Peinture russe du XIXe siècle Automatique traduire
Peinture russe du début du XIXe siècle
Début du XIXe siècle Art russe était profondément teinté par le romantisme. En Russie, cet esprit représentait quelque chose de très différent de la conception occidentale, qui englobait des manifestations telles que le paysage sombre et le cadre gothique de la littérature, etc. En fait, en Occident, le romantisme était essentiellement un mouvement révolutionnaire dirigé contre la domination de la tradition classique. En Russie, du fait de l’influence de Byron, Pouchkine et Lermontov, le terme a été interprété dans son sens originel du dix-septième siècle comme impliquant une œuvre possédant ces éléments exaltés et fantastiques caractéristiques des vieux romans. Ce mélange de courtoisie et de fantaisie semblait particulièrement approprié à une société qui gravissait autour d’une personnalité aussi pittoresque que le tsar Alexandre I. Même à son époque, le tsar était devenu presque une figure légendaire, et son charme, sa beauté délicate, les événements de son règne et son allure d’Apollon, combinés à la douce mélancolie de son humeur, laissèrent une empreinte profonde sur Artistes russes de l’âge.
Orest I. Kiprenski (1773-1836)
Orest I. Kiprenski était le plus ancien et l’un des plus doués. Fils de serf, pourtant extrêmement sensible, il avait hérité de la belle tradition des portrait d’art de Peinture russe du 18ème siècle – un genre dans lequel il a excellé. Il était particulièrement intéressé par l’interdépendance des couleurs et la tonalité de ses portraits était remarquable, particulièrement dans son travail. autoportraits, où les couleurs sont bien en avance sur son temps. Deux d’entre eux sont donc presque entièrement peints en verts, ce qui est surprenant: ils sont émotionnellement au même ton que la poésie d’Alexander Blok des années 20. Malheureusement, Kiprenski, comme Losenko avant lui, a été détourné de sa véritable trajectoire par deux visites à Rome. À ce moment-là art académique Il y régna en maître et le tempérament émotionnel de Kiprenski était tellement impressionné par la grandeur de ses sujets qu’il abandonna le portrait pour des thèmes plus prétentieux. Ses expériences de couleur cédèrent devant son intérêt pour les compositions héroïques. En conséquence, ses œuvres ultérieures ne rendent pas justice à la promesse de ses premières années.
Vasily Tropinin (1776-1857)
Vasily Tropinin est généralement associé à Kiprenski, tous deux en raison de son humble origine – il était de naissance un serf et n’a été émancipé que très tard dans la vie – et aussi parce qu’il excellait lui aussi dans le portrait. Sa préférence pour les têtes de filles plutôt sentimentales a été attribuée à l’esprit romantique, mais il serait plus proche de la vérité d’admettre qu’elles représentent la conception de Tropinin de la beauté féminine parfaite. Dans La peinture il les a trouvés oubliés de la misère de sa propre vie. Ses scènes de genre sont plus vigoureuses et leur intimité et leur gentillesse leur donnent la force et la conviction qui font défaut dans les portraits.
Boris Orlovski (1796-1832)
Boris Orlovski est une figure plus vitale, mais il a encore été dépassé par une demande de peintures à la manière du peintre hollandais Philips Wouwerman (1619-68). Au lieu de développer sa propre individualité, il s’est concentré sur la création du type d’image pour lequel il existait un marché. dessin qu’il puisse être assigné une place parmi les grandes figures de l’art russe. Ces dessins, faits pour se faire plaisir, sont non seulement délicats et amusants, mais aussi techniquement très brillants. Son talent est comparable à celui de Bryulov, mais alors que Bryulov était un artisan accompli, à l’esprit stérile, Orlovski était un peintre erratique au tempérament d’artiste.
CP Bryulov (1799-1852)
CP Bryulov était le fils d’un sculpteur à la cour de Catherine, qui avait su exploiter et développer les dons artistiques évidents de son fils si bien que celui-ci avait emporté tous les prix offerts par l’Académie des beaux-arts et avait remporté une bourse de voyage en Italie. En 1828, il se rend à Pompéi et à Naples, où il tombe par hasard pour voir l’opéra de Puccini, Les derniers jours de Pompéi. Profondément impressionné, il commence rapidement à peindre un vaste tableau sur le même thème. Il se classe en Russie comme son chef-d’œuvre, probablement à juste titre, car c’est un exploit remarquable. Pourtant, il ne peut s’agir que d’un tour de passe-passe, car il s’agit essentiellement d’un travail théâtral et non d’un véritable vécu. Néanmoins, c’est accompli, et cela a établi la réputation de Bryulov, même s’il s’agit de ses portraits, dessins et aquarelle qui semblent aujourd’hui aller plus loin dans la justification. Ses portraits sont des œuvres extrêmement accomplies, d’une grande vitalité et ses dessins sont tout à fait ravissants. Leur finesse et leur précision préfigurent Alexander Benois.
