Domenico Ghirlandaio:
Peintre de la première Renaissance, Florence 847 mots Automatique traduireAuteur du texte original - Neil Cоllins

Italien début de la Renaissance Le peintre Domenico Ghirlandaio est né à Florence et a dit un jour : «Laissez-moi travailler…. Maintenant que j’ai commencé à m’y familiariser, mon seul regret est de ne pas avoir été chargé de peindre des tableaux narratifs sur tous les murs de Florence». Bien que Ghirlandaio n’ait pas obtenu cette commande, il en a reçu de nombreuses autres pour des portraits, des retables et des fresques. Il a également réalisé quelques-uns des plus beaux dessins de la Renaissance .

Bien que son style soit prosaïque et quelque peu démodé par rapport à son contemporain Botticelli (1445-1510), il est l’artiste le plus populaire et le plus prolifique de Florence entre 1480 et 1490 et apporte une contribution significative à l’art de la Renaissance .

Les fresques de Ghirlandaio sont des images évocatrices de la vie florentine. Indépendamment des sujets traités, elles contiennent de nombreux portraits de ses mécènes, de leurs familles et de leurs amis. Les goûts et les valeurs de ses mécènes - généralement de riches banquiers - se reflètent dans l’exécution impeccable, la richesse des couleurs et la grandeur discrète de ses peintures. Répondant à son environnement immédiat, il s’est également inspiré du passé. Dans ses dernières œuvres, les plus significatives, il a créé un renouveau influent de la tradition monumentale de la peinture toscane.

Les peintures de Domenico Ghirlandaio

On sait peu de choses sur les débuts de la formation artistique de Ghirlandaio. Selon Giorgio Vasari (1511-1574) dans ses «Vies des artistes» (1550), Ghirlandaio commença sa carrière dans la joaillerie, mais étudia la peinture avec Alesso Baldovinetti. Dans l’œuvre de Ghirlandaio, cependant, il n’y a pas grand-chose qui rappelle Baldovinetti. Il a toujours peint à la manière d’un orfèvre. Ses tableaux, qu’ils soient anciens ou récents, sont richement décorés et métallisés.

Le critique d’art et écrivain John Ruskin l’a caractérisé avec cruauté mais perspicacité comme «un orfèvre qui s’occupe d’articles en tissu». Ghirlandaio n’était pas unique, car un style de joaillerie similaire de beaux-arts prévalait à Florence à la fin du Quatrocento (quinzième siècle). Deux artistes joailliers, Andrea del Verrocchio (1435-1488) et Antonio Pollaiuolo (1432-1498), ont exercé une profonde influence non seulement sur Ghirlandaio, mais aussi sur tous les artistes célèbres qui ont atteint leur maturité dans les années 1470, notamment le Pérugin, Botticelli et Léonard de Vinci .

Comme ces artistes, dans les années 1470 et au début des années 1480, Ghirlandaio abandonne le style statique de la peinture florentine du milieu du siècle pour cultiver une vitalité frappante, bien que limitée. Dans ses premières œuvres - telles que les fresques de la chapelle Fina (1475 ; Collegiata, San Gimignano), La Cène dans le réfectoire d’Ognissanti (1480 ; Florence), et Saint Jérôme dans son cabinet de travail (1480 ; Ognissanti, Florence) - Ghirlandaio a adopté un style linéaire dans lequel les ombres et les lumières dures écrasent les formes solides et brillantes en de petites arêtes nettes. Ces formes anguleuses et scintillantes confèrent une énergie tendue à ses premières peintures.

Les peintures religieuses les plus connues de Ghirlandaio ont été peintes par lui dans les années 1480. Il s’agit notamment des fresques à la détrempe de la Sala dei Gigli (1482 ; Palazzo Vecchio, Florence), des fresques et du retable de la chapelle Sassetti (1482-85 ; San Trinita, Florence), de la Cène à San Marco (1485 ; Florence), et de la Visitation (1491 ; Louvre, Paris). Au cours de cette décennie, il augmente régulièrement la monumentalité de ses peintures, bien qu’il n’adopte jamais complètement la noblesse austère de ses premiers exemples de la Renaissance. Ses derniers tableaux sont grandioses, mais aussi multiples. Il a toujours conservé quelque chose de la vivacité de son premier style, en partie parce qu’il animait toutes ses peintures avec une abondance de détails naturalistes ou classiques.

