Comment apprécier la sculpture Automatique traduire

Comme la peinture, la sculpture &ndash ; est avant tout un art plastique, donc plus nous en voyons, plus nos yeux se familiarisent avec le médium et plus nous le percevons rapidement. Pour vous aider à apprécier la beauté des arts plastiques de la sculpture, cette page web contient des explications sur la plupart des grandes écoles, de l’âge de pierre à nos jours. Elle contient des références à l’esthétique du mécanisme, ainsi qu’à des sculpteurs célèbres et à leurs œuvres, avec des explications individuelles le cas échéant. Cependant, aucun article académique ne peut être comparé à une visite dans une galerie de sculpture, un jardin ou un musée, où vous pouvez vous promener autour des objets exposés et les étudier sous différents angles. Consultez donc notre liste des meilleurs musées d’art. Après tout, la sculpture, contrairement à la peinture, &ndash ; est un art tridimensionnel et ne peut être appréciée correctement qu’en chair et en os.

Comment comprendre la sculpture de l’âge de pierre

La sculpture préhistorique apparaît pour la première fois au Paléolithique (avant 10 000 ans avant J.-C.) sous la forme de deux images primitives : une statuette en basalte appelée Vénus Berehat-Ram et une figurine en quartzite que nous connaissons sous le nom de Vénus Tan-Tan . Toutes deux ont été datées au carbone d’environ 200 000 ans avant J.-C. ou plus tôt. Malheureusement, aucune des deux ne semble très réaliste.

Parallèlement au remplacement des Néandertaliens par des humains anatomiquement modernes tels que les Cro-Magnon, à partir de 40 000 avant J.-C., l’art s’est épanoui dans toute l’Europe. Les premières sculptures réalistes &ndash ; sont les figurines en ivoire sculpté du Paléolithique du Jura souabe, représentant des oiseaux, des animaux et des figures thérianthropiques trouvées dans les grottes de Hohle-Fels, Vogelherd et Hochlenstein-Stadel. Ces œuvres simples mais belles datent de 35 000 à 30 000 ans av.

Dans le même temps, un assortiment varié de petites sculptures féminines grasses, connues sous le nom de «statuettes de Vénus», que les archéologues ont depuis lors déterrées dans des colonies de l’âge de pierre dans toute l’Europe, de la Russie à Gibraltar, est en train d’être créé. On pense que ces figurines étaient utilisées comme symboles de fertilité et qu’elles étaient sculptées dans divers matériaux, notamment des os de mammouth, des cendres d’os, de l’argile céramique, du calcaire oolithique, de la stéatite, de la serpentine ou de la roche volcanique. Outre l’âge extrêmement avancé de ces objets ) Vénus de Hole Fels datée de 38-33000 av. J.-C. est la plus ancienne sculpture en ivoire et la plus ancienne sculpture figurative connue, et l’inhabituelle Vénus de Dolni Vestonice datée de 26000 av. &ndash ; la plus ancienne sculpture en argile connue au monde), ce qui est surprenant, c’est la relative similitude de ces figures.

La pièce la plus inhabituelle de l’art tridimensionnel du Néolithique est une sculpture roumaine en terre cuite, connue sous le nom de «Penseur des eaux noires» (vers 5000 av. J.-C.), un petit personnage profondément plongé dans ses pensées. Parmi les chefs-d’œuvre du Néolithique, citons le Taureau d’or de Maikop (vers 2500 av. J.-C.) &ndash ; une remarquable sculpture en or créée dans la région du Caucase du Nord selon la méthode de la fonte à la cire perdue et l’éblouissante Danseuse de Mohenjo-Daro (vers 2500 av. J.-C.). J.-C.), un chef-d’œuvre de la sculpture indienne primitive de la culture harappan de la civilisation de la vallée de l’Indus (3300-1300 av. J.-C.).

Note : Les méthodes de la sculpture égyptienne ont eu une grande influence sur de nombreux sculpteurs grecs de l’Antiquité, ainsi que sur la sculpture africaine subsaharienne plus tardive .

La sculpture grecque, pour faire simple, couvre la période archaïque (env. 750-500 av. J.-C.), la période classique (env. 500-323 av. J.-C.) et la période hellénistique (env. 323-100 av. J.-C.). Expliquer comment évaluer la sculpture grecque nécessiterait un site web entier. Voici donc quelques commentaires choisis sur la façon dont cette forme d’art unique s’est développée et sur ce à quoi il faut prêter attention.

