathédrale Pokrovski ) cathédrale Saint-Basile), située dans la partie inférieure de la place Rouge, a été conçue par Barma et Postnik. Elle n’est pas tout à fait typique de son époque, car une telle complexité fantastique est l’exception. Trop de choses ont été empilées pour produire un effet de splendeur maximale, et pas moins de onze chapelles sont harmonieusement regroupées sous les tourelles. Les caractéristiques fondamentales de l’art russe sont la division des nombreuses pièces intérieures en deux étages et le remplacement du toit à pignon en bois d’origine par des voûtes (toits pyramidaux) en pierre. Même à l’époque de l’art purement byzantin, ces formes abstraites se sont révélées tout à fait conformes à son esprit.

Peinture d’icônes

Forme caractéristique de l’art chrétien russe, l’icône dérive à l’origine des mosaïques byzantines, des fresques et des miniatures . Le désir de préserver les légendes populaires sous une forme inchangée a conduit la Russie à les développer à partir de l’image grecque, et à partir de l’icône s’est développée la forme russe originale, l’écran peint ou iconostase, qui a été installé partout au quinzième siècle. Il est devenu le principal ornement de l’église orthodoxe, reprenant la fonction de la balustrade ou du rideau de l’autel dans l’église orientale. Comme le proscenium du théâtre grec, l’iconostase avait trois portes ; seuls les prêtres pouvaient passer par celle du centre. Elle séparait le saint des saints des fidèles, tout comme l’iconostase dans l’église occidentale, mais elle jouait un rôle beaucoup plus important dans la liturgie, et chaque image qui y figurait avait une signification précise.

Les peintres d’icônes étaient des moines anonymes dont le travail, accompagné de prières et de jeûnes, était lui-même une forme de culte. Avec beaucoup de soin, ils préparaient leurs panneaux à partir de bouleau, de pin ou de tilleul, plus rarement de cyprès, en grattant une surface plane au centre de façon à ce que les bords dépassant vers l’extérieur créent un cadre protecteur. La surface était apprêtée avec de la craie et les couleurs étaient mélangées avec du jaune d’œuf selon la technique de la peinture à la détrempe. Des règles strictes régissaient la palette ; dans les premières icônes, le fond était doré ou argenté, mais plus tard, des couleurs blanches, vertes et bleues ont été ajoutées. En guise de conservateur, la peinture était enduite de blanc d’œuf, qui a une fâcheuse tendance à noircir.

Les plus belles icônes sont apparues dans l’école de Novgorod , qui a échappé au fléau de la domination mongole. Lorsque le prince Andrei Bogolyubsky assiégea la ville en 1198, une icône fut transportée autour des murs, et lorsque l’image de la Mère de Dieu fut transpercée par les flèches ennemies, elle se mit à pleurer ; cet incident est le sujet de Notre-Dame de Vladimir (vers 1131), l’une des meilleures des nombreuses et splendides icônes du musée de Novgorod.

Les trois plus grands iconographes russes - tous formés dans la tradition iconographique de Novgorod - sont probablement : Théophane le Grec (v. 1340-1410), Andreï Roublev (v. 1360-1430) - voir. 1360-1430) - voir son chef-d’œuvre Icône de la Sainte-Trinité (1411), peinte pour le monastère de la Trinité-Sergius, aujourd’hui à la galerie Tretyakov, Moscou - et Denys (v. 1440-1502). Après l’école de Novgorod, l’attention se porte sur l’école de peinture moscovite , représentée par des artistes tels que Prokopiy Kirin, Nikifor Savin et Simon Ushakov (1626-1686). Pour en savoir plus sur l’iconographie du style byzantin, voir : Iconographie .

Parsuns : portrait non religieux

Jusqu’au milieu du XVIe siècle, les iconographes limitaient leurs représentations aux figures de l’Ancien et du Nouveau Testament - en particulier le Christ, la Vierge Marie, les saints, les apôtres et les anges. Puis, en 1551, le tsar Ivan le Terrible convoque le Stoglav (conseil religieux), qui approuve l’inclusion des tsars ainsi que des personnages légendaires ou historiques dans le panthéon des images autorisées. L’iconographie élargit ainsi considérablement son champ d’action.

