Comment apprécier la sculpture Automatique traduire

Ressources additionnelles

Série d’éducation artistique

Cet essai sur la sculpture
appréciation, écrit par
notre rédacteur en chef Neil Collins, est
conçu pour les étudiants
et écoles d’art dans le cadre
de notre série en cours sur
éducation artistique.

Appréciation d’art

Comme la peinture, sculpture est avant tout un l’art visuel Ainsi, plus nous en voyons, plus nos yeux se familiariseront avec le médium et plus vite nous l’apprécierons. Pour vous aider à apprendre (ou à enseigner aux étudiants) à apprécier le merveilleux Art plastique de sculpture, cette page Web contient des explications sur la plupart des grandes écoles, de l’âge de pierre à nos jours. Il comprend des références à la esthétique du mouvement et aux sculpteurs importants et à leurs œuvres, avec explications individuelles le cas échéant. Aucun article éducatif ne peut toutefois être comparé à une visite dans une galerie de sculptures, un jardin ou un musée, où vous pouvez vous promener dans les expositions et les étudier sous différents angles. Alors consultez notre liste des meilleurs musées d’art . Après tout, la sculpture, contrairement à la peinture, est un art en trois dimensions et ne peut être appréciée correctement que dans la chair.

Comment apprécier la sculpture de l’âge de pierre

Sculpture préhistorique apparaît pour la première fois à l’époque paléolithique (jusqu’à 10 000 ans av. J.-C.) sous la forme de deux effigies primitives: la figurine basaltique connue sous le nom de Vénus de Berekhat Ram et la figurine de quartzite que nous connaissons comme Vénus de Tan-Tan . Les deux ont été datées au carbone à 200 000 ans avant notre ère ou plus tôt. Malheureusement, ni l’un ni l’autre ne semble très réaliste.

Coïncidant avec le remplacement de l’ homme de Néandertal par des humains anatomiquement modernes tels que l’ homme de Cro-Magnon , à partir de 40 000 ans avant notre ère, les arts se développent dans toute l’Europe. Les premières sculptures réalistes sont le paléolithique sculptures en ivoire du Jura souabe – mettant en vedette des oiseaux, des animaux et des figures therianthropes, découverts dans les grottes de Hohle Fels, Vogelherd et Hohlenstein-Stadel. Ces œuvres simples mais belles datent de 35 000 à 30 000 ans avant notre ère.

Dans le même temps, un assortiment varié de petites sculptures obèses de forme féminine, connues sous le nom de " figurines vénus "sont fabriqués, que les archéologues ont depuis découverts dans des lieux de peuplement de l’âge de pierre dans toute l’Europe, de la Russie à Gibraltar. Ils auraient été utilisés comme symboles de fertilité et taillés dans une variété de matériaux, notamment des os de mammouth, des cendres, des argiles céramiques, calcaire, stéatite, serpentine ou roche volcanique, ces figures de vénus ont été localisées dans des sites européens, de la Russie à l’Espagne, en plus de l’âge extrême de ces artefacts (les Vénus de Hohle Fels [38-33, 000 BCE] est le plus tôt sculpture sur ivoire et la plus ancienne sculpture figurative connue, tandis que l’extraordinaire Vénus de Dolni Vestonice [26, 000 BCE] est la plus ancienne sculpture en argile connue dans le monde), la chose la plus extraordinaire est la similitude relative de ces chiffres.

De l’ère de Art néolithique , la pièce la plus extraordinaire de l’art 3D est le roumain sculpture en terre cuite connu comme le Penseur de Cernavoda (environ 5 000 ans av. J.-C.), un petit personnage qui est plongé dans ses pensées. Parmi les points forts de l’ère néolithique, citons le Maikop Gold Bull (environ 2500 ans avant notre ère), une magnifique sculpture en or réalisée dans la région du Caucase du Nord à l’aide de la méthode de coulée à la cire perdue; et l’éblouissante Danseuse de Mohenjo-Daro (environ 2500 ans avant notre ère), chef-d’œuvre du début Sculpture indienne de la culture Harappa du la civilisation de la vallée de l Indus (3, 300-1300 AEC).