Fedor Bruni (1800-1875)
Dans son tableau intitulé The Brazen Serpent, Fedor Bruni a produit ce qui est souvent considéré comme une pièce complémentaire des Derniers jours de Pompéi de Bryulov. Cette toile illustre les talents de coloriste de Bruni et son habileté à grouper, mais elle échoue même en tant qu’objet d’époque car elle semble prétentieuse et peu sincère. Bruni a peint un certain nombre de tableaux religieux, mais ils échouent également pour la même raison.
Alexander Venetsianov (1779-1847)
Alexander Venetsianov réalisa un travail d’une importance beaucoup plus grande car, comme beaucoup de ses contemporains occidentaux, ses intérêts étaient principalement absorbés par le côté technique de peinture à l’huile. Il avait été l’élève de Borovikovski et, à ses débuts, il comptait également un grand nombre d’élèves et un nombre important d’élèves. Mais le succès spectaculaire de Brylov avec ses Derniers jours de Pompéi attira la plupart des plus ambitieux peintres russes, et Venetsianov, comme un ou deux autres professeurs notables, ont perdu la plupart de ses élèves. Parmi les partisans de Venetsianov, il y avait un ou deux artistes mineurs d’importance considérable, tels que Zarianko (1818-1870), mais plus particulièrement le comte Fedor Tolstoy (1783-1873), qui appliqua les principes réalistes qui avaient guidé Venetsianov à ses propres images de l’artiste. Des classes moyennes russes dans leur pays d’origine, ces peintures charmantes sont aussi précieuses sur le plan esthétique et historique pour la Russie que de nombreuses autres images de la conversation datant d’une date bien antérieure à celle de la Grande-Bretagne; elles constituent le premier exemple d’une chaîne de développement qui culmine le travail rétrospectif d’Alexander Benois et Dobuzhinski.
Paul A. Fedotov (1815-1852)
Paul A. Fedotov , le William Mulready de la peinture russe, a associé des scènes de genre à des intérieurs tolstoïens. Homme sans prétention, sincère et observateur, vivant de la maigre pension d’un officier de l’armée à la retraite, il n’a commencé à peindre que vers la fin de la trentaine. Le manque de formation et une mort prématurée l’ont empêché de devenir un Russe Rowlandson, mais ses récits de faiblesses contemporaines sont spirituellement et tempérament étroitement liés aux écrits de Gogol et de Chekhov. Ses scènes se déroulent dans des intérieurs soigneusement reproduits et sont très bien peintes. Ses images, Le Fop et La Fenêtre sont à l’avant-garde de la peinture russe "Purpose".
Vasily Perov (1833-1882)
Son successeur immédiat et camarade moscovite, Vasily Perov , a eu plus de chance, car il a été formé comme artiste dès son plus jeune âge. En conséquence, ses réalisations sont supérieures à celles de Fedotov, car son crayon et son pinceau ont suivi le rythme de ses capacités d’observation. Sa profonde sincérité n’a pas affecté la légèreté de son toucher ni freiné son sens de l’humour, mais les conditions politiques prévalant en Russie l’ont amené à opter pour la moralisation. peinture de genre comme sa sphère. En conséquence, la Russie possède une série d’images non moins révélatrices et aussi décisives que The Rake’s Progress ou Marriage a la Mode de William Hogarth. Les images de Perov, cependant, ne forment pas de décors, mais montrent des sujets uniques tels que The Village Sermon, The Tea Party, The Repast et The Governess’s Arrival. Hogarth leur manque le niveau pictural en raison de la rigidité et de la retenue particulières du XIXe siècle, mais aussi parce que le groupement a moins de succès et que la couleur est plus pauvre, mais ils ont néanmoins une valeur esthétique définie en plus de leur intérêt narratif.
Alexandre Ivanov (1806-1858)
Une tendance complètement différente apparaît dans le travail d’ Alexander Ivanov , dont beaucoup de peintures ont un thème religieux et une approche essentiellement religieuse, car elles montrent une conception spirituelle profondément sincère ainsi qu’un sens aigu de la forme et de la composition. Il fut le premier Russe à exprimer ses émotions religieuses sans effort et de manière parlante dans le médium occidental, et à créer art religieux dans le style occidental pas moins émouvant que le peinture d’icônes de l’époque médiévale. Ses études de nus féminins restent étonnamment modernes et méritent de figurer parmi les œuvres occidentales contemporaines les plus avancées de ce type.
Nicholas Gay (1831-1894)
Nicholas Gay , un médiocre dessinateur, mais aussi un artiste véritablement religieux, a suivi les traces d’Alexander Ivanov, inconsciemment, pourrait même être dit automatiquement, combinant dans ses tableaux religieux le naturalisme occidental avec le mépris orthodoxe pour la beauté physique par opposition à la beauté spirituelle. C’est ainsi que ses personnages déformés, émaciés et sans charme ont une intensité absorbante, comme en témoigne en particulier un tableau de la crucifixion du musée russe de Saint-Pétersbourg. Ses portraits sont moins vivants, mais plus spontanés. Ce sont d’excellentes ressemblances et, malgré toute leur gentillesse, ils ne sont ni maniérés ni sentimentaux, comme beaucoup de portraits du XIXe siècle. Son portrait du comte Léon Tolstoï est l’un des plus intéressants jamais peints de l’écrivain, car il reflète bien les éléments contradictoires qui ont façonné son personnage turbulent.
