Peinture russe du XIXe siècle Automatique traduire

L’art russe du début du XIXe siècle était profondément imprégné de romantisme . En Russie, cet esprit avait une signification tout à fait différente de celle qu’il avait en Occident, où il englobait des manifestations telles que les paysages lugubres, l’entourage gothique dans la littérature, etc. En Occident, le romantisme était essentiellement un mouvement révolutionnaire contre la domination de la tradition classique. En Russie, cependant, grâce à l’influence de Byron, Pouchkine et Lermontov, le terme, dans son sens originel du XVIIe siècle, en est venu à être interprété comme une œuvre possédant ces éléments sublimes et fantastiques qui étaient caractéristiques des romans d’amour à l’ancienne . Cette combinaison d’élégance courtoise et de fantaisie était particulièrement adaptée à une société gravitant autour d’une personnalité aussi haute en couleur que le tsar Alexandre Ier. Déjà en son temps, le tsar était devenu une figure presque légendaire, et son charme, son apparence douce, les événements de son règne et sa posture apollinienne, combinés à la douce mélancolie de ses humeurs, ont profondément marqué les artistes russes de l’époque.

Orest Adamovich Kiprensky (1773-1836)

Orest Adamovich Kiprensky est le plus précoce et l’un des plus doués d’entre eux. Fils d’un paysan serf mais homme d’une extrême sensibilité, il hérite des belles traditions du portrait de la peinture russe du XVIIIe siècle, genre dans lequel il excelle. Il s’intéressait particulièrement à la relation entre les couleurs, et la tonalité de ses portraits est remarquable, en particulier dans les autoportraits, où la palette de couleurs est bien en avance sur son temps.

Deux d’entre eux, par exemple, sont presque entièrement peints en vert, ce qui est frappant - émotionnellement, ils sont dans la même veine que la poésie d’Alexander Blok des années 1920. Malheureusement, Kiprensky, comme Losenko avant lui, a été détourné de sa véritable voie par deux visites à Rome. À l’époque , l’art académique y dominait, et le tempérament émotionnel de Kiprensky fut tellement submergé par la grandeur de ses sujets qu’il abandonna les portraits au profit de thèmes plus prétentieux, et que ses expériences avec la couleur cédèrent le pas à son intérêt pour les compositions héroïques. En conséquence, ses œuvres ultérieures n’ont pas été à la hauteur des espoirs de ses premières années.

Peintures d’Orest Adamovich Kiprensky

Vassili Tropinine (1776-1857)

Vassili Tropinine est généralement assimilé à Kiprensky, à la fois en raison de ses origines modestes - il était serf de naissance et n’a acquis des droits civiques que tardivement - et parce qu’il excellait lui aussi dans le portrait. Sa préférence pour les têtes de jeunes filles plutôt sentimentales a été attribuée à l’esprit du romantisme, mais il serait plus proche de la vérité de reconnaître qu’elles reflètent l’idée que Tropinine se faisait de la beauté féminine idéale. Dans leur peinture, il a trouvé l’oubli des malheurs de sa propre vie. Ses scènes de genre se caractérisent par une plus grande vigueur, et leur intimité et leur gentillesse leur donnent une force et une conviction que les portraits n’ont pas.

Peintures de Vassili Tropinine

Boris Orlovsky (1796-1832)

Boris Orlovsky est une figure plus dynamique, mais il est lui aussi mis à l’écart par la demande de peintures dans le style du peintre hollandais Philips Wouwerman (1619-1668). Plutôt que de développer son individualité, il s’est concentré sur la production de peintures pour lesquelles il existait un marché, et c’est donc par ses dessins qu’il peut être compté parmi les grandes figures de l’art russe.

Ces dessins, réalisés selon son bon plaisir, sont non seulement délicats et amusants, mais aussi techniquement très aboutis. Son habileté est comparable à celle de Brullov, mais alors que Brullov était un artisan habile à l’esprit stérile, Orlovsky était un peintre mercurien au tempérament d’artiste.

Peintures de Vladimir Orlovski

Karl Pavlovitch Brioullov (1799-1852)

Karl Brioullov est le fils d’un sculpteur de la cour de Catherine, qui a si bien cultivé et développé les dons artistiques évidents de son fils que celui-ci a remporté tous les prix de l’Académie des arts et a reçu une bourse pour un voyage en Italie. En 1828, il visite Pompéi et Naples, où il assiste à l’opéra de Puccini «Le dernier jour de Pompéi».

Sous le coup d’une forte impression, il se met bientôt à peindre un immense tableau sur le même sujet. Ce tableau est aujourd’hui considéré comme son chef-d’œuvre, mais il ne peut s’agir que d’un tour de passe-passe, car il s’agit essentiellement d’une pièce de théâtre et non d’une œuvre véritablement expérimentale. Néanmoins, elle est très habilement exécutée et a établi la réputation de Brullov, bien que ce soient ses portraits, ses dessins et ses aquarelles qui semblent plus justifiés aujourd’hui. Ses portraits sont des œuvres très abouties et d’une grande vitalité, et ses dessins sont tout à fait admirables. Leur subtilité et leur précision anticipent Alexandre Benois.

