Rembrandt: portraitiste hollandais, peintre d’histoire biblique Automatique traduire

Rembrandt van Rijn (1606-1669)

Portraitiste suprême

Considéré par les critiques d’art comme l’un des plus grands d’Europe Maîtres Anciens et le plus important de tous Artistes réalistes hollandais , Rembrandt Harmenszoon van Rijn était le portraitiste suprême et un magnifique représentant de Réalisme hollandais comme influencé par les souches plus larges de Peinture baroque . En particulier, il est particulièrement célèbre pour son Art biblique , ainsi que son gravure (notamment gravure). Ses peintures illustrent la manière sombre de Art baroque hollandais – un style inspiré du Caravage, caractérisé par un travail au pinceau luxuriant, une couleur riche et une maîtrise du clair-obscur (traitement de la lumière et de l’ombre).

Son portrait – en particulier son autoportraits – reflète une capacité unique à pénétrer le caractère humain et son travail constitue un témoignage vivant de la vie contemporaine à Amsterdam. Moins superficiellement dramatique que son contemporain Rubens , Les peintures de Rembrandt reflètent les émotions contenues et l’esprit dévot de la Hollande calviniste et de la nouvelle Art de la réforme protestante . Il était un maître de tous les genres de peinture, y compris le paysage, l’histoire et la peinture de genre, ainsi que le portrait.

Méthodes de peinture

Les peintures de Rembrandt se caractérisent par de larges coups de pinceau épais, l’utilisation de couches de vernis pour donner aux scènes plus de profondeur et de gravité et, en particulier, son traitement magistral de la lumière et de l’ombre ( clair-obscur ). Il a été fortement influencé par le peintre italien Caravage (1573-1610) et le Caravagisme mouvement, mais Rembrandt est allé plus loin en décrivant l’humeur et les sentiments mentaux de ses personnages à travers une accentuation des traits physiques et de l’expression faciale, illustrée par sa vaste gamme de portraits et d’autoportraits.

Rembrandt a maintenu un studio d’art enseignant pendant de nombreuses années, enseignant à peu près tous les peintres néerlandais importants de son époque. Bol, Flinck, Eekhout, Koninck et Aert de Gelder comptent parmi ses élèves en art, mais son influence s’étend à toute l’histoire de l’art moderne. Parmi de nombreux autres artistes célèbres, le grand peintre de genre américain Edward Hopper était un admirateur particulier du Hollandais.

Le caractère unique et la réputation artistique de Rembrandt reposent sur sa profonde humanité. La perception de son portrait reste inégalée et sa maîtrise inégalée du clair – obscur (traitement de la lumière et de l’ombre) a été reconnue par tous les critiques d’art même lorsqu’ils estimaient que son sujet était inapproprié.

Plus grandes peintures

Les experts en art du début du XXe siècle ont évalué la production de Rembrandt à plus de 600 peintures, près de 400 gravures à l’eau-forte et 2 000 dessins. Cependant, les recherches récentes menées par le projet de recherche Rembrandt ont permis de réduire ce nombre à près de 300 peintures, 300 gravures à l’eau-forte et un peu moins de 2 000 dessins. Il comprend la peinture de paysage et biblique Art chrétien , plus quelques exemples de peinture de paysage, ainsi que son plus célèbre portrait.

Voici une courte sélection de ses plus grandes peintures, des œuvres les plus importantes.

Un artiste dans son atelier (c.1629) Musée des beaux-arts, Boston, MA.
Samson trahi par Delilah (c.1630) Gemaldegalerie, Berlin.
Le marchand Nicolaes Ruts (1631) La collection Frick, New York.
La leçon d’anatomie de Dr. Nicolaes Tulp (1632) Mauritshuis, La Haye.
Portrait d’une jeune femme à l’éventail (1632) Nationalmuseum Stockholm.
Le constructeur naval Jan Rijcksen et son épouse Griet Jans (1633), collection royale.
La fête de Belshazzar (c.1635) National Gallery, Londres, Royaume-Uni.
Le sacrifice d’Isaac (1635) Hermitage, Saint-Pétersbourg.
L’aveuglement de Samson (1636) Stadelsches Kunstinstitut Frankfurt am Main.
Danae (1636) Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie.
Le prédicateur mennonite Cornelis Claesz Ansloo et sa femme (1641), Berlin.
Portrait d’Agatha Bas (1641) Collection royale, Royaume-Uni.
Vieux rabbin (1642) Szepmuveseti Muzeum, Budapest.
La veille de nuit (1642) Rijksmuseum, Amsterdam.
Susanna surprise par les aînés (1647) Gemaldegalerie, Berlin.
Le souper à Emmaüs (1648), Louvre, Paris.
Portrait de Hendrickje Stoffels (c.1650), musée du Louvre, Paris.
Aristote contemplant le buste d’Homère (1653) Metropolitan Museum, NY.
Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654) Louvre, Paris.
Portrait de Jan Six (1654) The Six Collection, Amsterdam.
Une femme se baignant dans un ruisseau (1655) National Gallery, London.
Jacob bénissant les fils de Joseph (1656) Kassel.
Dame à l’éventail d’autruches et de plumes (1660) National Gallery, Washington DC.
La conjuration de Claude / Julius Civilis (1661) Nationalmuseum, Stockholm.
La guilde des syndics de la drapière (Staalmeesters) (1662) Rijksmuseum.
La mariée juive (c.1665-8) Rijksmuseum, Amsterdam.
Lucretia (1666) Institut des arts de Minneapolis, Minneapolis, MN.
Retour du fils prodigue (1669) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.

