Le clair-obscur en peinture Automatique traduire

Quelle est la définition et la signification du clair-obscur?

Bien qu’il n’en existe pas de définition précise, le terme beaux-arts «clair-obscur» (de l’italien «clair-obscur» ou du français «clair-obscur») décrit le contraste marqué de l’ombre et de la lumière dans la peinture, le dessin ou la gravure et l’habileté de l’artiste à maîtriser les ombres pour créer l’illusion de formes tridimensionnelles.

L’idée est que la densité de la forme n’est révélée qu’en présence de lumière. (Par exemple, ce n’est qu’à l’approche de l’aube que les objets ou les figures &ndash ; jusqu’alors détectés seulement comme des taches légèrement plus sombres que leur environnement &ndash ; acquièrent du volume et une apparence tridimensionnelle). Le clair-obscur décrit la manière dont l’artiste représente l’éclairage tridimensionnel des objets, créant ainsi l’illusion de formes solides.

Origine

Le peintre de la première Renaissance Mazaccio (1401-1428) serait (cf. Des œuvres telles que «La Sainte Trinité» (1428) et «Le Miracle avec la Statue» (1426)) ainsi que les peintres de la Haute Renaissance Léonard de Vinci (1452-1519) et Raphaël (1483-1520) &ndash ; ont utilisé pour la première fois le clair-obscur pour créer l’illusion du relief &ndash ; en particulier pour modeler le corps humain. Cependant, le terme est le plus souvent appliqué aux œuvres produites pendant les périodes maniériste et baroque, en particulier le travail au pinceau du Caravage (1571-1610). (et de ses disciples Caravaggisti) et de Rembrandt (1606-1669).

Il existe un terme distinct «estampe en clair-obscur», qui désigne les gravures sur bois colorées imprimées en différents blocs, chacun utilisant des encres de couleurs différentes &ndash ; un procédé inventé par l’Allemand Hans Burgkmayr en 1508 ; tandis que «dessin en clair-obscur» est un dessin sur papier coloré où généralement la lumière est représentée avec de la gouache blanche et l’obscurité &ndash ; avec de l’encre.

Quelle est la différence entre le clair-obscur et le ténébrisme?

Et Le clair-obscur et le style maniériste de peinture connu sous le nom de ténébrisme (du mot italien «tenebroso» signifiant «trouble») sont tous deux concernés par le traitement de la lumière et de l’ombre dans la peinture ou le dessin en deux dimensions. À première vue, les peintures des ténébristes peuvent ressembler beaucoup à celles qui contiennent de forts effets de clair-obscur .

Cependant, il existe une différence théorique claire entre les deux termes. Comme décrit ci-dessus, le clair-obscur &ndash ; est une technique d’ombrage pictural utilisée spécifiquement pour donner aux objets tridimensionnels une impression de volume, c’est-à-dire pour les faire apparaître comme des corps tridimensionnels. Et le ténébrisme &ndash ; est une technique de composition en clair-obscur dans laquelle certaines zones d’un dessin sont laissées sombres (c’est-à-dire complètement noires), ce qui permet à une ou deux zones d’apparaître fortement éclairées lorsqu’elles sont illuminées.

Le Shadowbrism est utilisé pour un effet purement dramatique (il est parfois appelé «éclairage dramatique»). Aucune modélisation n’est nécessaire : on ne cherche pas à donner aux personnages une impression de tridimensionnalité. En fait, l’obscurité des tenebris est purement négative, tandis que l’ombre du clair-obscur introduit des connotations positives.

Certains tableaux du Caravage combinent le style tridimensionnel du clair-obscur et l’éclairage dramatique du tenebrismo. Les meilleurs exemples de cette combinaison sont L’appel de saint Matthieu (1600), Le martyre de saint Matthieu (1600), Le dîner à Emmaüs (1601.), Crucifixion de saint Pierre (1601), Conversion sur le chemin de Damas (1601), et Enterrement du Christ (1601-03).

Quelle est la différence entre sfumato et chiaroscuro?

Comme nous l’avons déjà noté, le clair-obscur implique l’utilisation combinée de l’ombre et de la lumière. Cependant, le point de rencontre de ces deux valeurs peut donner lieu à des lignes ou à des contours nets. Léonard de Vinci a été le premier à utiliser la technique du sfumato, pour adoucir la transition entre la lumière et l’obscurité. Dans ses notes sur la peinture, il dit que l’ombre et la lumière doivent se combiner «sans lignes ni limites, comme une fumée» (en italien «sfumato» signifie «disparaît progressivement comme une fumée»). Sfumato utilise généralement plusieurs glacis transparents pour créer un spectre tonal progressif allant du sombre au clair, éliminant ainsi les contours nets indésirables. Le sfumato est illustré par les visages de la Madone aux rochers et l’ombrage doux sur le visage de la Joconde (vers 1503, Louvre). La technique du sfumato est également maîtrisée par Giorgione (1477-1510) et par Corrège (1490-1534).

