Georges de La Tour:
peintre baroque français, caravagiste Automatique traduire

L’un des grands artistes français de l’époque baroque, voire l’un des plus beaux maîtres anciens de l’art baroque en Europe, Georges de Latour a connu une très belle carrière à Lunéville, dans le duché de Lorraine. Il compte parmi ses mécènes Louis XIII, le cardinal de Richelieu et le duc de Lorraine, et devient lui-même le peintre officiel de la cour de Louis XIV. Latour est considéré comme l’un des principaux représentants français du caravagisme, un style réaliste et du ténébrisme, associé au caravagisme (1571-1610), l’enfant sauvage du premier baroque italien, - que Latour aurait adopté soit en visitant l’Italie, soit auprès de Gerrit Honthorst (1590-1656), chef de file des caravagistes d’Utrecht .

L’œuvre tardive de Latour présente également des traits du classicisme français, mis en place par ses jeunes contemporains Nicolas Poussin (1594-1665) et Claude Lorrain (1600-1682). Curieusement, peu de détails ont été conservés sur la vie de Latour. Par conséquent, la chronologie de sa vie et l’attribution exacte de ses peintures, dont beaucoup existent en plusieurs versions, mais dont trois seulement sont datées - «Payer les impôts» (1643, Pinacothèque de Lviv, Ukraine) - ont fait l’objet de nombreux débats entre les spécialistes ; Le pénitent saint Pierre (1645, Museum of Art, Cleveland) ; et La renonciation de saint Pierre (1650, Musée des Beaux-Arts, Nantes) - s’appuient principalement sur des comparaisons stylistiques.

Tableaux de Georges De Latour

En termes de genres, etc., Latour s’est concentré presque exclusivement sur l’art religieux et sur la peinture de genre . Другие примеры работ Латура : «Святой Иероним» (1630, Национальный музей, Стокгольм) ; «Острие карты» (1635, Лувр) ; «Святая Ирина с раненым св. Sébastien (1640, Louvre) ; Christ jeune avec saint Joseph dans l’atelier du charpentier (1642, Louvre) ; Job ridiculisé par sa femme (1643, Musée d’Epinal) ; «Madeleine à la bougie» (1644, Louvre) ; «Le Tricheur à l’as de carreau» (1647, Louvre) ; et «Le Rêve de saint Joseph» (Musée des Beaux-Arts, Nantes).

Si Latour fut célèbre en son temps, il fut ensuite oublié pendant plus de 250 ans avant d’être redécouvert par Hermann Voss en 1915. Depuis lors, sa réputation n’a cessé de croître, notamment grâce à l’achat très médiatisé par le Metropolitan Museum of Art, en 1960, du tableau La Diseuse de Bonne Aventure ) The Fortune Teller) - l’un de ses meilleurs tableaux baroques - et une exposition lui a été consacrée en 1972 à l’Orangerie à Paris.

Les premières années

Latour est le second fils d’un boulanger, métier que la famille de sa mère exerçait également. Il semble cependant avoir reçu une bonne éducation et, en apprenant les rudiments de son métier, il a bénéficié du brillant milieu artistique qui s’est développé en Lorraine, au centre duquel se trouvait Bélanger. Il est possible qu’entre 1610 et 1616, il ait visité l’Italie et y ait ressenti l’influence du Caravage, qui a supplanté les principes du maniérisme dans lesquels il avait été élevé. C’est certainement dans sa ville natale, après 1616, que le style de Latour semble avoir été pleinement formé.

Mariage, reconnaissance artistique

En juillet 1617, Latour épouse Diane Le Nerf, fille du ministre des finances du duc de Lorraine, issue d’une famille noble. Après la mort de son père, le couple s’installe dans la ville de Lunéville, où Latour reçoit en 1620 les droits de citoyen et est exempté du paiement de certains impôts, ce qui est généralement honoré par la noblesse. Il s’enrichit rapidement et mène la vie d’un châtelain, s’accrochant avec ténacité à la richesse et aux privilèges dans un pays brutalement ravagé par la guerre, la famine et les épidémies depuis 1635.

Au début de sa carrière, en 1623, Latour reçoit le patronage du duc de Lorraine, et la renommée qui en découle se poursuit même lorsque le duché est occupé par les troupes françaises. Latour devient le peintre de Louis XIII et jouit de l’estime personnelle du gouverneur de Lorraine, le maréchal de la Ferté, pour lequel il peint «La Nativité» (1644), «Saint Alexis» (1648), «Saint Sébastien» et «Le rejet de Saint Pierre» (1650) ; le tableau se trouve probablement au musée de Nantes). Ses œuvres étaient coûteuses (600-700 francs ou plus).

Décès

Latour est apparemment au sommet de sa gloire lorsqu’il est victime d’une épidémie le 30 janvier 1652, quelques jours après le décès de sa femme et de son valet. Son fils Etienne Latour (1621-1692), qui avait collaboré avec lui en peinture dès 1646, lui succéda comme Peintre royal ordinaire en 1654, mais, fortuné, il abandonna bientôt ce métier roturier et s’éleva rapidement dans les milieux laïques (il fut admis à la pairie en 1670), ce qui explique sans doute que l’œuvre de son père ait été si vite oubliée.