Considéré du point de vue de la technique, Rembrandt est simplement l’adaptateur et le perfectionneur de cette soi-disant "manière sombre" de la peinture que Caravage et ses disciples avaient largement répandue dans l’Europe de l’Ouest. Considéré plus intimement, Rembrandt est le représentant d’une sympathie romantique et d’un mirage qui lui est propre – d’une poésie personnelle qui transcende entièrement l’ école néerlandaise . Ainsi, Rembrandt est le premier grand peintre enregistré qui réagit habituellement contre son environnement, préférant vivre dans un isolement orgueilleux, le premier génie rebelle de la peinture, le premier peintre du genre moderne.

Il a atteint cette position de dissidence progressivement, après quinze ans de conformité.

Bien que maintenant fermement établi comme le plus grand chiffre dans Peinture hollandaise du XVIIe siècle La carrière de Rembrandt a été perturbée de l’extérieur et de l’intérieur. Ses adversités matérielles, il a partagé avec de nombreux artistes contemporains; son inadaptation morale était de son fait. Il l’a surmonté par de nombreuses étapes pénibles. Sa semble une double personnalité. Dans un aspect, il est simplement le plus fidèle des portraitistes néerlandais et le plus littéral des peintres narratifs néerlandais. Dans l’autre aspect, il recherche l’étrangeté et le mystère – un tempérament romantique incorrigible, également capable des sublimités romantiques et des puérilités. Il peut descendre à bon marché mascarade; il peut s’élever à la hauteur d’une vision imaginative. Cette dualité traverse les près de quarante ans de son activité.

À côté de ses créations les plus visionnaires, il dresse les portraits les plus objectifs. Il peut être très bon dans les deux sens – excellent dans la Dame au Fan ; dans le portrait de Saskia , à Cassel; dans le portrait de janvier six ; encore plus grand et plus lui-même dans le Bon Samaritain et le Dîner à Emmaüs . Il échoue relativement lorsqu’il ne parvient pas à harmoniser les deux objectifs, comme dans la leçon d’anatomie qui, avec une grande réalité, n’a pas de prestige, ou la garde de nuit , qui, avec un prestige extraordinaire, manque de réalité. Il est meilleur lorsqu’il investit la réalité palpable dans le glamour, comme dans l’ autoportrait de la collection Frick et le groupe immortel des Syndics of the Cloth Guild .

Premières années

Rembrandt Harmensz van Ryn est né à Leyde, le 15 juillet, probablement en 1606. Son père était un meunier, assez prospère et ambitieux pour la famille, car il l’avait envoyé à l’école latine pour se préparer à la loi. Ce plan a cédé à la vocation évidente du jeune Rembrandt de peinture d’art . Il étudie pendant trois ans avec Jakob van Swanenburch , un peintre italianisant au talent modeste mais agréable dans un paysage idyllique, imitateur intelligent des Nordistes italianisés de Rome Adam Elsheimer et Paul Bril, et ce qui était peut-être plus important pour la formation de Rembrandt, un graveur accompli. Plus tard, le jeune Rembrandt travailla six mois avec un maître plus vigoureux, mais toujours italien, le caravagien Pieter Lastman , à Amsterdam. Vers 1626, alors que Rembrandt avait environ vingt ans, nous commençons à obtenir de petites images signées d’un genre très laide qui montrent le jeune maître qui se débat sérieusement avec le problème de la représentation. Cet effort a été achevé avec succès en environ six ans, en 1632. C’est la période de l’auto-éducation technique de Rembrandt.

Il souhaite construire de la "nouvelle manière à la mode" nouvelle et à la mode qui s’était déplacée du Caravage récemment décédé à travers son émulateur Gerard Honthorst dans le sud de la Hollande. La "manière sombre" exigeait une renonciation aux vieux schémas de couleurs décoratives au profit d’une construction solide en clair et sombre, une pré-dominance sombre, et elle impliquait également l’affirmation de l’intérêt des gens du peuple et de leurs manières par rapport à l’aristocratique et un peu dignité conventionnelle du style Renaissance. Le jeune Rembrandt veut de la forme, une emphase maximale sur la construction; dans l’expression, l’accent maximum mis sur l’émotion, et avec ces idéaux pendant trois ou quatre ans, il peint les premiers tableaux les plus repoussants jamais perpétrés par un grand peintre. Les regarder suffit, souvent trop: Tobias et sa femme , 1626; Balaam et l’Ange , 1626; Jésus expulsant les changeurs d’argent , 1626; le peseur d’or, 1627; À part des signatures incontestables, il serait très difficile de voir dans un tel travail forcé et laborieux les débuts du créateur de Night Watch , du Souper à Emmaüs et de la Syndics of the Cloth Guild .

Il y a une hésitation entre ligne et bord – les deux sont durs, raides et laids, peut-être parce que pas assez durs. Il y a partout une préoccupation concernant les effets sensationnels de l’éclairage, comme la chandelle dans la peseuse d’or , mais ces effets ne se réalisent ni comme des apparences naturelles ni comme des facteurs de design imaginatif. Il y a une vacillation technique. Le jeune Rembrandt aime les ombres larges, sereines, plutôt opaques des ténébristes, mais il les veut également transparentes, et il charge l’ombre pour provoquer des coruscations qui compliquent et nuisent à la simplicité de la méthode.

