Goya: peintre d’histoire espagnol, artiste de portrait, graveur Automatique traduire
NOTE: pour l’analyse d’œuvres d’artistes romantiques comme Goya,
voir: Analyse de peintures modernes (1800-2000).
introduction
L’artiste espagnol Francisco de Goya est considéré comme l’une des figures clés du Peinture espagnole et un précurseur important de l’art moderne. Le sien portrait d’art, dessin figuratif et gravure documenté des événements historiques importants en Espagne à la fin du 18e et au début du 19e siècle. Il est surtout connu pour ses peintures à la violence émouvantes et audacieuses, en particulier celles illustrant l’invasion napoléonienne de l’Espagne. Ses œuvres les plus remarquables sont The Nude Maja (1797), The Clothed Maja (1 800), The Third of May 1808 (1814) et Saturne dévorant son fils (1819), tous logés au Musée du Prado à Madrid. Parmi les autres œuvres: Scène de l’inquisition (1800, Academia de S.Fernando); Portrait de Charles IV et de sa famille (1800 Prado); Le colosse (géant) (1810, Prado); Portrait du duc de Wellington (1814, National Gallery, London). Son sombre le romantisme est illustré par ses séries Fantasy & Invention (peintures, 1793), ses Caprices (gravures, 1799), ses Désastres de guerre (aquatintes, 1812-1815) et Black Paintings (14 peintures murales, 1819-1823).
Biographie
Goya est né en 1746 à Saragosse, un petit village du nord de l’Espagne. Quelques années plus tard, la famille s’installa à Saragosse et son père obtint un emploi de doreur. À l’âge de 14 ans environ, Goya travailla comme apprenti auprès d’un peintre local, Jose Luzan, qui lui enseigna dessin et comme il était de coutume à l’époque, la jeune Goya passa des heures à copier des empreintes de Maîtres Anciens. À l’âge de 17 ans, Goya s’installe à Madrid et subit l’influence de l’artiste et graveur vénitien. Giambattista Tiepolo et le peintre Anton Raphael Mengs. En 1770, il s’installe à Rome où il remporte le deuxième prix d’un peinture d’art concours organisé par la ville de Parme.
Reconnaissance
Sa première commande majeure est venue en 1774 pour concevoir 42 motifs qui devaient être utilisés pour décorer les murs de pierre d’El Escorial et du Palacio Real de El Pardo, les nouveaux résidents de la monarchie espagnole. Cette œuvre le porta à l’attention de la monarchie espagnole, qui le nomma finalement peintre du roi en 1786.
Goya était un observateur attentif de l’humanité et il était constamment en train de faire des croquis de la vie quotidienne. Cependant, après avoir contracté une fièvre en 1792, Goya resta définitivement sourd de sa maladie. Isolé des gens par sa surdité, il s’est replié dans son imagination et un nouveau style a commencé à évoluer – plus satirique et proche de la caricature. La qualité macabre de ses œuvres devenait de plus en plus maculaire, comme en témoigne par exemple sa série de treize peintures Fantasy and Invention, 1793 – une fantaisie cauchemardesque dramatique avec des fous dans une cour. Pendant qu’il achevait ces séries de tableaux, Goya lui-même s’est mis en convalescence après une dépression nerveuse.
Dark Romantisme
En 1799, il sortit une série de 80 eaux-fortes intitulé Los Caprichos (Caprices) commentant une gamme de comportements humains à la manière de William Hogarth.
En 1812-1815, après la guerre napoléonienne, il produit une série d’estampes à l’aquatinte intitulée The Disasters of War, illustrant des scènes choquantes et horribles du champ de bataille. Les estampes sont restées inédites jusqu’en 1863. Comparez le portrait réaliste de la guerre de Goya à la représentation plus romantique de Antoine-Jean Gros (1771-1835).
En 1814, pour commémorer l’insurrection espagnole contre les troupes françaises à la Puerta del Sol de Madrid, Goya produisit l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre – Le Trois mai 1808 (1814, Prado, Madrid), reconnu comme l’un des premiers peintures de art moderne.