Note: Techniques de Sculpture égyptienne ont eu une grande influence sur de nombreux sculpteurs grecs de l’Antiquité, ainsi que sur Sculpture africaine d’Afrique sub-saharienne.

Questions d’étude / questions

Comment apprécier la sculpture grecque

Sculpture grecque rendue simple s’étend sur la période archaïque (environ 750-500 AEC), la période classique (environ 500 à 323 AEC) et la période hellénistique (environ 323 à 100 AEC). Expliquer comment évaluer la sculpture grecque consomme un site Web entier. Voici donc quelques commentaires choisis sur le développement de cette forme d’art unique et sur ce qu’il convient de surveiller.

Les sculpteurs grecs ont appris beaucoup de bases à l’époque géométrique, bien que leurs statues figuratives soient restées assez rigides. Les personnages étaient généralement représentés nus (les kouros masculins) ou semi-vêtus (les femelles kore ). Pendant l’ère de Sculpture archaïque Alors que le pays s’ouvrait aux influences de la mer Noire, du Levant et de l’Égypte, ils ont appris à insuffler une plus grande fluidité et un plus grand sens de la vie à leurs figures humaines. En outre, ils ont commencé à développer le "sourire archaïque", ainsi qu’une articulation plus réaliste du corps. Puis vint un point culminant vraiment extraordinaire.

Pendant l’ère de Sculpture Classique Grecque , notamment au Ve siècle avant notre ère, la sculpture grecque a connu une poussée de créativité sans précédent, illustrée par les œuvres de Parthénon (447-422 AEC). Ces innovations classiques ont façonné l’évolution stylistique de la sculpture pour des milliers d’années. La posture de la figure debout est devenue plus subtile, plus réaliste et, dans l’ensemble, beaucoup plus naturaliste. Parmi les autres caractéristiques des statues grecques classiques, on trouve un air de calme suprême, associé à un équilibre dynamique de mouvement remarquable, produisant un grand sens de l’harmonie et des proportions. Les principaux sculpteurs classiques de la Grèce antique inclus Polykleitos (Ve siècle avant notre ère), Phidias (488-431) et Myron (Actif 480-444).

Au cours du quatrième siècle avant notre ère, la deuxième partie de l’ère classique, des sculpteurs comme Praxiteles et Lysippe adoucit la forme humaine, tout en lui conférant une aura de grâce nonchalante. Les dieux grecs de la mythologie ont été humanisés, tandis que leurs mouvements et leurs expressions ont été rendus plus élégants. La composition et la mise en page sont devenues plus complexes: les membres font saillie dans l’espace du spectateur, les groupes de sculptures sont disposés de manière plus dynamique, tandis que les spectateurs sont capables de les contourner et d’obtenir une variété de vues.

L’époque hellénistique a vu se développer deux styles de base: le style "sévère" – caractérisé par le Vénus de Milo (environ 100 ans avant notre ère) ou le style plus dramatique "baroque", illustré par le Autel de Pergame Zeus (environ 166-56 AEC) et Laocoon et ses fils (150-50 avant notre ère). Pour plus, s’il vous plaît voir le École Pergamene de sculpture hellénistique (241-133 AEC). Dans la plupart des cas, les détails ont été rendus avec un réalisme extrême. Les sculpteurs de la Haute Renaissance (Michel-Ange) et du Baroque (Bernini) seraient fortement influencés par Sculpture grecque hellénistique , tout comme les critiques d’art néoclassicistes comme l’historien allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).

Pour en savoir plus sur les critiques professionnels, tels que John Ruskin et d’autres, voir: Critiques d’art: Critique des arts visuels (1750-présent).