"Les vagabonds" (Peredvizhniki)
Après 1863, l’évolution de la peinture russe fut profondément affectée par ce qui parut au départ un incident banal. Treize étudiants de l’Académie des Beaux-Arts se sont opposés au choix d’Odin à Valhalla comme sujet du prix de la médaille d’or. Ils ont réclamé un thème slave à sa place et l’ont fait avec une telle persistance qu’ils ont été expulsés de l’Académie. Ce fut un coup dur pour eux, car ils étaient pour la plupart pauvres et dépendaient de leurs diplômes pour leur subsistance. Ils ont rencontré le coup dur en formant une guilde et en se partageant les commissions qu’ils pouvaient obtenir. En 1870, ils allèrent encore plus loin et formèrent une société qu’ils appelèrent " Les vagabonds " ) Peredvizhniki) (Société pour les expositions d’art itinérantes). Ses membres devaient se déplacer d’un lieu à l’autre pour exposer leurs œuvres, dans l’espoir qu’ils pourraient ainsi amener Moscou et les provinces à se joindre à Saint-Pétersbourg pour s’intéresser activement à l’art. Par choisissant des sujets sociaux ou politiques pour leurs images, ils espéraient en même temps que leur public soit politisé.
Les vagabonds, ceux qui ont sympathisé avec eux sans être des membres actifs de la société et ceux qui, bien que touchés indirectement, ont néanmoins tendance à devenir des artistes "à vocation", peuvent être divisés en quatre groupes. Il y avait des personnes comme Ivan Kramskoy (1837-1882), leur premier chef, ou Victor Vasnetsov (1848-1926) et Michael Nesterov (décédé en 1862), qui se concentraient sur des sujets slavophiles; il y avait les disciples de Vereshchagin , Repin et Surikov , qui ont choisi des thèmes historiques; d’autres, comme Vasily Perov et Alexander Makovski (1869-1915), sont devenus des peintres de genre. des peintres tels qu’Isaac Levitan (1861-1900), Arhip Kuinzhi et le peintre de paysages marins Ivan Ayvazovski (18I7-1900) se sont concentrés sur des sujets et des paysages naturalistes.
Le travail des vagabonds était gâché par leur désir de prosélytisme. Ainsi, leur leader virtuel, Kramskoy, deviendrait-il trop cérébral et trop peu émotif pour accomplir de grandes choses; Dostoïevski avait trop affecté son esprit, ses sentiments étaient insuffisants. Son travail manquait de force et malgré son intérêt pour les maux du siècle, il ne suscitait pas un sentiment profond chez le spectateur. Néanmoins, Ivan Kramskoy conservera toujours sa place dans l’histoire de la peinture russe – en particulier en tant qu’un de ses meilleurs artistes de portrait – dont les perspectives ont caractérisé le troisième quart du XIXe siècle. Il a également produit des œuvres remarquables. Art chrétien, y compris: Christ dans le désert (1872, galerie Tretiakov, Moscou) et Laughter ("Salut, roi des Juifs!") (1882, Musée russe de Saint-Pétersbourg).
Nesterov avait l’étoffe d’un paysagiste hors pair, mais sa détermination à montrer une morale a gâché ses images. De plus, ses personnages sont sentimentaux et peu convaincants et ne font qu’obscurcir les beaux paysages dans lesquels ils se trouvent.
Vasnetzov était un artiste plus doué qu’eux non plus, mais son travail fut à nouveau entaché par l’absence de spontanéité et de passion, ainsi que par son mauvais œil pour la couleur.
Vasily Vereshchagin (1842-1904)
Vasily Vereshchagin, plus renommé, travaillait de concert avec The Wanderers, mais également avec les disciples de Venetsianov. D’un accouchement doux et d’une éducation occidentalisée, ses sympathies vont aux slavophiles. Pourtant, il avait un studio à Paris et y passait une grande partie de son temps. Bien qu’une visite en Inde l’ait amené à expérimenter la couleur, il resta totalement indifférent, voire ignorant, des recherches de Degas, Monet et Manet dans le même domaine; Cependant, malgré tout, ses propres réalisations ont permis de faire comprendre l’importance de ce sujet à nombre de ses collègues russes. En tant qu’artiste de guerre, Vereshchagin participa au siège de Samarkand et à la campagne dans les Balkans. La dureté de la guerre renforça ses tendances réalistes et le transforma en un artiste sobre et sensible, bien que définitivement un artiste "moralisateur". Parfois, ses dessins et son montage sont sans intérêt, mais sa sincérité était si grande et ses sentiments si profonds que nombre de ses images de guerre restent profondément émouvantes, même maintenant – une preuve certaine de leur mérite intrinsèque. En leur temps, ces images ont attiré de grandes foules, y compris des paysans, et ils ont fait plus que les œuvres de tout autre artiste pour développer l’intérêt du peuple russe pour beaux arts.