Origine et histoire du clair-obscur

La première utilisation de l’ombrage tridimensionnel dans le style clair-obscur (connu sous le nom de «skiagraphia» ou «peinture d’ombre» dans la Grèce antique) est traditionnellement attribuée à Apollodore, célèbre peintre athénien du Ve siècle. Cette technique, qui a perduré sous une forme quelque peu primitive pendant la période de l’art byzantin (vers 400-1400), a été affinée en Occident à la fin du Moyen Âge et, vers 1400, elle était devenue une caractéristique standard de l’enluminure et de la peinture évangéliques.

Voir aussi notre essai sur la valeur des œuvres d’art : Comment évaluer les peintures

Le clair-obscur à la Renaissance

Le clair-obscur dans l’Europe du Nord du XVe siècle est devenu une technique importante pour tous les artistes religieux après la vision de sainte Brigitte en Suède, qui prétendait avoir vu la lumière émise par l’enfant Jésus-Christ. Dans leurs représentations ultérieures de la Nativité et d’autres scènes impliquant l’enfant Jésus, les artistes de la Renaissance tels que Hugo van der Goos (1440-1482) ont souvent fait de cette lumière sacrée la principale source d’illumination, en s’appuyant fortement sur le clair-obscur. Léonard ) Madone aux rochers) est un autre pionnier influent de cette technique. L’approche compositionnelle a été dûment étendue à Jésus adulte dans les scènes de la Cène par plusieurs artistes, dont Tintoret (1518-1594). Alors que la plupart des peintures religieuses de la Renaissance utilisant la technique du clair-obscur servaient à créer des scènes de sérénité et de repos, les peintres maniéristes tels que Le Caravage, Paolo Véronèse (1528-1588), Giovanni Baglione (1566-1643), Georges de Latour (1593-1652) et d’autres &ndash ; ont eu tendance à l’utiliser à des fins plus dramatiques, notamment en raison de l’expérience antérieure d’artistes tels que Hugo da Carpi (1455-1523).

Pour une autre technique d’illusion en peinture, voir : le raccourcissement.

Le clair-obscur au baroque

La peinture baroque s’appuie fortement sur l’utilisation de l’ombre pour son effet dramatique. C’est le Caravage qui a appliqué l’éclairage dramatique pour obtenir le plus grand effet avec sa méthode du shadowbrism &ndash ; une technique qui s’est répandue dans toute l’Europe sous le nom de caravagisme . En raison de l’influence du Caravage à Naples, la technique du clair-obscur est devenue particulièrement populaire dans cette ville, qui était la deuxième plus grande ville d’Europe après Paris. Pour un bref aperçu, voir : Peinture de Naples (1600-1700). Pour plus d’informations sur l’art du début du XVIIe siècle, voir : L’école napolitaine de peinture (c.1600-56) ; pour les développements ultérieurs, voir : Le baroque napolitain (c.1650-1700).

Le clair-obscur est devenu une caractéristique de l’art du baroque espagnol entre les mains d’artistes tels que Francisco de Zurbarán (1598-1664) et le Napolitain Josepe de Ribera (1591-1652), tandis qu’il est également utilisé par le peintre allemand de Rome Adam Elsheimer (1578-1610), dont les scènes nocturnes occupent une position intermédiaire entre le clair-obscur pur et le ténébrisme pur . Deux des plus grands artistes d’Europe du Nord, Pierre Paul Rubens et Rembrandt, ont porté le clair-obscur à de nouveaux sommets de tridimensionnalité dramatique : Rubens, dans des œuvres telles que «Déposition de croix» (1608-12, «Onze-Lieve-Vrouwe-Kerk», Anvers) et Conséquences de la guerre (1638, Palazzo Pitti) ; Rembrandt, dans des tableaux tels que «Conférence sur l’anatomie par le Dr Nicolas Tulipe» (1632, Mauritshuis), «Sacrifice d’Isaac» (1635, Hermitage) et «Bethsabée» (1654, Louvre). Parmi les autres figures notables du style baroque du XVIIe siècle, citons Gerrit van Honthorst (1592-1656) et Gerrit Dawe (1613-1675), qui appartiennent à l’école néerlandaise du baroque, Jacob Jordans (1593-1678) baroque flamand et le peintre bolonais Gwerchino (Giovanni) Francesco Barbieri) (1591-1666).

Le clair-obscur au XVIIIe siècle et au début du XIXe

Cette tradition a été maintenue pendant la période rococo par des artistes tels que Fragonard (1732-1806) dans de telles œuvres, comme «Swing» (1767, Wallace Collection) et «Bolt» (1777, Louvre), et par Antoine Watteau (1684-1721) dans ses scènes de vacances. En Angleterre, le clair-obscur est utilisé par l’expressionniste romantique Fuseli (1741-1825) dans «La folie de Lady Macbeth» (1784, Louvre) et Joseph Wright of Derby (1734-97) dans «Expérience avec un oiseau dans une pompe à air» (1768, National Gallery, Londres). En Espagne , Goya utilise divers clairs-obscurs légers et lourds dans des œuvres telles que «Christ en croix» (1780, Museo del Prado), «Nu maya» (1800, Prado), «Saturne dévorant son fils» (1821, Prado).