Peintures de Karl Pavlovich Bryullov

Fiodor Bruni (1800-1875)

Dans le tableau «Le serpent de bronze», Fyodor Bruni a créé une œuvre qui est souvent considérée comme un compagnon du «Le dernier jour de Pompéi» de Brullov. Cette toile démontre le talent de coloriste de Bruni et sa capacité à grouper les tableaux, mais même en tant qu’œuvre d’époque, elle n’est pas réussie car elle donne une impression de prétention et de manque de sincérité. Bruni a peint un certain nombre de tableaux religieux, mais ceux-ci ne sont pas non plus réussis, et ce pour la même raison.

Alexei Venetsianov (1779-1847)

Alexei Venetsianov a réalisé des œuvres beaucoup plus importantes car, comme beaucoup de ses contemporains occidentaux, il était surtout absorbé par l’aspect technique de la peinture à l’huile . Élève de Borovikovsky, il eut lui aussi, dans sa première maturité, de nombreux élèves et un nombre considérable d’admirateurs, mais le succès spectaculaire de Bryullov avec son «Le dernier jour de Pompéi» attira la plupart des peintres russes les plus ambitieux, et Venetsianov, comme un ou deux autres professeurs célèbres, perdit la plupart de ses élèves.

Néanmoins, parmi les disciples de Venetsianov, on trouve un ou deux artistes mineurs d’un calibre considérable, comme Zaryanko (1818-1870), mais surtout le comte Fiodor Tolstoï (1783-1873), qui applique les principes réalistes qui ont guidé Venetsianov dans ses propres tableaux représentant des personnes de la classe moyenne dans leur environnement domestique :

"- Ces charmantes peintures ont autant de valeur esthétique et historique pour la Russie que de nombreuses peintures de genre d’une époque antérieure pour l’Angleterre, et sont les premiers exemples d’une chaîne de développement qui culmine à notre époque dans les œuvres rétrospectives d’Alexandre Benois et de Dobuzhinsky."

Peintures d’Alexei Gavrilovich Venetsianov

Pavel Andreyevich Fedotov (1815-1852)

Pavel Andreyevich Fedotov, William Mulready de la peinture russe, combine des scènes de genre avec les intérieurs de Tolstoï. Homme sans prétention, sincère et observateur, vivant d’une maigre pension d’officier à la retraite, il ne se met à peindre qu’à l’âge de 30 ans environ. Le manque d’éducation et une mort prématurée l’ont empêché de devenir un Rowlandson russe, mais ses écrits sur les mœurs du temps présent sont spirituellement et temporellement proches des œuvres de Gogol et de Tchekhov. Ses scènes se déroulent dans des intérieurs soigneusement reproduits et sont très bien écrites. Ses tableaux «Le Mec» et «La Fenêtre» sont à l’avant-garde de la peinture russe «».

Peintures de Pavel Fedotov

Vassili Perov (1833-1882)

Son successeur immédiat et compatriote moscovite, Vassili Perov, a eu plus de chance car il a été formé à la peinture dès l’enfance. Par conséquent, ses réalisations sont plus importantes que celles de Fedotov, car le crayon et le pinceau ont suivi le rythme de ses capacités d’observation. Sa profonde sincérité n’affecte pas la légèreté de ses sentiments ni ne freine son humour, mais les conditions politiques qui prévalent en Russie l’amènent à choisir la moralisation et la peinture de genre comme domaine d’activité.

Cependant, les peintures de Perov ne forment pas des ensembles, mais dépeignent des sujets individuels, tels que Un sermon de village, Une partie de thé, Un repas et L’arrivée d’une gouvernante . Ils présentent une sorte de rigueur et de retenue caractéristiques du XIXe siècle, mais ont néanmoins une valeur esthétique incontestable en plus de leur intérêt narratif.

Peintures de Vassily Grigorievich Perov

Alexandre Ivanov (1806-1858)

Une tendance tout à fait différente se dégage de l’œuvre d’Alexandre Ivanov, dont beaucoup de tableaux ont un sujet religieux et une approche essentiellement religieuse, car ils témoignent d’une conception spirituelle profondément sincère ainsi que d’un sens aigu de la forme et de la composition. Il fut le premier peintre russe à transmettre facilement et de manière expressive ses sentiments religieux dans la peinture occidentale et à créer un art religieux dans le style occidental, non moins émouvant que la peinture d’icônes du Moyen-Âge.

Ses esquisses de nus féminins restent d’une remarquable modernité et méritent de figurer parmi les œuvres occidentales modernes les plus abouties de ce type.