Un siècle plus tard, cette question a provoqué un schisme majeur au sein de l’Église orthodoxe russe, mais à ce moment-là, le concept de peinture non religieuse avait déjà été établi et les artistes sont simplement passés au portrait, ce qui a conduit à la mode des parsuns (du mot latin persona) - des représentations de personnes similaires aux icônes, mais d’une nature non religieuse. Elles étaient généralement peintes sur des panneaux de bois plutôt que sur des toiles, et l’accent n’était pas mis sur le caractère de la personne, mais plutôt sur sa place ou son rang dans la société. Un exemple est le Portrait de Yakov Tourgueniev (avant 1696, Musée russe, Saint-Pétersbourg) d’un artiste inconnu. (Yakov Tourgueniev était le bouffon de la cour de Pierre le Grand).

L’art russe au XVIIIe siècle

A l’époque de l’art de Pierre le Grand, pour aider à construire et à décorer sa nouvelle capitale, Saint-Pétersbourg, Pierre le Grand a attiré de nombreux architectes et sculpteurs en Russie, et a payé pour que de nombreux artistes russes acquièrent les compétences nécessaires dans des académies d’art étrangères. L’architecte italien Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) et Charles Cameron (c. 1745-1812) sont venus en Russie de leur propre chef. Pierre le Grand avait l’intention de créer un département artistique spécial au sein de la nouvelle Académie des sciences, mais il en fut empêché par sa mort. En 1757, son successeur a toutefois finalisé son projet en fondant l’Académie impériale russe des arts .

La peinture russe du XVIIIe siècle était dominée par l’art du portrait, l’un des rares genres de peinture qui générait des revenus, ainsi que par diverses formes d’art populaire . Parmi les portraitistes russes notables de l’époque, on peut citer : Ivan Nikitin (1688-1742) ; le réaliste hollandais Andrei Maveev (1701-1739) ; l’austère et formel Alexei Antropov (1716-1795) ; le plus décoratif, rococo Ivan Vishnyakov (1699-1761) ; le peintre rococo Dmitry Levitsky (1735-1822) - cf. son étonnant «Portrait d’Ursula Mnishek» (1782, Galerie Tretiakov, Moscou) ; Ivan Argounov (1727-1802), qui fut patronné par l’influent comte Sheremetev ; Vladimir Borovikovsky (1757-1825), collègue de Gainsborough ; Fyodor Rokotov (1735-1808), peintre de la cour et expert en sfumato .

La véritable peinture de paysage russe n’est apparue qu’au début du XIXe siècle. Bien qu’auparavant de nombreux artistes - dont Fyodor Alekseev (1753-1824), Fyodor Matveev (1758-1826), Maxim Vorobyov (1787-1855) et Sylvester Shchedrin (1791-1830) - aient produit un certain nombre de chefs-d’œuvre de la peinture de paysage, ces œuvres étaient fortement influencées par les peintures italiennes du Lorrain, de Claude, de Poussin et de Canaletto. Ce n’est qu’après les œuvres d’Alexei Venetsianov (1780-1847) et de ses disciples, tels que Nikifor Krylov (1802-1831) et Grigory Soroka (1823-1864), qu’un véritable paysage russe a vu le jour. Dans le même temps, la tradition italo-romantique a été maintenue par Mikhail Lebedev (1811-1837) et Ivan Aivazovsky (1817-1900).

L’architecture et les rues de la Russie gagnent également des admirateurs. (Andreï Martynov (1768-1826) et Stepan Galaktionov (1778-1854) sont surnommés «les poètes de Saint-Pétersbourg» pour leurs vues atmosphériques des avenues, des maisons, des jardins et des berges de la ville.

Natures mortes

La nature morte s’est imposée comme un genre indépendant en Russie vers 1850. Son meilleur représentant était Ivan Khrutsky (1810-1885), qui fut grandement influencé par les maîtres réalistes hollandais de l’Ermitage. D’autres peintres de natures mortes étaient Kapiton Zelentsov (1790-1845), Alexei Tyranov (1808-1859) et le comte Fyodor Tolstoy (1783-1873), qui excellait dans les miniatures à la plume et à l’encre et à la gouache.