Bientôt, les petits récits s’améliorent, perdent quelque chose de sensationnaliste dans la manipulation et l’expression, atteignent une juste harmonie de ton. Une image telle que la petite Andromède , si simple et pourtant conçue de manière aussi pittoresque, est déjà magistrale. Le minuscule Bathsheba ; le souper théâtralement efficace à Emmaüs ; Siméon dans le temple a mis en scène de manière romantique le groupe avec son intention, ses lumières, son orientalisme vague et ses hauts espaces où s’interpénétraient mystérieusement la lumière et l’obscurité. Tous ces personnages témoignent d’un grand talent dramatique qui élimine rapidement les défauts mélodramatiques plus crus, affinant constamment ses méthodes de présentation, qui viennent clairement à elle-même.

Mais la marque de la griffe du jeune lion apparaît plus clairement dans les nombreux petits portraits de ces années juvéniles. Nous en avons environ cent, principalement de lui-même ou de son père, de sa mère et de sa soeur. Peut-être le plus ancien, et certainement le plus instructif d’entre eux, est le petit autoportrait bien connu de Cassel. Il montre un masque plutôt grossier et sensuel; dans les lèvres inconsciemment ouvertes et les yeux profonds presque effacés par l’ombre, il y a un soupçon de mécontentement et de volatilité du visionnaire. La méthode, avec une répartition assez uniforme de la lumière et de l’obscurité, est très semblable à celle du Caravage. Mais je pense que les cheveux en bataille, frisés, si bien suggérés dans la masse en quelques coups individuels, auraient difficilement pu être peints de cette façon sans avoir au préalable vu quelque chose de Tintoret . On a le sentiment d’un personnage formidable et maussade vivant encore dans une confusion des buts de la chair et de l’esprit. C’est en effet une confusion que Rembrandt devienne très lentement. D’après l’autoportrait de 1629, à La Haye, Rembrandt a l’air de se retrouver. Il fait face au monde avec confiance, est déjà pleinement conscient de sa propre maîtrise. La manipulation est plus urbaine; le gorget d’acier non appelé est un peu une mascarade que Rembrandt utilisera et abusera souvent dans ses portraits de lui-même et des autres.

Les progrès de Rembrandt vers une telle maîtrise ont été rapides, mais également brisés. Il y a beaucoup d’inégalité dans ces petites têtes écrasées avec tant de passion. Beaucoup n’ont rien de précieux à leur sujet, à l’exception du monogramme RHL, qui raconte que Rembrandt, le fils d’Harmen de Leyde, les a peintes. Le portrait de 1629 de lui-même, coiffé d’un chapeau à plumes, au musée Isabella Stewart Gardner, à Boston, constitue un excellent point de repère pour ses progrès en cette période d’étudiants. À l’ancienne énergie, il ajoute l’urbanité et la distinction. Il manque encore la richesse de la tonalité qu’il commandera bientôt, mais cela montre déjà le grand maître.

En 1632, à la fin de la vingtaine, Rembrandt avait réalisé des portraits réalistes aussi loin que le permettait sa technique initiale. Prenez, par exemple, le buste ovale de sa sœur. Il a presque tout ce qui fait un bon portrait: un rendu puissant de la forme avec des moyens très délicats, une compréhension vraie et sympathique d’un caractère fin et robuste, une composition admirable dans les motifs et dans la profondeur atmosphérique. Et cette Néerlandaise compétente et noble semble sur le point de dire quelque chose de sensé et d’amical. Réaliser la grande supériorité de ce portrait sur les sept ou huit autres de la même jeune femme, c’est apprendre une leçon de goût. À part une certaine chaleur et un charme de tonalité, il ne manque de rien du Rembrandt perfectionné.

La période mûre de Rembrandt: Amsterdam (1632-41)

Nous pouvons considérer 1632 comme l’année de la sortie de Rembrandt de ses activités d’étudiant. Un an plus tôt, il avait quitté Leyde pour se lancer dans la prospérité de la capitale commerciale, Amsterdam. Outre sa peinture, il avait réalisé de nombreuses gravures. En classe, ces premières plaques éraflées ne sont pas impressionnantes, mais des portraits gravés à l’eau-forte, comme ceux de sa mère, datés de 1628 et 1631, annoncent sa maîtrise imminente. Pour obtenir son diplôme, il lui fallait un diplôme, qu’il a fourni dans la leçon d’anatomie du Dr Tulp , La Haye, 1632.
C’est probablement l’image la plus surestimée au monde, car, si elle abonde en observation précise et en traitement tenace, elle manque d’unité et de dignité.

En couleur, il est plutôt neutre et brut. La sur-insistance sur l’effet plastique des têtes altère tout motif existant et rend la surface grumeleuse. Le groupe est même placé de manière ambiguë – à quelle distance est-il supposé être du plan d’image? L’arrangement des têtes avec trop de postures parallèles est monotone, et le soulagement tenté en faisant regarder trois hommes en dehors de la photo est immotivé et artificiel. Le Dr Tulp lui-même est singulièrement insignifiant. Le cadavre est mou et sans la rigidité de la mort. Il faut l’imaginer peinte à partir d’un modèle vivant. Il suffit de comparer ce groupe avec le premier Doelen of St. George’s de Frans Hals, seize ans plus tôt, pour se rendre compte de son infériorité dans l’essentiel de la composition fine.