Peintures d’Alexandre Andreïevitch Ivanov

Nicolas Ge (1831-1894)

Nikolaï Ge, qui n’est peut-être pas le meilleur peintre, mais qui est aussi un artiste sincèrement religieux, suit les traces d’Alexandre Ivanov, inconsciemment, on pourrait même dire automatiquement, en combinant dans ses peintures religieuses le naturalisme occidental et le mépris orthodoxe pour la beauté physique plutôt que spirituelle. Cela confère à ses figures déformées, émaciées et non humaines une intensité absorbante, particulièrement visible dans le tableau «Crucifixion» conservé au Musée russe de Saint-Pétersbourg.

Ses portraits sont moins vivants mais plus immédiats. Ce sont de belles ressemblances et, malgré toute leur bonté, ils ne sont pas maniérés ou sentimentaux, comme le sont de nombreux portraits du dix-neuvième siècle. Son portrait du comte Léon Tolstoï est l’un des plus intéressants jamais peints par l’écrivain, car il reflète de manière vivante les éléments contradictoires qui ont façonné son caractère turbulent.

Peintures de Nikolai Nikolaevich Ge

«Peredvizhniki»

Après 1863, le cours du développement de la peinture russe fut profondément influencé par un incident qui, à première vue, semblait insignifiant. Treize élèves de l’Académie russe des arts s’opposent au choix d’Odin au Valhalla comme sujet de la médaille d’or. Ils demandèrent qu’un thème slave lui soit substitué, et le firent avec une telle persistance qu’ils furent expulsés de l’Académie.

Ce fut un coup dur pour eux, car ils étaient pour la plupart pauvres et leur subsistance dépendait du diplôme. En réaction, ils ont formé une guilde et ont commencé à se répartir les commissions qu’ils pouvaient obtenir. En 1870, ils sont allés encore plus loin et ont créé une société appelée «Peredvizhniki» (Association des expositions artistiques itinérantes). Ses membres se déplacent de lieu en lieu pour exposer leurs œuvres, dans l’espoir de forcer Moscou et les provinces à se joindre à Saint-Pétersbourg pour s’intéresser activement à l’art. En choisissant des sujets sociaux ou politiques pour leurs peintures, ils espèrent en même temps attirer un public sensible à la politique.

« Peredvizhniki» et ceux qui sympathisent avec eux sans être des membres actifs de la société, et ceux qui, bien qu’indirectement, sont tout de même enclins à devenir des artistes «Buts», peuvent être divisés en quatre groupes. Il s’agit d’Ivan Kramskoï (1837-1882), leur premier chef, ou de Viktor Vasnetsov (1848-1926) et de Mikhaïl Nesterov (mort en 1862.) qui se concentrent sur des thèmes slavophiles ; il y a les adeptes de Vereshchagin, Repin et Surikov qui choisissent des sujets historiques ; d’autres, comme Vasily Perov et Alexander Makovsky (1869-1915), deviennent des peintres de genre ; enfin, des artistes comme Isaac Levitan (I861-1900), Arkhip Kuindzhi et le paysagiste Ivan Aivazovsky (18I7-1900) se concentrent sur des sujets naturalistes et des paysages.

L’œuvre «des artistes Peredvizhniki «est éclipsée par leur tendance au prosélytisme. Ainsi, leur chef virtuel, Kramskoï, serait devenu trop pratique et trop peu émotif pour connaître un grand succès ; son esprit était trop influencé par Dostoïevski et ses sentiments pas assez. Ses œuvres manquent de puissance et, malgré leur préoccupation pour les maux de l’époque, elles ne suscitent pas de sentiments profonds chez le spectateur. Néanmoins, Ivan Kramskoï conservera à jamais sa place dans l’histoire de la peinture russe, notamment comme l’un des meilleurs portraitistes dont le regard a caractérisé le troisième quart du dix-neuvième siècle. Il a également produit un certain nombre d’œuvres remarquables d’art chrétien, notamment : «Le Christ au désert» (1872, Galerie Tretiakov, Moscou) et «Le Rire» («Salut, roi des Juifs!») (1882, Musée russe, Saint-Pétersbourg).

Nesterov avait l’étoffe d’un remarquable paysagiste, mais ses préoccupations morales gâchent ses tableaux. De plus, ses figures sont sentimentales et peu convaincantes ; elles ne font qu’éclipser les beaux paysages sur lesquels elles sont exécutées.

Vasnetsov était un peintre plus doué que les deux autres, mais son œuvre est quelque peu ternie par un manque d’immédiateté et de passion, et par un rendu déprimant des couleurs.

Vassili Vereshchagin (1842-1904)

Travaillant en sympathie avec les «Peredvizhniki», mais adhérant également aux disciples de Venetsianov, le plus connu Vasily Vereshchagin . D’origine douce et d’éducation progressiste, il sympathisait avec les slavophiles, mais il avait un studio à Paris et y passait le plus clair de son temps.