Sculptures grecques à évaluer

Comment apprécier la sculpture romaine (c.200 AEC – c.200 CE)

Les artistes romains sont restés très intimidés par leurs homologues grecs et ont cherché à les imiter à chaque occasion. Les maîtres artisans grecs ont été encouragés à quitter la Grèce et à travailler à Rome. Toutefois, Sculpture romaine développé ses propres modes d’expression. Au cours de la période allant de 200 à 50 avant notre ère, lorsque le gouvernement républicain exerçait son autorité, les artistes développèrent un regard particulièrement «romain» dans leurs statues et leurs œuvres. bustes de portrait – un regard de grande moralité, accompagné d’un sens de sagesse et de détermination. Pendant le règne d’Auguste (31 BCE à 14 CE) une nouvelle forme d’idéalisation est apparue dans l’art romain, illustrée par les proportions harmonieuses des sculptures en relief en marbre sur la Ara Pacis Augustae . La statue en marbre d’Auguste – l’ Augustus Prima Porta – en est un autre exemple: la figure debout a la pose de style grec contrapposto (changement de poids) et l’idéalisme juvénile, mais son pectoral blindé et son drapé de manteau affichent un réalisme strictement romain. En effet, pendant toute la durée de l’empire romain, les sculpteurs ont été tiraillés entre idéalisme et réalisme, ce qui, selon de nombreux historiens de l’art, constituait la lutte esthétique critique de l’époque. Cependant, il convient de souligner que la majeure partie de la sculpture réalisée dans la Rome antique était constituée de bustes de l’empereur et que la raison principale de presque tout art était de glorifier la majesté de Rome. Donc, l’idéalisme peut avoir été une option théorique importante, mais dans la pratique, le réalisme a prévalu, à la fois dans le mobile et dans le médium.

Peut-être que la plus grande contribution des sculpteurs romains à l’art de la sculpture, et certainement le support du monument public, a été le relief historique. Colonne de Trajan par exemple, situé au nord du forum romain, est réputé pour ses magnifiques spirales détaillées sculpture en relief , qui tourne autour du monument 23 fois, relatant la victoire de l’empereur Trajan dans les guerres daces. Le puits lui-même mesure 30 mètres de haut et 4 mètres de large. Il est construit à partir de 20 blocs massifs de marbre de Carrare, chacun pesant 40 tonnes. L’ Arc de Titus est un autre merveilleux exemple du genre du relief historique.

Enfin, aucune appréciation de la sculpture romaine ne serait complète sans mentionner le rôle des artistes romains dans la reproduction de statues grecques originales, dont la plupart ont disparu. Sans ces copies, Art grec aurait difficilement reçu l’appréciation qu’il méritait, et la Renaissance italienne (et donc l’histoire de l’art occidental) aurait été très différente.

Sculptures romaines à évaluer

Comment apprécier la sculpture gothique (c.1150-1300) (vers 1500 Allemagne)

Art gothique a été le premier style à intégrer les arts de la sculpture, du vitrail et de l’architecture, notamment dans les grandes cathédrales de Chartres, d’Amiens, de Reims et de Notre-Dame de Paris. La solidité de la précédente Art roman a été remplacé par un nouvel accent mis sur la ligne, et les arcs et les contreforts élancés de Gothic ont permis l’ouverture des murs pour des fenêtres immenses sans précédent remplies d’images magnifiques et translucides, surpassant de loin tout ce qui avait été vu auparavant. Et en effet, le développement de Sculpture gothique était inextricablement liée à l’apparition de nouvelles formes de architecture . Les autorités de l’église chrétienne construisaient beaucoup de Cathédrales gothiques , qui devaient tous être décorés avec des Art chrétien . Extérieurement, il s’agissait de reliefs sculpturaux et de statues de colonnes; intérieurement, cela signifiait des fontes sculptées, des chaires, des statues, des sculptures en relief). Autour des portails et des portes, des sculpteurs ont ciselé des groupes d’apôtres, de prophètes et de prophètes, ainsi que des membres de la Sainte Famille. Stylistiquement, la sculpture gothique figurative était plus douce, plus réaliste et globalement plus humaine que la raide Sculpture romane . Par exemple, le corps du Christ au-dessus de la porte principale de la cathédrale de Chartres est incroyablement souple et réel, ce qui lui donne l’air sensible et indulgent.