Après 1815, Goya se retira pratiquement de la vie publique et devint de plus en plus retiré et plus expressif dans ses œuvres qui résonnaient El Greco de nombreuses années avant lui. Une autre série d’images, ses quatorze grandes peintures murales connues sous le nom de peintures noires (1819-1823), dont Saturne dévorant l’un de ses enfants (1821, Prado, Madrid), révèle un monde extraordinaire d’imagination et de fantaisie noires.
Dernières années
Ses œuvres couvrent une période de plus de 60 ans et, au fil du temps, il devient de plus en plus critique envers le monde. Il est devenu amer et désillusionné par la société lorsque le monde qui l’entourait a changé et il a exprimé ces émotions à travers son art.
En 1824, après de nombreux bouleversements politiques en Espagne, Goya décida de s’exiler en France. Il a continué à y travailler jusqu’à sa mort en 1828, à l’âge de 82 ans. Vers la fin de sa vie, il est devenu plus solitaire, sombrant plus profondément dans la folie et les fantasmes.
Le rôle de Goya dans le histoire des arts ne se limite pas simplement à son portrait suprême. En plus de sa maîtrise de l’imprimerie, son style de peinture dramatique a beaucoup influencé l’art français du XIXe siècle et ses œuvres sont devenues le précurseur de la Expressionniste mouvement et un important précurseur de l’art moderne. De même que Velazquez et Picasso, il est considéré comme l’un des trois meilleurs artistes d’Espagne.
Francisco José Goya: sa vie et son art
Deux virtuoses espagnoles: Goya contre Velazquez
Avant l’ère moderniste, l’Espagne avait produit deux artistes suprêmes: Velasquez le Serein et Goya le Turbulent. Comme dans leur génie, ils ne ressemblaient pas à tout le reste. Velasquez était un spectateur souriant dans la tragicomédie de la vie. Goya était un acteur turbulent. Velasquez, le philosophe, secoua la tête avec indulgence et dit: "Quels imbéciles pour ces mortels?" Goya, le combattant, brandit son poing de manière menaçante et s’écria: "Quels coquins ces mortels sont-ils!" Et lui-même n’était pas le moindre des coquins. Velasquez et Goya étaient tous deux espagnols. Mais l’esprit de la peinture de Velasquez était avant tout national, tandis que l’esprit de la peinture de Goya était toujours universel. Velasquez était un citoyen de l’Espagne. Goya était un homme du monde.
Velasquez a décrit la vie de ses compatriotes. Goya a représenté la vie de l’humanité. Goya était l’un des peintres les plus complets du monde. On pourrait bien l’appeler le Shakespeare du pinceau. Son imagination était tout embrasser. La portée de son génie comprenait le portrait, la peinture de paysage, peinture mythologique histoires réalistes, représentations symboliques, tragédie, comédie, satire, farce, hommes, dieux, diables, sorcières, visible et invisible, comme ce fut le cas du génie extravagant de Shakespeare – une excursion occasionnelle dans l’obscène.
Physiquement, ce chevalier du poignard et de la brosse épineux était plutôt impressionnant que beau. Un peu en dessous de la taille moyenne, il avait la figure d’un athlète. Ses traits étaient grossiers et irréguliers, mais ils étaient vivants du feu d’une impétuosité non étouffée. Ses yeux noirs et profond s’allumeraient soudainement avec l’impudence d’un enfant sur le point de faire une farce coquine. Son nez était épais, charnu, sensuel. Ses lèvres étaient fermes, agressives et sans reproche. Pourtant, à leurs coins, se dissimulaient parfois un sourire jovial de bonne humeur. Son menton était le menton rond, sensible et lisse d’un amant. Un amoureux de la vie, de la gaieté, de la beauté. Il aimait trois choses avec le même enthousiasme: flirter avec une fille, se battre en duel et brosser un tableau. Il était un maître dans l’art de vivre sans discernement – audacieux, bagarreur, philandering, amitié, fanfaronnade et rêve de Don Juan de Saragosse!
Premières années
Francisco José Goya Y Lucientes, fils d’un paysan de la province d’Aragon, est né le 13 mars 1746 – une période où l’art espagnol était au plus bas. Le rouge-sang Baroque espagnol réalisme de Velazquez et Ribera avait dégénéré en figurines anémiques roses et blanches d’artistes non inspirés du dix-huitième siècle. Ces artistes avaient un génie pour la médiocrité. Le monde était vieux et fatigué. Il dormait sous la neige de l’une des époques d’hiver de l’histoire. Personne ne soupçonnait, alors que Goya errait sur les champs de son village natal, Fuendetodos, qu’il y avait là un jeune homme qui allait inaugurer un nouveau printemps. Goya était avant tout conscient de son destin. Pour garder ses mains occupées hors de malice, il s’amusait esquisse dans les champs qui bordaient la route de Saragosse.
