Est la photographie d’art? Automatique traduire

La photographie est-elle une forme d’art objectif?

Dans le débat actuel sur la question de savoir si la photographie doit être considérée comme une forme de beaux-arts, certains critiques estiment que la photographie est le fruit d’une technique scientifique plutôt que d’un travail photographique véritablement créatif. Après tout, disent-ils, un photographe amateur très peu esthétique armé d’un bon appareil photo est capable de produire des images tout à fait acceptables. En revanche, une personne qui ne sait pas dessiner, sculpter ou graver aurait beaucoup plus de mal à produire une peinture ou une statue acceptable. Pour cette raison, ils affirment que la photographie ne peut égaler la qualité créative de la peinture ou de la sculpture.

D’autres critiques ne sont pas d’accord. Ils affirment que c’est précisément parce que la photographie est si différente de la peinture et de la sculpture &ndash ; une esthétique différente s’applique . En outre, ils mettent au défi n’importe quel artiste de peindre une image qui soit aussi convaincante qu’une photographie bien composée. Par exemple, une photo du roi Charles Ier s’adressant à la foule depuis l’échafaud aurait beaucoup plus d’impact qu’une peinture de la même scène. Et comme les caméras capturent la réalité, l’impact est un élément important du travail de la caméra. Enfin, même si un caméraman non formé parvient à prendre une photo acceptable, il est peu probable qu’elle égale la créativité d’une photo prise par un photographe professionnel. C’est pourquoi, selon eux, la photographie n’est peut-être pas seulement l’une des formes d’art les plus récentes , mais même «une forme» d’art moderne - un reflet direct de l’ère scientifique moderne.

Ces questions ont été soulevées et débattues par les artistes et les historiens de l’art tout au long des 19e et 20e siècles. Nous vous conseillons de consulter l’ouvrage de Thames and Hudson «Photography : the whole story» (2012), un livre indispensable pour tous ceux qui s’intéressent à l’art basé sur les lentilles, dont les informations sont utilisées dans cet article.

Photographes d’art célèbres

Diane Arbus (1923-1971), Freak photographs.
David Bailey (né en 1938), Photographies de portrait/mode.
Cecil Beaton (1904-1980), Portraits.
Robert Duano (1912-1994), Photographe de rue français.
Walker Evans (1903-1975), Portraits de l’époque de la dépression.
Yusuf Karsh (1908-2002), Portraitiste formel.
Annie Leibovitz (née en 1949), Portraits de célébrités.
László Moholy-Nagy (1895-1946), Célèbre pour ses photogrammes.
Norman Parkinson (1913-1990), Célèbre pour ses portraits de rue.

Les images photographiques : en partie réelles, en partie imagées

Pourquoi les images photographiques sont-elles si fascinantes? Le fait que beaucoup d’entre nous prennent des photos chaque semaine, voire chaque jour, n’a pas diminué la magie des instantanés personnels ou des œuvres que l’on peut trouver dans une galerie, un musée ou un livre. Les photos placées dans un album ou publiées sur les médias sociaux peuvent nous faire rire aux éclats. Lorsque nous tombons sur des images étonnantes de l’histoire de la photographie, telles que les photographies de l’Antarctique prises au début du XXe siècle par Herbert Ponting (1870-1935), nous sommes captivés. Les images de Ponting, prises lors de l’expédition antarctique britannique de 1910 à 1913, rendent le passé lointain présent. Cependant, ces images ne sont pas de simples documents historiques : il est clair que, même dans des conditions aussi difficiles, le photographe était déterminé à ne rien sacrifier à l’effet esthétique. La photographie relève à la fois du réel et de l’imaginaire : si elle privilégie parfois l’un par rapport à l’autre, elle ne renonce jamais à son influence.