Créativité

Si l’on rassemble toutes les toiles signées, on peut identifier quelque 75 compositions, dont 35 sont reconnues comme originales. Il s’agit exclusivement de scènes religieuses ou de genre ; il n’y a pas de portraits, ni de peintures mythologiques ou historiques, ni de dessins . De nombreuses copies anciennes ) Saint Sébastien se lamentant devant sainte Irène, 11 copies connues, original perdu) témoignent de la célébrité de certaines de ses œuvres.

La plupart des œuvres de Latour, peintes à l’huile, peuvent être divisées en scènes diurnes et nocturnes. Les premières se caractérisent par une lumière froide et claire et un style précis et rapide ) Le Saint Jérôme pénitent, Stockholm ; Le Joueur de guimbarde, Nantes). Les scènes nocturnes, en revanche, utilisent l’éclairage artificiel pour éliminer la couleur - généralement seuls des éclats de rouge vif animent la gamme des bruns - et réduire les volumes à quelques plans simples, ce qui vaut à ces tableaux d’être souvent qualifiés de «cubistes» ) Saint Sébastien, versions originales, chapelle du Bois Anzerey, Evre, et Hemaldegalerie, Berlin).

Comparez les peintures de genre réalistes et les scènes paysannes peintes en France par les frères Le Nain, au début du XVIIe siècle.

Chronologie des peintures

Peu de tableaux ont une date précise ) Le Pénitent saint Pierre, 1645, Musée de Cleveland ; La Renonciation de saint Pierre, 1650, Musée de Nantes), ce qui a conduit à des désaccords entre experts sur la chronologie exacte d’autres œuvres non datées. Cependant, une première période (1620-30), clairement marquée par le réalisme caravagesque et très proche, dans son style, de Dirk van Baburen (1590-1624) ou Hendrik Terbruggen (1588-1629) (série Le Christ et les douze apôtres, deux originaux conservés et neuf copies, musée de l’Albi), peut être distinguée ; Les larmes de saint Pierre, perdues mais gravées au XVIIIe siècle). Ce n’est que dans les années 1630 que Latour évolue vers un réalisme plus personnel («Le joueur de gourdin», Musée de Nantes).

Les troubles en Lorraine (1635-42), et en particulier la destruction par le feu en 1638 des premières œuvres de Latour, ont probablement contraint l’artiste à s’installer à Paris entre 1638 et 1642. Il y peint plusieurs scènes de jour impressionnantes ) La diseuse de bonne aventure, Metropolitan Museum of Art ; L’écharpe aux cartes, Louvre) et surtout plusieurs scènes de nuit (le tableau Saint Sébastien fut offert à Louis XIII).

Après son retour à Lunéville en 1643, il réalise sa grande série de peintures nocturnes, dans lesquelles il utilise au maximum les effets dramatiques du ténébrisme et du clair-obscur (par exemple : L’Enfant nouveau-né, Louvre), L’enfant nouveau-né (Musée de Rennes), Saint Sébastien (Bois Anzerei et Gemaldegalerie, Berlin, probablement 1649), Job raillé par sa femme (Musée d’Epinal). Ses dernières années sont probablement marquées par une collaboration croissante avec son fils Etienne et un retour à des compositions déjà élaborées ) Playing Dice, Teesside Museums, UK).

Thématique

L’éventail des sujets de Latour est limité et il reprend invariablement les thèmes de sa période caravagesque 1610-1620 : ce sont La Diseuse de bonne aventure ; L’Enfant prodigue ; La Madeleine pénitente ; et La Renonciation de saint Pierre . Les années passées en Lorraine semblent n’avoir apporté que quelques thèmes supplémentaires ) La découverte du corps de saint Alexis, Le joueur de gourdin). Mais au lieu de pousser ce style vers la picturalité, comme l’avaient fait la plupart de ses contemporains du Nord, Latour renoue avec les premiers adeptes du Caravage, trouvant comme eux dans la peinture le meilleur moyen d’explorer l’âme humaine.

Dans ses tableaux, Latour s’en tient à l’essentiel, et son univers est de loin le moins encombré de tous les grands peintres. Il exclut tout ce qui est anecdotique, les personnages auxiliaires, les bâtiments, les descriptions d’intérieurs, le paysage (aucune place n’est accordée à la nature ; pas de plantes et seulement deux ou trois animaux) ; même les accessoires sont réduits au minimum (pas d’auréoles sur les saints, pas d’ailes sur les anges), au point que certaines figures sont assez énigmatiques ) Le rêve de saint Joseph, Musée de Nantes). Même les gestes les plus violents sont figés dans une sorte de stase géométrique ) Fighting, Los Angeles, P. Getty Museum), tandis qu’un sentiment d’immobilité et de silence domine ses œuvres ) Woman with a Flea, Nancy Museum).

Par des moyens apparemment simples, mais souvent, en fait, grâce à une audace inattendue, il atteint une intensité surprenante, même parmi les disciples du Caravage. Qu’il dépeigne la fragilité humaine : la destruction physique ou, au contraire, la dignité secrète et fragile de la vie intérieure de l’homme, ses œuvres reflètent le stoïcisme de l’époque et le mysticisme lorrain et doivent être classées parmi les plus hautes expressions spirituelles de l’époque.

Les peintures de Georges de Latour sont exposées dans plusieurs des plus grands musées d’art du monde, dont le Louvre à Paris et le Metropolitan Museum of Art, à New York.