Illustration: Histoire, Types, Caractéristiques Automatique traduire

Une illustration est un dessin, une peinture ou une œuvre d’art imprimée qui explique, clarifie, éclaire, représente visuellement ou embellit simplement un texte écrit, qui peut être de nature littéraire ou commerciale. Historiquement, les formes prédominantes de cette forme d’art visuel ont été les illustrations de livres, de magazines et de journaux, bien que les illustrateurs aient également utilisé leurs compétences graphiques dans des domaines tels que l’art de l’affiche, la publicité, les bandes dessinées, l’art de l’animation, les cartes de vœux et les bandes dessinées. La plupart des dessins d’illustration étaient réalisés à la plume et à l’encre, au fusain ou à la pointe de métal, puis reproduits par divers procédés d’impression tels que la gravure sur bois, la gravure à l’eau-forte, l’eau-forte, la lithographie, la photographie, la gravure en demi-teinte, etc.

Aujourd’hui, on distingue cinq grands types d’illustrations : éducatives «, graphiques d’information» (par exemple, publications scientifiques ou manuels scolaires), littéraires (par exemple, livres pour enfants), jeux et livres fantastiques, médiatiques (magazines, périodiques, journaux) et commerciales (affiches publicitaires, points de vente, emballages de produits). Beaucoup de ces illustrations sont conçues et créées à l’aide de programmes graphiques informatiques tels que Adobe Illustrator, Photoshop, CorelDRAW, et des tablettes telles que Wacom, bien que des méthodes traditionnelles telles que l’aquarelle, le pastel, la caséine, la tempera à l’œuf, la gravure sur bois, la découpe artistique sur linoléum, le stylo et l’encre soient également utilisées. La question de savoir si l’illustration peut être classée parmi les beaux-arts, les arts appliqués ou même les arts décoratifs fait l’objet d’un débat permanent. Cependant, si l’on considère les nombreux chefs-d’œuvre d’illustration créés au cours des siècles, il ne fait aucun doute que cette forme d’art se classe aux côtés des autres beaux-arts tels que la peinture et la sculpture.

Histoire

Illustrations de la préhistoire, de l’antiquité (30 000 av. J.-C. - 600 ap. J.-C.)

Les origines de l’illustration - avant l’invention «de l’écriture» - remontent aux peintures rupestres de Chauvet, Lascaux et Altamira, lorsque les artistes du Paléolithique utilisaient le charbon de bois et l’ocre pour illustrer ce qu’ils voyaient autour d’eux (vers 30 000-10 000 av. J.-C.). Ces dessins au charbon de bois , grossiers mais vivants, ont survécu en raison de leur éloignement. La plupart des autres dessins créés pendant l’Antiquité classique et l’âge des ténèbres (vers 30 000 av. J.-C. - 800 apr. J.-C.) ont eu moins de chance et ont été détruits depuis. Une exception notable est une série d’illustrations égyptiennes (par exemple des légendes de l’au-delà) trouvées dans les tombes des pharaons (vers 3000-1000 avant J.-C.). En Orient (Chine, Japon), les premières formes d’illustration ont été créées avec des gravures sur bois .

Illustrations de livres de l’Europe insulaire (Irlande, Grande-Bretagne vers 600-1100)

L’un des types les plus courants d’art paléochrétien produit au Moyen Âge est le texte religieux illustré. Ces manuscrits enluminés produits dans les scriptoria monastiques irlandais, anglais et continentaux étaient écrits à la main en latin sur des peaux d’animaux et ensuite décorés avec l’art biblique, y compris des images de la Sainte Famille et des apôtres. (Voir aussi : La fabrication des manuscrits enluminés).

Parmi les évangiles enluminés les plus connus de cette période, citons la Catachaeta de saint Columba (début du VIIe siècle), le Livre de Darrow (vers 670), les Évangiles de Lindisfarne (vers 700), les Évangiles d’Echternach (vers 700), Évangiles de Lichfield (730), et Livre de Kells (c.800) - voir en particulier la page exquise Monogramme du Christ (Chi/Rho). Influencés par les textes chrétiens orientaux, en particulier ceux des églises byzantine et copte (Afrique du Nord), les premiers illustrateurs irlandais et anglo-saxons ont inclus des pages de tapis «» et d’autres motifs décoratifs qui représentaient l’apogée de l’art chrétien primitif.

Illustrations de livres carolingiens (vers 750-900)

Charlemagne Ier, roi des Francs à partir de 768 et couronné empereur romain en 800, était un mécène passionné de manuscrits religieux, même si l’on peut se demander s’il a lui-même appris à lire. Ces livres, illustrés d’images de l’art chrétien, créés par des scribes et des moines artistes à la cour carolingienne d’Aix-la-Chapelle, étaient parfois écrits à l’encre d’or ou d’argent sur des feuilles de couleur pourpre afin de souligner les liens de Charlemagne avec l’antiquité impériale.

