Art baroque espagnol Automatique traduire

Comme aux Pays-Bas, l’ère baroque du XVIIe siècle a été l’âge d’or de la peinture espagnole . Libérés de la plupart des éléments italiens et parrainés par une Église catholique intransigeante - fortement soutenue par les pieux empereurs Habsbourg - les peintres baroques espagnols ont adopté le style âpre et noble de l’art catholique de la Contre-Réforme, qui combine la ligne et la couleur ainsi que le graphisme et la peinture, et intègre un sens de l’observation si aigu qu’aucune autre époque ni aucun autre style de l’art chrétien ne peut le surpasser en termes de vérité. C’est l’école espagnole, ainsi que les maîtres du baroque hollandais en Hollande, qui ont effectivement orienté la peinture européenne sur la voie du réalisme naturaliste.

Comme les artistes flamands et hollandais, les peintres baroques espagnols - en particulier Ribera - ont également été fortement influencés par Le Caravage et ont utilisé abondamment le ténébrisme et le clair-obscur, bien que ce ne soit pas par souci d’esthétisme théâtral, mais plutôt pour créer un sens plus aigu de la dramaturgie. Dans leurs rangs, on trouve plusieurs maîtres de la peinture de genre, du portrait et des scènes religieuses, comme Murillo, et parmi eux, des interprètes remarquables de l’ascétisme et de la spiritualité de la culture espagnole, comme Zurbarán . Sans oublier l’incomparable Velázquez .

En termes de sujets, l’art biblique continue de prédominer, mais le mécénat catholique des Habsbourg finance également de nombreux portraits royaux ainsi que des peintures d’événements historiques et des scènes de genre. Les principales écoles de peinture baroque en Espagne sont celles de Madrid et de Séville, la première bénéficiant du patronage de la cour. D’autres écoles étaient actives à Valence et Tolède.

Début du baroque espagnol

Un des premiers représentants du nouveau réalisme espagnol fut l’important tenebros et caravagiste catalan Francisco Ribalta (1555-1628), qui travailla à Madrid et à Valence. Connu pour ses traits audacieux et libres, ses tenebros et ses clairs-obscurs, il soulignait le modelé sculptural de ses formes par des contrastes d’ombre et de lumière. Zurbarán fait partie des artistes influencés par lui.

Ribera

Jusepe Ribera Jusepe Ribera (1591-1652) est le premier grand peintre espagnol à adopter le nouveau style naturaliste de l’art religieux prôné par le Caravage. Il s’est fait connaître comme l’auteur de peintures religieuses, caractérisées par un grand réalisme du modelé, en particulier des tons corporels de ses saints, et une forte préférence pour les thèmes dramatiques, comme le montrent son «Saint André» (1630-32, Prado, Madrid) et «Martyre de saint Barthélemy» (1630, Prado).

Son style s’est développé, passant d’un accent précoce sur le caravagisme, par une période d’expérimentation de la lumière argentée, à un stade de maturité marqué par des tons chauds et dorés. L’une de ses plus belles peintures est «La Sainte Famille avec Sainte Catherine» (1648, Metropolitan Museum of Art, New York).

Note : Au début du XVIIe siècle, Naples, sous domination espagnole, était la deuxième plus grande métropole après Paris avec une population de 450 000 habitants, dépassant de loin celle de Rome, Milan ou Florence. Avec plus de 3 000 églises et monastères, elle était un important centre d’art religieux. L’école napolitaine de peinture a été fondée (et largement contrôlée) par Ribera et ses acolytes. Pour plus de détails, voir : La peinture à Naples (1600-1700). Sur la dette de Ribera à l’égard du caravagisme, voir : Le Caravage à Naples (1607, 1609-1610).

Le Greco

À Séville, la peinture évolue rapidement du classicisme de la Renaissance au naturalisme baroque, comme en témoignent les œuvres de Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) et Francisco de Herrera l’Ancien (1595-1656). À Tolède, au tournant du siècle, l’influence dominante est celle du Greco (1541-1614). Son plus proche disciple fut l’éminent peintre Luis Tristan (1585-1624), qui mit l’accent sur les aspects ténébristes de l’œuvre du Greco. Parmi les autres artistes tolédans, citons Pedro Orrente (1570-1645), un disciple de Ribalta, Juan Bautista Maino (1578-1649), qui devint le maître à dessiner de Philippe IV, et Juan Sánchez-Cotán (1560-1627).