Bien qu’une visite en Inde l’ait amené à expérimenter la couleur, il est resté complètement indifférent, peut-être même pas au courant des recherches de Degas, Monet et Manet dans ce domaine, mais malgré cela, ses propres réalisations ont conduit beaucoup de ses collègues russes à prendre conscience de l’importance du sujet. En tant qu’artiste de guerre, Vereshchagin participe au siège de Samarkand et à la campagne des Balkans.

La dureté de la guerre intensifie ses tendances réalistes et fait de lui un artiste sobre et sensible, mais certainement «moralisateur». Ses dessins et la construction de ses tableaux sont parfois inintéressants, mais sa sincérité et la profondeur de ses sentiments sont telles que nombre de ses peintures de guerre restent encore aujourd’hui profondément émouvantes, ce qui témoigne certainement de leur mérite. En leur temps, ces tableaux ont attiré des foules immenses, y compris des foules paysannes, et ils ont contribué plus que les œuvres de tout autre artiste au développement de l’intérêt du peuple russe pour les beaux-arts .

Peintures de Vassili Vereshchagin

Ilya Repin (1844-1930)

Bien que moins populaire, Ilya Repin (1844-1930) est en réalité un peintre plus original et vraiment grand. Il possédait le talent et le tempérament nécessaires pour devenir une figure marquante de l’art européen, mais son malheur fut de naître à la période la plus terne de la peinture russe, à une époque où l’on s’accrochait encore rigidement à la tradition académique morte. De plus, il n’avait pas la vigueur qui permettait aux écrivains et aux musiciens russes de sortir de cet esprit stagnant et, quelle que soit la perfection de ses œuvres, elles n’ont jamais été admirées par ses contemporains.

Parmi ses chefs-d’œuvre, deux tableaux méritent une mention spéciale : l’esquisse «Ivan le Terrible et son fils Ivan» et le tableau « Les Cosaques écrivant une lettre au sultan turc». Dans le premier cas, l’horreur d’Ivan face à la souffrance de son fils est une étude perspicace de la douleur humaine face à la violence, tandis que dans le second, la représentation des Cosaques est pleine de psychologisme.

Peintures d’Ilya Yefimovich Repin

Vassili Sourikov (1848-1916)

Ces œuvres ont été très admirées en leur temps, mais elles n’ont pas influencé les artistes contemporains autant que la peinture historique Vassili Sourikov . Surikov n’a pas choisi comme sujets les grands événements de l’histoire russe, mais des thèmes soulignant le courage des personnes confrontées à de grandes difficultés. Ce choix était en soi novateur et a profondément intéressé les contemporains de Surikov. Ses œuvres sont empreintes d’une douce mélancolie, mais en même temps il est énergique et direct, il n’y a rien de sentimental en elles. Sa gamme de couleurs est variée et vive, et a eu une influence significative sur la palette des artistes du groupe «Monde de l’art».

Surikov était un homme trop renfermé et suffisant pour être inclus dans un groupe, mais il a fait de son mieux pour encourager les jeunes artistes à se libérer de la conception de la peinture des Peredvizhniki, et même les artistes plus mûrs proches de son âge - Repin et Vasnetsov, voire Levitan et Serov - ont été notablement influencés par ses réalisations. Avec Repin, Surikov reste l’un des meilleurs peintres historiques de l’école russe.

Peintures de Vassili Ivanovitch Sourikov

Isaac Levitan (1860-1900)

Parmi les meilleurs peintres paysagistes de la Russie du XIXe siècle figure Isaac Levitan, qui a été clairement influencé par le grand naturaliste Ivan Chichkine (1831-1898). De Chichkine, Levitan a hérité un amour profond de la nature russe, et de Arkhip Kuindzhi (1842-1910) une technique nerveuse, presque impressionniste, qui était la mieux adaptée pour transmettre les couleurs délicates de la nature russe.

Levitan est également influencé par l’école française de Barbizon, dont il est un fervent admirateur. Ses œuvres font preuve d’une grande imagination et transmettent le charme irrésistible du paysage russe, souvent discret mais d’une beauté subtile.

Levitan s’efforce constamment d’améliorer son travail, sa texture, ses lignes et ses couleurs ; il finit par atteindre une véritable maîtrise. Selon Alexandre Benois, Levitan «a transmis le charme inexplicable de notre humble pauvreté, l’étendue illimitée de nos terres vierges, la tristesse festive de l’automne russe et l’appel mystérieux du printemps russe. Il n’y a pas de personnes dans ses tableaux, mais ils sont imprégnés de ce sentiment profond qui remplit le cœur de l’homme lorsqu’il rencontre la sainteté de l’ensemble».

Peintures d’Isaak Ilyich Levitan

Valentin Serov (1865-1911)

Un autre représentant exceptionnel de la peinture de paysage fut Valentin Serov, élève de Repin. Son génie était de premier ordre et sa perception de la beauté exceptionnellement aiguë. Par-dessus tout, il ressentait profondément et exprimait avec une clarté remarquable l’esprit et la culture originels de la Russie. Ses paysages sont aussi réalistes, poétiques et francs que ceux d’Eugène Boudin (1824-1898) ; (voir : Caractéristiques de la peinture impressionniste), et ses plus grands portraits sont aussi beaux et vivants que ceux de Renoir (1841-1919).

