Peinture irlandaise:
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18ème siècle

La peinture et la sculpture en Irlande ont traditionnellement joué un rôle inférieur à la littérature et à la musique pour diverses raisons. La langue, les chants et les mots écrits sont de plus en plus prisés de la société irlandaise depuis le Moyen Âge, et les troubles naissants, la pauvreté et la guerre qui sévissent depuis le XVIe siècle ont rendu difficile le maintien d’une solide tradition des beaux-arts. En raison de ce manque de ressources et de mécénat, les œuvres de Art irlandais les survivants de la période antérieure à 1800 reflètent généralement la vision du monde des classes terriennes anglo-irlandaises.

Paysage et portrait irlandais

Les ressources financières nécessaires au fonctionnement des studios et à l’achat de matériel d’artiste n’étaient accessibles qu’aux nouveaux propriétaires terriens des 17e et 18e siècles en Irlande. Il n’est donc pas surprenant de constater qu’une grande partie de la peinture de paysage de cette époque sont essentiellement des vues topographiques et cartographiques des domaines et des maisons de cette aristocratie, offrant généralement des vues sur des jardins à la française et des paysages agréables. Un exemple typique est Nathaniel Grogan ’s’ View of Cork ’, peint au milieu du XVIIIe siècle. Il commémore la transformation de l’ancien monastère irlandais en une ville moderne et commerçante.

Alors le arts visuels en Irlande occupait un créneau étroit dans la société, bien que ce soit en réalité un créneau assez semblable à celui de la peinture et de la sculpture en Angleterre, où la mode consistant à avoir des peintures plutôt que des tapisseries prenait trop de temps à s’enraciner et où la Réforme du XVe siècle avait pratiquement effacé le tradition des arts visuels datant du moyen âge. En Angleterre, comme dans de nombreux pays de la Renaissance nordique (comme la Flandre et la Hollande), portrait d’art avait remplacé la peinture religieuse en tant que premier genre et le paysage n’avait pas encore atteint sa pleine floraison. De même en Irlande, où la vue topographique du manoir et des jardins – type de commission standard pour Paysagistes irlandais – a été progressivement déplacé par des portraits du Squire et de sa famille peints à la manière de Van Dyke ou de ses disciples.

Peinture d’histoire

Comme en Angleterre, peinture d’histoire était plus rare et en grande partie évitée par les artistes irlandais, sauf James Barry (1741-1806), l’un des plus grands Artistes irlandais du XVIIIe siècle, qui a passé la plus grande partie de sa vie à Londres.

Barry a développé l’art de la peinture d’histoire narrative (la plus haute forme de Art de la Renaissance en Italie), inspiré par sa visite à Rome et encouragé par l’étonnant succès de l’artiste dérivé américain à la mode Benjamin West (1738-1820) à Londres, qui a secoué les partisans traditionnels de art académique quand il peint la "Mort de Wolfe" (1771) dans des vêtements contemporains plutôt que classiques. James Barry a également été encouragé par le succès d’un autre Américain John Singleton Copley (le fils des immigrants irlandais), dont la peinture de 1778 ’Brooke Watson and The Shark’ a également innové dans la peinture d’histoire (les traditionalistes le détestaient pour son manque de gravitas) et a attiré une énorme attention.

Cependant, James Barry était de nature plus individualiste et sa carrière à Londres en a souffert. Non seulement il s’est brouillé avec son ancien patron, Edmund Burke, mais il a aussi fustigé Joshua Reynolds Président du Académie royale (RA) et a été dûment expulsé de la RA à la suite. Malgré cela, ses peintures murales pour la Royal Society of Arts constituent la plus grande série de tableaux exécutés dans le «grand style» de la peinture d’histoire en Grande-Bretagne au XVIIIe siècle.

