Art baroque espagnol Automatique traduire
L’âge d’or de la peinture espagnole – Caractéristiques
Comme aux Pays-Bas, l’ère du 17ème siècle de Art baroque était l’âge d’or de Peinture espagnole . Libéré de la plupart des éléments italiens et parrainé par une Église catholique sans compromis – fortement soutenu par les empereurs Habsbourg dévots – Artistes baroques espagnols a adopté un style sévère et noble Art de la contre-réforme catholique , qui combinent ligne et couleur ainsi que le graphique et le pictural, et impliquent un sens de l’observation si aigu qu’aucun autre âge ou style de Art chrétien a été capable de le dépasser en vérité. C’était l’école d’espagnol, de concert avec les maîtres du Baroque hollandais en Hollande, cela a efficacement guidé la peinture européenne sur la voie du réalisme naturaliste .
Comme les artistes flamands et néerlandais, les peintres baroques espagnols – en particulier Ribera - ont également été fortement influencés par Caravage utilisation de la lumière, et employé copieux ténébrisme et clair-obscur mais pas pour un esthétisme théâtral, mais pour créer un sens dramatique plus urgent. Parmi leurs rangs, ils comprenaient plusieurs maîtres de la peinture de genre, du portrait, des scènes religieuses, par exemple Murillo , ainsi que des interprètes aussi remarquables de l’ascèse et de la spiritualité de la culture espagnole que Zurbaran . Et bien sûr, il y avait l’incomparable Velazquez .
En termes de sujet, Art biblique Le patronage catholique de Habsbourg finança également de nombreux portraits royaux, ainsi que des peintures d’événements historiques et de scènes de genre. Les principales écoles de Peinture baroque en Espagne, ceux de Madrid et de Séville, le premier bénéficiant du patronage de la cour. D’autres écoles fonctionnaient à Valence et à Tolède .
Début du baroque espagnol
Un des premiers représentants du nouveau réalisme espagnol était l’important tenebroso et caravagiste catalan. Francisco Ribalta (1555-1628), actif à Madrid et à Valence. Reconnu pour son audacieux pinceau, son ténébrisme et son clair-obscur, il a insisté sur le modelage sculptural de ses formes en contrastant les teintes et les ombres. Zurbaran faisait partie des artistes influencés par lui.
Ribera
Basé dans la banlieue de Naples, Jusepe Ribera (1591-1652) fut le premier grand peintre espagnol à adopter le nouveau style naturaliste de art religieux défendu par Caravaggio. Il est devenu noté pour peintures religieuses caractérisé par des modèles très réalistes, notamment les nuances de chair de ses saints, ainsi que par une préférence marquée pour les thèmes dramatiques, comme illustré dans son Saint André (1630-32, Prado, Madrid) et son Martyre de Saint-Barthélemy (1630, Prado). Son style a progressé depuis l’accent mis au début sur caravagisme , à travers une période d’expérience avec une lumière argentée, jusqu’à un stade de maturité marqué par des tons chauds et dorés. Une de ses plus belles peintures est La Sainte Famille avec Ste Catherine (1648, Metropolitan Museum of Art, New York).
Note: Au début du 17ème siècle, la ville de Naples sous domination espagnole était la deuxième métropole après Paris, avec une population estimée à 450 000 habitants – bien au-delà de Rome, Milan ou Florence. Avec plus de 3 000 églises et monastères, il s’agissait d’un important centre d’art religieux. le Ecole Napolitaine de Peinture a été fondée (et largement contrôlée) par Ribera et ses hommes de main. Pour plus, voir: Peindre à Naples (1600-1700). Pour la dette de Ribera envers le caravagisme, voir: Caravage à Naples (1607, 1609-1610).
El Greco
À Séville, la peinture évolue rapidement du classicisme de la Renaissance au naturalisme baroque, comme en témoignent les œuvres de Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) et Francisco de Herrera l’Ancien (1595-1656).. À Tolède, au tournant du siècle, l’influence dominante était El Greco (1541-1614). Son plus proche disciple était l’éminent peintre Luis Tristan (1585-1624), qui a mis l’accent sur les aspects ténébristes de l’œuvre d’El Greco. Parmi les autres peintres de Tolède figuraient Pedro Orrente (1570-1645), disciple de Ribalta, Fray Juan Bautista Maino (1578-1649), qui devint le maître des dessins de Philippe IV, et Fray Juan Sanchez-Cotan (1560-1627).