Les sculpteurs grecs ont appris de nombreuses bases au cours de l’ère géométrique, bien que leurs statues figuratives soient restées assez rigides. Les figures étaient généralement représentées nues (homme kouros) ou semi-nues (femme kouros). À l’époque de la sculpture archaïque, lorsque le pays s’ouvre aux influences de la mer Noire, du Levant et de l’Égypte, ils apprennent à donner à leurs figures humaines une plus grande fluidité et un plus grand sens de la vie. Ils commencent également à développer «le sourire archaïque» ainsi qu’une articulation plus réaliste du corps. C’est alors que survient l’apogée extraordinaire de cet art.

A l’époque de la sculpture classique grecque, surtout au Ve siècle avant notre ère, la sculpture connaît un élan de créativité sans précédent, illustré par les œuvres du Parthénon (447-422 avant notre ère). Ces innovations classiques ont marqué l’évolution stylistique de la sculpture pour les milliers d’années à venir. La pose de la figure debout est devenue plus raffinée, plus réaliste et, d’une manière générale, plus naturelle. Les statues grecques classiques se caractérisent également par un air de calme suprême associé à un équilibre dynamique marqué du mouvement, créant un sentiment d’harmonie et de proportion. Parmi les principaux sculpteurs grecs de l’Antiquité, citons Polyclète (Ve siècle av. J.-C.), Phidias (488-431) et Myron. (Actif 480-444).

Au IVe siècle avant J.-C., dans la seconde moitié de l’ère classique, des sculpteurs comme Praxitèle et Lysippe, adoucissent la forme humaine, lui insufflant une aura de grâce insouciante. Les dieux grecs de la mythologie s’humanisent, leurs mouvements et leurs expressions faciales deviennent plus élégants. La composition et les poses deviennent plus complexes : les membres s’avancent dans l’espace du spectateur, les groupes sculpturaux sont disposés de manière plus dynamique, et les spectateurs peuvent marcher autour d’eux et obtenir une vue variée.

L’époque hellénistique voit se développer deux styles principaux : le style «austère» caractérisé par la Vénus de Milos (vers 100 av. J.-C.), ou le style plus dramatique de la Vénus de Milos (vers 100 av. J.-C.).), ou le style baroque «plus dramatique» illustré par l’autel de Zeus de Pergame (vers 166-166 av. J.-C.) et Laocoon et ses fils (150-50 av. J.-C.). Pour en savoir plus, visitez L’école de sculpture hellénistique de Pergame (241-133 av. J.-C.). Dans la plupart des cas, les détails sont rendus avec le plus grand réalisme. Les sculpteurs de la Haute Renaissance (Michel-Ange) et du Baroque (Le Bernin) ont été fortement influencés par la sculpture grecque hellénistique, tout comme les historiens de l’art néoclassique tels que l’historien allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).

Pour plus d’informations sur les critiques professionnels tels que John Ruskin et d’autres, voir : Critiques d’art visuel et critique (1750-aujourd’hui).

Les sculptures grecques dignes d’être appréciées

Discobole (~450 av. J.-C.), Myron, Musée national de Rome, Rome.
Héraclès pharnésien (Ve siècle), Musée archéologique national de Naples.
Au Musée archéologique national, Zeus ou Poséidon (vers 460 av. J.-C.), Athènes.
Amazone blessée (440-30 av. J.-C.), musée du Capitole, Rome. Par Polycletus.
Musée archéologique national - Jeunesse d’Antikythera (IVe siècle), Athènes.
Apollon Sauroctonos (IVe siècle), Museo Pio Clementino. Auteur Praxitèle.
Colonne capitoline de Vénus (350-40 av. J.-C.), Musée Capitolin, Rome. Auteur Praxitèle.
Faunus Barberini (vers 220 av. J.-C.), marbre, Glyptothèque, Munich.
Gaulois mourant (vers 240 av. J.-C.), copie en marbre, musée du Capitole, Rome.
Nika de Samothrace (vers 190 av. J.-C.), marbre, Louvre, Paris.
Laocoon et ses fils (150-50 av. J.-C.) Hagesandrus / Athenodoros / Polydorus.
Taureau pharnésien (150 av. J.-C.) Apollonios de Thrall.
Copie en marbre «des Trois Grâces» (IIe siècle av. J.-C.), Louvre de Paris.
Vénus de Milos (Aphrodite de Mélos) (vers 100 av. J.-C.). Auteur Alexandros d’Antioche.