L’isolement symbolique de certains éléments naturalistes dans la peinture flamande plaisait à Ghirlandaio. Par exemple, le fagot de blé dans L’adoration des bergers (1485 ; Sainte-Trinité, Florence) est emprunté au riche ensemble de symboles naturalistes similaires dans L’adoration des bergers (1478 ; Offices, Florence) Hugo van der Goos (1440-1482), une peinture qui n’est apparue que récemment dans le monde de la peinture.

Ghirlandaio partageait également la fascination de ses contemporains pour l’art antique. Il a rassemblé un vocabulaire influent d’ornements et de motifs picturaux antiques, qu’il a utilisé pour enrichir ses peintures. Par exemple, dans le tableau «L’adoration des bergers» de 1485, il place l’Enfant Jésus devant un sarcophage antique en marbre portant une inscription latine annonçant sa naissance. Dans la Sala dei Gigli, Ghirlandaio a représenté six héros romains dans un cadre d’architecture peinte rappelant les arcs de triomphe romains, mais n’imitant aucun modèle antique.

La plus grande contribution de Ghirlandaio à la Renaissance florentine est la décoration de la chapelle Tornabuoni, la chapelle du presbytère de la cathédrale Santa Maria Novella de Florence. L’ensemble est vaste ; il contient 19 scènes de la vie de la Vierge Marie, de Jean-Baptiste et de saints dominicains. Ghirlandaio a également conçu, mais pas exécuté, les vitraux de la chapelle et le retable de la Vierge en gloire (aujourd’hui à l’ancienne Pinacothèque de Munich).

Dans ces peintures, Ghirlandaio recherche activement la grandeur à grande échelle qui a contribué à façonner les objectifs artistiques d’artistes plus jeunes tels que Raphaël et Michel-Ange. Il a déployé de vastes panoramas de paysages sur des horizons bas, labourant les scènes. Il donne aux personnages une dignité et une monumentalité impressionnantes. Et, peut-être avec l’aide de l’architecte florentin Giuliano di San Gallo, il a construit d’immenses décors architecturaux classiques qui ennoblissent les scènes narratives.

Les fresques de Tornabuoni sont à la fois des récits religieux et de magnifiques scènes de la vie de la Renaissance. Les décors architecturaux sont idéalisés et pourtant résolument modernes. Ghirlandaio, par exemple, a représenté «la Naissance de la Vierge» dans une salle ornée d’un somptueux palais florentin. Ses figures représentent également des personnages de son époque. Il a représenté Ludovica Tornabuoni, l’une des filles de la famille commanditaire de la chapelle, à la tête d’un groupe de femmes solennelles en costumes du XVe siècle qui rendent visite à la mère de la Vierge, sainte Anne.

Ghirlandaio a toujours adopté une approche quelque peu anachronique en plaçant des portraits de contemporains à côté de figures religieuses. Ses décors sont un pastiche de fictions classicisantes et de lieux réels. Dans la chapelle Sassetti, par exemple, il a représenté «l’octroi de la règle à saint François» dans un portique élevé situé sur la Piazza della Signoria à Florence.

Les peintures de Ghirlandaio sont non seulement des témoignages inestimables de la culture florentine, mais elles représentent également des réalisations artistiques significatives. Il a créé un style distinctif et éclectique à partir d’éléments disparates de l’art florentin, flamand et classique. L’un des plus grands représentants de la peinture du début de la Renaissance, son style attire l’attention à la fois par l’étendue de ses emprunts et par les efforts qu’il a déployés pour tisser ces emprunts ensemble. Sa tentative de synthèse reflète une conscience sans précédent des implications personnelles et culturelles du style artistique. L’ampleur et la rapidité des changements dans la manière de peindre de Ghirlandaio et de ses grands héritiers Raphaël et Michel-Ange sont dues en partie à cette nouvelle approche du style artistique.

Parmi ses élèves figure Fra Bartolommeo (1472-1517), qui devint l’un des artistes florentins les plus influents de la Haute Renaissance. Les peintures de Domenico Ghirlandaio sont exposées dans plusieurs des plus grands musées d’art du monde.