Bien entendu, une surestimation de plusieurs siècles doit avoir ses raisons. Le mérite de ce tableau – une création extraordinaire après tout pour un peintre âgé d’environ vingt-cinq ans – réside dans la réflexion et la concentration professionnelles de la tête. Pris individuellement, ils ont un caractère superbe. Tout Amsterdamois prospère qui voit cette image voudrait à juste titre que Rembrandt peint ses portraits de famille. Et c’est ce qui s’est réellement passé. Pendant neuf ans, jusqu’en 1641 et sous le régime de Surveillance de nuit , Rembrandt prospéra puissamment en tant que portraitiste professionnel, perfectionna sa «manière sombre» en rendant l’obscurité encore plus pénétrable, en donnant au ton harmonisé la richesse et la valeur de Couleur .

Cette phase de son progrès peut être très facilement appréhendée par une image trop familière pour nécessiter une reproduction, le petit érudit situé près d’un escalier en colimaçon , 1632. Bien qu’une grande partie de la surface soit très sombre, il n’y a pas de zones mortes. La construction est claire, même là où elle est presque perdue. Tout est peint avec tendresse, sans perte de force, d’emphase ou de caractère. Enfin, la petite figure du penseur domine étrangement une grande scène qui, dans un aspect, n’est que son étude; dans un autre, cela semble une sorte d’émanation de son humeur contemplative. Peint entièrement en brun, il n’y a pas de sentiment de monochrome. On l’accepte comme tant de couleur riche et variée.

Son gain de raffinement en tant que portraitiste peut être mesuré par les deux doubles portraits – le capitaine de navire et sa femme , 1633, et le prédicateur mennonite Cornelis Claesz Ansloo et sa femme , 1641. Les deux couples sont intelligemment pris au piège de relations momentanées, presque évidentes, mais les relations qui sont importantes. La femme du capitaine du navire disparaîtra dès la remise de la lettre. Sa main n’a pas quitté la poignée de la porte – aucune interruption de la conception du navire n’est absolument nécessaire. La femme du prédicateur écoute avec attention et respect ce qui semble être un sermon bien commencé. C’est son rôle personnel et elle l’a accepté volontiers. Les deux intérieurs sont admirablement suggérés, la dernière image offrant une modulation plus subtile et plus riche des lumières et des foncés, ainsi qu’un sens plus vif de la spatialité.

Le mariage de Rembrandt à Saskia van Uylenborch

Le 10 juin 1634, Rembrandt épousa une fille charmante et aimable et, en passant , une héritière, Saskia van Uylenborch . Leur bonheur est presque trop souligné dans le célèbre tableau de Dresde, où Rembrandt lève un verre à vin, tandis qu’il caresse Saskia sur son genou, 1635. C’est un chef-d’œuvre exultant, peint de manière magique.

Il est de coutume de dater de son mariage une phase dramatique et sensationnelle de l’art de Rembrandt, en tant qu’exaltation de l’amour physique, et c’est possible. Dans tous les cas, à côté du portrait objectif, nous trouvons un nouvel intérêt pour les thèmes sensationnels. C’est l’époque du viol de Proserpine et de Samson qui menaçait son beau-père ; l’ aveuglement de Samson ; le Danae ; de grandes images, souvent tumultueuses et trop emphatiques. Les gravures ayant le même caractère sont Christ qui expulse les changeurs de monnaie , la lapidation de Saint-Étienne , la mort de la Vierge , l’ ange qui se sépare de la famille de Tobias , l’ élévation de Lazare , la descente de la croix , les deux chasses aux lions .

C’est à présent une hypothèse plaisante que Rembrandt ait trouvé dans les bras de Saskia l’inspiration pour l’expression d’une énergie principalement physique; mais, après tout, il avait aimé ces sujets à la fin de son adolescence et il est plus raisonnable, mais aussi plus prosaïque, d’imaginer qu’il revienne à de tels thèmes alors que son propre patronage et la dot de Saskia semblaient justifier que sa peinture plaise à lui-même.

Dans le portrait professionnel de cette seconde période, il existe naturellement une certaine inégalité. L’habitude d’imposer des accessoires fantastiques et inappropriés – armure, couvre-chef oriental – est presque parfois désagréable. Cela correspond au côté moins cher de son fantasme. Mais cela révèle aussi le grand technicien qui aime multiplier les difficultés. Et, en général, le portrait de sa maturité précoce est admirable pour sa rectitude sans faille. Les portraits inoubliables abondent – l’ovale de lui-même tête nue, 1633; la demi-longueur infiniment juste et délicate de Saskia de profil; ou la perfection tranquille et sans prétention de Herman Doomer, "The Gilder"; ou la quiétude aristocratique de la demi-longueur de la Dame à l’éventail , 1641. Ces portraits de son premier âge, une fois vus, ne sont jamais oubliés. Plus tard, il peindra des portraits plus profonds avec une investiture plus profonde de la sympathie et du mystère, mais simplement en tant que peintre, il ne devait pas surpasser ces meilleurs portraits de sa jeunesse. Seules les meilleures œuvres de Frans Hals et Diego Velazquez des mêmes années peuvent sans aucun doute être comparés à ces portraits assez anciens de Rembrandt. Les Hals sembleront un peu surassés et fragiles; les Velazquez, tout aussi discrets que la peinture, peuvent sembler moins significatifs sur le plan humain.