Deux décennies plus tard, un autre artiste de Cork, Daniel Maclise (1806-1870) déménage à Londres. Maclise a été l’un des premiers diplômés de la Cork School of Art (maintenant la École d’art et de design Crawford) qui fut fondé en 1819. Très tôt, il se fit une réputation de portraitiste et s’installa dans la capitale anglaise en 1827. Intensément ambitieux, son objectif – à l’instar de James Barry – était d’être un grand peintre d’histoire et sa carrière couronnée de succès dans ses grandes décorations murales peintes dans les chambres du Parlement dans les années 1860. Homme sociable et charmant, les peintures historiques de Maclise se caractérisent par une attention méticuleuse portée aux détails d’époque dans les vêtements et l’architecture.

Récession d’après-guerre au 19ème siècle

En fait, les carrières de Grogan, Barry et Maclise (et de nombreux autres artistes européens) ont été considérablement affectées par la guerre d’indépendance américaine et les guerres napoléoniennes suivantes sur le continent. Les grandes commissions de Maclise pour les Chambres du Parlement étaient «La réunion de Wellington et Blucher à Waterloo» (1861) et «La mort de Nelson» (1864). En Irlande, comme en Angleterre, une récession a suivi la victoire de Waterloo, principalement à cause des lourdes taxes imposées par le gouvernement pour aider à payer les dettes contractées par 20 ans de guerre. De nombreuses entreprises manufacturières anglaises et des agriculteurs irlandais – qui s’étaient tous deux enrichis en fournissant l’effort militaire, en ont souffert financièrement et le mécénat artistique a décliné dans les deux pays.

Éducation artistique

Pour aider à atténuer la situation, un système élaboré d’écoles de conception gouvernementales (par opposition à beaux arts) a été déployée à partir des années 1830. L’objectif principal de ces écoles de design était d’enseigner le dessin industriel aux ouvriers et artisans afin d’améliorer la qualité des produits manufacturés en Grande-Bretagne. En Irlande, la mise en œuvre de cette initiative éducative était entravée par une controverse administrative entre le gouvernement britannique et le gouvernement britannique. Royal Dublin Society.

Parallèlement, un certain nombre de sociétés d’art philanthropique ont été créées dans diverses villes de Grande-Bretagne et d’Irlande à la fin du 18ème et au début du 19ème siècle, afin d’élever le niveau de "goût" dans la société et d’améliorer également les compétences des artisans et artistes. En raison de conflits pratiques entre membres et fondateurs, la plupart n’ont pas survécu très longtemps. Un Irlandais qui est resté attaché à l’amélioration de la société par le biais de l’enseignement de l’art et du design pour les classes populaires et les classes moyennes James Brenan (1837-1907) – directeur de la Cork School of Art (1860-1889), puis chef jusqu’en 1894, directeur de la Metropolitan School of Art de Dublin (aujourd’hui la Collège national d’art et de design).

La famine

En tout état de cause, à une ou deux exceptions près, le histoire de l’art irlandais Au cours des quarante premières années du XIXe siècle, aucune amélioration significative de la culture visuelle n’a été constatée en Irlande. En effet, dès 1840, la plupart des personnes impliquées dans l’éducation artistique ou dans l’administration – et de nombreux autres domaines d’ailleurs – soupçonnaient fortement que l’Acte d’Union qui réunissait la Grande-Bretagne et l’Irlande en 1800 bénéficiait davantage à la Grande-Bretagne qu’à l’Irlande. Cette suspicion s’est confirmée dans les années tragiques qui ont suivi 1845, lorsque la famine généralisée a dévasté et bouleversé des millions d’Irlandais, en particulier dans l’ouest de l’Irlande. Les gens étaient totalement dépendants d’une culture, la pomme de terre: quand la récolte a échoué, comme cela a été fait à plusieurs reprises, ils moururent de faim. En conséquence, la population irlandaise a été réduite de moitié, passant de 8 millions à 4 millions.