Comment apprécier la sculpture romaine (vers 200 av. J.-C. &ndash ; vers 200 ap. J.-C.)

Les artistes romains vénéraient beaucoup leurs homologues grecs et cherchaient à les imiter dès qu’ils en avaient l’occasion. Les maîtres grecs sont encouragés à quitter la Grèce et à travailler à Rome. Malgré cela, la sculpture romaine a développé ses propres modes d’expression. Au cours de la période 200-50 av. J.-C., lorsque le gouvernement républicain était au pouvoir, les artistes ont développé un aspect «romain» distinctif pour leurs statues et portraits-bustes &ndash ; un aspect de haute moralité accompagné d’un sens de la sagesse et de la détermination. Sous le règne d’Auguste (31 av. J.-C. &ndash ; 14 ap. J.-C.), une nouvelle forme d’idéalisation apparaît dans l’art romain, illustrée par les proportions harmonieuses des sculptures en relief en marbre de l’ Ara Pacis Augusta (Paix d’Auguste). La statue en marbre d’Auguste &ndash ; Porta Augusta Prima &ndash ; en est un autre exemple : le personnage debout a une pose contraposto grecque et un idéalisme juvénile, mais sa cuirasse blindée et son manteau drapé témoignent d’un réalisme strictement romain. En effet, dans tout l’Empire romain, les sculpteurs étaient déchirés entre l’idéalisme et le réalisme, ce qui, de l’avis de nombreux historiens de l’art, constituait une lutte esthétique cruciale pour l’époque. Néanmoins, il convient de noter que la plupart des sculptures créées dans la Rome antique étaient des portraits en buste de l’empereur et que le motif sous-jacent de presque tout l’art était de glorifier la grandeur de Rome. Ainsi, l’idéalisme a pu être une option théorique importante, mais dans la pratique, le réalisme l’a emporté, à la fois dans le motif et dans le support.

La plus grande contribution des sculpteurs romains à l’art, et certainement le moyen de créer un monument public, est le relief historique. La colonne Trajane, par exemple, située au nord du Forum romain, est célèbre pour sa sculpture en bas-relief en spirale , magnifiquement détaillée, qui fait 23 fois le tour du fût du monument, racontant la victoire de l’empereur Trajan dans ses guerres contre les Daces. Le fût lui-même mesure 30 mètres de haut et 4 mètres de large et est construit à partir de 20 blocs massifs de marbre de Carrare, pesant chacun 40 tonnes. L’arc de Titus est un autre bel exemple de relief historique.

Enfin, il est impossible d’apprécier la sculpture romaine sans mentionner le rôle des artistes romains dans la reproduction des statues grecques originales, dont la plupart ont disparu. Sans ces copies, l’art grec n’aurait guère reçu l’appréciation qu’il mérite, et la Renaissance italienne (et donc l’histoire de l’art occidental avec elle) aurait été bien différente.

Sculptures romaines dignes d’être appréciées

Auguste Prima Porta (50 av. J.-C.), marbre, Musées du Vatican.
Marbre Autel de la Paix (Ara Pacis) (9 av. J.-C.), Museo Ara Pacis, Rome.
Empereur Claude en Jupiter (41-54 ap. J.-C.) marbre, Museo Pio Clementino.
Marbre Tibre (90-140 ap. J.-C.), Louvre, Paris.
Marbre Colonne de Trajan (113 ap. J.-C.), Rome.
Marbre Hercule de Lansdowne (ca. 125 ap. J.-C.), J. Paul Getty Museum, Californie, USA.
Centaure sur la roue de Cupidon (vers 150 ap. J.-C.) en marbre, Louvre.
Marbre «Danseuses Borghèse» (2e siècle après J.-C.), Louvre.
Atalante (IIe siècle apr. J.-C.) marbre, Louvre.
Sarcophage de combat de Ludovisi (251 ap. J.-C.) Musée national de Rome.
Basilique Saint-Marc (300 ap. J.-C.) Venise.
Tête colossale de l’empereur Constantin le Grand (324 ap. J.-C.) Musée du Capitole.