L’une des réformes de Charlemagne a été l’adoption d’une nouvelle écriture plus simple. Elle est connue sous le nom de «Caroline minuscule», et presque tous les manuscrits écrits sous le règne de Charlemagne sont dans cette écriture. Le plus ancien manuscrit conservé dans cette écriture est l’ Evangelistus Godescalcus, achevé en 783. Parmi les autres chefs-d’œuvre de l’art carolingien, citons le Psautier d’Utrecht (Bibliothèque universitaire d’Utrecht), les Évangiles du couronnement (Vienne), les Péricopes Godescalcus (781-3, Bibliothèque nationale, Paris), Évangiles d’Abbeville (Bibliothèque municipale, Abbeville), Évangiles de Trèves (Stadtbibliothek, Trèves) et Évangiles de Lorsch (Bibliothèque du Vatican, Rome), et Codex Aegino (796-99, Staatsbibliothek, Berlin).

Illustrations de livres ottoniens (vers 900-1050)

Après la mort de Charlemagne, plus de 100 ans se sont écoulés avant qu’Otton le Grand ne poursuive la tradition de la peinture et de l’illustration de livres. En fait, c’est le petit-fils d’Otton, Otton III, qui a montré un enthousiasme particulier pour cette forme de peinture médiévale - les manuscrits enluminés. Il n’emploie pas de peintres de cour, mais commande des manuscrits à de grands monastères comme celui de Trèves. Les chefs-d’œuvre illustrés de l’art ottoman comprennent des livres tels que le Tite-Live du cinquième siècle, une copie de Boèce sur l’arithmétique, la grande Apocalypse de Bamberg, un livre d’or richement décoré des Évangiles (aujourd’hui à la bibliothèque universitaire d’Uppsala) et un commentaire illustré d’Isaïe, ainsi qu’un livre d’histoire de l’islam

L’enluminure ottonienne nous amène à L’enluminure médiévale des manuscrits, qui se compose de trois tendances principales : le style roman, le style gothique et le style gothique international de la Cour.

L’illustration de livres romans : la Grande-Bretagne et le continent (1050-1200)

Suite à une étroite collaboration entre les monastères d’Irlande, d’Iona et du nord de l’Angleterre au cours de la période (600-900), la peinture de livres anglaise atteint de nouveaux sommets au Xe siècle, Winchester et Canterbury étant les principaux centres de production de manuscrits. L’un des grands manuscrits romans enluminés de cette époque est le Bénédiction créé pour St Ethelwold, évêque de Winchester (vers 963). Ce manuscrit, réalisé par un moine nommé Godeman, se caractérise par des miniatures aux figures soigneusement dessinées et des feuillages richement décorés d’or.

Aelfric, disciple de St Ethelwold et plus tard son biographe, a traduit et illustré les cinq premiers livres de l’Ancien Testament (Pentateuque), et les versions produites au début du XIe siècle se caractérisent par une richesse et une variété exceptionnelles d’illustrations. Au début du nouveau millénaire, tous les monastères anglais possédaient des bibliothèques assez importantes et de nombreuses bibles enluminées et autres textes évangéliques de grande valeur. En outre, des Psautiers spéciaux et d’autres commentaires de la Bible illustrés de peintures ont été produits comme cadeaux pour les évêques, les archevêques et les papes.

Sur le continent, Rome, Cluny et Salzbourg sont les principaux centres de l’art roman. De nouveaux ordres et groupes religieux, tels que les bénédictins d’Italie et les clunisiens, les cisterciens et les chartreux de France, se consacrent à la lecture, à la fabrication de livres et à l’apprentissage. Bien que l’alphabétisation soit encore à peine connue de la population en 1200, il y a plus de 2 000 monastères en Angleterre et sur le continent, et ils ont tous besoin de livres. Cette industrie du livre en plein essor a soutenu une armée d’illustrateurs et d’enlumineurs. Parmi les ouvrages clés, citons La vie de Mathilde de Donizo (pré-1115, Bibliothèque du Vatican, Rome) ; Le Psautier de St Albans (1120-30, Hildesheim) ; Le Psautier d’Henri de Blois (1140-60, British Library, Londres) ; La Bible de Lambeth (1150, Canterbury) ; L’Évangéliaire d’Henri le Lion (1173, Bibliothèque du Duc Auguste, Wolfenbuttel).

Illustration gothique et gothique internationale (c. 1200-1450)

Les premiers manuscrits gothiques enluminés se caractérisent par un grand naturalisme . En France, ce style s’est manifesté dans une série de magnifiques manuscrits enluminés réalisés pour la cour royale française (1230-40), contenant des passages de la Bible accompagnés d’interprétations morales et d’illustrations ) Bibles Moralisees). En Angleterre, on retrouve ce style dans le Psautier d’Amesbury (vers 1240 ; All Souls College, Oxford).

La peinture de livres du haut gothique a été fortement influencée par la sculpture moderne. Dans le manuscrit des 4 Evangiles de la chapelle de Louis IX de St Chapel (1241-48), on peut voir un style de draperie incorporant les grands plis anguleux du maître Joseph (Bibliothèque Nationale).

Parallèlement, le souci du détail s’accentue et donne lieu à des exemples d’écriture virtuose. Les illustrations du haut gothique témoignent également d’un meilleur rendu des ombres et des lumières, comme celles du célèbre enlumineur parisien connu sous le nom de Maître Honoré, actif vers 1288-1300. Parmi les autres œuvres, citons le Codex Manesse (1310-20, Bibliothèque universitaire de Heidelberg), le Psautier Bonnet de Luxembourg (vers 1345-49, Metropolitan Museum of Art, New York).