Ilya Repin (1844-1930)
Bien que moins populaire dans son appel, Ilya Repin (1844-1930) était en réalité un artiste d’une plus grande originalité. Il avait certes le talent et le tempérament nécessaires pour devenir une figure remarquable de l’art européen, mais son malheur était né pendant la période la plus terne de la peinture russe, à une époque où une tradition universitaire moribonde en contrôle rigide. De plus, il manquait de la vigueur qui permettait aux écrivains et musiciens russes de se libérer de cet esprit stagnant et, quel que fût son travail, son travail n’était jamais passionnant. Deux de ses peintures méritent néanmoins une mention spéciale: son étude d’ Ivan IV au moment de la mort de son fils et sa peinture Cosaques Carousing après l’envoi au Sultan d’une note Jeering. Dans le premier, l’horreur d’Ivan face aux souffrances de son fils est une étude pénétrante du chagrin humain face à la violence, tandis que dans le second, l’image des Cosaques est pleine de perspicacité psychologique.
Vasily Surikov (1848-1916)
Ces œuvres ont été grandement admirées à leur époque, mais elles n’ont pas influencé autant les peintres contemporains que les peinture d’histoire de Vasily Surikov . Surikov n’a choisi comme sujet aucun événement majeur de l’histoire de la Russie, mais il a choisi des thèmes qui soulignent le courage d’individus confrontés à de grandes difficultés. Ce choix était en soi une nouveauté et intéressait profondément les contemporains de Surikov. Une douce mélancolie imprègne son travail; mais, comme il est aussi vigoureux et direct, il n’y a rien de sentimental à ce sujet. Sa gamme de couleurs est variée et vive, et a considérablement influencé les palettes du groupe de peintres World of Art. Surikov était trop persévérant et trop autosuffisant pour se joindre à un groupe, mais il fit tout son possible pour encourager les jeunes peintres à se libérer de l’interprétation étroite de la peinture de The Wanderers, et même des artistes plus mûrs et plus proches de lui – hommes tels que Repin et Vasnetsov, même Levitan et Serov – ont été nettement affectés par ses réalisations. Avec Repin, Surikov reste l’un des principaux meilleurs peintres d’histoire de l’école russe.
Isaac Levitan (1860-1900)
Parmi les meilleurs paysagistes au 19ème siècle, la Russie était Isaac Levitan sur qui l’influence du grand naturaliste Ivan Shishkin (1831-1898) ("Tsar de la forêt") est clairement visible. Levitan a hérité de Shishkin un amour profond pour la campagne russe et d’ Arkhip Kuindzhi (1842-1910) une technique nerveuse, presque impressionniste, admirablement conçue pour exprimer la couleur délicate de la végétation de la Russie. En outre, Levitan a été affecté par le français École de peinture de paysage de Barbizon, dont il était un admirateur chaleureux. Son travail a fait preuve d’une grande qualité d’imagination et exprime quelque chose de la fascination irrésistible du paysage peu spectaculaire mais néanmoins subtilement adorable de la Russie.
Levitan s’est constamment efforcé d’améliorer son travail, sa texture, son trait et sa couleur; il finit par atteindre la vraie maîtrise. Selon les mots d’Alexandre Benois, Lévitan "a rendu le charme inexplicable de notre humble pauvreté, la largeur sans faille de nos étendues virginales, la tristesse festive de l’automne russe et l’appel énigmatique du printemps russe. Ses images ne contiennent aucun être humain., mais ils sont imprégnés de la profonde émotion qui inonde le cœur de l’homme face à la sainteté de l’ensemble ".
Valentin Serov (1865-1911)
Un autre exposant exceptionnel de peinture de paysage était Valentin Serov , élève de Repin. Son génie était de premier ordre et sa conception de la beauté particulièrement acerbe. Avant tout, il ressentait profondément et exprimait avec une clarté étonnante l’esprit et la culture même de la Russie. Ses paysages sont aussi réalistes, aussi poétiques et révélateurs que ceux de Eugène Boudin (1824-1898); (voir: Caractéristiques de la peinture impressionniste) le sien plus grands portraits sont aussi belles et aussi vivantes que celles de Renoir (1841-1919). Leur valeur historique est particulièrement grande, car, quels que soient son attitude personnelle et ses opinions libérales, tous les citoyens de la Russie tsariste siégeaient siégeaient pour Serov. Pourtant, aucun des tableaux ainsi obtenus ne possède un portrait officiel. chacun est un document sincère et éclairant.