Comment apprécier la sculpture gothique (vers 1150-1300, à partir de 1500 en Allemagne)

L’art gothique est le premier style à combiner les arts de la sculpture, du vitrail et de l’architecture, notamment dans les grandes cathédrales de Chartres, Amiens, Reims et Notre-Dame-de-Paris. La solidité de l’art roman a été remplacée par une nouvelle orientation des lignes, et les hauts arcs et contreforts du style gothique ont permis d’ouvrir les murs sur des fenêtres d’une taille sans précédent, remplies de magnifiques peintures translucides, bien supérieures à tout ce qui avait été vu auparavant. En effet, le développement de la sculpture gothique est inextricablement lié à l’émergence de nouvelles formes dans l’architecture . Les autorités de l’Église chrétienne ont construit de nombreuses cathédrales gothiques, chacune d’entre elles devant être ornée d’un art chrétien approprié. . A l’extérieur, il s’agissait de reliefs sculptés et de statues sur les colonnes ; à l’intérieur &ndash ; des fonts baptismaux sculptés, des chaires, des statues, des sculptures en relief. Autour des portails et des portes, les sculpteurs ont sculpté des groupes d’apôtres, de prophètes et de saints, ainsi que des membres de la Sainte Famille. D’un point de vue stylistique, la sculpture gothique figurative était plus douce, plus réaliste et généralement plus humaine que la sculpture romane rigide . Par exemple, le corps du Christ au-dessus de l’entrée principale de la cathédrale de Chartres est incroyablement souple et réel, ce qui le rend sensible et compréhensible.

Le style de sculpture du haut gothique est également né en France, d’où il s’est répandu en Italie, en Allemagne, aux Pays-Bas et ailleurs. Dans un style plus orné, la plupart des sculpteurs du gothique tardif se sont tournés vers les tombes et les monuments privés plutôt que vers la sculpture architecturale. Voir, par exemple, la rangée de sculptures funéraires de l’abbaye de Westminster, où les monuments (en purbecks, bronze, albâtre et fresque) sont décorés de sols et de tombes réalisés par des mosaïstes italiens employés par le roi Henri III. Le gothique tardif a reçu un accent classique en Italie, où les sculpteurs ont utilisé des modèles grecs et romains, et un accent plus émotionnel en Allemagne, où des sculpteurs tels que Veit Stoss et Tilman Riemenschneider se sont concentrés sur la souffrance du Christ plutôt que sur les conventions de la forme (voir, par exemple, Pieta Rottgen, 1300, Rheinisches Museum, Bonn). C’est également à l’époque gothique que les sculpteurs ont pu obtenir une reconnaissance individuelle.

D’importantes sculptures gothiques sont visibles dans la cathédrale de Chartres (1194-1250) ; la cathédrale Notre-Dame de Paris (1163-1345) ; la cathédrale de Reims (1211-1275) ; la cathédrale d’Amiens (1220-1270) ; la cathédrale de Burgos, en Espagne, dont la construction a commencé vers 1221 ; la cathédrale de Cologne, construite en 1248 mais achevée seulement en 1880, et les cathédrales de Saint-Jacques-de-Compostelle, Magdebourg, Trèves, Strasbourg, Fribourg, Naumburg, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester, et l’abbaye de Westminster, parmi beaucoup d’autres.

Des sculptures gothiques à apprécier

Outre l’étude de la vaste quantité de sculptures architecturales de la cathédrale, les éléments suivants peuvent également être évalués.

Le Jugement dernier (vers 1210) Transversale Sud, Notre Dame (Paris).
Façade ouest de la cathédrale de Wells (vers 1230) Wells, Royaume-Uni.
Rayon de gloire (après 1242) Maison de Saint-Étienne et de Saint-Sixte, Halberstadt.
Portail ouest de la Jube (vers 1250) Cathédrale de Naumburg, Naumburg.
Chaire en marbre (1265-8) Dôme, Sienne. Nicola Pisano.
Triptyque de la Vierge glorieuse (vers 1290), Musée du Moyen Âge, Paris.
Vierge de Jeanne d’Évreux (1324-39) Argent, émail, or et perles, Louvre.
Autel de Sainte-Marie (1477-89) Église Sainte-Marie, Cracovie, Pologne. Auteur Stoss.
Autel du Saint-Sang (1504) Église Saint-Jacques, Rothenburg. Auteur Riemenschneider.