Leur valeur historique est d’autant plus grande que, malgré sa réticence personnelle et ses opinions libérales, Serov a reçu la visite de tous les personnages importants de la Russie tsariste, mais aucun des tableaux qui en résultent n’a quelque chose du portrait officiel ; chacun est un document sincère et instructif.

Peintures de Valentin Serov

Mikhaïl Vrubel (1856-1910)

Le troisième grand individualiste de cette période, Mikhaïl Vrubel, était un génie curieux, tragique mais profondément inspiré. Il a vécu quelque chose de plus puissant que les fantasmes étranges de William Blake, mais qui lui est néanmoins apparenté, bien qu’il soit un artiste bien plus grand.

Ses peintures religieuses passionnées, d’une technicité étonnante et d’une intensité tumultueuse, comptent parmi les chefs-d’œuvre du monde ; elles sont aussi convaincantes, aussi émouvantes que celles d’El Greco. Ses œuvres fantastiques - par exemple le tableau «Pan Pan» - sont aussi vraies et émouvantes que ses superbes portraits, aussi ardentes que ses sculptures extrêmement accomplies, aussi extatiques que ses œuvres théâtrales.

Toute son œuvre est imprégnée de son génie, de son idéalisme, de sa recherche passionnée de la perfection. Sa personnalité était trop complexe et son art trop individuel pour faire des adeptes, mais c’est pour cette raison que sa place est parmi les géants de la peinture européenne du XIXe siècle. Son génie n’était pas moindre que le leur, même si, comme celui de Van Gogh, son esprit était plus profondément tourmenté. Contrairement à Van Gogh, cependant, même les hallucinations les plus angoissantes étaient transformées en visions par sa spiritualité innée. Vrubel était très apprécié de ses contemporains qui, bien qu’ils ne voulaient et ne pouvaient pas l’imiter, se rendaient parfaitement compte de l’incroyable beauté de son œuvre.

Peintures de Mikhaïl Vrubel

Parmi les autres peintres russes importants du milieu et de la fin du XIXe siècle, on peut citer le peintre de genre réaliste critique Konstantin Savitsky (1844-1905), le peintre de paysage rustique Vasily Polenov (1844-1927) et le peintre de genre coloriste Abram Arkhipov (1862-1930).

Entre-temps, de nombreux jeunes artistes se sont regroupés autour des trois jeunes hommes les plus en vue. Deux d’entre eux - Léon Bakst (1866-1924) et Alexandre Benois (1870-1960) - sont des peintres, le troisième, Sergueï Diaghilev (1872-1929), jeune amateur d’art, va bientôt introduire en Europe le meilleur de la peinture, de la musique et de la danse russes, à savoir sa compagnie de ballet «Ballets Russes» . Ces jeunes gens étaient opposés aux tendances naturalistes de la peinture russe du XIXe siècle, mais profondément impressionnés par l’impressionnisme français, ils n’y étaient nullement subordonnés, estimant que chaque artiste devait suivre sa propre voie, en observant la loi principale : «l’art pour l’art».

Savva Mamontov (1841-1918)

Leurs opinions et leurs travaux ont attiré l’attention d’un Moscovite remarquablement avisé qui s’appelait Savva Mamontov (1841-1918). Commerçant de profession, il était par tempérament un mécène à l’échelle de la Renaissance et allait devenir l’un des principaux mécènes d’un pays remarquablement endetté par la générosité de collectionneurs d’art individuels . À cette époque, cependant, Mamontov est particulièrement attiré par la scène, car le théâtre russe connaît alors sa meilleure période. Mamontov construisit un théâtre privé à Moscou et commanda les décors et les costumes de ses productions aux plus grands artistes progressistes de son temps.

En 1882, il demande à Viktor Vasnetsov (1848-1926) de concevoir les décors de la pièce «Blanche-Neige», en 1885 il lui commande le ballet «Nymphe» et un peu plus tard «La Reine des Neiges».

Les couleurs vives de Vasnetsov, ses lignes sinueuses et son rejet des trompe-l’œil ont d’abord déconcerté le public, mais son travail a immédiatement impressionné ses collègues. En particulier, ses décorations pour «La Reine des neiges» ont contribué plus que toute autre chose à la popularisation du conte de fées russe et ont eu une influence significative à la fois sur l’art décoratif et la peinture de chevalet.

Son œuvre a éveillé l’intérêt pour les sujets russes de deux des plus grands peintres du début du siècle, Konstantin Korovin (1861-1929) et Alexander Golovin (1863-1930), tandis que deux autres, Stelletsky et Bilibin (1876-1941) se sont consacrés presque entièrement à cette œuvre. Ils sont suivis dans les années 1920 par Natalia Goncharova (1881-1962) et Mikhail Larionov (1881-1964) - les inventeurs du luchisme - qui sont ramenés au style byzantin par l’art populaire russe .

