Synthétisme:
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Le terme «synthétisme» décrit un style de peinture post-impressionniste développé dans les années 1880 par Paul Gauguin (1848-1903), Emile Schuffenecker (1851-1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) et d’autres. Pour s’éloigner de l’obsession impressionniste de l’étude de la lumière, Gauguin cherche à développer un nouveau style de peinture basé sur des zones bidimensionnelles de couleur pure (c’est-à-dire avec peu d’ombres ou de modelé tridimensionnel) et peu de lignes fortes.

Les techniques du synthétisme sont illustrées dans le chef-d’œuvre de Gauguin «Vision après un sermon» (1888, National Gallery of Scotland), l’une des plus grandes peintures modernes, qui représente deux niveaux de réalité différents : le monde réel et le monde des rêves. Le nom «synthétisme» signifiait «la synthèse» de» formes et de couleurs simplifiées avec l’idée ou le sentiment principal du sujet pour créer une déclaration artistique plus audacieuse.

Le synthétisme est fermement associé à la colonie d’artistes de Pont-Aven en Bretagne. Parmi les autres artistes expressionnistes ayant vécu à Pont-Aven et pratiqué le synthétisme, citons Jacob Meyer de Haan (1852-1895), Charles Laval (1862-1894), Paul Sérusier (1863-1927), Charles Philiger (1863-1928) et Armand Seguin (1869-1903). Dans leur propre description de ce nouveau style de peinture française, avec ses grandes surfaces de couleur pure et ses contours noirs, Émile Bernard et Louis Anquetin préfèrent utiliser le nom cloisonnisme d’après la technique médiévale de l’émaillage cloisonné.

Caractérisation

Gauguin, Schuffenecker, Bernard et leur cercle en France ont inventé le terme «synthétisme» pour décrire leur peinture de la fin des années 1880 et du début des années 1890. Peintes dans un style radical et expressif dans lequel les formes et les couleurs sont délibérément déformées et exagérées, leurs peintures synthétisent un certain nombre d’éléments différents : l’apparence de la nature, le «rêve» de l’artiste qui l’a précédé et les qualités formelles de la forme et de la couleur. Gauguin, le chef de file du groupe, pensait que l’observation directe de la nature n’était qu’une partie du processus créatif, et que les contributions de la mémoire, de l’imagination et de l’émotion renforçaient ces impressions, conduisant à la création de formes plus significatives.

Réaction contre l’impressionnisme

Gauguin participe aux expositions impressionnistes à Paris au début des années 1880, mais en 1885, il est désillusionné par l’insistance des impressionnistes à ne décrire que ce qu’ils voient devant eux. Il chercha de nouveaux sujets et une nouvelle technique de peinture pour parvenir «à traduire la pensée dans un médium distinct de la littérature». Son but était de peindre non pas tant ce que l’œil voyait que ce qu’il ressentait, et il a donc évité le naturalisme de l’impressionnisme et les préoccupations scientifiques du néo-impressionnisme, créant plutôt un art dans lequel la couleur est utilisée pour des effets dramatiques, émotionnels ou expressifs.

Gauguin a puisé son inspiration dans de nombreuses sources différentes. Comme les préraphaélites anglais, il étudie les tapisseries médiévales pour leur audace et leur dramatisme ; comme les peintres impressionnistes, il étudie la ligne et la composition dans les gravures sur bois japonaises. Il aimait l’art populaire, les sculptures en pierre des églises bretonnes et l’art préhistorique .

La colonie d’artistes de Pont-Aven

Pendant une période cruciale pour Gauguin, à la fin des années 1880, il travaille en Bretagne, où il fait connaissance avec le post-impressionnisme des peintres de Pont-Aven Émile Bernard et Louis Anquetin (1861-1932), qui ont développé le style cloisonniste, lequel a eu une influence contemporaine importante sur l’œuvre synthétique de Gauguin. L’œuvre clé de Gauguin, «Vision après le sermon : la lutte de Jacob avec l’ange» (1888), peinte pendant son séjour à Pont-Aven, se lit comme un manifeste visuel de ses idées révolutionnaires. Le tableau doit ses lignes et son organisation spatiale aux estampes japonaises ukiyo-e (les figures des lutteurs sont même reprises d’un dessin d’Hokusai), tandis que les grands aplats de couleurs non modulées et les contours lourds sont étroitement liés au style des cloisonnistes. Mais le résultat est propre à Gauguin, et la synthèse est la clé de son succès.

