Photographie de mode: histoire, styles, plus grands photographes Automatique traduire

Série de photographies d’art
Photographie de mode (1880-présent)
Histoire, Styles, Photographes.

Pour en savoir plus sur les premières inventions sur lesquelles sont fondées les séances photo de mode, voir: Histoire de la photographie (1800-1900).

Qu’est-ce que la photographie de mode?

Le terme "photographie de mode" décrit un type de photographie d’art consacré à la promotion d’articles de mode tels que les vêtements de haute couture, ainsi que les vêtements, les chaussures, les parfums et autres produits de grande consommation conçus par de grandes marques conçues par des maisons de mode du monde entier. Pratiqué par beaucoup de monde plus grands photographes, "la photographie de mode" doit être considérée avant tout comme une forme de l’art visuel plutôt qu’un art appliqué, puisque les images créées ne remplissent pas une fonction utilitaire. En outre, les photos de mode du XXIe siècle – telles que les publicités télévisées grand public – concernent principalement la promotion d’une marque (c’est-à-dire d’un concept) plutôt que d’un produit physique. (Voir aussi: Est la photographie d’art ?) Quel que soit son sens précis ou esthétique, "photographie de mode" est étroitement liée à art contemporain et culture populaire. Cela reflète non seulement les attitudes, les aspirations et les goûts populaires, mais également les opinions des femmes sur leur image de soi, leur sexe et leur sexualité. En outre, la "photographie de mode" est inextricablement liée aux médias. Émergeant initialement pour satisfaire les besoins des magazines féminins publiés par Conde Nast et Hearst, tels que Vogue et Harper’s Bazaar – et qui est aujourd’hui complété par des publications comme Elle, Cosmopolitan, Vanity Fair, W, Grazia et Seventeen – il a maintenant un impact instantané dans le monde entier révolution informatique numérique et Internet. Bien que New York ait remplacé Paris comme la Mecque de la photographie de mode dès les années 1940, Paris et Milan restent des centres de création importants, tandis que les villes d’Extrême-Orient en Inde et en Chine deviendront sans aucun doute des centres internationaux de la mode.

Histoire de la photographie de mode

Les premières photos de mode ont été produites dans les années 1860 pour documenter les créations des plus grandes maisons de couture parisiennes. L’idée d’employer des modèles professionnels était réputée être répugnante, les photographes de mode dépendaient donc de célébrités sociales, telles que Gertrude Vanderbilt Whitney ou Sarah Bernhardt, pour servir de modèles. Même lorsque des modèles à temps plein ont été utilisés par la suite, ils ont été dessinés par des artistes plutôt que photographiés, car les couturiers et les concepteurs pensaient que les photographies allaient révéler leurs secrets. Ce n’est qu’à la fin des années 1880 que les photographies de modèles ont été utilisées puis imprimées dans des magazines de mode, à la suite de l’invention du procédé d’impression en demi-teinte par Frédéric Eugène Ives (1856-1937). Ce nouveau procédé d’impression a permis de reproduire des photographies de mode dans des journaux grand public et de commercialiser la mode auprès d’un public de masse. (Voir également: Photographes du 19ème siècle.) Les deux magazines de mode les plus importants (tous deux fondés en Amérique) étaient Harper’s Bazaar (fondé par Harper & Brothers, d’abord publié en 1867, puis acheté par Hearst) et Vogue (fondé par Arthur Turnure, initialement publié en 1892, puis acheté par Conde- Nast). Ces revues et leur lectorat en expansion, ainsi que les technologies américaines en plein essor dans le domaine de la photographie et de l’impression, ont fait des États-Unis un centre important dans le domaine de la photographie de mode.

Culture et mode à Paris (1880-1930)

Mais malgré l’avantage technique des États-Unis, Paris demeura le centre de la culture occidentale, notamment dans les beaux arts et gravure. En effet, avec l’émergence de grands courants artistiques tels que l’impressionnisme (1873-1883), le postimpressionnisme (1880-1900), l’Art nouveau (1890-1914), le fauvisme (1905-1876) et le cubisme (1907-1814), Mecque de tous les artistes sérieux impliqués dans La peinture et sculpture. Berlin était un autre centre important de art d’avant-garde et la conception, grâce à l’influence de l’expressionnisme allemand, ainsi que de la influente Galerie Sturm (1912-1932), le dernier Ecole de design Bauhaus (1919-1933), et les activités de photographes comme John Heartfield (1891-1968), Raoul Hausmann (1886-1971), Hannah Hoch (1889-1978), Heinrich Hoffmann (1885-1957) et Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946).