Étrangement, cette tragédie est commémorée dans peu de peintures ou de sculptures de cette période. Parmi les artistes qui se sont concentrés sur la tragédie, il y avait l’artiste de Cork Daniel MacDonald – dont la photo ’La famille paysanne irlandaise à la découverte du fléau de leur magasin’ fait partie d’un petit nombre d’œuvres montrant une scène réelle de la famine – et James Mahony, aquarelliste et illustrateur né à Cork, engagé par Illustrated London News pour visiter certains des pires centres de famine du West Cork. Les gravures des croquis de Mahony dans Clonakilty et Skibbereen ont contribué à amener l’opinion publique à agir auprès du gouvernement britannique. Un exemple plus moderne est l’artiste contemporaine Alanna O’Kelly, qui, dans son installation photographique "Le pays fleurit, un jardin et une tombe", a confronté les réalités de la famine et son impact sur la société irlandaise.

Renaissance des arts celtiques

Pendant l’ère de la fin Art victorien, une forte tendance à l’historicisation a commencé à apparaître dans les œuvres d’artistes irlandais. Beaucoup de gens pensaient qu’en incorporant certains des motifs utilisés pendant l’âge d’or des manuscrits enluminés, un nouvel art «national» pourrait être créé. Cette notion a été reflétée dans le Renaissance des arts et de l’artisanat celtique en Angleterre, qui a également vu dans l’ère médiévale la clé de la résolution des maux contemporains. Cependant, à quelques exceptions près, le résultat de la greffe de motifs entrelacés celtiques et romans sur les arts décoratifs et les beaux-arts ne pouvait être qualifié que de kitsch. La chapelle Honan, à Cork, constituait une exception, dans laquelle des textiles et l’architecture en verre teinté de mosaïque étaient réunis dans un chef-d’œuvre byzantin, avec des nuances d’arts orthodoxes russes et grecs, ainsi que des images celtiques.

Développement moderne de la peinture irlandaise (à partir de 1850)

À partir de la fin du XIXe siècle, une nouvelle génération de Artistes irlandais a commencé à émerger. Généralement, ces artistes ont cherché en dehors de l’Irlande à la fois leur formation et leur carrière. Les exemples comprennent Frank O’Meara, Walter Frederick Osborne, Henry Jones Thaddeus, Roderic O’Conor et William John Leech, qui ont tous développé leur peinture en plein air en France, alors que William Orpen fait sa carrière à Londres.

Peu à peu, deux développements se sont produits. Tout d’abord, certains peintres émigrés, comme Paul Henry et Richard Moynan ont commencé à retourner exercer leur art en Irlande. Deuxièmement, une autre génération d’artistes enseignés à Dublin, tels que Sean Keating et Maurice MacGonigal, a commencé à émerger qui n’étaient pas intéressés à vivre à l’étranger. Ces deux groupes ont constitué le noyau éducatif et inspirant des générations futures de artistes irlandais du XXe siècle. Au cours de ce processus, le groupe de peintres autochtones a commencé à rechercher un style d’art "irlandais", une quête qui a mené à des conflits avec leurs compatriotes plus orientés vers "l’international" et à un débat permanent sur la meilleure direction à suivre pour la peinture irlandaise au XXe siècle. siècle.

Vers un style d’art irlandais (1870-1960)