Encore une fois, le soupçon de personnalité multiple chez Rembrandt semble être justifié par la grande inégalité même de son portrait – sa tendance à trop se laisser aller à la mascarade puérile, et plus encore par le fait qu’en même temps que son superbe portrait objectif, il peint des tableaux scandaleusement sensationnels ou moins mélodramatiques, dans le même temps, commence à peindre des thèmes bibliques avec un sérieux et une pénétration uniques, avec de nouvelles interprétations totalement siennes. Le plus grand travail de ce genre se situe dans sa dernière période, mais la tendance s’est clairement établie au cours de ces six ou sept années de bonheur sans doute extravagant et certainement de vie extravagante.

Rembrandt a convenu avec Caravaggio, l’inventeur de la "manière sombre", que les personnes bibliques n’avaient pas la dignité classique, mais étaient des personnes pauvres comme celles de Rome et d’Amsterdam. En cela, ils s’opposent tous deux à la tradition d’hellénisation du décorum transmise par les maîtres italiens. La réaction de Rembrandt était d’autant plus remarquable que, contrairement au Caravage, qui méprisait les nobles conventions, il appréciait lui-même ces qualités, étudiait sans cesse les tableaux italiens, voire les collectionnait. En tant que bon protestant et croyant en la vérité littérale des Écritures, Rembrandt a dépassé la formule généralisante du Caravage – voulant que le peuple de la Bible soit un peuple humble – et a spécifiquement insisté sur le fait qu’il était un Juif, un Juif essaimé dans les quartiers pauvres d’Amsterdam. C’était tous les dix ans avant qu’il réalise dans son art la pleine valeur de son propre point de vue.

La série Passion de Munich, réalisée dans les années 1630 pour Frederik Hendrik d’Orange, n’utilise que superficiellement les nouveaux idéaux et trahit en grande partie le sensationnalisme de ce que nous devons appeler les années tumultueuses de Rembrandt. Même la technique est rétrograde, comme si Rembrandt devait réapprendre aux sujets bibliques la leçon qu’il avait déjà apprise en portrait.

Le chef-d’œuvre de la peinture le plus abouti de la deuxième période est probablement la soi-disant Danae , 1636. Dans la vivacité délicate avec laquelle la femme nue est représentée, Rembrandt rivalise avec succès avec tous les grands clairs-obscurs – Le corrège , dont il connaissait bien le tableau; Velazquez, qui n’avait pas encore peint sa Vénus. Au milieu d’accessoires de meubles lourds et insipides en soi, mais comme illuminés, faisant partie d’un royaume des fées, la fille nue et ardente est prête à accueillir l’amoureux dont le visage apparaît juste au-delà du rideau. Les reflets de l’ivoire chaud de son corps et de la literie blanche semblent irradier cette scène fantastique, scintillant ça et là sur du bois sculpté, des bords de rideaux de velours et sur un cupidon intrinsèquement absurde, mais précieux sur le plan visuel, planant au-dessus de sa tête. De tous les premiers Rembrandts, c’est probablement celui qu’un peintre apprécierait le plus. Conçu tout simplement comme une glorification légitime de la passion physique, c’est un véritable trésor de peinture raffinée. Il apporte à une harmonie singulière la rectitude, le sensationnalisme et l’exotisme des années prospères de Rembrandt.

Pendant ce temps, il vivait dans une extravagance imprudente. La belle maison de la rue Bree était en train de devenir un musée. Rares images et objets d’art, avec l’optimisme incontrôlable du collectionneur, il considérait comme un investissement sûr de la petite fortune de Saskia et de l’argent provenant si facilement de la peinture et de l’enseignement du portrait. Parallèlement à ce qui peut sembler simplement pardonner, un mauvais jugement semble avoir quelque peu relâché le caractère. Il a eu des dizaines d’élèves et a vendu son travail à bon escient, sans doute comme le sien. Ce fait peut expliquer plus de trois cent images inférieures dans les listes standard d’environ sept cents Rembrandts.

En ce qui concerne la manière de travailler de Rembrandt – comme Frans Hals, il faisait constamment de petites esquisses à l’huile – beaucoup pour la pratique, apparemment, car très peu correspondent à des portraits finis. Des études plus sommaires de figures, de compositions de figures et de paysages ont été lancées en permanence avec le plus grossier des outils – de gros pinceaux, le stylo en anche, un bâton en bois tendre, ses doigts. Une ligne épaisse sert à la fois de contour et d’ombre de modélisation, constituant une abstraction pour les deux. Celles-ci dessins ont le pouvoir le plus extraordinaire de donner la forme et l’espace.

Il y a aussi dessins de la figure riche en connotations émotionnelles, comme l’étude de Saskia malade au lit ou son veuve qui essaie de nourrir bébé Titus avec une cuillère. La méthode par laquelle un processus unique – une ligne grossière modulée – traduit à la fois le motif en plan et l’existence en profondeur et en masse d’un dessin, ressemble à celle des grands chinois et japonais peintres stylo et encre . À Hokusai, vous le trouverez à la perfection. Il n’est donc pas étonnant que les amateurs d’Extrême-Orient, généralement opposés à ce qu’ils considèrent comme le littéralisme du dessin occidental, acceptent et admirent les dessins, les gravures et les peinture de la figure de Rembrandt.