C’était la même chose à la mode. Toutes les grandes tendances émanaient de Paris et de Berlin, et ce sont ces tendances françaises et allemandes qui ont été présentées dans Harper’s Bazaar et Vogue. Et comme la plupart des grands couturiers et des grandes maisons de couture étaient situés à Paris, c’est là que la plupart des photographies de mode pionnières ont été réalisées. En effet, la première séance photo de mode sérieuse a été réalisée à Paris en 1911 par le photographe américain Edward Steichen (1879-1973), lorsqu’il photographie une série de blouses réalisées par le couturier Paul Poiret, afin de rendre leur qualité physique ainsi que leur apparence formelle. Publiées dans le magazine Art et Decoration, les images de Steichen ont été considérées comme les premières photos de mode modernes jamais publiées. Parmi les autres magazines français qui utilisaient la photographie de mode au cours de la période d’avant-guerre, citons La Mode Practique et La Gazette du Bon Ton, tandis que d’autres photographes de mode parisiens du début du XXe siècle incluent: les frères Seeberger – Jules Seeberger (1872-1932), Louis Seeberger (1874- 1946) et Henri Seeberger (1876-1956) – Maison Reutlinger, Boissonnas et Taponnier et Henri Manuel.

Remarque: la photographie de mode française moderne provient de trois photographes de cartes postales parisiens connus sous le nom de frères Seeberger (Jules, Louis, Henri), qui ont commencé à prendre des portraits de la haute société française à partir de 1910. Alors que ces portraits occasionnels de belles femmes, vêtues des dernières tendances en matière de courses de chevaux, de centres de villégiature et de cafés, ont commencé à apparaître dans les revues et magazines, des couturiers tels que Chanel, Hermes et Madeleine Vionnet se sont précipités pour envoyer leurs mannequins se faire photographier par les frères.

Bien que durement touchée par la Grande Guerre (1914-18), la France a conservé sa position de centre de l’art et de la mode au cours des années 1920 et 1930, grâce à la naissance du surréalisme en 1924, ainsi qu’à la montée en puissance de couturiers tels que Chanel, Balenciaga, Schiaparelli et Lanvin, qui se sont tous fait connaître pour leurs styles distincts. En conséquence, la ville a continué à attirer des artistes de premier plan tels que Horst P. Horst (1906-99), Man Ray (1890-1976), Cecil Beaton (1904-1980), George Hoyningen-Huene (1900-1968), Erwin Blumenfeld (1897-1969), Brassai (1899-1984) et André Kertesz (1894-1985), ainsi que le génie du design Alexey Brodovitch (1898-1971).

Remarque: des deux côtés de l’Atlantique, l’émergence de grands magasins a considérablement accru l’accessibilité de la mode féminine. À Paris, les principaux magasins de mode comprenaient Le Bon Marché, La Samaritaine et les Grands Magasins Dufayel, tandis qu’en Amérique, ils comprenaient Macy’s, McCreary’s, Abraham & Straus, le magasin AT Stewart Dry Goods Store (à New York), Marshall Field & Company, Carson Pirie Scott (Chicago) et Wanamaker’s (Philadelphie).

Photographie de mode en Amérique (1900-1930)

Une telle activité à Paris n’a pas empêché la photographie de mode américaine de progresser également. La richesse croissante du pays, le pouvoir du Harper’s Bazaar et du Vogue, ainsi que sa tradition d’art photographique – illustrés par le travail d’Alfred Stieglitz (1864-1946), et plus tard Paul Strand (1890-1976), Charles Sheeler (1883-1965), Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-1975) – Tous ces facteurs ont contribué à faire de New York un foyer d’innovation.