Procédés photographiques : daguerréotype, dessin photogénique

Lorsqu’en janvier 1839, on annonce au monde qu’il est possible de rendre visible une photographie dans une camera obscura (aide au dessin, qui projette ce que l’artiste a vu sur une surface à partir de laquelle il peut copier la scène), l’ingéniosité humaine semble ne pas connaître de limite. Le daguerréotype, procédé mis au point en France par Louis-Jacques-Mande Daguerre (1787-1851), permet de produire une image très détaillée sur une petite plaque de métal. L’annonce du daguerréotype en janvier est immédiatement suivie par celle d’un autre procédé photographique mis au point en Angleterre par Henry Fox Talbot (1800-1877). Le procédé de Talbot, qu’il appelait «dessin photogénique», permettait d’obtenir une image négative sur papier qui avait la chaleur et le bruit des arts graphiques . Alors que le daguerréotype était l’objet unique par excellence (il n’y avait pas de négatif), le dessin photogénique pouvait être utilisé pour créer de multiples tirages dans le positif. Depuis le début de ces développements, la photographie a oscillé entre l’unicité et la multiplicité. Aujourd’hui, une photographie unique ou en édition limitée d’un artiste célèbre peut se vendre plus d’un million de dollars, et pourtant la photographie numérique - avec sa réplication apparemment sans fin - joue déjà un rôle fondamental dans la communication mondiale.

Photographies artistiques

Il existe des milliers de photographies d’art importantes dans les collections publiques et privées du monde entier, mais la plupart d’entre elles n’ont pas été prises dans un but artistique. Certaines avaient pour but de démontrer ce que pouvait faire un nouveau support ; d’autres ont commencé leur vie comme documents, enregistrements ou illustrations ; ce n’est que plus tard qu’elles ont été qualifiées d’objets d’art. Certaines photographies, comme l’étude d’Eugène Atget (1852-1927) sur les Parisiens regardant l’éclipse, révèlent le surréel dans la réalité. D’autres, comme Autoportrait en noyé (1840) d’Hippolyte Bayard (1807-1877), jouent avec la capacité de la photographie à présenter la fiction comme un fait. Étant donné que la plupart des grandes images photographiques ont été acceptées comme objets d’art a posteriori, leur histoire ne peut être racontée en référence à des mouvements, des écoles et des cercles.

Depuis l’invention de la photographie en 1839, l’identité et le statut de ce médium ont été débattus non pas en fonction de ses origines technologiques, mais de sa relation avec l’art visuel . Peu de gens ont nié que la photographie était une invention ingénieuse de l’ère moderne, mais beaucoup y ont vu une menace pour les valeurs traditionnelles associées aux arts. Dans une société symboliquement divisée entre les «gentlemen» (ceux qui utilisent leur intellect et leur imagination) et les «opérateurs» (travailleurs physiques qui s’adonnent à un travail mécanique abrutissant), la machine qui fait des images est un défi à l’ordre social existant.

La photographie sur papier

Dans les années 1850, le daguerréotype et le calotype (nom donné par Talbot à son procédé après d’importantes améliorations en 1841) ont cédé la place à la photographie au collodion humide, basée sur l’utilisation de négatifs en verre pour produire des images sur papier. Les images obtenues étaient généralement imprimées sur du papier recouvert d’albumine (blanc d’œuf) et se caractérisaient par la netteté des détails, la tonalité brun chocolat et une surface brillante. La pratique de la photographie, tant amateur que commerciale, a connu un essor au milieu des années 1850, dont les photographes du 19e siècle ont pleinement profité. La pratique de l’impression des photographies sur papier a été libérée des restrictions de licence et deux nouveaux formats sont devenus très populaires. La stéréographie (deux images d’un même sujet, légèrement éloignées l’une de l’autre et collées côte à côte sur une carte ; le terme est aujourd’hui utilisé pour désigner la projection de corps tridimensionnels sur un plan), présente une image tridimensionnelle lorsqu’elle est observée à travers la fenêtre d’un appareil spécial ; les sujets sont parfois éducatifs, mais souvent destinés à une simple démonstration visuelle, voire à un titrage. La carte de visite, également appelée portrait sur carte, est un portrait en pied de la taille d’une carte de visite qui met l’accent sur la tenue vestimentaire plutôt que sur les traits de la personne qui s’occupe de l’enfant.