L’art gothique international s’articule autour des cours royales d’Europe, comme celle de l’empereur du Saint Empire romain germanique Charles IV, qui est un centre majeur de la peinture de manuscrits. Deux manuscrits religieux importants ont été produits : un missel (livre contenant le service de la messe) pour le chancelier Jan de Streda (1360, Prague, Bibliothèque du Musée national, MS) et une énorme Bible pour le fils de Charles, Wenceslaus (années 1390, Vienne, Bibliothèque nationale d’Osterreich). Voir aussi Bréviaire de Belleville Manuscrit (Bibliothèque Nationale de Paris) et Horloge de Jeanne d’Evreux (1324-28) Cloisters, Metropolitan Museum of Art, auteur enlumineur Jean Pucelle (c. 1290-1334).

Les célèbres enluminures gothiques internationales comprennent : Le plus beau livre d’heures du duc de Berry (1416, Musée Condé Chantilly) par les Frères de Limbourg (~1390-1416) (c. 1290-1334) (c. 1290-1334).), dont les illustrations rappellent fortement la peinture italienne contemporaine ; La chapelle de Bruxelles (Bibliothèque nationale de Belgique, MS. 11060-1) et La chapelle du maréchal de Boucicault (Musée Jacques-Mart-André, Paris) par Jacquemart de Esden (v. 1355-1414). Voir aussi les illustrations du maître du paremi de Narbonne, Maître Boucicault, et Jean Fouquet (1420-1481). La peinture française de cour connaît un renouveau sous le règne du roi Louis XI (1461-83), illustré par le manuscrit religieux enluminé Le Livre du coeur d’Amours Espris (1465, Bibliothèque nationale d’Autriche, Vienne). Voir Histoire des manuscrits enluminés .

Illustrations de la Renaissance allemande (1430-1580)

L’union des deux procédés qui constituent l’imprimerie moderne - l’utilisation de tampons métalliques pour produire des parties de caractères réutilisables et l’utilisation d’une presse capable de répéter les impressions - est généralement attribuée à l’imprimeur allemand Johannes Gutenberg, vers 1450. Son invention de la première presse à imprimer a donné une impulsion considérable aux typographes de la Renaissance allemande, dont le natif de Nuremberg Albrecht Dürer (1471-1528), qui est resté principalement un dessinateur et un artiste graphique.

Parmi ses illustrations figurent les gravures sur bois pour «Quatre livres sur les proportions humaines» (1528, Nuremberg) et «Instructions pour mesurer avec le compas et la règle» (1525, Nuremberg), ainsi que la série «Apocalypse» de 1498, deux séries «Passion» et «Vie de la Vierge». Le contemporain de Dürer Albrecht Altdorfer (1480-1538) fait preuve d’une créativité hors du commun dans l’enluminure et l’illustration des manuscrits, tout comme Hans Baldung Grien (1484-1545), et Hans Holbein le Jeune (1498-1543), qui a également produit de nombreuses illustrations, dont «La vente d’indulgences» (1522-23), une petite gravure sur bois pour un pamphlet luthérien anti-catholique.

Illustrations du dix-huitième siècle

L’illustration du dix-huitième siècle a été grandement favorisée par le développement des journaux, dont les pages d’actualité constituaient une plate-forme idéale pour les illustrations gravées sur bois et les gravures. Les premiers journaux (en Grande-Bretagne) sont apparus à la fin du XVIIe siècle, bien que le premier quotidien britannique n’ait été publié qu’en 1710 ) The Times a été fondé en 1785 par John Walter), et le premier journal français, Journal de Paris, est apparu vers 1771. Le XVIIIe siècle voit également l’apparition de plusieurs journaux «sérieux», dont The Tatler (1709) et The Spectator (1711).

Parmi les illustrateurs du XVIIIe siècle figurent les peintres français rococo François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), qui ont illustré les Fables de La Fontaine, «Le Roland indomptable de l’Arioste», et «Don Quichotte de Cervantès». En Angleterre, la tradition a été menée par William Hogarth (1697-1764), surtout connu pour ses illustrations de magazines satiriques sur des sujets tels que «La prostituée» (1731, détruit par un incendie), «Rooks» (1735, original au Sloane Museum, Londres), et «Fashionable Marriage» (1743, original à la National Gallery, Londres).

Parmi les autres illustrateurs britanniques du XVIIIe siècle, on peut citer Henry Fuseli (1741-1825), qui a peint neuf illustrations pour «Boydell’s Shakespeare Gallery» (1786, ouvert en 1789) : Parmi les exemples, citons «Lady Macbeth marche dans son sommeil» (1784, Kunsthaus Zurich), «Titania se réveille entourée de fées» (1794, Detroit Institute of Arts) - et William Blake (1757-1827), dont la réputation repose en grande partie sur son ensemble de 21 illustrations sur cuivre de scènes du livre de Job de l’Ancien Testament. Il a également illustré le livre «Original Stories from Real Life» de la féministe Mary Walstonecraft en 1788 et «Inferno» de Dante en 1826, ne réalisant que quelques aquarelles et gravures avant sa mort. Le contemporain de Blake, le célèbre graveur sur bois Thomas Bewick (1753-1828), a également apporté une contribution notable à l’histoire de l’illustration du XVIIIe siècle avec ses célèbres livres «A General History of Quadrupeds» (1790) et «A History of British Birds» (vol. I 1797, vol. II 1804), qu’il a écrits et illustrés.