Le premier photographe de mode américain réputé fut le baron Adolf de Meyer (1868-1946), connu pour ses portraits élégants de célébrités telles que Mary Pickford, John Barrymore, Lillian Gish, Ruth St. Denis, le roi britannique George V et Queen Mary. qui devint en 1913 le premier photographe de mode officiel du magazine américain Vogue, qui appartient maintenant à Condé-Nast. De Meyer a été le premier à imprégner ses photos de mode d’un sentiment d "humeur" en baignant ses clichés dans une atmosphère limpide et une lumière scintillante. Ce raffinement a ouvert la voie à la photographie de mode pour évoquer un large éventail de sentiments chez le spectateur, abandonnant ainsi la convention traditionnelle qui consiste à utiliser des photos de mode pour illustration uniquement à des fins. (Pour les effets évocateurs créés par les premiers photographes portraitistes, voir le travail de Julia Margaret Cameron : 1815-1879.)

Au début du XXe siècle, un autre facteur important de la croissance de l’industrie de la mode américaine (et donc de la photographie de mode américaine) concerne l’essor de l’industrie du prêt-à-porter et le développement contemporain d’un État américain indépendant. style assez déconnecté de la mode parisienne. En effet, le marché américain de la mode est passé de la couture parisienne au prêt-à-porter individualisé, commercialisé et promu par le biais de magazines tels que Women’s Wear Daily (fondé en 1910), Harper’s Bazaar et Ladies Home Journal (fondé en 1883). premier magazine américain à atteindre 1 million d’abonnés).

En 1924, les effets de flou artistique d’Adolf de Meyer sont remplacés par le style géométrique épuré du modernisme photographique de Steichen, qui substitue un fond simple mais élégant aux décors rococo de De Meyer. Comme les lignes lisses, les formes géométriques et les formes simplifiées de Art Déco – le mouvement du design extrêmement influent développé en Amérique – les photos de Steichen montrent que les photographes de mode américains ont l’intention de diriger l’ Europe et non de la suivre. Le fait que l’Amérique soit le pays des émigrants européens, libéré des valeurs traditionnelles et traditionnelles de leur pays d’origine, constituait un avantage supplémentaire. Ainsi, Steichen a pu représenter la femme moderne dans un vêtement moderne qui reflétait sa liberté retrouvée du corset – une situation décrite plus tard par Horst P Horst dans son image de Vogue, intitulée "The Mainbocher Corset" (1939). Voir également la série de photographies de Marion Morehouse par Steichen, qui incarnait l’archétype de la femme "contemporaine", la fille.

Carmel Snow, rédacteur en chef de Harper’s Bazaar, a également pris des dispositions pour que le photographe sportif hongrois Martin Munkacsi (1896-1963) réalise des photos pour un maillot de bain, à l’air libre, sur une plage venteuse. Alors que Lucile Brokaw, la mannequin, se dirigeait vers la caméra, Munkacsi la photographiait en mouvement, floue et les cheveux défilant, et brisait à l’instant la convention selon laquelle les photographies de mode ne pouvaient être prises que dans un environnement de studio contrôlé. Le réalisme spontané de Munkacsi a révolutionné l’esthétique de la photographie de mode et a ouvert la voie aux autres.

L’invention de Kodachrome, un type de film couleur introduit par Eastman Kodak en 1935, est également importante. L’un des premiers photographes à utiliser la couleur dans les photographies de mode est Louise Dahl-Wolfe (1895-1989), plus connue pour ses photographies en extérieur. tire pour Harper’s Bazaar. Elle a également été l’une des premières à utiliser la lumière naturelle et à utiliser des lieux exotiques pour ses photographies.