Le haut style gothique de la sculpture a également commencé en France d’où il a rayonné vers l’Italie, l’Allemagne, les Pays-Bas et ailleurs. Utilisant un style plus fleuri, la plupart des sculpteurs du gothique tardif ne s’appliquent pas aux sculptures architecturales mais aux tombeaux et monuments privés. Voir par exemple la gamme de sculptures funéraires de l’abbaye de Westminster, où les monuments (en purbeck, bronze, albâtre et pierre de taille) sont mis en valeur par les sols et les tombes exécutés par des artisans italiens de la mosaïque recrutés par le roi Henri III. Le langage gothique tardif a reçu une emphase classique en Italie, où les sculpteurs ont utilisé des modèles grecs / romains, et un accent plus émotionnel en Allemagne, où les sculpteurs aiment Veit Stoss et Tilman Riemenschneider centré sur la souffrance du Christ plutôt que sur des conventions de forme (voir, par exemple, Rottgen Pieta , 1300, Rheinisches Landesmuseum, Bonn). En outre, il convient de noter que c’est à l’époque gothique que les sculpteurs ont réussi à obtenir une reconnaissance individuelle.

On peut voir une importante sculpture gothique à Cathédrale de chartres (1194-1250); Cathédrale Notre-Dame de Paris (1163-1345); Cathédrale de Reims (1211-1275); La cathédrale d’Amiens (1220-1270); Cathédrale de Burgos en Espagne, commencée vers 1221; cathédrale de Cologne commencé en 1248 mais pas achevé avant 1880; ainsi que les cathédrales de Saint-Jacques-de-Compostelle, Magdebourg, Trèves, Strasbourg, Fribourg, Naumburg, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester et l’abbaye de Westminster, entre autres.

Sculptures gothiques à évaluer

En plus d’étudier la grande quantité de sculptures architecturales cathédrales, les éléments suivants peuvent également être appréciés.

Célèbres sculpteurs gothiques

Nicola Pisano (environ 1206-1278); Giovanni Pisano (1250-1314); Arnolfo di Cambio (1240-1310); Giovanni di Balduccio (1290-1313); Andrea Pisano (1295-1348); Filippo Calendario (avant 1315-1355); André Beauneveu (1335-1400); Claus Sluter (c.1340-1406); Veit Stoss (c.1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Pour les biographies d’importants sculpteurs gothiques, voir: Les plus grands sculpteurs .

Comment apprécier la sculpture de la Renaissance (environ 1400-1600)

Art de la Renaissance , en particulier la sculpture, reposait sur une nouvelle vague de respect de l’art grec. Bien qu’il s’agisse principalement d’œuvres religieuses, Sculpteurs de la Renaissance ont été grandement inspirés par une forte croyance en l’humanisme et la noblesse de l’homme. Ainsi, la forme humaine, en particulier la Nu masculin , était un sujet de prédilection. Afin de mieux apprécier Sculpture Renaissance italienne Toutefois, il faut savoir que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par le savoir-faire, le réalisme et l’émotion des œuvres gothiques. Malgré tout, les sculpteurs de la première Renaissance ont réalisé des améliorations notables: ils ont par exemple insufflé une émotion plus profonde à leurs statues (voir David de Donatello, 1440-3, Museo Nazionale del Bargello, Florence) et leur ont insufflé une énergie et une pensée nouvelles. Ils ont été les premiers à réintroduire le statue équestre . Les cinq meilleurs sculpteurs de la première Renaissance à étudier, sont Jacopo della Quercia (c.1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-98), et Andrea del Verrocchio (1435-1488). En particulier, recherchez la nature vigoureuse, voire brutale , des personnages de Donatello, qui sont également assez rudes et rudimentaires. Mais voir aussi: David par Donatello . Voir aussi la statue équestre de Bartolomeo Colleoni de Verrocchio (1495, Campo di Santi Giovanni e Paolo, Venise). Pollaiuolo, formé par un orfèvre, était l’héritier de l’expressionnisme nerveux de Donatello: voir, par exemple, Heracles et Antée (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florence).