Michael Vrubel (1856-1910)
Le troisième grand individualiste de la période, Mikhail Vrubel , était un génie curieux, tragique, mais profondément inspiré. Il expérimenta quelque chose de plus intense que l’étrange imaginaire de William Blake, qui pourtant lui ressemble pourtant, bien qu’il fût un artiste beaucoup plus grand. Ses peintures religieuses passionnées, avec leur habileté technique étonnante et leur tension turbulente, comptent parmi les chefs-d’œuvre du monde; ils sont aussi convaincants, aussi passionnants que ceux de El Greco. Ses œuvres imaginatives – par exemple, son image de " Pan " – sonne comme une vérité et sont aussi émouvantes que ses superbes portraits, aussi ardents que ses sculptures extrêmement accomplies, aussi extatiques que son travail théâtral. Toute sa production est imprégnée de son génie, de son idéalisme, de ses tâtonnements passionnés après la perfection. Sa personnalité était trop complexe et son art trop personnel pour en faire un suiveur, mais c’est pour cette raison même qu’il a sa place parmi les géants de la peinture européenne du XIXe siècle. Son génie n’était rien de moins que le leur, même si, comme celui de Van Gogh, son esprit était plus profondément tourmenté. Contrairement à Van Gogh, cependant, même les plus douloureuses de ses hallucinations ont été transformées en visions par sa spiritualité innée. Vrubel était profondément apprécié de ses contemporains qui, malgré leur réticence et leur impuissance, étaient pleinement conscients de la beauté étonnante de son travail.
Parmi les autres peintres russes remarquables du milieu ou de la fin du 19e siècle, citons: le peintre de genre réaliste réaliste Konstantin Savitsky (1844-1905), paysagiste rustique Vasily Polenov (1844-1927) et le peintre de genre coloriste Abram Arkhipov (1862-1930).
Pendant ce temps, un certain nombre d’artistes plus jeunes se regroupaient autour de trois jeunes hommes remarquables. Deux d’entre eux – Leon Bakst (1866-1924) et Alexander Benois (1870-1960) – étaient des peintres, le troisième, Sergei Diaghilev (1872-1929), un jeune amoureux des arts, allait bientôt présenter à l’Europe le meilleur de la peinture, de la musique et de la danse russes : à savoir son Ballets Russes compagnie de ballet. Ces jeunes hommes étaient opposés aux tendances naturalistes de la peinture russe du XIXe siècle; mais, bien qu’ils aient été profondément impressionnés par Impressionnisme français, ils ne lui étaient en rien subordonnés, car ils considéraient qu’il était essentiel que chaque peintre suive son propre chemin, à condition qu’il observe la loi essentielle «l’art pour l’art».
Savva Mamontov (1841-1918)
Leurs vues et leurs œuvres ont attiré l’attention d’un moscovite remarquablement perspicace appelé Savva Mamontov (1841-1918). De profession marchande, il était par son tempérament mécène à l’échelle de la Renaissance et deviendrait l’un des sponsors les plus remarquables de l’art dans un pays qui devait une dette surprenante à la générosité des individus. collectionneurs d’art. À cette date cependant, Mamontov était particulièrement attiré par la scène, car le théâtre russe entrait à ce moment-là dans sa plus belle époque. Mamontov s’est construit un théâtre privé à Moscou et a commandé les décors et les costumes de ses productions aux plus grands peintres progressistes de son époque. En 1882, il demande à Viktor Vasnetsov (1848-1926) de réaliser les décors de sa production "Little Snow White"; en 1885, il lui confia la commande du ballet "La nymphe" et un peu plus tard de "La reine des neiges".
Les couleurs vives de Vasnetsov, ses lignes sinueuses et son évitement du trompe l’oeil a d’abord surpris le public, bien que son travail ait immédiatement impressionné ses collègues. En particulier, son décor pour "La Reine des neiges" a fait plus que tout pour populariser le conte de fées russe et ses effets sur art décoratif et sur la peinture de chevalet était considérable. Il a ainsi suscité un intérêt pour les sujets russes dans l’esprit de deux des plus grands peintres du début du siècle, Konstantin Korovin (1861-1929) et Alexander Golovin (1863-1930); tandis que deux autres, D. Steletski et Ivan Bilibin (1876-1941), se consacraient presque entièrement à ce travail, qui sera suivi dans les années 1920 par Natalia Goncharova (1881-1962) et Michael Larionov (1881-1964) – les inventeurs du rayonisme – qui ont été ramenés par voie russe art folklorique au style byzantin. Les contes de fées servirent aussi Helen Polenova , de Russie, Berthe Morisot et Mary Yakunchikova (1870-1903), comme point de départ pour leur exploration des champs verdoyants, des bois et des pathétiques petits cimetières et églises villageoises de que tant de contes de fées se dévoilent. Et cela a conduit au goût pour ces manoirs romantiques en décomposition, avec leurs vergers envahis par la végétation et leurs pièces désolées, avec leurs meubles recouverts de draps de protection, qui servent de cadre à une grande partie du travail de Tourgueniev. L’influence de Mary Yakunchikova sur Dobuzhinski et Alexander Benois, qui n’a jamais tardé à réagir à la poésie nostalgique de ce genre de scènes, ne peut être totalement ignorée, en aucun cas en ce qui concerne le choix du sujet.