Photographie de mode surréaliste

Présidé par son théoricien en chef André Breton (1896-1966), la société parisienne Surréalisme le mouvement, avec ses fantastiques attributs oniriques, a eu une influence significative sur la photographie de mode. C’est le travail de Man Ray, le cameraman américain, qui a tracé une nouvelle direction pour la photographie de mode, en particulier parce qu’il a fait fi des conventions et qu’il a expérimenté l’imagerie surréaliste et expressionniste dans sa pièce sombre. En fait, son style d’artiste picturaliste, d’intérieur et artificiel, représentait l’extrémité opposée du spectre à la spontanéité de Munkacsi. Erwin Blumenfeld (1897-1969) est un autre photographe picturaliste important. Il emploie de nombreuses techniques, dont la solarisation, la surimpression, la juxtaposition de transparents de couleurs et même le refroidissement de négatifs négatifs au réfrigérateur pour obtenir des effets surréels. Parmi les autres photographes photographes ayant incorporé des idées surréalistes dans leurs photos, citons l’Anglais Peter Rose Pulham (1910-1956), le Français André Durst (1907-1949), l’Américain George Platt Lynes (1907-1955) et l’inimitable Cecil Beaton.

Seconde guerre mondiale et années 1950

L’avènement de la guerre a incité de nombreux peintres, sculpteurs et photographes européens à passer à la sécurité des États-Unis. La tendance a commencé dans les années 1930 et s’est accélérée depuis l’arrivée au pouvoir de Hitler en Allemagne, en 1933. Ainsi, le designer et photographe Alexey Brodovitch (1898-1971) a émigré de Paris à New York en 1930; Martin Munkacsi l’a fait en 1934; George Hoyningen-Huene a déménagé en 1935; et Erwin Blumenfeld (1897-1969) en 1941.

La mode aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale était une entreprise déprimante. Non seulement il y avait un grave manque de matériaux de mode, de créateurs et de mannequins, mais les gens avaient perdu tout intérêt pour les vêtements face à tant de tragédies et d’incertitudes. La mode était considérée comme une forme de complaisance inutile et frivole. Pour renouer les liens avec leurs lecteurs, les magazines de mode ont décrit le rôle des femmes dans la guerre, ont promu la mode pour renforcer le moral, remplacé les chroniques de la société par des reportages de guerre et ont défendu des vêtements uniformes sur mesure. La photographie en studio avec ses systèmes d’éclairage coûteux et ses installations complexes a presque entièrement disparu. De nombreux photographes (Lee Miller à Paris, Cecil Beaton à Londres, Louise Dahl-Wolfe à New York) ont adopté un style direct et direct, presque comme un documentaire.

À la fin de la guerre, le centre mondial de la photographie de mode était passé de Paris à New York, où la rivalité entre Harper’s Bazaar et Vogue battait son plein. Les photographes les plus importants étaient maintenant Martin Munkacsi, Louise Dahl-Wolfe, Irving Penn (1917-2009), Richard Avedon (1923-2004), qui apporteraient tous une contribution significative à la photographie de mode, bien que Penn et Avedon domineraient le genre pendant des années. Comme beaucoup de grands artistes modernes ils avaient la capacité de se réinventer presque toutes les décennies.

Les photos d’Avedon sont marquées par leur insouciance chic et leur vitalité sans bornes. Il possédait également un don unique pour la prise de risque inventive et l’expérimentation imaginative, et était un observateur de talents perspicace, trouvant toujours le "visage" qui capturait le mieux le "look" du moment, tels que Dorian Leigh, Suzy Parker, Twiggy, Jean Shrimpton, Brooke Shields et Nastassja Kinski. En revanche, la photographie de Penn était axée sur la beauté et la forme – des éléments qui se combinaient parfaitement dans ses dernières séries de photographies de natures mortes. Il fut le premier à utiliser des arrière-plans gris et blancs austères, et les arrangements de son studio étaient à la fois esthétiques et méticuleux. Si le travail d’Avedon peut être décrit comme "immédiat", celui de Penn est "monumental". En plus de leur travail de mode, les deux hommes ont produit des portrait d’art – Voir, par exemple, le portrait immortel de Pablo Picasso par Penn ou le portrait du modèle Dovima par Avedon vêtu d’une robe Dior entourée d’éléphants d’Afrique.

L’artiste photographe britannique est un autre talent majeur de l’après-guerre. Norman Parkinson (1913-90), qui a rejoint Vogue (International) en 1946 et a commencé à travailler pour US Vogue en 1949. Le style "réaliste" de Parkinson et sa personnalité plus grande que nature ont contribué à transformer la photographie de mode conventionnelle.