Les attitudes à l’égard de la photographie en tant qu’art

La popularisation de la photographie au milieu du 19e siècle a entraîné un changement d’attitude à son égard. La pratique du calotype dans les années 1840 et 1850 en Grande-Bretagne et en France témoigne d’un degré extrêmement élevé d’expérimentation et d’accomplissement technique et esthétique. Face à la commercialisation et à la popularisation rapides de la photographie dans les années 1850 et 1860, l’idée que la photographie puisse être de l’art - et que les photographes (issus des classes sociales inférieures) puissent être des artistes - a semblé absurde à certains. En 1857, l’historienne de l’art et historienne Elizabeth Eastlake estimait que la photographie devait être appréciée, mais seulement si elle ne montrait aucune prétention au-delà de la considération «des faits». Quelques années plus tard, le poète et critique français Charles Baudelaire dénonçait la photographie commerciale comme «l’ennemi le plus mortel» de l’art. L’influent historien de l’art John Ruskin, qui avait admiré la fidélité du daguerréotype lorsqu’il était utilisé comme support visuel à Venise au milieu des années 1840, déclara plus tard que la photographie «n’avait rien à voir avec l’art et ne le serait jamais». (Note : la photographie a donné un nouvel élan à la peinture de paysage et était sur le point de remplacer presque complètement l’art du portrait par la création de portraits personnels, mais n’était pas encore acceptée comme une forme d’expression indépendante).

Dans les années 1860, la plupart des photographes commerciaux considèrent que les qualités techniques, telles que la clarté de l’information visuelle et une qualité d’impression irréprochable, sont un moyen de démontrer la supériorité de leurs images photographiques. Ce concept technique de perfection signifiait que pour le futur photographe professionnel, la photographie était l’art du présent. Quelques personnes célèbres ont rejeté cette orthodoxie et ont vu dans la photographie un moyen de créer un entrelacement complexe entre la perfection et la réalité. La plus célèbre de ces amateurs était une femme, Julia Margaret Cameron (1815-1879). Cameron s’est mise à la photographie à l’âge de quarante ans et, au cours de la décennie suivante, a produit un grand nombre d’œuvres pour des raisons purement esthétiques. Elle utilise la mise au point différentielle, la draperie de la boîte et des accessoires aléatoires pour créer des portraits et des dessins aux tons doux et chauds, inspirés par des sujets bibliques, littéraires ou allégoriques. La conviction de Cameron que c’était elle qui créait l’art de la photographie était si audacieuse, et sa pratique unique une aspiration si modeste, montrée dans les expositions de la société photographique, qu’elle fut caractérisée par la communauté photographique comme malheureuse et excentrique, incapable d’utiliser l’équipement correctement.

Le pictorialisme

Ce n’est toutefois qu’à la fin du XIXe siècle que la subjectivité dans la photographie a acquis une plus grande légitimité culturelle. Au cœur du mouvement international connu sous le nom de «Pictorialisme», dont les représentants ont promu la photographie en tant que moyen d’expression. La photographie pictorialiste se caractérise par des techniques et des effets empruntés au graphisme et à la peinture. Bien que l’image pictorialiste soit généralement dérivée d’un négatif bien défini, les manipulations souvent importantes effectuées dans la chambre noire pour transformer l’image à partir de cette dure réalité font que chaque tirage peut être déclaré unique. Les images qui en résultent, souvent imprimées dans des teintes vives et paraissant douces, brumeuses et oniriques, étaient destinées à susciter des réactions esthétiques plutôt que littérales. De nombreuses œuvres pictorialistes invoquent le sérieux artistique élevé du symbolisme contemporain, comme on peut le voir, par exemple, dans la photographie d’Anna Brigman (1869-1950) «Harpe du vent» (1969).