Le débat sur la création d’un Style de peinture irlandais au 20ème siècle ce qui exprimerait en quelque sorte le "caractère de la nation irlandaise" qui a fait rage pendant des années et a conduit à de forts désaccords au sein de la communauté artistique irlandaise. En termes simples, le désaccord se situait entre les artistes qui étaient plus tournés vers eux-mêmes, convaincus que la clé de l’avenir se trouvait au sein même de l’île d’Irlande (qui préférait une style de représentation de l’art) et ceux qui étaient tournés vers l’extérieur et estimaient que l’art irlandais bénéficierait des développements émergents en Europe. Pour des raisons politiques et sociales, le groupe insulaire avait tendance à inclure davantage de peintres et de sculpteurs d’origine catholique conservatrice, tandis que les internationalistes avaient tendance à attirer un fort groupe de protestants de la classe moyenne. Il s’agit là d’une simplification excessive, dans la mesure où de nombreux artistes (comme Paul Henry) qui ont commencé leur carrière en étudiant l’art sur le continent ou à Londres ont adopté par la suite une attitude de plus en plus insulaire envers l’art et la nationalité. Même ainsi, le point de vue plus nationaliste n’était pas mieux servi par des artistes qui tenaient fermement aux idées arrêtées de ce que leur pays devrait représenter. Les meilleurs travaux de Paul Henry (1876-1958), Maurice MacGonigal (1900-1979) et Sean Keating (1889-1977) ont été réalisés lorsqu’ils étaient plus jeunes, plus idéalistes et ambitieux. Leurs œuvres ultérieures manquent parfois d’inspiration, en raison peut-être de l’isolement culturel général de l’Irlande, en particulier dans les années trente.

Paradoxalement, malgré le dévouement de l’Irlande au christianisme en général et au catholicisme en particulier, une quantité relativement réduite de ses peintures pourrait être classée comme " Art chrétien ".

Parmi les artistes les plus internationaux de la première partie de cette période, figuraient Nathaniel aiguiser le plus jeune (1831-1917), John Butler Yeats (1839-1922), George Russell (1867-1935) et Walter Osborne (1859-1903), dont le style impressionniste était commun à de nombreux artistes ayant étudié à Anvers ou à Paris dans les années 1880. Edith Somerville (1858-1949) et William Gerard Barry (1864-1941). La plupart d’entre eux, issus de milieux protestants relativement aisés et où la culture était très valorisée, se sont rendus facilement à Londres, Paris, Anvers, Düsseldorf et Vienne. D’autres, comme les portraitistes William Orpen (1878-1931) et John Lavery (1856-1941) ont choisi Londres. Hugh Lane, fils d’un recteur de l’Église d’Irlande à Cork, est devenu un marchand d’art réputé à Londres et a organisé de nombreuses expositions à Dublin, dont une en 1904, qui comprenait les œuvres de nombreux artistes français modernes. Malgré tout, les œuvres que Lane considérait comme «modernes» en 1904 étaient, selon les normes françaises, obsolètes de plusieurs décennies, avec Picasso et Braque expérimentant de nouvelles formes d’art à Paris au cours de la même année. Néanmoins, Hugh Lane contribua beaucoup à élargir les horizons culturels irlandais et tenta de promouvoir sa propre version d’une école d’art nationale. (Remarque: pour une interprétation des œuvres modernes, voir: Analyse de peintures modernes : 1800-2000.)

Art abstrait irlandais ancien

La théorie et la pratique de Cubisme arrivé en Irlande avec la permission de Mary Swanzy, Mainie Jellett (1897-1944) et Evie Hone (1894-1955), qui ont tous étudié art abstrait en France – d’abord sous André Lhote (1885-1962), puis plus tard sous Albert Gleizes (1881-1953). Après cela, ils sont retournés en Irlande et ont continué à développer un style de cubisme synthétique plutôt sévère et théorique sur lequel ils ont greffé une sensibilité spirituelle profondément ressentie. Hone et particulièrement Jellett eurent un impact significatif sur le monde de l’art irlandais dans les années 1920. Cet impact était dû tant à la promotion des expositions de la Society of Dublin Painters qu’à leurs propres peintures. Selon les normes continentales, ces expositions n’étaient pas très avant-gardistes, mais elles constituaient une alternative précieuse aux expositions annuelles plus prestigieuses mais très conservatrices de la Académie royale hibernienne (RHA). Le gouffre qui existait entre ces deux camps dans le monde confiné de Dublin dans les années 1920 est représenté par le beau portrait académique «The Fiddler» de Leo Whelan et «Composition» de Mainie Jellett. Patrick Hennessy de Cork a rejoint la société Jellett dans les années 1940, mais son style ne peut pas être catégorisé comme étant totalement abstrait, plutôt comme une maison de transition entre le photoréalisme et le réalisme magique.