En général, on peut dire qu’au milieu des années 50, une nouvelle esthétique fluide et énergétique avait émergé pour remplacer l’approche plus statique de l’avant-guerre. En un sens, cela ne faisait que refléter la confiance croissante à la fois des entreprises et des consommateurs alors que la prospérité commençait à s’implanter à travers l’Amérique. Avec un regain d’intérêt pour les vêtements, stimulée par l’image élégante et les tenues des stars du cinéma, les femmes américaines ont commencé à vouloir plus de mode et les magazines dûment obligés. Outre Avedon, Penn et Parkinson, William Klein (né en 1928) et Lillian Bassman (1917-2012) comptaient parmi les principaux photographes de mode des années 1950.

Remarque: Harper’s Bazaar et Vogue se disputaient les éditeurs de mode, directeurs artistiques et designers les plus novateurs. Nombre d’entre eux ont eu un impact considérable sur le développement des vêtements et des photographies de mode, grâce à leur influence sur leurs photographes et cameramen indépendants. Les deux meilleurs exemples sont: Alexey Brodovitch, directeur artistique de Harper’s Bazaar (1934-1956); et Mme T. Reed Vreeland, rédactrice mode chez Harpers (1936-1962), plus tard rédactrice en chef chez Vogue.

Photographie de mode dans les années 1960

Alors que les années 1950 introduisaient un esprit frais et aventureux dans l’art de la mode, les années 1960 furent témoins d’un changement total. Un nouveau monde de la mode s’est ouvert à la suite de la révolution culturelle des années 60. Nouvelles formes de musique pop, pop Art, plus de temps libre, une attitude plus libérale à l’égard du sexe et, bien sûr, le soudain «fossé des générations», qui ont tous contribué à rendre la mode extrêmement pertinente pour les jeunes – un phénomène qui se traduit par l’émergence de nouveaux mots comme «tendance» et «mode». conscient". Une envie généralisée d’être perçue comme «branchée» ou «cool» a alimenté la demande de nouveaux styles, formes, matériaux et couleurs. La guerre du Vietnam, le programme spatial de la NASA, le mouvement de libération des femmes et la question de la "race" sont d’autres influences importantes sur les attitudes envers la mode (et donc la photographie de mode). Bien que non dominée à 100% par la culture des jeunes, la mode des années 60 a été redéfinie par les exigences des jeunes.

Cette demande croissante pour la mode, alliée à l’évolution des valeurs sociales et morales, a eu un impact majeur sur la photographie de mode. Les meilleurs jeunes photographes – comme le trio londonien de David Bailey (né en 1938), Terence Donovan (1936-96) et Brian Duffy (1933-2010) – bénéficiaient de tarifs exceptionnels et d’un statut emblématique; Bailey est devenu presque aussi célèbre que les célébrités qu’il a photographiées. Des mannequins comme Jean Shrimpton (la muse de Bailey), Twiggy, Lauren Hutton et Veruschka sont devenus des noms bien connus.

Si la photographie de mode des années 1960 avait une esthétique unifiante, c’était la "nouveauté". Les magazines avaient besoin d’images nouvelles et excitantes pour pouvoir rivaliser. David Bailey était audacieux, direct et indéniablement concentré; Terence Donovan a été le premier à utiliser des environnements urbains rigoureux et difficiles. Yasuhiro Wakabayashi (né en 1930), mieux connu sous le nom de Hiro, a utilisé un éclairage inhabituel, des juxtapositions créatives et une sensation unique de couleur pour créer un style monumental et surréaliste; Bob Richardson (1928-2005) insère sexe, drogue et rock’n’roll dans ses photos, tout comme Art Kane (1925-1995) – à 26 ans, directeur artistique du magazine Seventeen, tandis que Diane Arbus (1923-1971) ont produit certaines des images de mode pour enfants les plus dérangeantes jamais publiées.

Pour une brève explication des termes caméra et photo, voir: Glossaire de la photographie d’art.

Photographie de mode dans les années 1970

Au cours des années 1970, les styles exotiques et hippy des années 60 ont été remplacés par des vêtements plus pratiques. Le jean est devenu "le" vêtement de marque par excellence, et la demande en prêt-à-porter (prêt-à-porter) a explosé. La mode s’est répandue des jeunes à tous les âges et ce nouveau consumérisme a propulsé la mode dans une industrie de plusieurs milliards de dollars, renforcée par des campagnes de publicité épineuses et des publicités télévisées à la pointe de la technologie.