Toute l’extravagance et l’excès romantique de Rembrandt au début de la trentaine sont illustrés dans son tableau le plus célèbre, bien qu’il soit loin de son meilleur, Night Watch , 1642. Ce devait être un portrait du capitaine Banning Cocq, avec une quinzaine d’officiers de son compagnie militaire. La formule pour ce type de groupe était solidement établie. Tous les guerriers patriotes devaient être représentés de la manière la plus reconnaissable et chacun devait recevoir une notoriété dans le groupe correspondant à peu près à sa contribution et à son rang. Ce que chaque officier portait était presque aussi important que le regard de son visage viril. Mais Rembrandt a rejeté le principe selon lequel il s’agissait bien de portraits, substituant à la place un mystère et un mirage totalement déraisonnables dans les circonstances. Ce faisant, il a non seulement offert un affront inconscient au goût et à l’épargne de ses clients, mais a également répudié ce qui était le plus cher au goût national. (Qu’importe, si, à travers une expression de soi apparemment volontaire, il créait un grand chef-d’œuvre? J’entendais une protestation amant d’art individualiste.) Mais Rembrandt a-t-il créé un grand chef-d’œuvre, ou quelque chose qui, fait avec cette intention, n’a pas atteint son but?

Il est facile de comprendre pourquoi les officiers du capitaine Cocq ont estimé ne pas en avoir eu pour leur argent. Sur une quinzaine d’employés, seuls quatre ou cinq étaient facilement reconnaissables. Le focus pictural n’était pas le capitaine, mais l’adjudant, en jaune argenté. Il y avait des traits étranges, comme la naine femelle en blanc qui glisse avec un coq à la main au milieu des jambes du soldat. Le lieu et l’heure de la réunion étaient totalement ambigus. Enfin, une entreprise bien formée était représentée comme une confusion inutile. Rien d’étonnant à ce que les officiers se soient disputés le prix et aient tiré le meilleur parti du problème en inscrivant au moins leurs noms sur une tablette. Il est juste de dire que leurs attentes ont été sérieusement sapées.

Ce qui est beaucoup plus intéressant et moins facile à deviner, c’est l’attitude de Rembrandt en la matière. Probablement la grande échelle de la photo, plus de douze mètres sur vingt, l’a séduit pour essayer d’étendre la "manière sombre" colorée qu’il avait travaillée avec succès à la petite échelle de la narration et du portrait. Cette décision visait à faire de la grande toile, non pas le portrait d’une compagnie militaire, mais un champ de bataille sombre et lumineux, les officiers et l’appareil militaire ne servant que d’absorbeurs ou de réflecteurs de lumière. Cela devait faire du fantasme une scène tout à fait familière. Pour justifier la procédure, il a choisi le moment de désordre apparent avant qu’un groupe militaire ne se mette en mouvement. Cela a peut-être arrangé les choses avec lui-même, mais pas avec ses clients. En effet, le succès relatif avec lequel Rembrandt a réalisé un effort essentiellement déraisonnable – car le tableau a un fascinant fascination – ne devrait pas nous aveugler sur le fait que sa méthode n’était et ne s’appliquait qu’à une échelle assez réduite. Un grand récit ou un tableau historique réclame plus de clarté, plus de conventionalité, et les peintres à succès de ces tableaux – Tintorettos, Veroneses, Halses, Rubenses et Velazquezes – sont restés modestement dans cette convention. Et ici, il est significatif que, à l’exception de la Veille nocturne , la poignée de grandes toiles historiques de Rembrandt soit si négligeable que les critiques la mentionnent rarement. Ils échouent tous pour la même raison, à savoir qu’une méthode luministique adaptée aux petites images intimes devient vide et sans signification si elle est appliquée à de grandes images d’importation publique. On peut ajouter qu’à cette grande échelle, l’œil exige raisonnablement plus de richesse et de variété de couleurs que ne le permet la méthode de Rembrandt.

Ainsi, bien que la Veille nocturne , tout simplement pour les passages isolés de peinture magiquement légère et imaginative, soit un champ d’observation fascinant, c’est dans l’ensemble un chef-d’œuvre qui a mal tourné.

Il est de coutume de dater la chute tragique de la fortune de Rembrandt de la controverse autour du Night Watch et de son impopularité générale. Dans cette vue, il y a probablement une exagération dramatique. Nous rendons probablement tout plus soudain qu’il ne l’était réellement. Mais la vérité générale est qu’après la Veille nocturne, le portrait de Rembrandt laisse beaucoup à désirer. Il peint ses amis, les sombres Juifs qui attirent sa curiosité et sa sympathie, des scènes bibliques d’une profonde perspicacité, probablement pour son propre compte. Et pour des raisons de chronologie, lorsque Saskia meurt en juin 1642, quelques semaines après l’achèvement de Night Watch , le bonheur personnel de Rembrandt s’est effondré avec ses fortunes professionnelles. Rembrandt a été laissé dans la grande maison encombrée avec un fils malade, Titus , âgé de neuf mois, survivant de quatre enfants qui, en moins de trois ans, était décédé naturellement au début de l’enfance.

Les critiques écrivent habituellement sur une période dans l’art de Rembrandt limitée par la mort de Saskia en 1642 et par sa faillite en 1656. Depuis cette période, son travail fantastique et réaliste a été synthétisé, ses impressions les plus raffinées et pratiquement la fin de cette activité., la division semble justifiée. Mais il convient de noter qu’il n’ya pas de différence marquée dans les idéaux entre cette troisième période et le travail de ses dernières années, il s’agit plutôt d’une différence de chances et de réussite. Il entra dans cette période comme un homme fort et fier d’environ trente-cinq ans, il la termina à quarante-neuf ans, affaibli et prématurément vieilli.