Illustrations du XIXe siècle

La prospérité industrielle du XIXe siècle a donné un nouvel élan à l’industrie de la presse. Le tirage quotidien du «Times» , par exemple, est passé de 5 000 (1815) à 50 000 (1850). Plus important encore d’un point de vue illustratif, cela a également conduit à l’émergence de nombreux périodiques destinés à un lectorat moins éduqué : des périodiques tels qu’un hebdomadaire populaire, un hebdomadaire féminin, un magazine religieux et un hebdomadaire pour enfants - l’Illustrated London News «», qui a connu un énorme succès, a été lancé en 1842, un an après le magazine humoristique britannique «Punch», lancé après le succès du «Cruikshank’s Comic Almanac» (1827-1840). Ces périodiques et magazines emploient un grand nombre d’illustrateurs de qualité.

L’illustration des magazines et des livres se développe rapidement au cours du XIXe siècle, parallèlement à la technologie de l’imprimerie. Au début du siècle, la gravure sur acier ou sur cuivre ) etching) était la principale technique. Le principal illustrateur victorien utilisant cette méthode était le caricaturiste et illustrateur politique George Cruikshank (1792-1878), qui a créé de telles feuilles pour «Oliver Twist» Dickens (1837), «Bentley’s Miscellany» (1837-1843), et «The Legend of Ingoldsby» (1840-1847).

La gravure sur acier a été progressivement remplacée par la gravure sur bois, basée sur un bloc gravé en bois dur (généralement du buis), qui pouvait ensuite être fixé directement dans la presse à imprimer avec une police de caractères en métal. (De nombreuses gravures sur bois réalisées à partir de 1850 ont été imprimées à l’aide du procédé Volta d’électrotypage). Parmi les meilleures gravures sur bois de l’époque, on peut citer les illustrations de Gustave Doré pour le livre de Douglas Jerrold «London : A Pilgrimage (1872), les illustrations révolutionnaires de John Tenniel pour les livres de Lewis Carroll «Alice’s Adventures in Wonderland» (1865) et «Alice in Looking-Glass» (1871), et les illustrations de Linley Sambourne pour le livre de Charles Kingsley «Children of Water» (1863). À partir de 1890 environ, les gravures sur bois ont été remplacées par des procédés photomécaniques par lesquels les œuvres d’art étaient transférées sur des plaques d’impression d’une manière photographique.

L’illustration en couleur est apparue à la fin du 18e siècle (avec les techniques de l’aquatinte et de la mezzotinte), mais elle a été considérablement améliorée au 19e siècle, grâce au «procédé d’impression naturelle» d’Alois Auer Naturselbstdruck, mais surtout grâce à la lithographie, une technique d’impression avancée inventée en 1798 par l’Allemand Alois Senefelder (1771-1834).

Le procédé est resté secret jusqu’en 1818, date à laquelle Alois Senefelder a publié «Un cours complet de lithographie». À la fin des années 1830, l’impression lithographique (y compris les lithographies teintées ou colorées) était largement répandue. En Angleterre, le procédé avait été perfectionné par le lithographe Charles Joseph Hallmandel. La lithographie est restée l’une des méthodes les plus populaires pour illustrer les livres jusqu’à la fin du XIXe siècle, lorsqu’elle a été supplantée par la photogravure en couleurs, une technique d’impression des photogravures qui s’inspire de l’ancienne mezzotinte et du pointillé.

Illustrateurs anglais du XIXe siècle

Parmi les illustrateurs importants du XIXe siècle en Angleterre, on peut citer : Le peintre visionnaire romantique John Martin (1789-1854), dont la plupart des peintures de paysages apocalyptiques ont été reproduites sous forme de gravures et d’illustrations de livres, ce qui lui a permis de faire fortune ; le peintre paysagiste et graveur Samuel Palmer (1805-1881), qui réalisa une série de gravures illustrant «les Eclogues» Virgile ; Edward Lear (1812-1888), connu pour ses illustrations paysagères, littéraires et absurdes ; le graveur Hablot Knight Brown (1815-1882), alias PHIZ, connu pour ses illustrations interprétatives des œuvres de Charles Dickens, notamment Pickwick, David Copperfield, Dombey and Son, Martin Chuzzlewit, et Bleak House ; les éminents graveurs sur bois George Dalziel (1815-1902) et Edward Dalziel (1817-1905), dont l’entreprise était probablement la plus grande source d’illustrations de livres victoriens en Grande-Bretagne : George commandait aussi fréquemment des illustrations pour l’ Illustrated London News ; le célèbre caricaturiste et illustrateur John Leech (1817-1864), qui a produit plus de 3 000 dessins pour le seul Punch ; le grand artiste figuratif romantique John Everett Millais (1829-1896), dont les nombreux dessins à la plume et à l’encre «Meeting at the Races», 1853, Ashmolean Museum, Oxford) l’amènent en 1857 à illustrer une édition des poèmes de Tennyson : Dans les années 1860, il fut un illustrateur prolifique, à la fois pour des magazines, notamment «Weekly», et pour des romans, en particulier ceux de Trollope ; le dessinateur et médiéviste anglais William Morris (1834-1896), partisan du mouvement «Arts and Crafts», qui, dans les dernières années de sa vie, a produit (par l’intermédiaire de sa Kelmscott Press) une édition des œuvres de Geoffrey Chaucer qui est toujours considérée comme un chef-d’œuvre de l’illustration et de la conception de livres ; Préraphaélites John William Waterhouse (1849-1917), surtout connu pour son célèbre chef-d’œuvre «Lady of Shalott» (1888), une illustration du poème d’Alfred Tennyson «Lady of Camelot».