French Vogue prend désormais la tête de la création en photographie de mode grâce à des artistes photographes tels que Helmut Newton (1920-2004) et Guy Bourdin (1928-91). Newton était surtout connu pour ses images subversives et érotiques conservant un ton ironique, tandis que Bourdin était réputé pour ses images hautement artistiques, colorées et parfois surréalistes. Deborah Turbeville (1932-2013) a été la première à utiliser des modèles en surpoids et disgracieux. Tous trois ont contribué à transformer les images de mode conventionnelles bien éclairées en quelque chose de beaucoup plus nerveux et décalé.

Les mannequins ont continué à faire les choses en grand dans les années 70. En 1975, Margaux Hemingway a signé le premier contrat d’un million de dollars en tant que visage du parfum Babe de Fabergé, tandis que Lauren Hutton a fait 25 apparitions sur la couverture du magazine Vogue (!). Les mannequins noirs ont également fait mouche, comme en témoignent Iman, Donyale Luna, Naomi Sims et Beverly Johnson, qui a été le premier mannequin afro-américain à faire la couverture du magazine américain Vogue en 1974. Cybill Shepherd a également figuré sur la couverture du magazine American Vogue., Patti Hansen, Penelope Tree, Grace Jones et Jerry Hall.

Photographie de mode dans les années 1980

Tandis que certaines des photographies de mode les plus créatives des années 1980 continuent à être produites par des "anciens" comme Richard Avedon – voir, par exemple, sa campagne publicitaire narrative "The Diors" ou son plan nu de Nastassja Kinski enlacé avec un serpent – de jeunes photographes sont également apparus sous les feux de la rampe, notamment: Herb Ritts (1952-2002), connu pour son cliché emblématique de "Stephanie, Cindy, Christy, Tatjana, Naomi, Hollywood, 1989", paru dans le magazine Rolling Stone; Bruce Weber (né en 1946) qui a présenté une nouvelle vision de la masculinité à travers ses séances photo pour Armani et Calvin Klein, tout comme Robert Mapplethorpe (1946-89) avec ses coups homoérotiques; et Gian Paolo Barbieri (né en 1938), connu pour ses travaux sur les créateurs de mode Armani, Versace, Dolce & Gabbana, Pomellato et Giuseppe Zanotti. Parallèlement, des photographes tels que Denis Piel (né en 1944) et Bert Stern (1929-2013) ont souligné l’indépendance des femmes dans divers contextes.

La controverse, un outil toujours pratique pour relancer des fortunes commerciales en perte de vitesse, a fait surface grâce à la campagne de mode de Benetton, tournée par Oliviero Toscani (né en 1942). Les images incluaient un patient mourant du sida devant des parents en deuil, tandis que d’autres comportaient des références au racisme, à la guerre, à la religion et à la peine de mort.

Parmi les meilleurs mannequins de la photographie de mode des années 1980, on retrouve Gia Marie Carangi, Ines de la Fressange, Cheryl Tiegs, Christie Brinkley, Paulina Porizkova, Brooke Shields, Heather Locklear, Carol Alt et Elle Macpherson, entre autres. C’est au cours de cette décennie que les mannequins ont cessé d’être considérés comme des individus et ont commencé à être considérés comme des images, tout comme les stars de cinéma. Observez les photos de célébrités prises par la photographe de mode Roxanne Lowit (née en 1965) de mannequins tels que Elle Macpherson, Naomi Campbell et d’autres.

