Le clair-obscur en peinture Automatique traduire
Quelle est la définition et la signification du clair-obscur?
Bien qu’il manque une définition précise, le beaux arts Le terme " clair-obscur " (en italien: "clair-obscur" en français) décrit le contraste important entre ombre et lumière dans un tableau, un dessin ou une gravure, ainsi que l’habileté démontrée par l’artiste en matière de gestion. des ombres pour créer l’illusion de formes tridimensionnelles.
Le fait est que la solidité de la forme n’est détectable qu’en présence de lumière. (Par exemple, ce n’est qu’à l’aube que des objets ou des figures – jusqu’alors détectables comme des blobs légèrement plus sombres que leur environnement – acquièrent du volume et un aspect tridimensionnel.) Et si la lumière émane d’une source unique, elle éclaire les objets selon un ensemble spécifique de règles. Chiaroscuro décrit comment le peintre décrit l’illumination tridimensionnelle d’objets créant ainsi l’illusion de formes solides.
Origines
Bien que le peintre de la première Renaissance Masaccio (1401-28) – voir des ouvrages comme The Sainte Trinité (1428) et le Tribute Money (1426) – ainsi que des artistes de la haute renaissance Léonard de Vinci (1452-1519) et Raphaël (1483-1520) sont généralement considérés comme les pionniers de l’utilisation du clair – obscur pour créer l’illusion de relief – notamment dans la modélisation du corps humain – le terme est le plus souvent appliqué aux œuvres créées pendant le maniérisme. et baroques, notamment par Caravage (1571-1610) (et ses partisans des Caravaggisti), et Rembrandt (1606-169).
[Remarque: le terme séparé "gravure sur bois de clair-obscur" fait référence à des gravures sur bois colorées imprimées avec des blocs différents, chacune utilisant une encre de couleur différente – un procédé inventé par l’allemand Hans Burgkmair en 1508; tandis que "dessin en clair-obscur" fait référence à des dessins sur papier de couleur où la lumière est typiquement représentée à la gouache blanche et sombre aux encres.]
Quelle est la différence entre le clair-obscur et le ténébrisme?
Le clair – obscur et le style pictural maniériste dit ténébrisme (du mot italien "tenebroso" signifiant "trouble") concernent le traitement de la lumière et des ombres dans une peinture ou un dessin en deux dimensions. Et à première vue, une peinture ténébriste pourrait ressembler beaucoup à une peinture contenant des effets de clair-obscur puissants.
Cependant, il existe une nette différence théorique entre les deux termes. Comme décrit ci-dessus, le clair – obscur est une technique d’ombrage picturale utilisée spécifiquement pour donner une impression de volume aux objets à deux dimensions: c’est-à-dire pour leur donner l’aspect de solides en trois dimensions. Considérant que le ténébrisme est une technique de composition sombre-lumière par laquelle certaines zones du tableau sont maintenues sombres (c’est-à-dire totalement noires), permettant à une ou deux zones d’être fortement éclairées par comparaison.
Le ténébrisme est utilisé pour un effet purement dramatique (on l’appelle parfois "illumination dramatique"). Aucune modélisation n’est impliquée: aucune tentative de donner aux chiffres une impression de tridimensionnalité. En effet, l’obscurité du ténébriste est purement négative, tandis que l’ombre du clair-obscur contribue à la forme positive.
Certaines des peintures de Caravaggio associent à la fois un clair – obscur en trois dimensions et un éclairage dramatique de style ténébriste. Pour les meilleurs exemples, voir: L’appel de saint Matthieu (1600), Le martyre de saint Matthieu (1600), Souper à Emmaüs (1601), La crucifixion de saint pierre (1601), Conversion sur le chemin de Damas (1601) et La mise au tombeau du Christ (1601-3).
Quelle est la différence entre Sfumato et Chiaroscuro?
Comme indiqué, le clair – obscur implique l’utilisation combinée de la lumière et de l’ombre. Cependant, le point de rencontre de ces deux valeurs peut donner lieu à des lignes ou des contours nets. Léonard de Vinci a été le premier à utiliser la technique de sfumato afin d’adoucir la transition de la lumière à l’obscurité. Dans ses notes sur la peinture, il dit que la lumière et l’ombre devraient se fondre "sans lignes ni marges, à la manière de la fumée" (en italien, sfumato signifie "disparaît progressivement comme de la fumée"). Sfumato implique généralement l’utilisation de plusieurs émaux translucides pour créer spectre tonal graduel allant du plus sombre au plus clair, éliminant ainsi les contours nets indésirables. Sfumato est illustré dans les faces du Vierge des Rochers et le doux dégradé du visage sur le visage de la Mona Lisa (c.1503, musée du Louvre). La technique du sfumato a également été maîtrisée par Giorgione (1477-1510) et Le corrège (1490-1534).