En ces temps difficiles, il s’est fait un bonheur nouveau et humble. Hendrickje Stoeffels , une infirmière et femme de ménage fidèle, est devenue sa maîtresse et, comme la relation était non dissimulée, son épouse ainsi que ses nombreux portraits. À cette époque, il devait constamment lire la Bible, peut-être moins pour des raisons de consolation religieuse que pour son répertoire étonnant de relations humaines poignantes – des récits de ses compagnons d’infortune d’autrefois.

Au cours de ces années, tombent les plus grandes images religieuses – le Bon Samaritain et le Dîner à Emmaüs ; la vision de Daniel . Bien que la méthode n’ait pas sensiblement changé, la pénétrante ténèbre avec laquelle Rembrandt aimait voiler et soulager ses personnages a acquis une nouvelle valeur spirituelle.

Il existe de nombreux portraits de Hendrickje Stoeffels, dont aucun n’est aussi parfait que celui du Louvre, aussi instinctif avec une humilité bienveillante et une fermeté modeste. Elle porte inconsciemment et sans fierté de riches bijoux, probablement achetés avec l’argent de Saskia. Les quelques portraits professionnels de ces années sont de la plus haute qualité. Celui de son ami et patron, Jan Six , 1654, n’est inférieur à aucun portrait au monde, qu’il s’agisse d’une construction rapide et massive, d’un riche effet décoratif ou d’une visualisation sympathique du personnage. Pour un tableau si parfaitement parfait, tout éloge verbal est une impertinence. Le seul véritable hommage est de s’oublier en regardant. Velazquez ou Hals n’ont jamais rien peint de plus habilement et correctement, alors que le portrait met l’accent sur le caractère et la valeur que même ces grands rivaux ont à peine commandé.

Ces années maigres et maigres ont vu la plupart de ses créations imaginatives plus fines. Nous avons l’incarnation même de l’espoir et de l’aventure juvéniles chez le coureur polonais . Avec quelle assurance la grève risque-t-elle un certain péril et une mort possible? Le cheval et le cavalier font corps – les deux pur-sang. Même le paysage montagneux et accidenté donne une impression de danger potentiel. A cette époque, la plupart de ses paysages tombent. Il conçoit la nature comme menaçante et hostile – un lieu de tempêtes imminentes, menaçant les arbres et les constructions de l’homme. Dans ces paysages, il y a plus d’emphase sur l’humeur tragique que sur la véracité. En effet, la méthode, avec ses contrastes extrêmes de lumière et d’obscurité et sa réduction de la couleur à la tonalité, est essentiellement dramatique et non descriptive. Dans deux des plus grandes images, le paysage avec des ruines et le moulin – un chef-d’œuvre que certaines critiques lui nient – Rembrandt a capturé le calme diffus de l’événement. Rembrandt était probablement fondamentalement un citadin qui observait rarement directement la nature et se contentait de créer son excès romantique dans des improvisations de studio qui étaient moins des paysages que de laisser libre cours à ses humeurs tumultueuses. Son travail d’observation du paysage ne se trouve pas dans ses peintures, mais dans ses eaux-fortes.

Ses meilleurs nus sont des récréations occasionnelles de ces années moyennes. Nous avons déjà examiné le Danae, tandis que Bathing Woman et le grand Bath – Schéba , dont les formes, comme le dira plus tard Renoir, "prennent merveilleusement la lumière". Telles étaient quelques-unes des solutions suffisantes pour réduire la santé et la fortune.

La gravure , qui dans les années prospères peut avoir été principalement une récréation, commence bientôt à être une source de revenus cruciale. Le début des années 1650 a vu la création de chefs-d’œuvre tels que la prédication du Christ , le Christ guérissant les malades , le Christ devant le peuple , Dr. Faustus . Le vieil émotionnalisme romantique réapparaît sous une forme châtiée et disciplinée dans les Trois Croix , dans le Sacrifice d’Isaac , dans la plus pathétique des évocations, Blind Tobit . Aujourd’hui, le prix de l’une de ces gravures aurait conforté la petite famille pendant de nombreuses années. Au fur et à mesure, la situation familiale s’est progressivement détériorée. La convoitise du collectionneur de Rembrandt était insatiable. La dot de Saskia et le peu d’argent qu’il gagnait se glissaient entre ses doigts.

Finalement, les relations de Saskia sont intervenues légalement et ont un peu sauvé pour former un trust pour le jeune Titus. En 1656, la grande maison de la rue Bree fut inventoriée pour une vente en faillite. Deux salles contenaient plus de cinquante peintures, dont beaucoup de maîtres italiens réputés, sans parler d’armes et d’armures, de miniatures persanes et de centaines de gravures. Rembrandt, en mai 1656, essaya de prévenir ses créanciers en cédant ses biens à Titus. La vente aux enchères, dont Rembrandt avait tendrement espéré se ressaisir, se déroula de manière désastreuse. Après seulement neuf ans et beaucoup de litiges, Titus a recouvré la petite somme qui lui était due.

La grande maison vendue au dessus de leurs têtes, la petite famille a déménagé à l’auberge de la couronne. Rembrandt tire probablement un peu de ses eaux-fortes, mais quand, en 1660, Hendrickje et Titus créent une imprimerie, leurs statuts déclarent que Rembrandt est incapable de gagner quoi que ce soit.