Sculpteurs gothiques célèbres

Nicola Pisano (ca. 1206-1278) ; Giovanni Pisano (1250-1314) ; Arnolfo di Cambio (ca. 1240-1310) ; Giovanni di Balduccio (1290-1339).) ; Andrea Pisano (1295-1348) ; Filippo Calendario (avant 1315-1355) ; André Boneveu (1335-1400) ; Klaus Sluter (vers 1340-1406) ; Veit Stoss (vers 1447-1533) ; Tilman Riemenschneider (1460-1531). Pour les biographies des principaux sculpteurs gothiques, voir : Les plus grands sculpteurs .

Comment apprécier la sculpture de la Renaissance (ca. 1400-1600)

L’art de la Renaissance, en particulier la sculpture, se fonde sur un nouvel élan de respect pour l’art grec. Les sculpteurs de la Renaissance, bien que s’occupant principalement d’œuvres religieuses, étaient fortement inspirés par une croyance profonde en l’humanisme et en la noblesse de l’homme. La forme humaine, en particulier le nu masculin, était donc un sujet de prédilection. Cependant, pour mieux apprécier la sculpture de la Renaissance italienne , il faut savoir que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par l’habileté, le réalisme et l’émotivité des œuvres gothiques. Malgré cela, les sculpteurs du début de la Renaissance ont apporté de nettes améliorations : par exemple, ils ont insufflé à leurs statues une émotion plus profonde (voir « David Donatello»), 1440-3, Bargello, Florence) et leur ont insufflé une énergie et une signification nouvelles. Ils sont les premiers à réintroduire la statue équestre . Les cinq meilleurs sculpteurs du début de la Renaissance qui méritent d’être étudiés &ndash ; sont Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-1498), et Andrea del Verrocchio (1435-1488). On notera en particulier le caractère vigoureux et même brutal des figures de Donatello, par ailleurs assez grossières et brutes. Mais voir. Voir aussi : Le David de Donatello . Voir aussi la statue équestre de Bartolomeo Colleoni de Vertrocchio (1495, Campo di Santi Giovanni e Paolo, Venise). Orfèvre de formation, Pollaiuolo est l’héritier de l’expressionnisme filiforme de Donatello : voir par exemple son Hercule et Antée (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florence).

La sculpture de la Haute Renaissance est dominée et incarnée par la perfection de Michel-Ange (1475-1564). Selon le savant historien de l’art Anthony Blunt, les œuvres figuratives de Michel-Ange telles que Pietà (1497-9, Basilique Saint-Pierre, Rome), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florence) et L’esclave mourant (1513-16, Louvre) possédaient non seulement «des qualités surhumaines», mais aussi «un sentiment de sombre anxiété reflétant la tragédie de la destinée humaine». Les statues de marbre de Michel-Ange, d’une beauté irréprochable, reflètent sa maîtrise technique absolue. Dans le nu masculin héroïque, il reste l’artiste accompli. À l’âge de 29 ans, il avait déjà réalisé deux des plus grandes œuvres de l’histoire de la sculpture . D’autres sculpteurs de pierre importants de la Haute Renaissance sont le Vénitien Jacopo Sansovino (1486-1570) et le Florentin Baccio Bandinelli (1493-1560). Au nord des Alpes, on trouve les célèbres sculpteurs Hans Mulcher (vers 1400-1467), Giorgio da Sebenico (1410-73), Michel Colomb (1430-1512), Gregor Ehrhart (vers 1460-1540), ainsi que les Stoss et Riemenschneider mentionnés plus haut. Pour les biographies des principaux sculpteurs de la Renaissance, voir : Les plus grands sculpteurs .

Autres sculptures de la Renaissance à apprécier

Saint Marc (1411) Orsanmichele, Florence. Donatello.
Abbacum (1426), Musée de l’Opéra du Duomo, Florence. Donatello.
Porte du ciel (1425-52) Baptistère de Florence. Par Lorenzo Ghiberti.
Statue équestre de Gattamelata (1444-53) Sienne. Donatello.
Maria Magadalina (vers 1455) Museo Nazionale del Bargello. Donatello.
La lamentation du Christ mort (1463) Bologne. Niccolò dell’Arca.
Hercule et Antée (1470) Museo Nazionale del Bargello. Antonio Pollaiuolo.
David (c.1475) Museo Nazionale del Bargello. Andrea del Verrocchio.
L’incrédulité de saint Thomas (c.1483) Orsanmichele. Andrea del Verrocchio.
Vénus et Cupidon (vers 1550), Getty Museum, Californie. Par Jacopo Sansovino.