Exposition irlandaise d’art vivant

Un autre peintre irlandais expérimenté avec le cubisme était le brillant jeune artiste, Louis le Brocquy, qui venait aussi d’un milieu très cultivé. Avec Mainie Jellett, Evie Hone, le père Jack Hanlon, Norah McGuinness, Margaret Clarke, Elizabeth Curran, Ralph Cusack et Laurence Campbell, Le Brocquy a fondé le Exposition irlandaise d’art vivant (IELA) , en 1943. À l’instar de la Society of Dublin Painters, l’IELA était une association opposée au conservatisme traditionnel de la RHA. Cependant, contrairement à Jellett, le style artistique de Le Brocquy a traversé de nombreuses phases distinctes, atteignant un haut degré de sophistication. L’affaire amoureuse de Le Brocquy avec la France l’unit à un siècle d’artistes irlandais, de même qu’un autre peintre contemporain accompli, William Crozier (b.1930). Une réaction à son environnement peut être détectée dans presque toutes les œuvres de Crozier, notamment dans ses riches paysages colorés de West Cork et dans ses dessins à l’encre sombre et presque sombre du Hampshire.

Thèmes de l’art irlandais contemporain

À la fin des années 1960, un thème manifeste de l’héroïsme a commencé à émerger dans les beaux-arts irlandais. L’artiste de Dublin, Louis le Brocquy, a illustré cette tendance en utilisant des personnages historiques et héroïques du passé historique et littéraire de l’Irlande, à l’instar de Robert Ballagh avec sa série de portraits irlandais républicains. Les ennuis n’ont fait que renforcer cette prise de conscience de l’identité nationale. Des artistes tels que David Crone, Rita Duffy, Dermot Seymour ont décrit leurs réactions face à la présence militaire dans les villes et les campagnes d’Irlande du Nord, tandis que James Hanley a doté ses peintures d’une iconographie tirée de l’histoire de l’Église et de l’Irlande. Sculpture irlandaise aussi, est devenu un exutoire d’expression politique.

À la fin des années 1970, le choc artistique a évolué vers le cynisme avec Micheal Farrell Madonna Irlanda (sous-titre: La toute première image politique irlandaise) (1977), qui présentait l’image d’une Irlande prostituée corrompue par la partition persistante et un sentiment de subordination culturelle, voire nationale. On peut soutenir que tout cela était une continuation moderne des efforts antérieurs de Jack B. Yeats, au cours de la première moitié du XXe siècle, pour soutenir la fierté nationale et culturelle de l’Irlande.

Quand on étudie l’irlandais art au cours de la période (de 1965 à 1990), il convient de noter l’interaction complexe des influences et des motivations au sein de la communauté artistique. L’influence cosmopolite implique-t-elle une infériorité ou une force culturelle locale? Un artiste véritablement irlandais peut-il se permettre de se détourner de la thématique irlandaise ou de voir les problèmes d’un point de vue irlandais? Si un peintre suit les traces de William Orpen et d’autres, et construit une carrière prospère à Londres, en Europe ou aux États-Unis, cela équivaut-il à vendre tout son héritage celtique ou républicain? Ce sont des questions d’actualité qui continuent à être débattues par les peintres, les sculpteurs et les représentants contemporains des arts visuels dans 32 comtés de Leinster, Munster, Connacht et Ulster.

Heureusement, étant donné la faiblesse économique qui sévit depuis si longtemps contre l’Irlande et qui a directement porté atteinte à sa peinture et à sa sculpture, la récente phase de prospérité du pays a permis une multiplication sans précédent des possibilités offertes par les arts visuels et a considérablement renforcé la confiance dans la culture et l’identité irlandaises. Une autre question est de savoir si cette prospérité matérielle accrue continuera de profiter à l’art irlandais ou conduira à un déclin spirituel et artistique. (Pour une vue sur les meilleurs peintres contemporains d’Irlande, voir: Meilleurs artistes irlandais.)