Sculpture pendant la Haute renaissance a été dominé et personnalisé par Michelangelo (1475-1564). Selon le savant historien de l’art Anthony Blunt, les œuvres figuratives de Michelangelo telles que Pieta (1497-9, Basilique Saint Pierre , Rome), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florence) et Dying Slave (1513-16, Louvre) possédaient non seulement une "qualité surhumaine" mais aussi "un sentiment de sombre inquiétude… [reflétant] la tragédie du destin humain ". Les statues de marbre de Michelangelo ont une beauté sans faille, reflétant sa maîtrise technique absolue. Au milieu du nu masculin héroïque, il reste l’artiste ultime. Il convient de noter qu’à l’âge de 29 ans, il avait déjà créé deux des plus grandes œuvres du monde. histoire de la sculpture . Jacopo Sansovino (1486-1570), vénitien, et Baccio Bandinelli (1493-1560) florentins sont d’autres tailleurs importants de la Haute Renaissance. Au nord des Alpes, d’importants sculpteurs comprenaient: Hans Multscher (environ 1400-67); Giorgio da Sebenico (1410-1433); Michel Colombe (environ 1430-1512); Gregor Erhart (c.1460-1540), ainsi que Stoss et Riemenschneider, mentionnés ci-dessus. Pour les biographies d’importants sculpteurs de la Renaissance, voir: Les plus grands sculpteurs .

Autres sculptures de la Renaissance à évaluer

Comment apprécier la sculpture maniériste (1530-1600)

Comparée à l’harmonie et à l’équilibre des œuvres de la Haute Renaissance, la sculpture maniériste était beaucoup plus exagérée et expressive, reflétant dans une certaine mesure l’incertitude d’une Europe déchirée par la division religieuse. Les différentes impulsions artistiques de Maniérisme sont mieux illustrés par Giambologna (1529-1608), dont l’œuvre immortelle Le viol des femmes sabines (1581-3, Piazza della Signora, Florence) a une expressivité vraiment impressionnante; et par Benvenuto Cellini (1500-71) – voir par exemple son Persée (1545-54, Piazza della Signora, Florence). Cependant, comparez l’expressivité tranquille de la sainte Cécile couchée (1600, Trastevere, Rome) de Stefano Maderno (1576-1636). D’autres sculpteurs maniéristes qui méritent d’être étudiés sont: Juan de Juni (1507-1577) et Alonso Berruguete (c.1486-1561) qui introduisit les idées de la Renaissance et du maniérisme en Espagne, et Francesco Primaticcio (1504-1570) qui a fait la même chose pour la France à la Ecole de Fontainebleau créé sous François Ier. Pour les meilleurs sculpteurs français de cette époque, voir: Jean Goujon (vers 1510-158), Germain Pilon (1529-1590), Barthélemy Prieur (1536-1611) et Adriaen de Vries (1560-1626).. Pour les biographies d’importants sculpteurs maniéristes, voir: Les plus grands sculpteurs .