La fin du siècle voit l’œuvre brillante du très original illustrateur anglais de l’Art nouveau Aubrey Beardsley (1872-98), surtout connu pour ses illustrations érotiques mais rares en noir et blanc. Éditeur artistique du «The Yellow Book», les dessins à la plume et à l’encre les plus connus de Beardsley comprennent ses illustrations pour «The Death of Arthur» de Malory et «Salome» d’Oscar Wilde (Bibliothèque de l’université de Princeton, New Jersey). Fortement influencées par la gravure sur bois et la silhouette, ses lignes sinueuses et l’exagération fantastique des formes naturelles ont ensuite été intégrées au langage pictural du style international Art nouveau. Après avoir quitté le «Yellow Book», Beardsley rejoint le tout nouveau «Savoy Magazine», qui publie certains de ses meilleurs dessins. Il réalise également une autre série d’illustrations pour une édition privée de «Lysistrata» d’Aristophane .

Les illustrateurs français du XIXe siècle

En France, parmi les plus grands illustrateurs du XIXe siècle, on peut citer : Le chef de file du romantisme Eugène Delacroix (1798-63), qui a exécuté un certain nombre d’illustrations lithographiées pour «Faust de Goethe» (1828) et «Hamlet de Shakespeare» (1843) ; le brillant caricaturiste et satiriste français Honoré Dumier (1808-1879), connu pour ses caricatures politiques publiées dans des revues telles que La Caricature et La Charivari, ainsi que pour un grand nombre d’illustrations lithographiques sur des thèmes sociaux, politiques et mythologiques ; l’illustrateur, peintre et sculpteur Gustave Doré (1832-1883), connu pour ses éditions illustrées de classiques littéraires tels que «Inferno» Dante (1861) et «Don Quichotte» (1862), ainsi que pour ses représentations de la pauvreté londonienne dans les années 1860 ; l’imprimeur et affichiste Jules Chéret (1836-1932), qui a développé une forme moins coûteuse de lithographie en couleurs et, ce faisant, l’affiche publicitaire lithographique ; l’artiste suisse Théophile Steinlen (1859-1923), auteur de l’immortelle affiche «Cabaret Du Chat Noir» ; l’artiste parisien tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) archétype du dessinateur de l’Art nouveau - surtout connu pour son affiche de théâtre Sarah Bernhardt dans «Gismond» - qui insuffla une nouvelle esthétique aux arts décoratifs de la Belle Epoque ; le grand peintre post-impressionniste Toulouse-Lautrec (1864-1901), connu pour ses affiches lithographiques. En outre, Les Nabis, un groupe d’artistes parisiens comprenant Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Sérusier (1864-1927), Maurice Denis (1870-1943), Paul Ranson (1862-1909) et Henri Ibels (1867-1936), ont produit des œuvres novatrices dans les domaines de l’illustration, de l’affiche et des arts décoratifs. Parmi les autres affichistes français de l’Art nouveau, citons Georges de Fer et Albert Guillaume (1873-1942).

Illustrations américaines du XIXe siècle

Le déclenchement de la guerre de Sécession a entraîné une demande immédiate de la part du public pour des illustrations de manœuvres militaires et de batailles, ainsi que pour des portraits d’hommes politiques et de chefs militaires opposés. En réponse, des publications américaines telles que Leslie’s Illustrated News, Harper’s Weekly, et New York Illustrated News, ont investi massivement dans des artistes-reporters tels que Theodore R. Davis, Edward Forbes, Winslow Homer et Alfred Waugh, dont certains ont continué à produire des illustrations pour le magazine The Century dans les années 1880. Parmi les autres premiers illustrateurs américains, citons Charles Reinhart, John White Alexander, A.B. Frost et Edwin Austin Abbey. À partir de ce moment, les illustrations joueront un rôle de plus en plus important dans l’édition, à côté du texte écrit.

Bien que l’Amérique devienne rapidement un centre industriel, ses illustrateurs commerciaux restent ouverts à l’influence de collègues britanniques comme Arthur Boyd Houghton, Charles Kean, John Everett Millais, George John Pinwell, Frederick Sandys et Fred Walker, ainsi qu’à celle d’illustrateurs continentaux comme J. L.E. Meissonier et Gustave Doré en France, Daniel Vierge en Espagne et Adolf Menzel en Allemagne, tous maîtres du dessin à la plume et à l’encre.