Mais revenons aux projets théâtraux de Mamontov. Après Vasnetsov, Mamontov s’est tourné vers Korovin et Golovin pour le décor, le premier produisant celui-ci pour "Aida". Leurs palettes de couleurs miraculeuses ont dévoilé des enchantements inimaginables. Les couleurs de Korovin étaient subtiles, pourtant si harmonieuses et combinées avec un sens du style si superbe qu’aucune offense ne fut commise s’il avait tendance à subordonner son effet scénique à l’image. En 1917, Korovine avait produit les décors et les costumes de quatre-vingts opéras, de trente-sept ballets et de dix-sept pièces de théâtre. Tout était excellent, mais les nombreuses peintures de chevalet de Korovin ne sont guère inférieures à son travail sur scène. Les prédilections de Golovin pour l’argent et le blues donnaient à ses réglages la fluidité de la musique, et cela passait inaperçu si sa scène était encline à être surpeuplée. Ses décors pour "Les femmes de Pskov" et pour "Ruslan et Lyudmila" l’établissent comme l’un des plus grands décorateurs de son époque.
D’autres artistes ont également été attirés de manière irrésistible par la scène, ce qui semblait donner à l’art russe une ancre indispensable. Vrubel fut l’un des premiers à succomber à sa fascination, dans ses arrangements opalescents pour "La princesse du cygne" et "La reine de la mer"; malgré leur caractère éphémère, ils méritent d’être classés en équivalents russes des nénuphars de Monet.
Remarque: pour une explication de certaines des grandes œuvres russes, veuillez consulter: Analyse des peintures modernes (1800-2000).
Association des artistes du monde de l’art: décors de théâtre pour le ballet
Les entreprises de Mamontov l’ont presque ruiné et il a été obligé de fermer son théâtre. En 1898, il rejoint néanmoins le prince Tenishev pour financer la production d’un périodique intitulé Le monde de l’art ) Mir Iskusstva), publié par une association informelle d’artistes russes même nom. Il a été édité par Sergei Diaghilev, assisté de Bakst et encouragé par Alexander Benois. Le périodique couvrait tout le domaine de la art, bien que ce ne soit que vers la troisième année que les questions théâtrales soient abordées dans ses colonnes.
L’érudition des artistes de World of Art alliée au glamour de leurs peintures et au succès esthétique des productions théâtrales de Mamontov et, surtout, aux remarquables talents promotionnels de Diaghilev, ont servi à obtenir le soutien de Telyakovski, directeur des théâtres impériaux. à Moscou. Simultanément, à Saint-Pétersbourg, un nouvel enthousiasme se faisait jour, d’abord sous la direction du directeur des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg, Vsevolozhski , puis sous son successeur, le prince Volkonski . Vsevolozhski était un homme d’une sensibilité et d’une habileté exceptionnelles et, alors qu’il contrôlait les théâtres impériaux (c’était dans les années 1880), le ballet russe atteignit son plus haut niveau. Dans ses "Réminiscences du ballet russe" (Putnam, 1941), Alexander Benois écrit: "Je me considère particulièrement chanceux de pouvoir trouver dans notre art le ballet de Saint-Pétersbourg à un moment où l’âme a soif d’impressions qui donnent la vie à l’art. Son efflorescence a été rendue possible par une étonnante combinaison d’éléments: le sens artistique délicat de Vsevolozhski, le génie fougueux de Virginia Zucchi, l’imagination créatrice de Petipa, l’état florissant de l’École impériale de théâtre et enfin la disponibilité d’un compositeur comme Tchaikovsky (1840-1893)) de mettre son génie à la disposition du théâtre.
Le prince Volkonski n’était guère moins perspicace et c’est lui qui, au tournant du siècle, a essayé Bakst dans "Le Cœur de la marquise" et Benois pour le décor d’un opéra en un acte, tous deux exécutés pour la famille impériale. au théâtre de l’Ermitage.
Au début du XXe siècle, Telyakovski remplaça le prince Volkonski à Saint-Pétersbourg et, sans être novateur, il étendit la reconnaissance officielle de Benois et de Bakst à la Commission en commandant le décor du "Pavillon d’Armide" de Benois en 1907 et "Hippolyte" et "Oedipe" de Bakst, mais malgré cela, le patronage des jeunes artistes par le Conseil n’était pas très développé. Néanmoins, bien que l’art théâtral manque de esthétique De commande de chevalet, les commandes de Telyakovski ont apporté une telle notoriété à ces artistes qu’elle englobait à la fois leurs tableaux de chevalet et leur travail sur scène. Même ainsi, leur renommée se serait probablement limitée à la Russie si Sergei Diaghilev n’avait pas décidé en 1909 de faire connaître l’art russe à l’Europe occidentale en organisant une saison de ballet et d’opéra russes à Paris.