Comment apprécier la sculpture baroque (c.1600-1700)

L’ère baroque était dominée par art religieux . Une partie de la campagne de propagande catholique contre la Réforme, Sculpture baroque a été conçu pour inspirer les spectateurs avec des illustrations de la liturgie catholique et encourager ainsi les fidèles à retourner à la seule véritable Église. Pour mieux apprécier Art baroque , observez de près le travail de Bernini (1598-1680), le plus grand représentant de son époque. Parmi ses plus belles œuvres sont le Extase de Sainte Thérèse (1647-52, Capella Cornaro, Rome); Pluton et Proserpine (1621-2, Galleria Borghese, Rome); Apollon et Daphné (1622-1755) Galleria Borghese, Rome; et la mort de la bienheureuse Ludovica Albertoni (1671-1644, San Francesco a Ripa, Rome). Notez que les personnages et les draperies de Bernini semblent flotter dans les airs et qu’il traite les matériaux inflexibles de la sculpture comme s’ils étaient complètement malléables. Autre important Sculpteurs baroques inclus les plus restreints Alessandro Algardi (1598-1654), favori du pape Innocent X et du sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643), dont les travaux classiques étaient l’antithèse complète de l’intensité dynamique du Bernin. En France, l’idiome était bien représenté par le style Algardi François Girardon (1628-1715), le plus fluide Antoine Coysevox (1640-1720), et le moins cohérent mais parfois plus brillant Pierre Puget (1620-1694). En Espagne, les sculpteurs à étudier sont les suivants: Juan Martines Montanes (1568-1649) et Alonso Cano (Grenade, 1601-67), alors qu’en Allemagne, jetez un coup d’œil aux œuvres de Andreas Schluter (1664-1714).

Sculptures baroques à évaluer

La sculpture lunatique de rococo (1700-1789) allait et venait, illustrée par Guillaume Coustou (1677-1746), Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), favori de Madame de Pompadour et de son principal rival Etienne-Maurice Falconet (1716-1791) se spécialisa dans les figures érotiques avec un lien quelque peu faux à la sculpture grecque hellénistique. La sculpture allemande de style rococo a été incarnée par le sculpteur de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732). À la fin des années 1780, le rococo décadent fut balayé par les idéaux de la Révolution française, qui jetèrent les bases du néoclassicisme le plus sérieux et le plus sévère.

Comment apprécier la sculpture néoclassique (Epanouie vers 1790-1830)

Sculpture néoclassique a souligné à nouveau les vertus de l’héroïsme, du devoir et de la gravité . Afin de mieux apprécier le néoclassicisme, notez que l’éminent historien de l’art allemand Johann Winckelmann (1717-1768) a déclaré qu’il évitait les passions extrêmes et l’expressivité et constituait plutôt un modèle de retenue noble. Le plus grand et le plus influent sculpteur néoclassique fut sans aucun doute Antonio Canova (1757-1822), dont les clients comprenaient Napoléon Bonaparte, Catherine la Grande et l’empereur autrichien François II. Sa sculpture la plus célèbre est probablement sa statue monumentale nue de Napoléon (1802-1836) – voir soit le marbre original (Wellington Museum, Londres), soit la copie en bronze de la Brera, à Milan. Jetez également un coup d’œil à Thésée et au Minotaure (1781-1733, Victoria & Albert Museum, Londres) et à son portrait Pauline Napoleon / Borghese en Vénus (1807, Galerie Borghese, Rome).

Autre Sculpteurs néoclassiques à évaluer, notamment: le portraitiste autrichien Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), connu pour ses bustes caricaturaux appelés "têtes de personnages"; le réaliste français Jean-Antoine Houdon (1741-1828); Clodion (1738-1814), sculpteur français à la taille humaine et au cœur léger; ainsi que les grands artistes anglais Joseph Nollekens (1737-1823), John Flaxman (1755-1826) et Sir Richard Westmacott (1775-1856). Vers la fin du 18ème siècle le sculpteur danois Bertel Thorwaldsen (1770-1844) s’est révélé être un digne successeur de Canova, respectueux des formes grecques. Pour le brassage de l’art 3D en Irlande, voir: Sculpture Irlandaise: Histoire, Sculpteurs .