Velazquez
Le sommet de la peinture baroque en Espagne a été atteint en la personne de Diego Velazquez (1599-1660). Pour Velazquez, le style de Caravaggio n’était qu’un point de départ. Dans ses peintures, la lumière est manipulée pour reconstruire un "réalisme optique" au moyen d’effets de tonalités différentes: en d’autres termes, la reproduction d’une réalité qui n’est pas fidèle aux poils d’une barbe ou à la texture d’un tissu de la manière recherchée. par les peintres de la Renaissance, mais à ce que l’oeil voit réellement, l’impression générale que nous recevons en regardant quelque chose. Dans les tableaux de Velazquez, la lumière est utilisée par les peintres de deux siècles plus tôt. perspective , pour rendre l’espace tangible. Des zones d’ombre et de lumière sont alternées pour créer l’illusion d’un lieu dans lequel les personnages ne sont pas peints mais en réalité "sont". Ces figures sont peintes avec des traits larges et souples du pinceau pour les délimiter clairement sans entrer dans les détails réalistes. C’est la même technique que les impressionnistes français utiliseraient au XIXe siècle – une similitude qui n’est pas fortuite: Velazquez semblait lui aussi indifférent au contenu de ce qu’il peignait, aux grands thèmes religieux, une telle importance pour ses contemporains. Au lieu de cela, toute son attention était concentrée sur la peinture, sur son art.
Remarqué pour son dessin de la vie, même ses premières œuvres se caractérisent par leur densité empâtement , retenu Couleur , généralement des ocres et des bruns, et leur composition naturelle simple. Son premier grand chef-d’œuvre exécuté dans ce style est Le Waterseller de Séville (1618-22, Apsley House, Londres), tandis que d’autres comprennent Old Woman Frying Eggs (1618, Galerie nationale d’Écosse, Édimbourg), Christ à la maison de Marie et Martha (1620, Galerie nationale, Londres) et The Supper at Emmaüs (1620, Metropolitan Museum of Art, New York) fait tous partie de sa jeunesse, de même qu’un certain nombre de portraits, exécutés pour la plupart d’une manière ténébriste limitée, sans accorder une importance exagérée aux contrastes entre l’obscurité et la lumière.
En 1623, Velazquez devint le portraitiste officiel de Philippe IV et de la noblesse supérieure. Entre 1623 et 1629, il achève de nombreuses œuvres sur fond gris, révélant sa libération de la formule ténébriste. Le triomphe de Bacchus (Los Borrachos, The Topers) (1629, Prado) date de cette période. En 1632, il a produit Christ crucifié (Christ en croix) (1632, Prado) une œuvre d’une sérénité et d’une simplicité particulières.
À mesure que son art s’améliorait encore, il révéla une plus grande précision des contours, ainsi qu’un mélange encore plus subtil de tons et de couleurs. L’un de ses meilleures peintures baroques en ce moment est La reddition de Breda (Las Lanzas) (1634-1635, Prado) pour la Salle des rois du palais de Buen Retiro, Madrid. Au cours des prochaines années, Velazquez s’est largement concentré sur portrait d’art – Voir son Philippe IV à cheval (1634-1635, Prado) et le prince Baltasar Carlos à cheval (1635-1636, Prado) – et des tableaux de sujets tels que Le nain Francisco Lezcano ("El Nino de Vallecas") (1643-1645, Prado). Il a également exécuté plusieurs œuvres religieuses, dont le magnifique couronnement de la Vierge (1645, Prado). Lors d’un voyage en Italie, en 1649, il peint son chef-d’oeuvre Portrait d’Innocent X (1650, Galerie Doria-Pamphilj, Rome), tandis qu’au cours de sa dernière période (1651-1660), il peignit Vénus à son miroir (Le Rokeby Venus) (1649-51, National Gallery, London) et Las Meninas ou La famille de Philippe IV (1656-57, Prado).
Si nous comparons brièvement Rokeby Venus de Velazquez avec des peintures similaires du Haute renaissance , on voit à quel point la perception artistique de la réalité avait changé au cours du siècle. Dans "Rokeby Venus", Beauty tourne nonchalamment l’observateur, tandis que Cupidon lève un miroir devant elle. Le miroir était déjà un art familier, souvent utilisé dans les villas et les palais baroques romains pour donner une impression d’espace. Son éclairage ambiant et sa réfraction augmentent l’effet pittoresque de l’appareil. Au lieu du calme de marbre de (par exemple) la classique Vénus endormie de Giorgione (vers 1510) ou de la Vénus d’Urbino de Titian (1538), la Vénus Rokeby nous présente une étude du nu charmante, mais entièrement humaine et non divine. En ce sens, Velasquez était l’enfant de son époque, le baroque
Sans surprise, Velazquez s’est avéré un acte difficile à suivre. Outre des adeptes tels que Juan de Pareja (1610-1670), Francisco de Palacios (1617-1676) et Juan Bautista Martinez del Mazo (1615-1667), les peintres de l’école de Madrid optèrent pour le baroque plus facile à la mode de Rubens.