Les contes de fées ont également servi à Elena Polenova, à la Russe Berthe Morisot, et à Maria Yakunchikova (1870-1903) de point de départ pour l’étude des champs verdoyants, des forêts, des cimetières misérables et des églises de village dans lesquels se déroule l’action de nombreux contes de fées. D’où le goût pour les manoirs romantiques et délabrés, avec des vergers envahis par la végétation et des pièces abandonnées, aux meubles couverts de poussière, qui servent de cadre à de nombreuses œuvres de Tourgueniev. L’influence de Maria Yakunchikova sur Dobuzhinsky et sur Alexandre Benois, qui a toujours réagi vivement à la poésie «nostalgique de ces scènes», ne peut être écartée, du moins en ce qui concerne le choix des sujets.

Mais revenons aux aventures théâtrales de Mamontov. Après Vasnetsov, Mamontov s’adresse pour les décors à Korovin et Golovin, le premier réalisant les décors d’«Aïda». Leurs merveilleuses combinaisons de couleurs révèlent des enchantements impensables. Les couleurs de Korovin étaient subtiles, mais si harmonieuses et combinées à un superbe sens du style que ce n’était pas une offense s’il avait tendance à subordonner l’effet pictural à l’effet pictural.

En 1917, Korovin avait créé des décors et des costumes pour quatre-vingts opéras, trente-sept ballets et dix-sept pièces de théâtre. Tous ces spectacles sont magnifiques, mais les nombreuses peintures de chevalet de Korovin n’ont rien à envier à son travail scénique. La prédilection de Golovin pour l’argent et le bleu donne à ses décors la fluidité de la musique, ce qui passe inaperçu si la scène est surpeuplée. Les décors de «Pskovityanka» et de «Ruslan et Lyudmila» ont fait de Golovin l’un des meilleurs scénographes de son temps.

D’autres artistes sont également irrésistiblement attirés par la scène, qui semble donner à l’art russe un ancrage dont il a bien besoin. L’un des premiers à succomber à ses charmes fut Vrubel, qui créa les décors d’opale pour «La princesse au cygne» et «La reine de la mer», qui, malgré leur caractère éphémère, méritent d’être appelés les analogues russes des «Nymphéas» de Monet.

Note : pour une explication de certaines des grandes œuvres russes, voir : Analyser la peinture moderne (1800-2000).

Union des artistes du monde de l’art : Scènes de ballet

Les entreprises de Mamontov ont failli le ruiner et il a été contraint de fermer son théâtre, mais en 1898, avec le prince Tenishev, il a financé la publication du périodique «World of Art», publié par une association informelle d’artistes russes du même nom. Il est édité par Sergei Diaghilev, assisté par Bakst et soutenu par Alexander Benois. Le périodique couvrait tout le champ de l’art, bien que les questions théâtrales n’aient commencé à être abordées dans ses colonnes qu’à partir de la troisième année.

L’érudition «Monde de l’art» des artistes, l’éclat de leurs peintures, la réussite esthétique des productions théâtrales de Mamontov et, surtout, les immenses talents de publicitaire de Diaghilev, permettent d’obtenir le soutien de Telyakovsky, directeur des théâtres impériaux de Moscou. Parallèlement, un nouvel engouement naît à Saint-Pétersbourg, d’abord sous la direction du directeur des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg , Vsevolozhsky, puis sous celle de son successeur , le prince Volkonsky . Vsevolozhsky était un homme d’une sensibilité et d’une habileté exceptionnelles, et c’est sous sa direction des théâtres impériaux (dans les années 1880) que le ballet russe a atteint son plus haut niveau.

Dans son livre «Memories of the Russian Ballet», Alexandre Benois écrit : "Je me considère particulièrement chanceux qu’à une époque où l’âme a soif d’impressions vivifiantes dans l’art, j’ai trouvé notre ballet de Saint-Pétersbourg à son zénith. Son épanouissement a été rendu possible par une remarquable combinaison d’éléments : le sens artistique de Vsevolozhsky, le génie ardent de Virginia Zucchi, l’imagination créatrice de Petipa, l’épanouissement de l’école du théâtre impérial et, enfin, la volonté d’un compositeur comme Tchaïkovski (1840-1893) de mettre son génie à la disposition du théâtre."

Le prince Volkonski n’était pas moins perspicace et c’est lui qui, au tournant du siècle, essaya Bakst dans «Le Royaume de la Marquise» et Benois pour les décors d’un opéra en un acte qui fut joué pour la famille impériale au théâtre de l’Ermitage.

Au début du XXe siècle , Telyakovsky succède au prince Volkonsky à Saint-Pétersbourg et, loin d’être un novateur par tempérament, étend la reconnaissance officielle de Benois et Bakst par le Conseil en leur passant commande en 1907. Benois pour les décors du «Pavillon Armida», et Bakst pour «Hippolyte» et «Œdipe», mais là encore le mécénat du Conseil pour les jeunes artistes n’est pas très étendu.