La peinture de genre

L’intérêt de l’Académie pour la vie paysanne a contribué à l’inclusion de la peinture de genre dans le programme d’études à partir des années 1770. Parmi les talentueux peintres de genre russes de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle, on peut citer Alexei Venetsianov (1780-1847), un innovateur du paysage russe , Evgraf Krendovsky (1810-1853), I.A. Ermenev (c. 1746-1791), et le perspicace commentateur social Pavel Fedotov (1815-1852).

(1915, Musée russe, Saint-Pétersbourg). Nikolaï Kasatkin (1859-1930) - voir son chef-d’œuvre mémorable «Pauvres gens ramassant du charbon dans un puits abandonné» (1894, Musée russe, Saint-Pétersbourg).

L’expressionnisme est surtout pratiqué à l’étranger. Les principaux artistes expressionnistes russes sont par exemple Alexei von Javlensky (1864-1941) et Wassily Kandinsky (1866-1944).

Paris octobre 1906 : «Deux siècles de peinture et de sculpture russes»

L’année 1906 fait date dans l’histoire de l’art russe grâce à l’irrépressible Sergueï Diaghilev, organisateur d’une gigantesque exposition de peinture russe au Salon d’automne de Paris. Impresario à l’énergie inépuisable, Diaghilev s’est rendu à Paris pour fuir les cloîtres de Saint-Pétersbourg. Parmi ses mécènes russes, tous collectionneurs, on compte Vladimir Argutinsky-Dolgorukov, Sergei Botkin, Vladimir Hirschmann, Vladimir von Meck, et Ivan Morozov, qui fournit des tableaux de sa vaste collection pour une grande rétrospective russe de près de 750 œuvres.

L’exposition intitulée Deux siècles de peinture et de sculpture russes, inaugurée en octobre 1906, occupe douze salles du Grand Palais sur les Champs-Élysées. Les intérieurs sont décorés par Lev Bakst (1866-1924), l’artiste le plus influent de Diaghilev. Les visiteurs ont été impressionnés par les icônes anciennes disposées sur des brocarts d’or étincelants et par les peintures de l’époque pétrinienne de Pierre le Grand et de Catherine la Grande. Des portraits de Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky et Levitsky étaient également exposés.

Mais l’exposition était en réalité destinée à présenter l’art russe contemporain d’artistes tels qu’Isaac Levitan, Valentin Serov, Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Lev Bakst, Philippe Malyavin, Nikolai Roerich et Konstantin Yuon. En 1909, Diaghilev, en collaboration avec ses scénographes Léon Bakst et Alexandre Benois, lance son entreprise la plus célèbre, les Ballets russes (Russian Ballets, c. 1909-29), qui conquièrent l’Europe et l’Amérique.

L’art abstrait russe du XXe siècle

Plusieurs mouvements abstraits et semi-abstraits sont apparus au cours de la deuxième décennie du XXe siècle. Tous étaient influencés à des degrés divers par les idées d’avant-garde émanant de Paris et, dans une bien moindre mesure, de Milan, et comprenaient le Futurisme (c. 1912-14), Futurisme (c. 1912-14), Futurisme (c. 1912-14), Futurisme (c. 1912-14), Futurisme (c. 1912-14), Futurisme (c. 1912-14). David Burliuk (1882-1967), rejoint ensuite par Vladimir Mayakovsky (1893-1930), Velimir Khlebnikov, et Alexei Kruchenykh (1886-1968) ;) le luchisme (1912-15), inventé par Mikhaïl Larionov et sa compagne Natalia Gontcharova (1881-1962) ; le constructivisme, initié par Vladimir Tatlin (1885-1953) - voir le constructivisme, initié par Vladimir Tatlin (1885-1953). son œuvre remarquable «Monument à la Troisième Internationale» (1919, Centre Pompidou, Paris) - et pratiqué par l’artiste et photographe Alexandre Rodtchenko (1891-1956), Lioubov Popova (1889-1924), le peintre et illustrateur El Lissitzky (1890-1941), et Konstantin Medunetsky (1899-1935) ; et le suprématisme (ca. 1915-1921), fondé par Kazimir Malevitch (1878-1935).