Mais pas incapable de peindre de superbes images! L’autoportrait dans la collection Frick, à New York, a été peint l’année de la faillite de Rembrandt. Nous avons un homme triste et usé, mais conservant avec confiance sa dignité de grand personnage. Rembrandt en ruine est toujours Rembrandt. Il y a quelque chose dans le portrait qui inspire, avec sympathie, une certaine crainte. Nous voyons un roi, certes en costume de cérémonie minable, mais toujours un roi. La photo a une sorte de monumentalité qui est la nouvelle note dans beaucoup de portraits ultérieurs. Il est fortement présent dans le Le 6 janvier 1654, et également marqué dans une vieille femme coupant ses ongles , comme dans la très élégante Dame à la plume d’autruche , l’un des derniers portraits de sa main. Cette qualité monumentale devait être superbe dans la leçon d’anatomie du Dr Joan Deijman , dont la partie centrale est conservée à Amsterdam. Le corps fortement raccourci a l’accent le plus grand, de même que les mains fermes et habiles du manifestant. L’incendie qui a détruit la plus grande partie de cette grande image de 1656 nous a, après tout, laissé suffisamment de preuves de sa maîtrise, et un schéma de composition montre que le thème a été conçu de manière monumentale. Une comparaison du fragment avec la leçon d’anatomie de 1632 indiquera le chemin parcouru par Rembrandt en vingt-quatre ans.

La plus grande image de ces années de rétrécissement est, bien sûr, le Syndics of the Cloth Guild , peint en 1662. L’un des meilleures peintures baroques , c’est sûrement le plus grand groupe de portraits existant. Sur une simple réunion de comité de cinq hommes d’affaires, Rembrandt a créé un symbole universel de rectitude et de prudence. Il existe une gamme étonnante de caractères clairement dénotés – ironie, bon caractère, bluff, franchise, soupçon de finesse et ténacité. Et ces divers tempéraments sont concentrés sur le seul but de sauvegarder les intérêts d’un métier important, qui est pratiquement un service public. C’est le sens de la solidarité, de la compréhension mutuelle, qui constitue le contenu spirituel des syndics . Deux ans plus tard, à Haarlem, Frans Hals, âgé et décrépit, devait exprimer le même sentiment que fidèlement, et de manière encore plus poignante, dans les femmes régentes de l’hôpital St. Elizabeth. . Mais il n’était plus en mesure, ni même jamais, d’incarner une telle vision avec une beauté de travail proche de celle de Rembrandt.

D’une manière mystérieuse, le rouge terne du tapis oriental qui sert de nappe semble envahir toute la surface brune. L’arabesque impeccable du groupe est admirablement mise en valeur par les éléments rectangulaires de la table, la chaise et les lambris. Les personnages vivent dans leur propre atmosphère. En regardant cet arrangement de bruns froids et froids, vous regardez un monde qui est plus précisément le monde quotidien des grandes affaires.

Les syndics était vraiment la chanson du cygne de Rembrandt, et une chanson superbement sonore. Un an plus tôt, 1661, sa dernière gravure est datée. Ses yeux fatigués ne sont plus dignes d’un travail aussi rapproché. Comment ça se passait avec lui vers la fin, comme on peut le deviner dans l’autoportrait de Kenwood House, à Londres. Il ne reste plus rien du caractère princier du portrait de Frick. Un vieillard fatigué et presque brisé, recroquevillé pour se réchauffer, regarde presque sans regarder au-delà de la main qui tient la palette et les pinceaux. Les cheveux blancs fins ne sont pas entretenus. Avec la sagesse de la démission, Rembrandt a accepté la position d’un homme pauvre et minable. Le visage n’est pas triste; l’artiste a le réconfort de son art. C’est un visage qui force la sympathie au point de pleurer sans vraiment prétendre à la pitié. Curieusement, cette apparition douce et douce a une monumentalité spectrale étrange. Avec le Syndics, il montre à quel point Rembrandt pouvait être formidable lorsque des apparences réelles et une vision imaginative défiaient conjointement son génie.

Dans la vieillesse de tout homme fort, il doit y avoir des moments noirs quand il réalise la pure horreur de la dégradation progressive de son corps. Dans un tel moment, Rembrandt a sûrement peint l’autoportrait de Cologne dans lequel il nous scrute à nous-mêmes et à lui-même avec un défi impuissant. Et ce spectre grimaçant est le portrait d’un homme de moins de soixante ans. Voici de la matière pour les profondeurs de la pitié, mais la photo ne s’apitoie pas d’elle-même. Il ne tient compte que des faits épouvantables, et la sordide effigie d’épaves humaines est étrangement glorifiée par une lumière dorée, celle du coucher du soleil pouvant transfigurer un hulk en décomposition sordide sur la plage.

Hendrickje meurt en 1661. Le fils malade Titus la suivit jusqu’à la tombe en 1668. Il restait encore un an de solitude pour Rembrandt. Il a été enterré dans le Westerkerke le 8 octobre 1669, au début de la soixantaine.

À la mort de Rembrandt, Amsterdam savait probablement qu’elle avait perdu un personnage très excentrique et intéressant, mais n’a pas l’impression qu’un grand peintre soit parti. Des dizaines de jeunes peintres, beaucoup d’élèves de Rembrandt, savaient mieux que cela. Ils ont vaillamment essayé d’imiter ce qui était presque inimitable, son style pictural, et plus malencontreusement encore, ce qui était tout à fait inimitable – son émotion personnelle.

On peut voir des œuvres de Rembrandt dans la meilleurs musées d’art à travers le monde, notamment le Rijksmuseum Amsterdam .