Photographie droite

La figure la plus étroitement associée à l’avancement de la photographie d’art à l’époque est Alfred Stieglitz (1864-1946), un New-Yorkais ayant des liens étroits avec l’Europe. (Remarque : la femme de Stieglitz, Georgia O’Keeffe (1887-1986) et son contemporain Edward Steichen (1879-1973) étaient également de fervents défenseurs de la photographie d’art basée sur l’objectif et ont contribué à introduire ce médium dans les collections des musées). De retour au «Camera Club» de New York et fondateur de la «Photo-Secession», Stieglitz continue à travailler sur le magazine «Camera Work», vitrine des meilleures œuvres photographiques produites à l’époque à l’échelle internationale. Stieglitz et son Camera Work ont joué un rôle aussi important dans l’éloignement du pictorialisme que dans sa promotion. Dès 1904, le critique Sadakichi Hartmann, écrivant pour «Camera Work», utilise l’expression «straight photography» pour décrire l’esthétique douce du pictorialisme. L’œuvre de Stieglitz «The Steerage» (1907), parue dans «Camera Work» en 1911, est souvent considérée comme la première photographie moderne. Toutefois, ce n’est qu’en 1917, lors de la publication du dernier numéro du magazine, que l’esthétique directe de la photographie a été pleinement réalisée. Le numéro se concentre sur le travail de Paul Strand (1890-1976) et inclut son désormais emblématique Wall Street (1915), qui combine une géométrie picturale audacieuse avec le sujet de la vie moderne.

L’idée que la photographie puisse avoir sa propre esthétique et se fonder sur des qualités propres à la photographie a été extrêmement convaincante pour les photographes d’art américains, dont beaucoup ont abandonné le pictorialisme. Edward Weston (1886-1958) conclut que le travail créatif en photographie ne doit pas avoir lieu dans une chambre noire, mais dans «la prévisualisation» par le photographe du sujet et de sa composition avant de montrer le négatif dans l’appareil photo. En 1932, un groupe s’est formé en Californie pour promouvoir la photographie directe, connu sous le nom de groupe f/64, qui comprenait Weston et Ansel Adams (1902-1984). Weston, avec ses natures mortes et ses nus presque abstraits, et Adams, avec ses paysages lyriques, ont continué à dominer la photographie aux États-Unis pendant des décennies.

En Europe, la Première Guerre mondiale a eu un effet profond sur la création artistique. Les artistes en colère ont cherché à développer des modes d’expression visuelle susceptibles de traduire la crise de foi dans les valeurs traditionnelles que le conflit avait provoquée. Les premières photographies non figuratives qui capturaient le temps, l’espace et d’autres concepts abstraits ont été réalisées pendant la guerre et cet esprit d’innovation radicale a influencé la création de l’art d’avant-garde dans les années 1920 et au-delà. En tant que technologie moderne aux accents démotiques, la photographie était idéalement placée pour occuper le devant de la scène artistique d’avant-garde. La photographie traditionnelle, qui prend aujourd’hui le plus souvent la forme de tirages argentiques avec des images en noir et blanc, a été utilisée par Dada en Allemagne pour des œuvres de critique sociale - voir par exemple Dada et Dada , Dada les photomontages de Raoul Hausmann (1886-1971), Hanna Hoch (1889-1978) et John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968) - et le Constructivisme en Union soviétique pour créer de nouvelles images figuratives pour la nouvelle société ; les artistes surréalistes tels que Man Ray (1890-76) à Paris dans leurs plaisanteries visuelles et leurs explorations du subconscient, et au niveau international par les modernistes pour célébrer de nouvelles formes d’art et de design. La photographie convenait à ces préoccupations esthétiques très différentes parce qu’elle s’accrochait à la pertinence. En tant que technologie moderne, la photographie célébrait le contemporain et le matériel. En tant qu’appareil d’enregistrement mécanique, la photographie donne un poids créatif ou irrationnel à des faits objectifs. Dans des pays aussi idéologiquement opposés que la Russie soviétique et les États-Unis, un nombre restreint mais influent de praticiens de l’avant-garde a commencé à considérer la photographie comme le support visuel idéal pour l’ère moderne.