Un jour, en 1760, un moine marchait lentement sur cette route et récitait son bréviaire. Une ombre gisait sur son chemin. Levant les yeux, il vit un jeune garçon faire dessins au fusain sur le mur d’une grange. Un peu connaisseur, le moine s’est arrêté pour examiner le travail du garçon. Il a été surpris par les aptitudes du jeune. "Ramène-moi chez tes parents, " dit-il. "Je veux leur parler."
À son arrivée à la ferme de Goya, il n’a eu aucune peine à persuader les parents de confier leur enfant à ses soins. C’est ce moine anonyme qui est responsable de l’éveil du génie latent de Goya et de la renaissance de Peinture espagnole.
Goya avait quinze ans lorsqu’il entra dans son apprentissage d’artiste. Grâce à la recommandation de son bienfaiteur ecclésiastique, il fut admis dans l’atelier de Don Jose Lujan Martinez . Il y resta cinq ans, acquérant une virtuosité exubérante dans Couleur et le design, une admiration passionnée pour Velasquez et un profond mépris pour les conventions académiques de ses collègues artistes. Il y avait un seul d’entre eux pour qui il avait le moindre respect – un peintre du nom de Francisco Bayeu (1734-1795). Malgré le fait que Bayeu avait douze ans de plus que Goya, les deux élèves de Lujan devinrent amis rapidement.
Goya le jeune homme sauvage
"Fast" dans plus d’un sens. Goya et Bayeu étaient la vie du studio – et le discours de la ville. Ardents dans leur travail, enthousiastes dans leurs plaisirs et insensibles aux conséquences de leurs farces, ils se sont jetés de tout cœur dans le tourbillon du monde souterrain aragonais – chantant, dansant, buvant, se branlant, se disputant, avec quelques exécutions occasionnelles. Goya a toujours été à l’avant-garde des combats de rue. Dans une de ces batailles, à l’occasion de laquelle personne ne sait quelle excuse maussade, trois jeunes hommes appartenant à la faction rivale ont été laissés sans vie sur le sol. Quelqu’un a prévenu Goya que l’Inquisition avait l’intention de l’arrêter. Emballant rapidement ses affaires, il quitta Saragosse en pleine nuit et se dirigea vers Madrid.
Arrive dans la capitale espagnole
Ici, sa réputation d’artiste l’avait précédé. Bayeu, arrivé à Madrid peu de temps avant lui, le présenta à l’allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779), surintendant des beaux-arts de Madrid. Mengs, peintre un peu meilleur que le peintre médiocre, mais un peu moins bon qu’un professeur médiocre, décorait alors le palais royal de Madrid. Il exigeait de tous les élèves qui l’assistaient dans ce travail une obéissance servile et une imitation fidèle de ses propres idées peu impressionnantes. Il proposa d’emmener Goya dans son studio en tant qu’assistant. Goya, dont les idées artistiques étaient supérieures à celles de Mengs, refusa l’offre.
Goya était venu à Madrid non pour trouver un emploi, mais pour poursuivre ses études. En dépit de sa confiance suprême en ses propres capacités, il a estimé qu’il n’était pas encore prêt à se lancer dans une carrière professionnelle. Il croyait fermement en la formule, pour gagner facilement grâce à un apprentissage difficile. En conséquence, il passa ses journées à étudier les trésors artistiques de la capitale. Et ses nuits à conquérir les cœurs des senoritas et des senoras. Que ce soit célibataire ou mariée, une femme lui était tout aussi désirable – et également accessible. Très peu ont pu résister à ses recherches impétueuses. L’épée à la côte et la guitare à la main, il erra dans les rues et se fraya un chemin jusqu’au cœur des dames, dont les messages écrits furtivement lui parvinrent par des fenêtres à volets. Les femmes l’adoraient et les hommes étaient incroyablement jaloux de lui. Et ils avaient parfaitement le droit d’être jaloux.