Photographie de mode dans les années 1990

Au cours des années 90, la mode est devenue presque maniériste, les consommateurs adoptant des styles grunge minables, ainsi que des tatouages ​​et des piercings. Plus tard au cours de la décennie, certains styles de la fin des années 60 et du début des années 70 ont connu une renaissance, bien que les années 1990 aient conservé une nervosité qui leur est propre. Des artistes de longue date comme Irving Penn et Helmut Newton ont continué de dominer le marché, tandis qu’Ellen von Unwerth (née en 1954) a présenté aux téléspectateurs sa marque unique de féminité érotique. De plus, Peter Lindberg (né en 1944), connu pour ses photos monochromes, est devenu célèbre grâce à sa couverture de Vogue de janvier 1990 avec Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista et Tatjana Patitz. Pendant ce temps, son jeune contemporain Steven Meisel (né en 1954) a été félicité pour ses clichés de Madonna dans son livre de 1992 "Sex" et pour Vanity Fair. Le photographe de mode péruvien Mario Testino (1954) a également attiré l’attention pour ses photos de couverture de Vanity Fair, datant de 1997, de la défunte Lady Di, princesse de Galles.

Une tendance photographique clé (surnommée "l’héroïne chic"), reflétant peut-être l’ambivalence de genre de l’époque, a été l’utilisation de modèles pâles de style androgyne émacié, illustrés par la prise de vue de "Obsession" de Calvin Klein, de Mario Sorrenti.1971), qui comportait une Kate Moss de taille.

Les années 1990 ont vu l’apogée du pouvoir des mannequins de la mode, tel qu’incarné par les superstars de la photographie citées plus haut – Naomi Campbell, Linda Evangelista, Christy Turlington, Claudia Schiffer et Tatjana Patitz. Le style Heroin Chic a brièvement fait son apparition au milieu de la décennie, mais s’est effondré avec la renommée du mannequin brésilien Gisele Bundchen en 1999. Les années 90 ont également été témoins de l’utilisation croissante de célébrités établies dans les séances photo de mode, comme le montre l’exemple de Julia Roberts., qui est devenu le visage de Lancôme.

La photographie de mode au 21e siècle

Le XXIe siècle a déjà été marqué par trois choses: les attentats du 11 septembre; la mondialisation et l’appauvrissement du tiers monde; et le ralentissement économique (2007-2014). Cela semble avoir influencé la mode de nombreuses façons. Les pratiques commerciales éthiques et les politiques vertes façonnent les politiques d’achat. Le prêt-à-porter est maintenant fabriqué en grande partie en Chine. L’évasion pour atténuer les incertitudes financières et politiques a favorisé une renaissance de la photographie de mode surréaliste ou de style kitsch, ainsi que l’utilisation continue de célébrités et de mannequins établis de longue date. Le mécontentement croissant suscité par les valeurs établies à la suite de l’austérité mondiale continue de stimuler l’utilisation d’éléments controversés dans la conception de séances photo de mode, bien que cela ne soit pas dans la lignée des prises de vues conflictuelles d’Oliviero Toscani dans les années 1980 pour Benetton.

Avec les décès de Herb Ritts (en 2002), de Richard Avedon, d’Helmut Newton, de Francesco Scavullo (en 2004) et d’Irving Penn (en 2009), les principaux photographes de mode d’aujourd’hui sont Patrick Demarchelier, Steven Meisel, Mario Testino, Peter Lindbergh et Oliviero. Toscani (né en 1942), Annie Leibovitz (né en 1949), Nick Knight (né en 1958) et David LaChapelle (1963). Christophe Kutner, Glen Luchford, Craig McDean et Javier Vallhonrat comptent parmi les jeunes caméramans.

Bien que Kate Moss, Naomi Campbell, Gisele Bundchen et d’autres modèles «établis» continuent de dominer le marché, la nouvelle génération de mannequins professionnels du XXIe siècle – citée dans Vogue américain (mai 2007) – comprend: Agyness Deyn, Lily Donaldson, Chanel Iman, Doutzen Kroes, Sasha Pivovarova, Hilary Rhoda, Coco Rocha, Jessica Stam, Caroline Trentini et Raquel Zimmermann.

Entre temps, les principaux magazines de mode (à part Vogue et Harper’s Bazaar) incluent désormais Elle (le magazine de mode le plus vendu au monde), Cosmopolitan, Seventeen, W, Vanity Fair, GQ, Grazia, Marie Claire, ainsi que Dazed and Confused et Sleaze. Nation.

Des expositions de photographies de mode sont régulièrement présentées dans plusieurs des meilleures galeries d’art contemporain à travers l’Amérique.