Comment apprécier la sculpture maniériste (1530-1600)

Par rapport à l’harmonie et à l’équilibre des œuvres de la Haute Renaissance, la sculpture maniériste est beaucoup plus exagérée et expressive, reflétant en quelque sorte l’incertitude d’une Europe déchirée par les divisions religieuses. Les différentes impulsions artistiques du maniérisme sont le mieux illustrées par Giambologna (1529-1608), dont l’œuvre immortelle L’enlèvement des Sabines (1581-153, Piazza della Signora, Florence) possède une expressivité vraiment stupéfiante ; et Benvenuto Cellini (1500-1571) &ndash ; voir, par exemple, son L’enlèvement des Sabines (1581-153, Piazza della Signora, Florence), par exemple son Persée (1545-54, Piazza della Signora, Florence). En revanche, il faut comparer avec l’expressivité tranquille de la Sainte Cécile couchée de Stefano Maderno (1600, Trastevere, Rome) (1576-1636). D’autres sculpteurs maniéristes méritent d’être étudiés &ndash ; sont Juan de Juni (1507-1577) et Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), qui ont introduit les idées de la Renaissance et du maniérisme en Espagne, et Francesco Primaticcio (1504-1570), qui a fait de même pour la France à l’école de Fontainebleau fondée sous François Ier. Sur les meilleurs sculpteurs français de l’époque, voir : Jean Goujon (c. 1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prier (1536-1611) et Adrien de Vries (1560-1626).

L’époque baroque est dominée par l’art religieux . La sculpture baroque, qui faisait partie de la campagne de propagande de la Contre-Réforme catholique, était conçue pour inspirer les spectateurs avec des illustrations de la liturgie catholique et encourager ainsi les fidèles à revenir à la seule vraie Église. Pour mieux apprécier l’art baroque, il faut regarder de près les œuvres du Bernin (1598-1680), la plus grande figure de son temps. Parmi ses meilleures œuvres &ndash ; Extase de sainte Thérèse (1647-52, Capella Cornaro, Rome) ; Pluton et Proserpine (1621-1616, Galleria Borghese, Rome) ; Apollon et Daphné (1622-1655) Galleria Borghese, Rome ; et Mort de la bienheureuse Ludovica Albertoni (1671-4, San Francesco-a-Ripa, Rome). Remarquez comment les figures et les draperies du Bernin semblent flotter dans l’air et comment il traite les matériaux durs de la sculpture comme s’ils étaient absolument plastiques. Parmi les autres sculpteurs importants de l’époque baroque, citons le plus sobre Alessandro Algardi (1598-1654), favori du pape Innocent X, et le sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643), dont les œuvres classiques sont à l’opposé de la tension dynamique du Bernin. En France, l’idiome est bien représenté par l’Algardien François Girardon (1628-1715), le plus libre Antoine Coysevox (1640-1720) et le moins cohérent mais parfois plus brillant Pierre Puget (1620-94). En Espagne, les sculpteurs qui méritent d’être étudiés sont Juan Martinez Montanez (1568-1649) et Alonso Cano (Grenade, 1601-1667), et en Allemagne, on notera l’œuvre de Andreas Schlüter (1664-1714).

Des sculptures baroques à apprécier

Saint Sébastien (1600) San Salvatore, Venise. Alessandro Vittoria.
Message de l’ange (1608) Orvieto. Francesco Mochi.
Autel de la Vierge (1616) Église d’Uberlingen, Allemagne. Jörg Zurn .
Sainte Suzanne (1633) Santa Maria di Loreto, Rome. François Ducnois.
Monument funéraire du pape Léon XI (1634-44), basilique Saint-Pierre, Rome. Algardi.
Extase de saint Philippe Néri (1638), Santa Maria in Vallicella. Algardi.
Le pape Léon chassant Attila des portes de Rome (1653), cathédrale Saint-Pierre. Algardi.
Marie Madeleine pénitente (1664) Valladolid, Espagne. Pedro de Mena.
Apollon courtisé par les nymphes de Fetida (1666-72) Versailles. François Girardon.
Fontaine d’Apollon (1671), château de Versailles. Jean Baptiste Touby.
Milon de Croton (1671-1682), Louvre, Paris. Pierre Puget.
Statue équestre de Frédéric le Grand (1708) par Andreas Schlüter.
Pluton enlevant Proserpina (1710), Getty Museum, Californie. François Girardon.