Tôt ou tard, cette quête insouciante des aventures interdites de l’amour lui coûtera cher. Et, en effet, cela a failli lui coûter la vie. Un matin tôt, il a été retrouvé dans une rue latérale avec un poignard enfoncé dans le dos. Afin de le protéger de l’œil omniprésent de l’ Inquisition, ses amis le cachèrent pendant un certain temps. Et puis, quand il était sur le chemin de la guérison, ils l’ont expulsé de Madrid.
Quitte l’Espagne pour l’Italie
Cette fois, Goya s’embarqua pour l’Italie. Ici aussi, comme à Madrid, il s’apprend à étudier les grands maîtres du monde. Renaissance et Maniérisme, y compris la courte durée Caravage (1571-1610). Il a applaudi la précision géométrique de leur conception, il a vanté la subtilité de leur clair-obscur , la qualité dramatique de Caravagisme. Il admirait l’exactitude de leur observation, il adorait le feu de leur génie – et il refusait d’être influencé par aucun d’entre eux. Pendant la plus grande partie de sa vie, son inspiration est venue de l’intérieur plutôt que de l’extérieur. Il n’était le produit d’aucune école. Son art était strictement et totalement le sien.
À Rome, comme à Saragosse et à Madrid, il vécut une vie d’aventure romantique et périlleuse. "À un moment donné", raconte le sénateur Cardarera, "Goya a gravé son nom avec son couteau sur la lanterne de la coupole de Michelangelo "- un exploit qui brise le cou-" sur un coin d’une certaine pierre qu’aucun des autres artistes, allemand, anglais ou français, qui l’avait précédé dans la folle ascension n’avait réussi à atteindre. "Et à une autre occasion, "Il a fait le tour sur la tombe de Cecilia Metella, se soutenant à peine sur l’étroit prolongement de la corniche."
Ce n’étaient que les préliminaires d’une aventure encore plus dangereuse. Il a rencontré une jeune fille à Rome, est tombé amoureux d’elle et a proposé de l’épouser contre le consentement de ses parents. Avertis à temps, les parents l’ont placée dans un couvent. Goya, déterminé à avoir son épouse, a tenté de pénétrer dans le couvent et de l’emmener. Il a été capturé et remis à la police. Enlever une religieuse de la Sainte Église était une affaire sérieuse. Ce n’est que l’interposition de l’ambassadeur d’Espagne qui l’a sauvé.
Retour en Espagne
Chaudé, au moins temporairement, Goya abandonna sa quête impossible et retourna à Madrid. Ici, sa précédente escapade avait heureusement été oubliée. Une fois de plus, il rencontra son vieil ami Bayeu, découvrit qu’il aimait la soeur de Bayeu, l’épousa et s’installa. Ses années d’études étaient terminées. Il lui fallait maintenant penser à gagner sa vie. Encore une fois, Meng lui proposa un travail. Cette fois, Goya accepta l’offre. Après avoir accepté de suivre les instructions de son employeur allemand, il a pris les figures mythologiques sans vie de cet artiste et leur a inspiré l’esprit des hommes et des femmes vivants.
Jusque-là, Goya n’avait encore rien prouvé de son rang parmi les véritables artistes du monde. Il avait été considéré simplement comme un play-boy au pinceau malin. Maintenant, cependant, il s’est révélé à un public ébloui en tant que playboy inspiré. Son imagination débordante, son design audacieux, son jeu d’effets de couleur, son humour et son instinct infaillible pour le dramatique suscitaient l’enthousiasme même d’un traditionaliste aussi hétéro que Mengs lui-même. Quant aux connaisseurs de Madrid qui cherchaient en vain des signes d’une vie nouvelle dans leur art national, ils saluent l’œuvre de Goya d’une véritable ovation. Goya a accepté cette reconnaissance publique de son génie avec la même assurance avec laquelle il avait accepté les sourires de ses senoritas. Goya n’a jamais souffert de pudeur excessive – ni même de vanité excessive. Il était simplement conscient d’un pouvoir supérieur en lui-même. "Il savait maintenant (à l’âge de trente ans)", écrit M. Charles Yriarte, "qu’il n’avait qu’à prendre son pinceau en main pour devenir un grand peintre".