Dans les années 1880 et 1890, l’imprimerie a connu une avancée majeure qui a permis de reproduire fidèlement les dessins à la plume. Cette avancée a été suivie par l’invention de l’impression en demi-teinte, une méthode radicalement nouvelle de traduction des images tonales, qui a permis une reproduction beaucoup plus précise de la peinture, et par un nouveau procédé d’impression chromolithographique, capable d’imprimer des couleurs encore plus tôt que le procédé en demi-teinte. Le processus d’impression lui-même est devenu plus rapide et moins coûteux grâce à l’apparition de nouvelles presses rotatives à grande vitesse. Grâce à tout cela, les éditeurs ont pu imprimer des images plus nombreuses et plus belles, ce qui a permis d’attirer davantage de lecteurs.

Les premières bandes dessinées font également leur apparition. En 1900, la liste des illustrateurs américains importants comprenait Robert Blum, William H. Bradley - connu sous le nom de «Beardsley américain» - qui s’est fait une réputation dans la conception d’affiches, A. B. Frost, William Glackens, Jules Guerin, Arthur E. Keller, George Loucks, Eric Pape, Edward Penfield - un pionnier de l’art de l’affiche en Amérique, Howard Pyle, Ethel Reed, Frederic Remington, Reiterdahl, Everett Shinn, A. B. Wenzel et Zogbaum. Certains avaient reçu une éducation française, mais presque tous étaient au courant des principaux développements européens dans l’art de l’illustration, en particulier l’explosion de l’art de l’affiche, défendue par les affichistes français Toulouse-Lautrec, Jules Chéret et Alphonse Mucha, ainsi que par les Britanniques «Beggerstaff Brothers» et Aubrey Beardsley (le nom de famille est parfois traduit par Beardsley).

Histoire de l’illustration du XXe siècle en Europe

Faute de l’immense marché américain des magazines, journaux et bandes dessinées, l’illustration européenne se développe généralement dans des domaines plus spécialisés des arts graphiques, tels que les affiches, les livres pour enfants et autres niches. Elle reste cependant une source de revenus importante pour un grand nombre d’artistes, de graphistes et de designers européens.

L’illustration de livres en Europe

Parmi les illustrateurs britanniques de livres pour enfants du XXe siècle, on peut citer Walter Crane (1845-1915), qui devint directeur du Royal College of Art (1898-99) ; Beatrix Potter (1866-1943), créatrice des personnages Peter Rabbit, Jeremy Fisher, Jemima Puddle-Duck, Mrs Tiggy-Winkle et d’autres ; Arthur Rackham (1867-1939), connu pour des œuvres telles que Contes de fées des frères Grimm (1900), Siegfried et le crépuscule des dieux (1911), The Romance of King Arthur and his Knights of the Round Table (1917) ; Edmund Dulac (1882-1953), artiste britannique né en France et surtout connu pour ses illustrations de contes de fées et de sujets légendaires ; et plus tard Raymond Briggs (né en 1934). 1934). 1934) Dessinateur humoristique du 20e siècle, artiste graphique et auteur de «Le Bonhomme de neige».

Autres illustrateurs de livres européens du XXe siècle : L’artiste tchèque Frank Kupka (1871-1957), qui a illustré «L’homme et la terre» Elisea Reclue (1904-6), «Brinns» Lecomte de Lisle , «Lysistrata» Aristophane et «Prométhée» Eschyle (1905-9) ; le graphiste français Raoul Dufy (1877-1953), qui a réalisé plusieurs types de dessins artistiques pour des couturiers tels que Bianchini-Ferrier et Paul Poiret, ainsi que des illustrations pour les poèmes d’Apollinaire, organisées par Daniel-Henrich Kahnweiler ; le génie biélorusse Marc Chagall (1887-1985), chargé par le collectionneur Ambroise Vollard d’illustrer «Les âmes mortes de Gogol» (publié en 1948), «Les fables de La Fontaine» (1952) et la Bible (1956) ; les artistes gestalistes du groupe «Cobra» Asger Jorn (1914-1973) et Karel Appel (1921-2006), qui ont tous deux expérimenté l’illustration de livres ; le dessinateur britannique David Hockney (né. 1937), connu notamment pour un ensemble de 16 gravures représentant une version autobiographique moderne du «» Rake’s Progress» de Hogarth , ainsi que pour ses travaux lithographiques et ses illustrations pour «Six contes de Grimm».

L’art européen de l’affiche (1900-20)

Après le déclin de l’Art nouveau, l’affichiste italien Leonetto Cappiello (1875-1942) est le premier à comprendre la nécessité d’un impact visuel immédiat et acquiert rapidement la réputation de père de la publicité moderne. (Voir aussi l’affiche d’Alfred Leete de 1914 montrant Lord Kitchener pointant du doigt le spectateur, avec la légende «Votre pays a besoin de vous»).