Néanmoins, bien que l’art théâtral n’ait pas l’esthétique de la peinture de chevalet, les commandes de Telyakovsky ont apporté à ces artistes une telle renommée qu’elle s’est étendue à la fois à leurs peintures de chevalet et à leurs œuvres scéniques. Malgré cela, leur renommée ne serait probablement restée qu’en Russie, si Sergueï Diaghilev n’avait pas décidé en 1909 d’introduire l’art russe en Europe occidentale en organisant une saison de ballets et d’opéras russes à Paris.

Les décors qu’il apporte avec lui, tous des œuvres des artistes «du «Monde de l’Art», révolutionnent la scène française, dissipant avec une force étonnante cette pâle gamme brumeuse de couleurs qu’avaient façonnée Baudelaire, Verlaine, Oscar Wilde et ses amis.

Les décors russes se caractérisent par des tons vifs et des éclairages pleins et nets, où les couleurs, en réalité équilibrées, retenues et maîtrisées, semblent à première vue presque une émeute incontrôlable.

La vitalité des productions de Diaghilev purge rapidement Paris de l’édouardianisme. Les midinettes et les concierges sont emportés, la société aussi. Tout ce qui est slave, tout ce qui est dans le style des ballets russes est à la mode, et bientôt tous les magasins, du «grand couturier» au drapier local, vendent des vêtements brillants, dont les couleurs deviennent de plus en plus criardes pour tenter d’imiter les Russes, au fur et à mesure qu’ils se répandent dans le grand public citadin.

Aujourd’hui encore, on suppose souvent que cette réussite des artistes russes est le résultat d’un sens inné de la couleur, qui leur a permis de créer de beaux effets sans trop y réfléchir. Les artistes russes ont sans aucun doute un flair pour les solutions colorées subtiles, mais il n’y a rien de mal conçu dans les œuvres des peintres «du Monde de l’Art». Ils élaboraient les solutions colorées avec le plus grand soin et, dans leur conception du dessin d’une scène, ils n’attachaient pas moins d’importance à la forme et à la ligne qu’à la couleur. Vrubel, il est vrai, soulignait l’importance de la couleur en tant que telle, mais, peut-être en raison de son talent exceptionnel de sculpteur, un sens profond de la forme de base est évident dans son travail.

Tous les autres étaient d’excellents dessinateurs. Bakst, par exemple, dessinateur de premier ordre, insistait sur le fait que les décors ne devaient pas créer une impression artificielle mais devaient être basés sur le réalisme, ce qui implique l’importance fondamentale de la forme. Sa force, en effet, résidait dans son sens de la ligne et de la forme autant que dans son sens de la couleur, et s’il n’avait pas consacré son attention à la scène, il se serait sans doute tourné vers le graphisme .

C’est l’amour du théâtre qui l’a poussé à utiliser sa finesse de coloris ; il s’appuyait surtout sur la ligne, et dans toutes ses esquisses et dessins achevés, les excellentes couleurs étaient appliquées à la manière d’un décorateur plutôt que d’un peintre, c’est-à-dire qu’il posait ses peintures de façon régulière et ne cherchait pas à obscurcir son dessin par des variations de tons.

Selon ses descendants, Bakst était peut-être le plus grand artiste décorateur de tous les temps. Il est donc intéressant de se pencher sur sa méthode. Pour lui, une scène devait présenter une image si convaincante et si envoûtante qu’elle transportait instantanément le spectateur du monde quotidien au monde de l’imagination. Cela exigeait une élaboration méticuleuse de chaque détail du décor et une conformité totale avec l’esprit de la pièce. L’esprit de l’époque, en effet, devait être si concentré que la reconstitution semblait naturelle, mais en même temps la scène devait être si différente de la vie ordinaire qu’elle en apparaissait comme la quintessence ; elle devait être réelle mais inhabituelle, habitée mais inaccessible.

Pour y parvenir, les artistes doivent faire preuve de capacités extraordinaires, car il est nécessaire qu’ils soient cultivés, voire éduqués, qu’ils aient un sens développé de l’époque, et qu’en même temps le talent, l’imagination et la sensibilité soient au cœur de ces qualités. Les qualités universelles inhérentes aux grandes figures de la Renaissance étaient nécessaires, et les membres du groupe «Le monde de l’art» les possédaient à un degré étonnant ; beaucoup d’entre eux maniaient aussi bien la plume que le pinceau, publiaient des articles et des livres de la plus haute importance, enrichissant ainsi à la fois l’art et la culture russes.

Alexandre Benois (1870-1960) et autres

Parmi ces personnes talentueuses, on peut citer Alexandre Benois, dont les peintures de chevalet (et les décorations) ont déjà été mentionnées. Il s’agit pour la plupart de paysages, généralement des aquarelles, d’une taille inhabituelle pour une peinture de ce type ; ils font partie des meilleurs tableaux de notre époque. Magnifiquement construits, dessinés avec précision et très sensibles, leurs couleurs recréent l’air même dans lequel ils baignent. Chacune est imprégnée de l’ambiance du jour où elle a été peinte et du caractère particulier du paysage.