Goya le peintre de genre
Pendant cinquante ans, il a utilisé son pinceau pour le plus grand plaisir de sa génération et pour l’enrichissement des générations à venir. Il a commencé avec peinture de genre, racontant des histoires colorées des multiples activités du peuple – scènes lumineuses, vibrantes, vibrantes de pièces de théâtre, processions, corridas, bandits, mascarades, parades, séductions, danses, banquets, pique-niques, randonnées, querelles, réconciliations – bref, la totalité panorama de la vie espagnole au XVIIIe siècle. Ces peintures ne sont pas toujours parfaites dans leur conception. Certains des taureaux, et parfois même des figures humaines, sont dessinés avec des proportions anatomiques exagérées. Mais ces exagérations sont toujours délibérées. Ils sont calculés pour produire un effet dramatique certain. Quand vous les regardez, vous avez le sentiment que si la Nature n’avait pas produit de telles créatures, alors la Nature aurait dû les produire. Car Goya est un peintre pictural plutôt que photographique. Il est réaliste avec une imagination. Et son art est si vivant, si vif, si impétueux, qu’il suscite une étincelle d’imagination bienveillante chez le plus lent de ses spectateurs.
Goya le graveur
Au cours de cette période de son art, Goya reconnut un maître, Diego Velasquez (1599-1660). Il réalise une série de gravures dans lesquelles il reproduit le meilleur des tableaux de Velasquez. Reproduit, cependant, n’est pas le bon mot. Il serait plus exact de dire qu’il les a recréés. Car Goya n’a jamais été un imitateur. Comme Shakespeare, il a apposé sa propre empreinte originale sur les idées qui entraient dans la personnalité de sa personnalité universelle. Dans les eaux-fortes que Goya publia en 1778, il ne fit aucune injustice à Velasquez. Au contraire, il lui a rendu un excellent service. C’est comme s’il avait emprunté une somme d’argent à un ami et l’avait ensuite remboursé avec intérêts. Ces eaux-fortes ont aujourd’hui une valeur incalculable. Ils ont également eu une influence énorme: le génie symboliste allemand Max Klinger (1857-1920) n’est qu’un des nombreux artistes inspirés par le travail de Goya.
En plus de ses tableaux de genre et de ses eaux-fortes, Goya exécuta à peu près à cette époque deux peintures religieuses, Christ sur la croix et Saint François prêchant. Ces peintures, malgré leur couleur lumineuse et leur design, sont inférieures à son autre travail. Car Goya ne se sent pas tout à fait à l’aise chez ces sujets. Ce n’était pas une nature religieuse. Ces deux peintures ont toutes les qualités artistiques sauf une: la révérence. Pour ses contemporains, cependant, les tableaux religieux de Goya étaient aussi satisfaisants que ses autres peintures et gravures. Le public espagnol a acclamé leurs vertus et a négligé leurs défauts. Ils l’ont maintenant idolâtré comme leur peintre national et ils ont obligé l’Académie de Saint-Marc, malgré la jalousie de ses officiers, à l’admettre en tant que membre. En conséquence, le 7 mai 1780, Goya se vit publiquement attribuer le titre officiel d "académicien au mérite".
Goya la portraitiste
Ayant prouvé sa maîtrise de la peinture de genre et de la gravure à l’eau-forte et sa capacité à susciter l’enthousiasme de son public avec ses images religieuses, Goya s’est tourné maintenant vers une autre branche de l’art – le portrait. Ici, il a réussi dès le début. Être peinte par Goya est devenue la mode – voire la passion – du jour. Maintenant l’un des plus espagnols peintres célèbres, son atelier a été assiégé du matin au soir par des clients riches et nobles. C’était d’autant plus surprenant qu’il n’avait jamais flatté aucun de ses sujets. Il les a peints tels qu’ils étaient, avec toutes leurs imperfections physiques et leurs défauts moraux. "Nous voici", semblent-ils dire au spectateur, "un groupe de fripons aussi arrogants que vous voudriez jamais voir." Cela est particulièrement évident dans les deux portraits de Maja , sujet inconnu mais que l’on croit être la duchesse d’Albe, et dans le portrait du roi Charles IV et de sa famille .