L’affiche allemande a été fortement influencée par Ludwig Holwein, qui a éliminé tous les éléments graphiques non essentiels. Son contemporain, l’abstractionniste Lucian Bernhard, a inventé le Plakatstil allemand, un style d’art de l’affiche caractérisé par des lignes épurées, un naturalisme minimal, des couleurs plates et une structure précise, illustré par son Sachplakat Affiche (1906) pour les allumettes Preister. Un autre illustrateur allemand talentueux est Max Slevogt (1868-1932), connu pour ses dessins humoristiques dans le «Jugendstil» et d’autres images de contes de fées. L’art de l’affiche italienne - développé à l’origine pour la publicité de l’opéra - a été incarné par l’artiste allemand de l’Art nouveau Adolfo Hohenstein (1854-1928) et son meilleur élève Leopoldo Metlicovitz (1868-1944). Le meilleur élève de Metlicovitz fut Marcello Dudovic (1878-1962), qui retravailla l’Art nouveau (connu en Italie sous le nom de Stile Liberty) dans un style plus moderne.

Après l’Art nouveau et le fonctionnalisme du début du XXe siècle, le style international suivant en matière d’art de l’affiche est l’Art déco (vers 1925-40), qui reflète bien la nouvelle ère technologique. Les affichistes de l’Art déco comprennent Fernand Léger (1881-1955), Amedy Ozenfant (1886-1966), Herbert Mutter et l’artiste franco-ukrainien Adolphe Muron Cassandre (1901-1968), tous connus pour leurs affiches touristiques en photomontage.

Dans le même temps, la Suisse devient rapidement un centre important pour les arts graphiques. Les figures clés du design suisse sont les premiers maîtres de l’Art nouveau, Théophile Steinlen et Eugène Grasset (1845-1917), Emile Cardino (célèbre pour son affiche touristique du Cervin «de 1908), et un groupe plus jeune de designers suisses - influencés par l’imagerie du Constructivisme, De Stijl et de l’école de design du Bauhaus . Sous la direction d’Ernst Keller, ce groupe a développé l’important style typographique international après la Seconde Guerre mondiale . À partir des années 1960, l’invention de la lithographie offset, ainsi que des techniques de photographie et d’impression plus sophistiquées, ont stimulé l’émergence d’un vaste marché pour les «affiches d’art», en particulier la reproduction d’œuvres d’artistes européens connus ainsi que de modernistes tels que Jack Vettriano (né en 1951). Pour plus de détails, voir Histoire de l’art de l’affiche .

Histoire de l’illustration américaine du XXe siècle

L’illustration commerciale américaine dominera le nouveau siècle, notamment en raison de la puissance de l’industrie de l’édition et de l’imprimerie. L’introduction de la typographie en quadrichromie permet de reproduire fidèlement une image en couleur. Désormais, les illustrateurs peuvent recevoir leurs dessins et peintures tels qu’ils ont été créés.

Rapidement, des publications telles que Harper’s Weekly, McClure’s, Scribner’s, et The Century commencent à employer les meilleurs artistes américains en tant qu’illustrateurs freelance. De nouvelles publications apparaissent, dont Saturday Evening Post, Collier’s Weekly, American Magazine, McCall’s, Peterson’s, Woman’s Home Companion, Metropolitan, Outing, The Delineator, All-Story Magazine, Vogue et autres, ce qui a entraîné une augmentation considérable des opportunités pour les illustrateurs, même si cela n’a pas empêché l’utilisation d’appareils permettant d’économiser de la main-d’œuvre, tels que les caméras, les baloptikans et les pantographes. Parmi les jeunes illustrateurs talentueux de cette époque figurent Stanley Arthurs, Harvey Dunn, Edward Hopper, Frank Schoonover et N.C. Wyeth, ainsi que des femmes artistes de premier plan telles que Elizabeth Shippen Green, Violet Oakley, Jessie Willcox Smith, Sarah S. Stillwell et Ellen Thompson.

La Première Guerre mondiale a entraîné une augmentation de la demande d’affiches et de panneaux d’affichage, ainsi que de représentations de combats. Huit grands illustrateurs, dont W. J. Aylward, Walter Jack Duncan, Harvey Dunn, Wallace Morgan, Ernest Peixotto et Harry Townsend, furent envoyés sur le front occidental pour créer des peintures et des dessins (aujourd’hui conservés à la Smithsonian Institution) afin d’informer le public et d’encourager le soutien à l’effort de guerre. Voir aussi la célèbre affiche de recrutement de l’armée de 1917 de James Montgomery Flagg, montrant l’Oncle Sam pointant directement le spectateur et lui ressemblant L’affiche de Moore «Avez-vous signé pour vous porter volontaire?» . (Parmi les célèbres affiches de propagande américaines de la Seconde Guerre mondiale figurent également «Rosie the Riveter» de Norman Rockwell).

Le boom de l’après-guerre dans les années 1920 en Amérique a entraîné une demande encore plus forte d’images commerciales, de graphismes publicitaires et d’illustrations littéraires pour accompagner les séries de romans publiés dans les magazines par des auteurs tels que F. Scott Fitzgerald et Ernest Hemingway. Des illustrateurs littéraires tels que Walter Biggs, Charles Chambers, Dean Cornwell et James Montgomery Flagg sont devenus des célébrités. Pendant ce temps, Norman Rockwell (1894-1978), dont le créneau était la couverture du Saturday Evening Post, devenait rapidement célèbre dans l’art américain, avec ses peintures nostalgiques et sentimentales d’une époque révolue. Les années 1920 voient l’essor de nouveaux périodiques, dont The New Yorker, Vanity Fair, Smart Set, et College Humor, qui engagent tous de nouveaux artistes pour illustrer leur contenu.