Révolution russe de 1917

Tous ces mouvements artistiques étaient animés par des idées utopiques et plaçaient de grands espoirs dans le pouvoir libérateur de la science et de la technologie. Quoi qu’il en soit, la première cause de la science a été la perte de millions de vies lors de la Première Guerre mondiale, qui a déclenché la révolution russe.

Soudain, l’expression artistique est devenue une cause politique, contrôlée par l’Institut bolchevique de la culture artistique (INHUK). En quelques années, l’INHUK interdit l’art de chevalet et oblige les peintres et les sculpteurs à se reconvertir dans le design industriel. De nombreux artistes sont alors contraints de quitter la Russie. Parmi les émigrants figurent les expressionnistes Alexei von Javlensky, Wassily Kandinsky, Marc Chagall et Haim Sutin (1893-1953), les sculpteurs Alexander Arkhipenko (1887-1964), Osip Zadkin (1890-1967), les frères Antoine Pevzner (1886-1962) et Naum Gabo (1890-1977), le cubiste Jacques Lipchitz (1891-1973), et bien d’autres.

Après une décennie de controverses politiques (1922-32), au cours de laquelle de nombreux peintres et sculpteurs du XXe siècle en Russie ont abandonné les beaux-arts au profit des arts appliqués et du design, Staline a fermé tous les groupes artistiques restants et a publié un décret sur l’application obligatoire du réalisme socialiste, un style naturaliste conçu pour exalter le travailleur soviétique et sa sur-réalisation des plans quinquennaux du gouvernement.

Musées d’art de Russie

Parmi les meilleurs musées d’art de Russie, on trouve par exemple :

État Ermitage, Saint-Pétersbourg
L’un des plus grands musées d’art au monde, sa collection comprend plus de 3 millions de pièces réparties dans six bâtiments, dont le Palais d’hiver. Parmi les pièces maîtresses de l’Ermitage figurent la collection Fabergé de bijoux et de bijoux des exemples sont décrits ici : Œufs de Pâques Fabergé des objets en or d’Europe de l’Est et d’Asie occidentale, des peintures de maîtres anciens et de l’art contemporain. La collection de l’Ermitage contient également des œuvres provenant des collections d’art ayant appartenu à Sergueï Chtchoukine (1854-1936) et Ivan Morozov (1871-1921).

Musée des beaux-arts Pouchkine
Créée par Ivan Vladimirovitch Tsvetaev, sa collection moderne comprend des œuvres de peinture et de sculpture européennes d’artistes impressionnistes et post-impressionnistes. Comprend une partie des collections nationalisées rassemblées par Sergei Shchukin (1854-1936) et Ivan Morozov (1871-1921).

État Galerie Tretiakov, Moscou
Fondé par Pavel Tretiakov en 1874, le musée abrite les plus belles collections au monde d’icônes russes des XVIIe et XVIIIe siècles, ainsi qu’une vaste collection d’art russe prérévolutionnaire.

Musée historique d’État

Réserve-musée historique, architecturale et artistique de Vladimir-Suzdal

Pour des informations détaillées sur les collections européennes contenant des œuvres de peintres et de sculpteurs russes, voir : Musées d’art d’Europe .

Pour des informations détaillées sur les collections européennes contenant des œuvres de peintres et de sculpteurs russes, voir : : Musées d’art en Europe .

L’ÉVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les tendances et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art . Pour une chronologie et des dates d’événements clés dans le développement des arts visuels à travers le monde, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .

LE PLUS GRAND ART DU MONDE
Liste des 10 meilleurs peintres et sculpteurs : Les plus grands peintres de tous les temps . Pour connaître les meilleures peintures à l’huile et aquarelles, voir : Les plus grandes peintures de tous les temps .