Le paysage qu’il a apporté avec lui; Tout l’œuvre des peintres de World of Art a révolutionné la scène française en dissipant avec une violence saisissante la gamme de couleurs pâles et nébuleuses que Baudelaire, Verlaine, Oscar Wilde et ses amis avaient mis à la mode.
Les réglages russes étaient marqués par leurs tons brillants et leur éclairage plein et clair, où les couleurs étaient en réalité équilibrées, retenues et maîtrisées semblaient à première vue se dérouler dans une émeute presque incontrôlable. La vitalité des productions de Diaghilev balaya rapidement Paris du libertinisme. Les midinettes et les concierges ont été emportés, ainsi que la société. Le slave devint la mode, tout dans le style du ballet russe était à la mode, et bientôt tous les magasins – du "grand couturier" au drapier local – vendaient des vêtements de couleurs vives, dont les couleurs devenaient de plus en plus criardes, dans leur tentative d’imiter les Russes, comme ils se sont répandus parmi le grand public de la ville.
Il est encore fréquemment admis aujourd’hui que cet exploit des Russes était le résultat d’un sens inné de Couleur ce qui leur a permis de produire de beaux effets sans trop réfléchir. Les Russes ont sans aucun doute un œil sur les subtiles combinaisons de couleurs, mais rien n’était négligé dans l’œuvre des peintres de The World of Art. Ils ont réfléchi avec soin à leurs schémas de couleurs et ont attaché autant d’importance à la forme et au tracé dans leur conception de la scénographie que de la couleur. Vubel, il est vrai, avait souligné la signification de la couleur en soi et pour elle-même; mais, peut-être en raison de ses dons remarquables en tant que sculpteur, son travail repose sur une profonde sensibilité à la forme de base. Les autres étaient tous des dessinateurs de ligne d’une capacité exceptionnelle. Bakst, par exemple, un dessinateur de premier plan, a insisté sur le fait que les paysages ne devaient pas créer une impression fictive, mais devaient être basés sur le réalisme, impliquant ainsi l’importance fondamentale de la forme. Son pouvoir réside en effet dans son sens de la ligne et de la forme, tout autant que dans son sens de la couleur. S’il n’avait pas consacré son attention à la scène à laquelle il s’était certainement tourné, art graphique. C’est l’amour du théâtre qui l’a amené à utiliser son bel œil pour la couleur; fondamentalement, il s’appuyait implicitement sur la ligne et, dans tous ses croquis et dessins finis, les superbes couleurs étaient appliquées plus à la manière d’un décorateur que d’un peintre, c’est-à-dire qu’il posait les couleurs à plat et ne faisait aucun effort pour obscurcir son dessin par variations de ton. Le verdict de la postérité montre que Bakst a peut-être été le plus grand artiste décoratif de tous les temps. Il est donc intéressant d’examiner sa méthode. Pour lui, la scène devait présenter une image aussi convaincante et fascinante qu’immédiatement pour transporter le spectateur du monde quotidien à celui de l’imaginaire. Cela nécessitait que chaque détail de la scène soit soigneusement étudié et conservé en parfait accord avec l’esprit de la production. En fait, l’esprit d’époque devait être tellement concentré que la reconstruction paraissait naturelle, mais en même temps la scène devait être si différente de la vie ordinaire qu’elle en apparaissait comme sa quintessence; il devait être réel mais inhabituel, habitable et inaccessible.
La réalisation de cet objectif a nécessité des pouvoirs inhabituels chez les artistes, car il était essentiel qu’ils soient cultivés, même appris, qu’ils aient un sens développé de la période, mais que ces qualités devaient reposer sur leur talent, leur imagination et leur sensibilité.. Quelque chose qui ressemble aux attributs universels des grandes figures de la Renaissance était appelé, et les membres du groupe The World of Art possédaient ces attributs à un degré remarquable; beaucoup d’entre eux étaient aussi à l’aise avec le stylo qu’avec le pinceau et ils ont publié des articles et des livres de première importance, enrichissant ainsi simultanément l’art et la culture russes.
Alexander Benois (1870-1960) et d’autres
Parmi ces personnalités talentueuses figuraient avant tout Alexandre Benois , dont les peintures de chevalet (et décors) ont déjà été mentionnées. La majorité d’entre eux sont des paysages, généralement des aquarelles d’une taille exceptionnellement grande pour les peintures de ce milieu; ils font partie des plus belles images de notre époque. Superbement construites, sûrement dessinées et très sensibles, leurs couleurs recréent l’air même dans lequel elles se baignent. Chacun est parfumé avec le tempérament du jour sur lequel il a été peint et avec le caractère particulier du paysage. Le développement de Benois n’a pas été arrêté par la révolution; s’installant en France, il continua d’avancer vers la perfection avec des pas de plus en plus longs. Ses paysages de Versailles et de Rambouillet sont aussi poétiques, aussi évocateurs que possible, recréant leurs sujets, tout comme ses jolis tableaux de Saint-Pétersbourg et de sa ceinture de palais. C’est sûrement la preuve du vrai génie: pouvoir continuer à évoluer sans être altérés, bien que transplantés du milieu natal qui a tout d’abord éveillé et nourri l’esprit créatif de l’artiste.