Maja Portraits
Les deux Majas sont deux images de la même femme, dans exactement la même pose et avec exactement la même expression sur le visage. Dans l’une des photos, elle est nue et dans l’autre, elle est vêtue d’un long maillot transparent de fine soie blanche qui est étroitement pliée autour de tous les contours lascifs de son corps. (Certains de ses contemporains ont laissé entendre que Goya avait peint la Maja vêtue pour son mari et la Maja nue pour lui-même.) Sur les deux tableaux, elle est allongée sur un canapé, les bras croisés sous la tête, posée sur un oreiller. et son corps a tourné les trois quarts vers le spectateur. La jambe droite repose légèrement sur la jambe gauche. Les courbes du corps, la volupté semi-assoupie des yeux et le sourire séduisant et subtil des lèvres semblent tous être concentrés sur une seule pensée: "Je veux être désiré." L’image produit un effet étrange. Il attire mais en même temps il repousse. Il y a de la beauté dans sa laideur et il y a de la laideur dans sa beauté. L’interprétation du double portrait est écrite en gros caractères sur chaque ligne et comporte "Quels coquins que sont les femmes mortelles… mais quels coquins désirables!"
Portrait royal
L’autre portrait, celui du roi Charles et de sa famille, est encore plus révélateur du mépris de Goya pour la race humaine. Charles IV avait conféré à Goya le titre de Premier peintre. Mais Goya, comme il ressort de cette image, n’a pas conféré à Charles IV le titre de Premier Espagnol. Les traits du roi et de la plupart des membres de sa famille sont extrêmement vulgaires. Ils ressemblent à une famille d’ouvriers se déguisant en robes royales. Le roi, avec son nez crochu et son sourire satisfait. la reine, avec ses gros bras nus, son double menton et ses traits lourdement bejeweled se gonfla en un halo d’insipidité pompeuse; les princes et les princesses du sang, douze d’entre eux, chacun avec un visage aussi innocent de pensée que celui du plus jeune d’entre eux, une image de la royauté en décadence. Pourtant, le roi et la reine étaient fiers de cette photo. Car ils y voyaient ce qu’ils voulaient voir: une grande famille impériale représentée dans des proportions colossales sur une toile d’une taille énorme. Comment Goya a-t-il dû sourire en secret quand il a jeté un œil à son œuvre achevée – une nichée de pitoyables mortels, avec des corps de titans et des âmes de puces!
Nous avons maintenant environ deux cents portraits dont on sait qu’ils ont été peints par Goya. Presque tous les personnages célèbres de la période se sont soumis, à un moment ou à un autre, à la perpétuation de leurs ressemblances par ce réaliste impitoyable du pinceau. Le résultat – un commentaire éloquent sur les folies et les faiblesses de l’Espagne du XVIIIe siècle. Mais ces portraits ne constituent qu’une petite partie des images avec lesquelles Goya a représenté la comédie humaine de son temps.
Peintre réaliste de la société espagnole
Il a décrit la vie agitée de la ville dans The Blind Street Singer, le marché de la poterie, The Vegetable Woman, The Runners on Stilts, The Carnival, le festival de mai à Madrid, The Madhouse et The Bullfight. Il a immortalisé les travaux et les joies du paysan dans Les laveuses à la piscine, La récolte du foin, L’attaque de la diligence, La veuve au puits, Le mariage au village, Les porteurs d’eau, La Danse à la campagne, Le poteau graissé et les saisons. Il décrivit les horreurs de la guerre – en dépit de son esprit turbulent, il détestait le travail organisé de massacre – dans une série de satires dévastatrices telles que Le massacre de 1808, Toujours la même sauvagerie, Les couches de la mort, La pendaison, Le Garrote (Un mode espagnol d’étranglement avec un collier de fer et une vis), Les hommes morts ne racontent aucune histoire, j’ai vu les horreurs et il n’ya personne pour les aider. Stark, honnête, réaliste, déchirant, ces actes d’accusation décrivent l’inhumanité de l’homme envers l’homme. Mais le plus caractéristique, peut-être, de toutes les images de Goya sont ses célèbres Caprices .