Identité de l’art irlandais

Le développement des beaux-arts irlandais n’a pas été un processus sans heurt au cours du XXe siècle. Après 25 ans de troubles politiques, un nouvel État irlandais a émergé avant de sombrer dans l’isolement au cours des années 1930 et 1940. La dépression de l’après-guerre a suivi, signifiant que ce n’est que dans les années 1960 que l’Irlande a commencé à renforcer sa confiance en tant que nation – un processus qui a largement échoué à cause des troubles politiques dans le Nord. C’est dans cette camisole de force politique que les artistes ont cherché à développer un style de peinture et de sculpture uniquement irlandais.

Les limites attachées à cette recherche d’une identité artistique sont évidentes. Comme leurs prédécesseurs, Walter Osborne, William Orpen, John Lavery et Roderic O’Conor (1860-1940), les artistes Tony O’Malley (1913-2003), Barrie Cooke (b.1931) et William Crozier en sont des exemples. O’Malley, du comté de Kilkenny, a passé ses années les plus formatrices en tant qu’artiste à St Ives, dans le sud-ouest de l’Angleterre. Il était considéré comme l’un des artistes contemporains les plus importants d’Irlande. Cependant, toute critique de son travail doit prendre en compte l’influence de Peter Lanyon, Ben Nicholson et d’autres artistes à Cornwall qu’il a bien connus. De même, aucune appréciation de Barrie Cooke, dont les peintures incarnent une réponse contemporaine aux paysages distinctifs irlandais du Burren et des rivières et des lacs des Midlands, ne serait complète sans tenir compte de sa formation à Harvard et à Mainie avant son déménagement en Angleterre. Irlande. Né en Écosse, William Crozier est un autre défi complexe aux hypothèses de race, de nationalité et d’identité personnelle.

La vérité est qu’à partir du XVIIIe siècle, un grand nombre d’importants artistes irlandais (nés ou établis en Irlande) se sont déplacés entre l’Angleterre, l’Irlande, l’Écosse et le pays de Galles, acquérant des idées, des méthodes et des programmes sans trop se préoccuper de les frontières nationales ou les questions de classification bien-aimées des critiques d’art et des historiens. Même le peintre par excellence irlandais Jack B Yeats (1871-1957), généralement reconnu comme l’artiste irlandais le plus important du XXe siècle, est le produit de nombreuses influences. Né en Angleterre, il partage son enfance entre Londres et le comté de Sligo, tandis que ses débuts en tant qu’illustrateur en Angleterre sont essentiels à la formation de son style de peinture mature.

En résumé, on ne peut pas dire qu’un art irlandais – pas plus que l’art français, italien ou allemand – ait émergé d’un laboratoire, mais qu’il soit le produit d’innombrables artistes individuels, leurs personnages, leurs circonstances et leurs expériences de vie, la recherche d’un style irlandais unique est-elle susceptible de produire un résultat significatif? En d’autres termes, quelle définition significative de l’art irlandais ou de la peinture irlandaise pourrait éventuellement accueillir l’expressionnisme surréaliste de Francis Bacon (1909-1992), les toiles contemporaines multicouches de West Cork basées John Kingerlee (b.1936), et le portrait académique de William Orpen?

Même aujourd’hui, les artistes contemporains aiment Valerie Brennan et Bridget Fahy chercher l’inspiration du paysage méditerranéen.

En outre, les récentes interventions d’organismes gouvernementaux et privés ont doté les arts visuels en Irlande d’une toute nouvelle gamme de possibilités qui ont été exploitées avec succès par un grand nombre d’artistes contemporains travaillant avec des médias traditionnels et modernes. Ceci, associé à l’émergence de nombreuses technologies de pointe Galeries d’art irlandaises, ainsi que l’accès accru aux spectacles, projets et forums internationaux, est de bon augure pour tous les artistes de l’île d’Irlande.

Voir également: Peintres à l’huile d’Irlande.