Velázquez

L’apogée de la peinture baroque en Espagne est atteinte en la personne de Diego Velázquez (1599-1660). Pour Velázquez, la manière du Caravage n’est qu’un point de départ. Dans ses tableaux, la lumière est manipulée pour recréer «le réalisme optique» par les effets des différentes tonalités : autrement dit, la reproduction d’une réalité qui ne correspond pas aux poils d’une barbe ou à la texture d’un tissu, comme le cherchaient les peintres de la Renaissance, mais à ce que l’œil voit, à l’impression générale que l’on a en regardant quelque chose.

Les tableaux de Velázquez utilisent la lumière de la même manière que deux siècles plus tôt les artistes avaient utilisé la perspective, pour rendre l’espace tangible. Les zones d’ombre et de lumière alternent pour créer l’illusion d’un lieu dans lequel les personnages ne sont pas peints mais se trouvent «réellement». Ces figures sont peintes avec des coups de pinceau larges et souples pour les délimiter clairement sans entrer dans les détails réalistes. C’est la même technique que celle utilisée par les impressionnistes français au XIXe siècle. Cette similitude n’est pas un hasard : Velázquez semblait également indifférent au contenu de ce qu’il peignait, aux grands thèmes religieux, par exemple, qui revêtaient une telle importance pour ses contemporains. Au contraire, toute son attention était centrée sur la peinture, sur son métier.

Connu pour ses dessins d’après nature, ses premières œuvres se caractérisent par des empâtements denses, des couleurs sobres, généralement ocres et brunes, et une composition simple et naturelle. Son premier grand chef-d’œuvre exécuté dans ce style est «L’échanson de Séville» (1618-22, Apsley House, Londres), tandis que d’autres comprennent «La vieille femme faisant frire des œufs» (1618, National Gallery of Scotland, Édimbourg), «Le Christ dans la maison de Marie et Marthe» (1620, National Gallery, Londres) et La Cène à Emmaüs (1620, Metropolitan Museum of Art, New York) appartiennent tous à sa première période, de même qu’un certain nombre de portraits, exécutés pour la plupart à la manière limitée des ténébristes, n’accordant pas une importance exagérée aux contrastes entre l’obscurité et la lumière.

En 1623, Velázquez devient le portraitiste officiel de Philippe IV et de la haute noblesse. Entre 1623 et 1629, il exécute un certain nombre d’œuvres sur fond gris, ce qui indique qu’il s’est affranchi de la formule Tenebrista. «Triomphe de Bacchus» (Los Borrachos, «Les Vergers») (1629, Prado) appartient à cette période. En 1632, il réalise «Christ crucifié» (Christ en croix) (1632, Prado), une œuvre d’une sérénité et d’une simplicité singulières.

Au fur et à mesure qu’il affinait son art, il révélait une plus grande précision des contours et un mélange encore plus fin des tons et des couleurs. L’une de ses meilleures peintures baroques de cette époque est «La reddition de Breda» (Las Lanzas) (1634-35, Prado) pour la salle des rois du palais du Buen Retiro à Madrid.

Au cours des années suivantes, Velázquez se concentre principalement sur le portrait - voir. Il exécute également des tableaux à sujet tels que Le nain de Francisco Lezcano («El Niño de Vallecas») (1643-45, Prado) et Philippe IV à cheval (1634-35, Prado) et Le prince Baltasar Carlos à cheval (1635-36, Prado). Il exécute également plusieurs œuvres religieuses, dont le magnifique «Couronnement de la Vierge» (1645, Prado). Lors d’un voyage en Italie en 1649, il peint son chef-d’œuvre «Portrait d’Innocent X» (1650, Galleria Doria-Pamphili, Rome), et durant sa dernière période (1651-1660), il peint Vénus au miroir (Vénus de Rokeby) (1649-51, National Gallery, Londres) et Las Meninas ou La famille de Philippe IV (1656-57, Prado).

Si l’on compare brièvement «la Vénus de Rokeby de Velázquez» avec des tableaux similaires de la Haute Renaissance, on constate à quel point la perception artistique de la réalité a changé au cours du siècle. Dans la «Vénus de Rokeby», la Belle tourne impassiblement le dos à l’observateur, tandis que Cupidon tient un miroir devant elle. Le miroir était déjà un dispositif familier, souvent utilisé dans les villas romaines et les palais de l’époque baroque pour créer une impression d’espace. L’ambiguïté de l’éclairage et de la réfraction renforce l’effet pictural de cette technique. Au lieu du calme du marbre de la classique «Vénus endormie» (vers 1510) de Giorgione ou de la «Vénus d’Urbino» (1538) du Titien, la «Vénus de Rokeby» nous présente une étude de nu charmante, mais tout à fait humaine et non divine. Dans cette mesure, Velázquez est un enfant de son époque, le baroque

Il n’est pas surprenant que Velázquez se soit avéré être un suiveur difficile. En dehors de disciples tels que Juan de Pareja (1610-1670), Francisco de Palacios (1617-1676) et Juan Bautista Martínez del Mazo (1615-1667), les artistes de l’école de Madrid privilégient un baroque plus léger dans le style de Rubens.