Caprices de Goya
Ces caprices, réalisés en gravure et en couleur de l’eau, n’ont jamais été mis en parallèle, ni avant ni après Goya. C’est un monde entier vu à travers un miroir déformé, des représentations à la fois réalistes et fantastiques d’humains et d’animaux, des scènes illustrant la rapacité, l’hypocrisie, la cruauté, la superstition, la licence, l’opacité, la violence, la stupidité et le destin inévitable de cette créature appelée Homme, qui commence sa vie dans l’espoir et la termine dans un désastre. L’un de ces caprices, intitulé jusqu’à la mort, représente une vieille femme dont les mains et le visage sont déjà réduits à l’apparence d’un squelette et qui jette un regard furtif dans un miroir alors qu’elle pose un magnifique bonnet sur ses cheveux touffus tandis et font de leur mieux pour dissimuler leurs ricanements derrière leurs paumes étendues. Dans un autre de ces caprices au titre provocateur, La chasse aux dents, on voit une femme terrifiée qui se laisse glisser vers le gibet, sous la lumière fantomatique de la lune, et arrache les dents d’un criminel pendu. Son but? Utiliser ces dents comme un charme contre la maladie.
Encore un autre Caprice, intitulé L’ascension et la chute, décrit l’impuissance de l’homme entre les mains de son destin. Une figure gigantesque, avec les pattes d’une chèvre et le visage d’un diable, vient de prendre un homme par les chevilles et de le faire basculer vers le ciel. L’homme se réjouit de sa grande fortune et de ses robes coûteuses. Des flammes jaillissent de ses mains et de sa tête. Il est un roi parmi ses semblables! Dans sa joie extatique, il ne s’aperçoit pas, pauvre petit mortel, que d’autres hommes, comme lui, viennent d’être élevés, seulement pour être jetés à terre. Ce caprice pessimiste porte le commentaire suivant: "Le destin est cruel envers ceux qui le courtisent. Le travail qu’il en coûte pour atteindre le sommet part en fumée. Nous ne nous levons que pour tomber." Etc. Les caprices de Goya sont comme un enfer de Dante. Mais contrairement à Dante, Goya ne décrit pas les souffrances des morts, mais les tortures des vivants. Et il semblerait que Goya considérait que l’Enfer de la vie était encore plus tragique que l’Enfer de la mort.
Derniers jours en france
Les caprices de Goya le rendent persona non grata auprès de l’Inquisition. Car, dans beaucoup de caprices, il avait attaqué les pratiques de cette institution démodée du moyen âge. L’Espagne était devenue un endroit malsain pour Goya. En conséquence, à la fin des soixante-dix ans, ce jeune et vieux aventurier emballait ses pinceaux et ses peintures pour aller finir ses jours en exil à Bordeaux, en France. Il y retrouva un certain nombre de ses compatriotes, réfugiés de la tyrannie du nouveau roi d’Espagne, Ferdinand VII .
S’installant dans la colonie espagnole de Bordeaux, Goya commença à peindre à nouveau. Sa vue était maintenant si faible qu’il était obligé de peindre à l’aide d’une loupe. Cependant, certaines des peintures qu’il a réalisées à cette époque, notamment les miniatures qu’il a peintes sur des morceaux d’ivoire, comptent parmi les plus rares biens artistiques au monde. Tandis que sa vision diminuait jusqu’à la fin, son audition a complètement cédé. Un de ses amis le décrit assis au clavecin, jouant une mélodie espagnole et baissant l’oreille en direction de l’instrument dans le but vain de saisir le chant aimé de sa patrie.
Au début du printemps de 1828, il envoya une lettre à son fils Xavier, qui lui avait écrit de Madrid qu’il venait le voir. "Cher Xavier, " dit-il, "je n’ai rien d’autre à dire à part que je suis ravi de pouvoir te voir et que je suis malade. Dieu veuille que je vive pour t’embrasser. Ma joie sera alors complète. Adieu "
Le 16 avril, il entreprit son dernier voyage. Il a été enterré tranquillement à Bordeaux. Ce n’est qu’en 1900 que les restes du Premier peintre exilé d’Espagne, exilé, sont ramenés à Madrid. Il a enfin eu droit à un magnifique enterrement. Son cercueil a été tiré par huit chevaux ornés de plumes dorées sous les yeux de toute la population madrilène. Dommage que Goya n’ait pas été en vie pour peindre ce dernier des caprices de son destin cynique. C’était peut-être le plus grand de ses chefs-d’œuvre.
Les œuvres de Goya sont visibles dans la meilleurs musées d’art à travers le travail, en particulier dans le musée du Prado à Madrid.
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