La Révolution n’arrête pas le développement de Benoît et, resté en France, il continue à avancer vers la perfection à pas de plus en plus longs. Ses paysages de Versailles et de Rambouillet sont aussi poétiques, aussi profondément pénétrants, aussi recréatifs de leurs sujets que ses magnifiques tableaux de Saint-Pétersbourg et de son ensemble de palais. C’est certainement la preuve d’un véritable génie : être capable de continuer à se développer sans être réfracté, bien que transplanté de l’environnement natal qui a d’abord éveillé et nourri l’esprit créatif de l’artiste.

Dans sa compréhension du théâtre, Benois est presque aussi bon que Bakst. Contrairement à ce dernier, il a cependant moins recours aux contrastes de couleurs et aux effets saisissants. Ses meilleures œuvres scéniques - «Le Pavillon d’Armida» et «Petrouchka» - datent pour la plupart du dix-huitième siècle, et il y a un tel sens de l’époque que ces recréations sont non seulement admirables en elles-mêmes, mais ajoutent à l’idée que nous nous faisons de cette époque. Elles sont dépourvues de l’esprit quelque peu reconstructeur qui se manifeste parfois dans les tableaux du XVIIIe siècle du remarquable portraitiste, mais moins sensible à la composition figurative, Konstantin Somov, ou dans les séduisants paysages de Sert.

Seul Mstislav Dobuzhinsky partage avec Benois la capacité presque surnaturelle non pas tant de dépeindre que d’évoquer le passé, et ses décors exquis pour la production du Théâtre d’art de Moscou «d’Un mois à la campagne» ne sont pas seulement pleinement satisfaisants d’un point de vue artistique, mais ils incarnent l’époque dépeinte. Ses vues de Saint-Pétersbourg sont presque aussi expressives que celles de Benois.

George Lukomsky, architecte de formation, était également un artiste-architecte remarquable. Ses peintures de Kiev, ses dessins de Pavlovsk et de Tsarskoïe Selo sont d’une grande précision architecturale et en même temps essentiellement pittoresques.

Nikolai Konstantinovich Roerich (1874-1947) est un autre représentant de ce groupe remarquable. Peintre de chevalet par excellence, il crée de magnifiques décors et introduit une nouvelle palette de couleurs au théâtre. Comme Benois et Dobuzhinsky, amoureux du passé, il privilégie le passé le plus lointain, et c’est à l’époque nomade la plus lointaine qu’il puise dans sa connaissance de l’Asie les couleurs qu’il utilise avec tant de bonheur, notamment dans le décor des Danses polovtsiennes du «Prince Igor».

L’art intéressant de Gontcharova, illustré par des panneaux décoratifs, des peintures et des décors pour des ballets aussi divers que le coloré «Coq d’Or» ou l’austère «Nochi», s’inspirait de la peinture médiévale russe . Par essence, son art moderne et vital est presque un retour à l’art byzantin et, bien sûr, un lien avec cet art russe traditionnel qui s’exprime encore sous une forme ou une autre dans l’œuvre de Sudeikin, Boris Kustodiev, Vasily Shukhaev .

Le principal portraitiste de ce groupe, Savely Sorin, peut peut-être être comparé à Sargent, bien que son crayon soit plus délicat, sa perception des couleurs beaucoup plus fine et sa pénétration infiniment plus grande. Ses portraits sont des images exquises remplies de la saveur du raffinement de la société hautement cultivée, parfois presque esthétique, de la Russie tsariste.

Tous ces artistes, à l’exception de Sorin, qui s’est concentré sur les portraits, ont consacré une grande partie de leur temps au graphisme. Bakst, Somov créent des vignettes, des rouleaux, et Bilibine et Stelletsky réalisent de magnifiques illustrations de contes et légendes russes. Ils ont tous contribué à la transmission des belles traditions de l’art graphique héritées de l’époque de Pierre le Grand aux artistes soviétiques qui, aujourd’hui, ajoutent à sa gloire en produisant des lithographies, des eaux-fortes, des gravures sur bois et des gravures de la plus haute classe.

Artistes russes émigrés au XIXe siècle

À la fin du XIXe siècle, un certain nombre de peintres (et de sculpteurs) talentueux ont grandi et ont été éduqués en Russie, puis ont quitté le pays pour s’installer en France, en Allemagne ou en Amérique. Parmi eux figurent les célèbres expressionnistes Alexei von Javlensky (1864-1941) et Wassily Kandinsky (1866-1944), ainsi que le plus jeune Marc Chagall (1887-1985) et le peintre formé à l’École de Paris Haim Sutin (1893-1943).

Des exemples de la peinture russe du XIXe siècle peuvent être vus dans les plus grands musées d’art du monde.

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