Le commerce nuit-il à l’art?

Si la photographie a été largement utilisée par les artistes d’avant-garde, cela ne signifie pas qu’ils aient toujours reconnu son égalité avec les autres formes d’art. En partie à cause de la commercialisation sous la forme de portraits de célébrités, de la publicité et de la mode. Cette préoccupation concernant le statut de la photographie était partagée par les biographes, les historiens de l’art et les conservateurs qui ont caché les éléments commerciaux de la carrière des photographes afin de s’assurer qu’ils soient reconnus comme des artistes. Il est aujourd’hui de notoriété publique que les principaux photographes de l’avant-garde parisienne des années 1920 - Man Ray, André Kertész (1894-1985) et Brassaï (1899-1984) - ont tous travaillé sur commande. Man Ray, né à Philadelphie sous le nom d’Emmanuel Radnitzky, s’installe à Paris en 1921 et s’impose comme un innovateur iconoclaste dans les domaines de la peinture, de la sculpture, du cinéma et de la photographie.

Edward Steichen n’a pas été compromis en 1911 par sa célèbre collection de photographies des robes à la mode de Paul Poiret pour le magazine Art et Décoration . Aujourd’hui, nous ne considérons pas que son travail soit compromis par ses prises de vue éditoriales ou de mode. Parfois, comme dans le cas de sa célèbre image «Noir et Blanc», la commande a stimulé la créativité. (Même certaines photographies de guerre de cameramen tels que Robert Capa (1913-1954), Larry Burrows (1926-1971), Don McCullin (né en 1935), et Steve McCarry (né en 1950) ont de profondes qualités artistiques. Les principaux photographes commerciaux de mode américains des années 1950 et 1960, tels que Irving Penn (1917-2009) et Richard Avedon (1923-2004), ont apporté d’énormes contributions à l’art contemporain malgré la nature commerciale de leurs photographies de mode et ont mis au point plusieurs nouvelles techniques photographiques.

La photographie humaniste

La photographie humaniste est un autre développement important qui prend racine en France pendant l’entre-deux-guerres. Ce type de photographie, étroitement associé à l’émergence de magazines populaires tels que Life magazine, montre des sujets d’intérêt humain. Les photographes humanistes les plus célèbres sont les artistes Dorothea Lange (1895-1965) et Henri Cartier-Bresson (1908-2004), dont les photographies de rue et les photoreportages réalisés dans le monde entier ont également été publiés dans une série de livres de photos influents. Les travaux de Cartier-Bresson dans l’idiome réaliste doivent autant au surréalisme qu’à la photographie pure. Voir également les photographies intégrales du livre de photos «Twentysix petrol stations» (1962) Ed Ruscha (né en 1937).

L’acceptation de la photographie comme forme d’art

L’une des meilleures galeries d’art contemporain du monde, le célèbre Museum of Modern Art (MoMA) de New York était le foyer idéologique du modernisme, l’esthétique dominante de l’avant-garde du milieu du siècle qui englobait l’art, le design et l’architecture . Le MoMA a mené une importante étude sur la photographie en 1937 et a finalement ouvert son département de photographie en 1940, mais le statut de la photographie en tant que forme d’art n’était pas encore assuré. John Szarkowski (1925-2007), qui est devenu conservateur de la photographie au MoMA en 1962, a réussi à assimiler la photographie au modernisme. Selon Szarkowski, la photographie légitime était «directe», démocratique dans son sujet et avait une forte composante formelle. Les photographies n’étaient pas des œuvres d’imagination mais des fragments de la réalité, organisés visuellement pour refléter une vision personnelle forte.