Sculpture rococo bizarre (vers 1700-1789. La sculpture rococo allemande est l’incarnation de la sculpture rococo allemande (vers 1700-1789). Elle va et vient, illustrée par Guillaume Coustou (1677-1746), Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), favori de Madame de Pompadour et son principal rival Etienne-Maurice Falcone (1716-1791), qui se spécialise dans les figures érotiques avec un lien quelque peu erroné avec la sculpture grecque hellénistique. La sculpture rococo allemande est incarnée par le sculpteur de Dresde Balthasar Permoser (1651-1732). À la fin des années 1780, le rococo décadent est balayé par les idéaux de la Révolution française, qui jette les bases du style plus sérieux et plus sévère du néoclassicisme.

Comment apprécier la sculpture néoclassique (floraison vers 1790-1830)

La sculpture néoclassique remet en avant les vertus de l’héroïsme, du devoir et du sérieux . Pour mieux comprendre le néoclassicisme, notons que l’éminent historien de l’art allemand Johann Winkelmann (1717-1768) a déclaré qu’il évitait la passion et l’expressivité extrêmes et qu’il était au contraire un modèle de noble retenue. Le sculpteur le plus important et le plus influent du néoclassicisme est sans aucun doute Antonio Canova (1757-1822), qui a compté parmi ses clients Napoléon Bonaparte, Catherine la Grande et l’empereur autrichien François II. Sa sculpture la plus célèbre est probablement la statue monumentale nue de Napoléon (1802-1886) &ndash ; voir l’original en marbre (Wellington Museum, Londres) ou la copie en bronze à la Pinacothèque de Brera, Milan. Regardez également de près «Thésée et le Minotaure» (1781-1781, Victoria and Albert Museum, Londres) et le portrait de Pauline Napoléon-Borgèse en Vénus (1807, Galleria Borgese, Rome).

Parmi les autres sculpteurs néoclassiques dignes d’intérêt : Le portraitiste autrichien Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), connu pour ses bustes caricaturaux appelés «Têtes de personnages» ; le réaliste français Jean-Antoine Oudon (1741-1828) ; l’insouciant petit sculpteur français Clodion (1738-1814) et les célèbres artistes anglais Joseph Nollekens (1737-1823), John Flaxman (1755-1826) et Sir Richard Westmacott (1775-1856). Vers la fin du XVIIIe siècle, le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844) s’est montré un digne successeur de Canova dans sa vénération des formes grecques. Sur le développement de l’art volumétrique en Irlande, voir : Sculpture irlandaise : histoire, sculpteurs .

Autres sculptures néoclassiques à évaluer

Vénus (1773), Getty Museum, Los Angeles. Joseph Nollekens.
Portrait de Voltaire (1781) Comédie-Française. Jean-Antoine Houdon.
Apollon se couronnant lui-même (1781), Getty Museum, Californie. Antonio Canova.
Le pendu (1770-83) Vienne. Franz Xaver Messerschmidt.
La fureur d’Atham (1790) Ickworth, UK. John Flaxman.
Psyché éveillée par Eros (1787-93) Louvre, Paris. Antonio Canova.
Madeleine pénitente (1796) Palazzo Bianco, Gênes. Antonio Canova.
Persée et la tête de Méduse (1797-1801) Musées du Vatican. Canova.
Statue équestre de Joseph II (1795-1806) Franz Anton von Sauner.
Alexandre le Grand entre à Babylone (1812) Bertel Thorvaldsen.
Jason avec la toison d’or (1828) Copenhague. Bertel Thorvaldsen.
Le Christ et les douze apôtres (1838) Copenhague. Bertel Thorvaldsen.

Ressources complémentaires

Comment apprécier la sculpture moderne
Apprécier l’art : Comment apprécier l’art
Les plus grandes sculptures de tous les temps .

TYPES DE SCULPTURES
Sur le bronze &ndash ; statues et reliefs voir : Sculpture en bronze .
Sur les formes de sculpture rupestre, voir : Sculpture sur pierre .
Sur les pierres de Pentélique, de Carrare et de Parian, voir : Sculpture en marbre .
Sur les sculptures en bois : Sculpture en bois .

SIGNIFICATION DE L’ART
Pour en savoir plus sur les différents types et styles d’art traditionnel, voir : Définition de l’art .