Exposition au Café Volpini

En 1889, Gauguin et ses nouveaux amis Émile Bernard, Charles Laval (1862-1894) et Schuffenecker organisent une exposition pour montrer leur travail progressiste et faire contrepoids à l’exposition officielle d’art de la quatrième exposition universelle de Paris, dont l’attraction principale est la tour Eiffel (1887-89).

Une exposition de peintures du Groupe des Impressionnistes et Synthétistes se tient au Café Volpini à Paris et comprend leurs œuvres ainsi que celles d’autres artistes avec lesquels ils ont travaillé en Bretagne, comme Anquetin et Daniel de Monfrid (1856-1929). Dans les comptes rendus de l’exposition, des critiques bienveillants comme Albert Aurier et Félix Fenon, louent Gauguin pour sa simplification des moyens et sa réflexion. Gauguin devient l’une des figures de proue de l’art d’avant-garde, rivalisant avec Georges Seurat, le fondateur du pointillisme .

Symbolisme

Il est également accepté par un certain nombre de poètes et d’artistes comme chef de file du mouvement Symbolisme . Dans des œuvres ultérieures telles que Le jour des dieux (Mahana No Atua) (1894) ou D’où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous? (1898), tous deux peints alors qu’il vivait et travaillait à Tahiti, le contenu symbolique devient de plus en plus important, bien que les symboles restent privés, provoquant des questions plutôt que fournissant des réponses.

En fait, Gauguin méprisait le contenu littéraire, préférant l’univers mystérieux et insaisissable de la sensation. En 1899, il écrit : "Pensez aussi au rôle musical que la couleur jouera désormais dans la peinture moderne. La couleur, qui est vibration, comme la musique, est capable de réaliser ce qu’il y a de plus universel et en même temps de plus insaisissable dans la nature : sa propre puissance intérieure."

Influence

Art moderne Gauguin a profondément influencé les générations suivantes d’artistes. De son vivant, l’exemple du travail des synthétistes a été une source d’inspiration importante pour le Nabi (années 1890), le mouvement symboliste (1886-1900), le style international Art nouveau (1890-1914) et sa variante allemande Jugendstil, et le style coloriste parisien du fauvisme (1905-6). Par la suite, les expressionnistes, ainsi que divers peintres abstractionnistes et adeptes du surréalisme, ont attribué à Gauguin le développement de leur œuvre. En rejetant l’idée de la fidélité de l’artiste au monde représenté, Gauguin a contribué à ouvrir la voie à un rejet total de l’art figuratif .

Les peintures expressionnistes synthétiques sont exposées dans plusieurs des plus grands musées d’art du monde, notamment le Metropolitan Museum of Art de New York, le Minneapolis Institute of Art, le Museum of Fine Arts de Boston, la National Gallery of Art de Washington, la National Gallery de Londres et les National Galleries d’Écosse.

LISTE DE LITTÉRATURE
Nous remercions Amy Dempsey pour l’utilisation de son ouvrage «Styles, écoles et mouvements» (Thames & Hudson, 2007), l’un des principaux guides sur la peinture française moderne, que nous recommandons à tous les étudiants qui étudient l’art en France à la fin du 19e siècle.

EVOLUTION DE L’ART
Pour en savoir plus sur les mouvements et les styles dans l’art, voir : Histoire de l’art . Pour un guide succinct des styles spécifiques, voir : Mouvements artistiques
Mouvements artistiques .

LE PLUS GRAND ART
DU MONDE. Liste des meilleurs peintres et sculpteurs : Les meilleurs artistes de tous les temps .

SIGNIFICATION DE L’ART
Expliquée plus en détail ici : Définition de l’art . N’oubliez pas de visiter également : Chronologie de l’histoire de l’art .