Selon l’universitaire Douglas Crimp, bien que la photographie ait été inventée en 1839, elle n’a été pleinement développée que dans les années 1960 et 1970. Crimp et d’autres membres de son cercle ont critiqué la perte de compréhension causée par le transfert de photographies des tiroirs d’archives aux murs d’un musée d’art. Inévitablement, cet intérêt critique pour la photographie, ainsi que des ouvrages tels que «Un art moyen» de Pierre Bourdieu (1965), «Sur la photographie» de Susan Sontag (1977) et «Lusida» de Roland Barthes (1979), ont contribué à rehausser le statut culturel de la photographie. Le livre de Barthes, un récit très poignant de sa recherche de la «véritable» image de sa mère, est peut-être l’exemple le plus influent d’une tentative de définir la photographie en termes essentialistes. Dans son livre, Barthes a formulé l’idée du «punctum», le détail d’une photographie qui évoque un sentiment de blessure chez le spectateur. Comme dans les conceptions modernistes de la photographie, il suggère que la photographie possède une nature unique qui la distingue de tous les autres médias visuels.

Un certain nombre de mouvements artistiques des années 1960 et de nouvelles formes d’art ont intégré la photographie à leur approche. Parmi les mouvements, citons Fluxus (1960) et Pop Art (c.1955-70), et Arte Povera (c.1966-71), tandis que les nouvelles formes d’art utilisant des photographies comprenaient Installation Art et Performance Art . L’un des plus importants artistes contemporains à s’être appuyé sur la photographie pour créer ses œuvres est Andy Warhol (1928-1987) ; voir, par exemple, ses gravures avec des photographies de stars de cinéma telles qu’Elvis et Elizabeth Taylor. De nombreux artistes contemporains, dont Gilbert et George (nés en 1943 et 1942), sont également fortement influencés par l’utilisation de la photographie. Il est intéressant de noter que le portrait photographique de Robert Mapplethorpe (1946-1989), réalisé par Warhol en 1987 et vendu aux enchères par Christie’s en 2006 pour 643 200 dollars, reste l’une des photographies les plus chères de l’époque.

La photographie postmoderne

Une conceptualisation concurrente de la photographie affirme qu’elle n’a pas de caractéristiques innées. Son identité dépendrait des rôles et des applications qui lui sont attribués. Cette théorie de la photographie appartient à la critique moderne du modernisme connue sous le nom de postmodernisme. (Note : voir aussi : L’art du postmodernisme et Les artistes du postmodernisme). Le désir de voir l’art à nouveau engagé socialement et politiquement plutôt que d’appartenir au domaine de la pureté créative a conduit les chercheurs vers le travail de Walter Benjamin, critique et philosophe associé à l’école de Francfort dans les années 1930. Soutenant que la copie photographique détruisait «l’aura» de l’œuvre d’art originale et que les masses pouvaient apprécier l’art à travers ce simulacre, la photographie symbolisait pour Benjamin la possibilité de priver les nationaux-socialistes de leur pouvoir culturel et, en fin de compte, de leur pouvoir politique. Dans les années 1980, les théoriciens de gauche ont commencé à repenser l’histoire du médium en termes d’implication de la photographie dans l’exercice du pouvoir. (Pour le pouvoir et la nudité, voir l’œuvre d’Helmut Newton (1920-2004) ; pour la couverture du genre, voir l’œuvre de Nana Goldin (née en 1953)). La notion d’objectivité photographique a été ébranlée par les travaux de ces universitaires et intellectuels, ainsi que par Jean Baudrillard, qui a remis en question l’idée d’une réalité préexistante simplement capturée ou reflétée par les médias visuels. Selon Baudrillard, les images sont la réalité à travers laquelle nous connaissons le monde.