Origines et histoire du clair-obscur
La première utilisation de l’ombrage tridimensionnel de style clair-obscur (connu sous le nom de "skiagraphia" ou "peinture d’ombres" dans la Grèce antique) est traditionnellement attribuée à Apollodoros, célèbre peintre du 5ème siècle à Athènes. Résistante sous une forme quelque peu primitive à l’époque de l’art byzantin (environ 400-1400), la technique fut perfectionnée en Occident à la fin du Moyen Âge et, vers 1400, était un trait classique des illuminations gospel et de la peinture.
Voir aussi notre essai d’art: Comment apprécier les peintures.
Le clair-obscur à la Renaissance
Le clair-obscur au 15e siècle en Europe du Nord est devenu une technique essentielle pour tous les peintres religieux, à la suite des visions de Sainte Brigitte de Suède, qui a affirmé avoir vu la lumière émise par l’enfant Jésus. Dans leurs représentations consécutives de la Nativité et d’autres scènes mettant en scène l’enfant Jésus, des artistes de la Renaissance tels que Hugo van der Goes (1440-82) ont fréquemment fait de cette lumière sacrée la source d’éclairage prédominante, en s’appuyant fortement sur le clair-obscur. Leonardo ) Vierge des Rochers) était un autre pionnier de la technique extrêmement influent. Une approche de composition qui a été dûment étendue à l’adulte Jésus dans les scènes de la Cène par plusieurs peintres, dont Tintoret (1518-154). Si la plupart des clairs-obscurs religieux de la Renaissance servaient à créer des scènes de sérénité et de calme, des peintres du maniérisme tels que Caravaggio, Paolo Veronese (1528-1588), Giovanni Baglione (1566-1643), Georges de La Tour (1593-1652) et d’autres – avaient tendance à l’utiliser pour des effets plus dramatiques après les efforts antérieurs d’Ugo da Carpi (1455-1523).
Pour une autre technique de peinture illusionniste, voir: Raccourcir.
Clair-obscur pendant le baroque
Peinture baroque s’appuie fortement sur l’utilisation de l’ombre pour son effet dramatique. C’est le Caravage qui a mis à profit sa méthode de ténébrisme, une technique qui s’est répandue dans toute l’Europe sous le nom de caravagisme. En raison de l’influence de Caravage à Naples Le ciaroscuro est devenu une technique particulièrement populaire dans la ville, qui était la deuxième plus grande ville d’Europe après Paris (et une colonie espagnole). Pour un petit guide, voir: Peindre à Naples (1600-1700). Pour plus de détails sur le début du 17ème siècle, voir: Ecole Napolitaine de Peinture (environ 1600-56); pour les événements ultérieurs, voir: Baroque Napolitain (c.1650-1700).
Le clair-obscur est devenu une caractéristique de Art baroque espagnol dans les mains d’artistes comme Francisco de Zurbaran (1598-1664) et basée à Naples Jusepe de Ribera (1591-1652), alors qu’il était également employé par le peintre né à l’Allemagne et basé à Rome Adam Elsheimer (1578-1610), dont les scènes nocturnes occupaient un juste milieu entre le clair – obscur pur et le ténébrisme pur. Il a été laissé aux deux plus grands peintres d’Europe du Nord, Peter Paul Rubens et Rembrandt à porter le clair-obscur à de nouveaux sommets d’une dramatique dimension tridimensionnelle: Rubens, dans des œuvres comme Descent From The Cross (1608-12, Onze-Lieve-Vrouve-Kerk, Anvers) et The Consequences of War (1638, Palazzo Pitti); Rembrandt, dans des peintures telles que La conférence d’anatomie du Dr Nicolaes Tulip (1632, Mauritshuis), Le Sacrifice d’Isaac (1635, L’ermitage) et Bath-Shéba (1654, Louvre). Autres exposants notables du clair – obscur baroque du XVIIe siècle inclus Gerrit van Honthorst (1592-1656) et Gerrit Dou (1613-75) de la Baroque hollandais école, Jacob Jordaens (1593-1678) du Baroque flamand et l’artiste bolognaise Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) (1591-1666).
Le clair-obscur au 18ème siècle et au début du 19ème siècle
La tradition a été maintenue pendant la période rococo par des peintres comme Fragonard (1732-1806) dans des œuvres telles que The Swing (1767, Collection Wallace) et The Bolt (1777, Louvre), et par Watteau (1684-1721) dans les fonds de feuilles de ses fêtes galantes. En Angleterre, le clair-obscur était invoqué par l’expressionniste romantique Fuseli (1741-1825) dans Lady MacBeth Sleepwalking (1784, Louvre), et par Joseph Wright de Derby (1734-1797) dans Une expérience sur un oiseau dans la pompe à air (1768, Galerie nationale, Londres). En Espagne, Goya utilisé une variété de clair-obscurs légers et lourds dans des œuvres comme Le Christ en croix (1780, Musée du Prado), Nude Maja (1800, Prado), Saturne dévorant son fils (1821, Prado).
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