Zurbarán

Francisco de Zurbarán (1598-1664), fusion de l’ascétisme de l’Estrémadure et de l’élégance andalouse, utilise le naturalisme et le clair-obscur extrême, ce qui fait de lui le plus sobre et le plus pur des peintres baroques espagnols. Dans les années 20 et 30, il a peint un certain nombre de compositions pour plusieurs ordres monastiques tels que les Mersedariens et les Hiéronymites, comme en témoigne «La Maison de Nazareth» (1630, Museum of Art, Cleveland).

Ce faisant, il est passé maître dans l’art de dessiner des figures solitaires, y compris des saints aux yeux levés vers le ciel. Il ne fait aucun doute que son art a grandement bénéficié de sa piété personnelle et de sa dévotion religieuse, comme l’illustre peut-être «Saint Luc artiste devant le Christ en croix» (1660, Prado), pour lequel il a peut-être lui-même servi de modèle.

Murillo

Au sein de l’école de Séville Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) représente le sommet de l’élégance et de la délicatesse, et, il faut le dire, la plus grande capitulation devant le sentiment populaire. Il est d’abord fortement influencé par les anciens maîtres, comme Ribera et Zurbarán, puis emprunte à Van Dyck, Rubens et Raphaël.

Il développe son propre style léger et vaporeux - estilo vaporiso - avec des contours doux, des couleurs délicatement choisies et un voile de lumière doré et argenté : un style qui a inspiré de nombreux imitateurs et disciples. Outre les œuvres religieuses, il s’est spécialisé dans la peinture de genre de vagabonds et de mendiants, comme en témoignent «Le jeune mendiant» (1645, musée du Louvre, Paris) et «Garçons mangeant du raisin et du melon» (1645-46, Alte Pinakothek, Munich). Une autre œuvre de jeunesse importante est «La cuisine des anges» (1646, Louvre, Paris). À partir de 1660, date à laquelle il cofonde l’Académie des beaux-arts de Séville, il enseigne abondamment. Un exemple de son travail ultérieur est «Immaculée Conception» (1678, Prado).

Juan de Valdes Leal

Après la mort de Murillo, Juan de Valdés Leal (1622-1690) devient (1622-1690) le principal peintre de Séville. Bien que, comme Murillo, il soit avant tout un peintre religieux, Valdés Leal est plus dramatique, plus théâtral, plus macabre et plus excité : son œuvre se caractérise par un sens aigu du mouvement et des couleurs éclatantes. À bien des égards, il est un précurseur du romantisme.

Ses œuvres les plus connues sont deux allégories de la mort dans l’hôpital de la Caridad à Séville - «Dans l’instant de l’œil» (1671) et «La fin de la gloire mondaine» (1672). Parmi les autres œuvres majeures, citons «Assomption de la Vierge» (1659, National Gallery of Art, Washington) et «Le Christ portant la croix» (1660, Hispanic Society, New York). Dans les dernières années de sa vie, Valdés Leal exécute de nombreux cycles de peintures pour des églises, des couvents et des institutions philanthropiques, dont une série de scènes illustrant la vie de saint Ignace (1674-1676) pour les Jésuites.

Au XVIIe siècle, le baroque espagnol se développe à Madrid sous l’influence de Velázquez et du sculpteur, peintre et architecte polyvalent Alonso Cano (1601-1667), surnommé «le Michel-Ange espagnol». (Voir aussi le sculpteur Juan Martínez Montañez, 1568-1649).

Parmi les autres représentants intéressants du baroque à Madrid, citons : le muraliste Fra Juan Ricci (1600-1681), fils d’un peintre de l’école bolonaise venu en Espagne pour travailler à la décoration de l’Escurial, et Antonio Pereda (1608-1678), auteur de plusieurs élégantes peintures religieuses et compositions allégoriques. Les œuvres du portraitiste Juan Carreno de Miranda (1614-1685), peintre officiel de Charles II, qui succéda à Philippe IV, sont de meilleure qualité. Son élève Mateo Cerezo (1626-1666) fut un coloriste particulièrement talentueux, tout comme José Antolínez (1635-1675).

Les œuvres baroques espagnoles sont exposées dans certains des plus grands musées d’art du monde. Pour plus de détails sur les collections européennes contenant d’importantes collections de peinture espagnole du XVIIe siècle, voir : Musées d’art d’Europe . Pour les collections d’art moderne et contemporain espagnol, voir : Reina Sofia Madrid .