Jusqu’aux années 1970, l’art photographique était identifié aux images emblématiques du 19e et du début du 20e siècle. Aujourd’hui, il s’identifie aux œuvres réalisées depuis environ trente-cinq ans. Le record mondial pour une photographie vendue aux enchères est de 4,3 millions de dollars pour «Rhin II» (1999) d’Andreas Gursky (né en 1955). Au début du 21e siècle, le record mondial était de 860 000 $ - «La Grande Vague», établi par Gustave Le Gray (1820-1884). L’augmentation massive du nombre de photographies est souvent citée comme la preuve que la photographie était enfin acceptée en tant qu’art. (Note : voir aussi «Peintures les plus chères : les 20 premières»). Toutefois, ce n’est pas la première fois que la photographie est définie comme une forme d’art. Ce qui distingue aujourd’hui le passé, c’est que l’information, sous quelque forme que ce soit, est désormais rarement transmise sans images fixes ou animées : la photographie numérique est une merveille moderne au même titre que le daguerréotype l’était en 1839. (Note : voir aussi animation et art vidéo)

Conclusion : la photographie &ndash ; est un art

Compte tenu de certains arguments intellectuels, le consensus actuel semble être que les photographies capturent un moment artificiel ou intentionnel de la réalité, et c’est cette intentionnalité qui contient le noyau artistique. (Voir, par exemple, les photographies «mises en scène» de Jeff Wall (né en 1946), les paysages manipulés d’Andreas Gursky (né en 1955) ou les autoportraits surréalistes de Cindy Sherman (née en 1954)). En d’autres termes, l’art du photographe réside dans sa capacité à capturer un moment de la réalité et à le transformer en une image visible présentant un intérêt ou une beauté. Il importe peu qu’une photographie puisse être reproduite des milliers de fois, privant ainsi «l’original» de son caractère unique. Il suffit qu’il n’y ait pas deux photographes qui puissent produire une image totalement identique. La qualité artistique de l’image picturale «», qui est pour ainsi dire «créée» dans une chambre noire, est encore plus assurée. L’évaluation du caractère artistique d’une photographie nous rappelle que ni la peinture ni la sculpture ne sont des formes d’art aussi pures qu’on le croit parfois. Les sculptures en bronze peuvent être coulées et refondues en un grand nombre d’exemplaires ; et notre connaissance de la sculpture grecque ne provient pas des statues grecques originales, mais des copies romaines. En outre, on estime qu’au moins un tableau sur dix exposés dans les meilleurs musées d’art est une copie et non un original. Après tout, l’appareil photo, avec la chambre noire et ses produits chimiques, n’est pas si différent des pinceaux et des couleurs de l’artiste. Il n’est rien d’autre qu’un ensemble d’outils avec lesquels le photographe tente de créer une image : une image qui éveille notre âme, tout comme le font les peintures à l’huile.

Aujourd’hui, les plus beaux exemples de photographie d’art sont exposés dans de nombreux musées à travers le monde, notamment Le Metropolitan Museum of Art, New York, (collections de Stieglitz, Steichen, Walker Evans et Ford Motor Company) ; le Museum of Modern Art (MOMA), New York (collections rassemblées par Edward Steichen, John Szarkowski et Peter Galassi) ; Le Guggenheim Museum de New York (collection de Robert Mapplethorpe) ; Art Institute of Chicago (Alfred Stieglitz Collection) ; Detroit Institute of Arts (Albert / Peggy de Salle Gallery) ; Los Angeles County Museum of Art (Wallis Annenberg Photography Department) ; Philadelphia Museum of Art (30 000 photographies de photographes tels qu’Alfred Stieglitz, Paul Strand) ; et Victoria and Albert Museum, Londres (500 000 images de 1839 à nos jours).

Pour une explication des termes les plus courants, voir : Photographie d’art, Glossaire