Benois cède à peine à Bakst dans sa compréhension du théâtre. Contrairement à Bakst, toutefois, il a moins recours à des couleurs contrastées ou à des effets saisissants. Ses plus belles œuvres sur scène, "Pavillon d’Armide" ou "Petrouchka" – pour n’en nommer que deux – sont pour la plupart situées au XVIIIe siècle. ajouter également à notre connaissance de cet âge. Ils n’ont pas l’esprit quelque peu reconstructif qui apparaît parfois dans les images du 18ème siècle de cet excellent peintre portraitiste, mais moins sensible, de compositions imaginatives, C. Somov, ni dans les paysages fascinants de Sert.
Mstislav Dobuzhinski est le seul à partager le talent presque étrange de Benois d’évoquer plutôt que de représenter le passé. Son décor exquis pour la production de "Un mois à la campagne" du Théâtre d’art de Moscou est non seulement une complète satisfaction artistique, mais également le summum de l’époque. il représente. Ses vues de Saint-Pétersbourg sont presque aussi évocatrices que celles de Benois.
George Lukomski, architecte de formation; était également un peintre architectural exceptionnel. Ses images de Kiev et ses dessins de Pavlovsk et de Tsarskoïe Sélo sont architecturalement exacts et en même temps essentiellement picturaux.
Nicholas Roerich (1874-1947) était un autre membre de ce groupe remarquable. Bien qu’il soit essentiellement un peintre de chevalet et qu’il jouisse d’une excellente réputation, il devait également créer d’excellents paysages et introduire une nouvelle gamme de couleurs au théâtre. A l’instar de Benois et de Dobuzhinski, un amoureux du passé, il préférait un passé plus éloigné et c’est à l’âge du nomade le plus éloigné qu’il s’est tourné, tirant parti de sa connaissance de l’Asie Hither pour les couleurs qu’il utilisait avec un tel effet superbe, notamment dans ses mises en scène pour les danses polovtsiennes de "Prince Igor".
L’art intéressant de Goncharova, dont les panneaux décoratifs, les images et les arrangements de ballets aussi différents que le vif "Coq d’Or" ou l’austère "Les Noces", ont fourni des exemples tout aussi intéressants, a trouvé son inspiration dans Peinture médiévale russe. En fait, son art essentiellement moderne et vital est presque un retour à la Art byzantin, et sert certainement de lien avec cet art russe traditionnel qui trouve encore une expression sous une forme ou une autre dans les œuvres de Sudeikin et B. Kustodiev, Basil Shukhaev.
Le premier portraitiste de ce groupe, Saveli Sorin, pourrait peut-être être comparé à Sargent, bien que son crayon soit plus délicat, son sens des couleurs beaucoup plus subtil et sa pénétration infiniment plus grande. Ses portraits sont des images exquises, évoquant le raffinement de la société de la Russie tsariste, très cultivée et parfois presque effacée.
Tous ces artistes, à l’exception de Sorin, qui s’est concentré sur le portrait, ont consacré une grande partie de leur temps à l’art graphique. Bakst, Somov et en particulier excellaient dans les vignettes, les parchemins et les têtes de chapitre, tandis que Bilibin et Stelletsky produisaient de superbes illustration pour les contes de fées et légendes russes. Ils ont tous contribué à transmettre les belles traditions de l’art graphique, hérité de l’époque de Pierre le Grand, à des artistes soviétiques, qui ajoutent aujourd’hui à sa gloire en produisant des lithographies, des gravures, des gravures sur bois et des gravures de tout premier ordre.
Artistes russes émigrés du XIXe siècle
Un certain nombre de peintres (et de sculpteurs) extrêmement talentueux ont grandi et se sont formés en Russie vers la fin du 19e siècle, avant de quitter le pays pour s’installer en France, en Allemagne ou en Amérique. Parmi ces personnalités figurent les célèbres expressionnistes Alexei von Jawlensky (1864-1941) et Wassily Kandinsky (1866-1944), ainsi que le jeune Marc Chagall (1887-1985) et l’ artiste de l’ Ecole de Paris Chaim Soutine (1893-1943).
On peut voir des exemples de peintures russes du XIXe siècle dans certains des meilleurs musées d’art dans le monde.
Ressources supplémentaires
Pour plus d’articles sur l’art russe, voir:
Tableau de l’école d’icônes de Novgorod (c.1100-1500)
Théophane le Grec (c.1340-1410)
Andrei Roublev (Iconographe) (c.1360-1430)
Dionysius (Peintre d’icônes) (c.1440-1502)
Ecole de peinture de Moscou (c.1500-1700)
Petrine Art (c.1686-1725)
Sculpture russe (c.1740-1940)
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COMMENTAIRES: 2 Ответы
Очень много ошибок в именах, отчествах художников!
Да, увидел, спасибо!
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