En revanche, les années 1930 sont une période sombre de dépression et de récession. De nombreux illustrateurs sont licenciés et des publications ferment (à l’exception du magazine Fortune publié en 1930 et du magazine Esquire publié en 1933), et les photographies commencent à remplacer les images dessinées à la main. Le seul point positif est l’augmentation de la demande de peintures et de dessins pour illustrer les romans en fascicules, un genre qui attire des illustrateurs en herbe comme Walter Baumhofer, Emery Clark, John Clymer, John Falter, Robert G. Harris, Tom Lavelle et Amos Sewell, ainsi que des illustrateurs confirmés comme Robert Graefe, John Newton Howitt, George Rosen et Herbert Morton Stoops.

Les années 1940 ouvrent de nouvelles perspectives à l’illustration. Pendant la guerre, elles comprennent des images publicitaires pour des produits militaires et des illustrations de magazines destinées aux épouses et petites amies des militaires en service actif à l’étranger. Après la guerre, la demande de graphismes publicitaires, d’images pour les magasins de détail et d’illustrations de magazines a augmenté de façon spectaculaire. Le baby-boom de l’après-guerre a également entraîné une augmentation de la demande de livres illustrés pour enfants. Parmi les principaux illustrateurs américains de l’époque, citons John Gunnam, John Falter, Robert Fawcett et Haddon Sandblom.

Les années 1950 se sont révélées être une décennie charnière pour les illustrateurs américains. Tout commence bien, avec une forte demande pour toutes sortes de travaux, en particulier dans le domaine de la publicité et du marketing. Malheureusement, l’avènement de la télévision a entraîné une réduction significative de la publicité dans les magazines et, par conséquent, une diminution du nombre de pages illustrées. L’édition a commencé à utiliser davantage la photographie pour plus de réalisme, ce qui a également entraîné une baisse de la demande de travaux d’illustration.

Les couleurs plus vives et les thèmes plus audacieux n’ont pas réussi à enrayer le déclin et de nombreux magazines ont fait faillite. Néanmoins, les années 1960 ont été marquées par une mini renaissance de l’illustration, avec une nouvelle demande de couvertures d’albums de musique, d’affiches musicales et de bandes dessinées. (Le mouvement des affiches musicales s’est étendu au marketing et au merchandising avec des affiches d’albums gratuites et des affiches de concerts promotionnelles. La demande pour cette forme d’art visuel fait écho à une demande antérieure pour des affiches anciennes à la fin du 19e siècle). En outre, la popularité croissante des romans de poche (Penguin Books, Pocket Books, Bantam Books) a créé un marché difficile pour les couvertures attrayantes.

Parmi les praticiens de cette forme précise d’illustration littéraire sous forme d’affiche, citons James Avati, James Bama et Stanley Meltzoff. La fin des années 1950 a également vu l’émergence d’artistes notables tels que Andy Warhol (1928-1987) et Roy Lichtenstein (1923-1997), qui ont commencé à s’essayer au graphisme commercial - y compris la caricature et les techniques de sérigraphie - avant de devenir des figures majeures du marché du Pop Art dans les années 1960. Warhol, par exemple, a étudié la peinture et le design au Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh (1945-49) et a ensuite créé des illustrations pour des publicités de chaussures, des couvertures d’albums et des illustrations littéraires pour les œuvres de Truman Capote. Pour plus de détails, voir Le Pop Art d’Andy Warhol des années soixante et soixante-dix.

Dans les années 1970 et 1980, le marché commercial de l’art aux États-Unis s’est scindé en un grand nombre de segments plus spécialisés, dont l’animation et le cinéma, les jeux vidéo, la musique, l’illustration de livres, le dessin de mode, les livres de poche «, l’épée et la sorcellerie», les bandes dessinées de journaux, les caricatures politiques et d’autres. C’est la dernière décennie au cours de laquelle l’illustration n’a pas été touchée par la révolution informatique.

En revanche, l’illustration a été bouleversée dans les années 1990 par l’adoption généralisée de systèmes informatiques et de méthodes informatisées de création, d’édition, de duplication et de transmission d’images. L’art de l’illustration est devenu une technique de traitement de l’image, car de plus en plus d’artistes commerciaux ont créé des peintures professionnelles sans avoir suivi de formation artistique traditionnelle ou sans savoir dessiner.

De plus en plus d’illustrateurs professionnels ont été remplacés par des novices maîtrisant des programmes graphiques tels que Adobe Illustrator, Photoshop, CorelDRAW, et les tablettes Wacom, Kai’s Power Tools . Parallèlement, ce type d’art numérique est combiné à des méthodes plus traditionnelles. Par exemple, l’illustration fusionnelle est une forme mixte d’art plastique et commercial qui incorpore l’illustration, la conception graphique, la typographie et la photographie. En outre, la grande popularité des genres de la science-fiction et du fantastique (livres, jeux, affiches, produits) a créé un genre entièrement nouveau qui nécessite à la fois des compétences en beaux-arts et des compétences numériques.