Zurbaran
Francisco de Zurbaran (1598-1664), un amalgame d’ascèse de l’Estrémadure et d’élégance andalouse, utilise un naturalisme et un clair-obscur extrême qui en font l’artiste le plus sobre et le plus pur du baroque espagnol. Au cours de ses années vingt et trente, il peint une série de compositions pour plusieurs ordres monastiques tels que les Mercedarians et les Jeronymites, comme en témoigne The House of Nazareth (1630, Museum of Art, Cleveland). Ce faisant, il devint un maître-dessinateur de figures solitaires, y compris de saints dont les yeux étaient levés vers le ciel. Il ne fait aucun doute que son art doit avoir bénéficié énormément de sa piété personnelle et de sa dévotion religieuse, comme le prouve peut-être saint Luc en tant que peintre avant le Christ en croix (1660, Prado), dont il était peut-être le modèle.
Murillo
Au sein de l’école de Séville, Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) représente le summum de l’élégance et de la délicatesse et, il faut le dire, le plus grand abandon au sentiment populaire. Fortement influencé initialement par Maîtres Anciens comme Ribera et Zurbaran, il a emprunté plus tard à Van Dyck, Rubens et Raphaël. Il a développé son propre style de film et de lumière – l’ estilo vaporiso – présentant des contours doux, des couleurs délicatement toniques et un voile de lumière allant du doré à l’argent: un style qui a inspiré de nombreux imitateurs et adeptes. En plus d’œuvres religieuses, il s’est spécialisé dans peinture de genre des enfants et des mendiants de la rue, comme en témoigne Le Jeune Mendiant (1645, musée du Louvre, Paris) et Garçons mangeant du raisin et du melon (1645-1646, Alte Pinakothek, Munich). La cuisine des anges (1646, musée du Louvre, Paris) est un autre ouvrage important. À partir de 1660, lorsqu’il a cofondé l’Académie des beaux-arts de Séville, il a été actif en tant que professeur. L’Immaculée Conception (1678, Prado) est un exemple de son œuvre tardive.
Juan de Valdes Leal
Après la mort de Murillo, le peintre le plus important de Séville fut Juan de Valdes Leal (1622-1690). Bien que, comme Murillo, il fût en grande partie un peintre religieux, Valdes Leal était plus dramatique, plus théâtral, plus macabre et plus passionnant: ses œuvres montrent un sens vif du mouvement et une coloration brillante. À bien des égards, il était un précurseur du romantisme. Ses œuvres les plus célèbres sont les deux allégories de la mort à l’Hôpital de la Caridad, à Séville – Dans le scintillement d’un œil (1671), et La fin de la gloire terrestre (1672). L’ Assomption de la Vierge (1659, National Gallery of Art, Washington) et Le Christ portant la croix (1660, Hispanic Society, New York) comptent parmi les œuvres majeures. Au cours de ses dernières années, Valdes Leal a achevé de nombreux cycles de peintures pour églises, monastères et institutions philanthropiques, notamment une série de scènes illustrant la vie de saint Ignace (1674-1676) pour les jésuites.
Au XVIIe siècle, le baroque espagnol de Madrid était dirigé par Velazquez et par le sculpteur, peintre et architecte aux talents multiples. Alonso Cano (1601-67) – surnommé "l’espagnol Michelangelo". (Voir aussi le sculpteur Juan Martines Montanes (1568-1649)) Parmi les autres représentants intéressants de l’idiome baroque à Madrid, citons: le monumentaliste Fray Juan Ricci (1600-1681), fils d’un peintre du École bolognaise , qui est venu en Espagne pour travailler à la décoration de l’Escorial, et Antonio Pereda (1608-1678), créateur de plusieurs peintures religieuses élégantes et de compositions allégoriques. L’œuvre du portraitiste Juan Carreno de Miranda (1614-1685), peintre officiel de Charles II, succéda à Philippe IV. Son élève, Mateo Cerezo (1626-1666), était un coloriste particulièrement doué, tout comme José Antolinez (1635-1675).
On peut voir des œuvres du baroque espagnol dans certains des meilleurs musées d’art dans le monde. Pour plus de détails sur les collections européennes contenant des collections importantes de peintures espagnoles du XVIIe siècle, voir: Musées d’art en Europe . Pour des collections d’art espagnol moderne et contemporain, voir Reina Sofia Madrid .
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