Est la photographie d’art? Automatique traduire

Pour une explication de la
termes les plus populaires utilisés
par des artistes photographes, voir:
Glossaire de la photographie d’art

La photographie est-elle une forme d’art à base de lentilles?

Dans le débat en cours sur la question de savoir si la photographie devrait être considéré comme un type de lentille beaux arts , Certains critiques considèrent qu’une photographie est produite par l’application d’une technique scientifique plutôt que par un travail de caméra réellement créatif. Après tout, affirment-ils, un photographe amateur très peu artistique , armé d’un bon appareil photo, est capable de produire des images parfaitement acceptables. En revanche, une personne qui n’avait aucune idée de comment peindre, sculpter ou sculpter aurait beaucoup plus de difficulté à créer une peinture ou une statue acceptable. Pour cette raison, ils affirment que la photographie ne peut être comparée à la qualité créative de La peinture , ou sculpture .

D’autres critiques ne sont pas d’accord. Ils disent que c’est précisément parce que la photographie est si différente de la peinture et de la sculpture que esthétique appliquer. En outre, ils mettent au défi tout peintre de peindre un tableau aussi convaincant qu’une photographie bien composée. Un claquement du roi Charles Ier s’adressant à la foule depuis l’échafaud, par exemple, aurait un impact beaucoup plus grand qu’un tableau de la même scène. Et parce que les caméras capturent la réalité, l’impact est un ingrédient important de l’art de la caméra. Enfin, même si un cameraman non formé parvient à prendre une photo acceptable, il est peu probable que cette photo soit à la mesure de la créativité d’une photo prise par un photographe professionnel. En conséquence de tout cela, disent-ils, la photographie peut ne pas être l’un des plus récents types d’art , il peut même être "la" forme de art moderne – un reflet direct de l’ère scientifique moderne.

Ces questions ont été confrontées et discutées par des artistes et des critiques d’art tout au long des 19ème et 20ème siècles. À titre d’illustration, voici un extrait détaillé de la merveilleuse nouvelle publication de Introduction to Thames and Hudson, Photography: The Whole Story (2012), un livre essentiel pour quiconque s’intéresse à l’art basé sur l’objectif. Son choix de photographies et leur analyse, par exemple, sont exceptionnels.

Photographes d’art célèbres
Diane Arbus (1923-1971)
Photographe de monstres.
David Bailey (b.1938)
Photos de portrait / mode.
Cecil Beaton (1904-1980)
Photographe de portrait.
Robert Doisneau (1912-1994)
Photographe de rue français.
Walker Evans (1903-1975)
Portraits de l’époque de la dépression.
Yousuf Karsh (1908-2002)
Portraitiste formel.
Annie Leibovitz (b.1949)
Portraitiste de célébrité.
Moholy-Nagy (1895-1946)
Célèbre pour les photogrammes.
Norman Parkinson (1913-90)
Célèbre pour les portraits en plein air.

Images photographiques: une partie de la réalité, une partie de l’imagination

Pourquoi les images photographiques sont-elles si convaincantes? Le fait que beaucoup d’entre nous prennent maintenant des photos chaque semaine, même tous les jours, n’a pas pour effet de diminuer la magie des instantanés personnels ni des œuvres que l’on trouve dans la galerie, le musée ou le livre. Les images placées dans un album ou postées sur des sites de réseaux sociaux peuvent nous faire rire aux éclats. Lorsque nous rencontrons des images superbes de la histoire de la photographie , comme les photographies de l’Antarctique du début du XXe siècle par Herbert Ponting (1870-1935), nous sommes captivés. Les images de Ponting tirées de l’expédition britannique en Antarctique de 1910 à 1913 rendent le passé lointain passionnément présent. Pourtant, ces images ne sont pas simplement des documents historiques: il est clair que même dans des conditions aussi difficiles, le photographe était déterminé à ne rien sacrifier d’effet esthétique. La photographie appartient à la fois à la réalité et à l’imaginaire: bien qu’elle privilégie parfois l’une sur l’autre, elle n’abandonne jamais totalement son emprise.

Procédés photographiques: daguerréotypie, dessin photogénique

Quand il fut annoncé au monde en janvier 1839 qu’il était possible de capturer l’image vue dans une caméra obscura (une aide à la dessin qui projetait ce que l’artiste voyait sur une surface à partir de laquelle il pouvait copier son sujet), il semblait que l’ingéniosité humaine n’était pas limitée. La daguerréotypie – développée en France par Louis-Jacques-Mande Daguerre (1787-1851) – donna une image très détaillée sur une petite plaque de métal, comme si un petit miroir avait été tenu à la nature. L’annonce du daguerréotype en janvier a été rapidement suivie de la nouvelle d’un autre procédé photographique mis au point en Angleterre par Henry Fox Talbot (1800-1877). Le procédé de Talbot, qu’il appelle «dessin photogénique», donne une image négative sur le papier qui a la chaleur et la bavure de art graphique . Alors qu’un daguerréotype était un objet unique (il n’y avait pas de négatif), un dessin photogénique pouvait être utilisé pour effectuer plusieurs empreintes positives. Depuis ses débuts, la photographie a oscillé entre unicité et multiplicité. Aujourd’hui, un tirage photographique unique ou en édition limitée d’un artiste célèbre peut se vendre à plus d’un million de dollars. Parallèlement, la photographie numérique – avec sa reproduction apparemment sans fin – joue un rôle fondamental dans la communication mondiale.

Photographies d’art

Il existe plusieurs milliers de photographies d’art importantes dans des collections publiques et privées à travers le monde, mais la plupart n’ont pas été réalisées dans le souci de l’exposition d’art. Certains étaient conçus comme des démonstrations de ce que le nouveau média pouvait faire; d’autres ont commencé leur vie en tant que documents, enregistrements ou illustrations; ce n’est que plus tard qu’ils ont été vus comme des objets d’art. Certaines photographies, telles que l’étude de Eugene Atget (1852-1927) des parisiens regardant une éclipse, retrouvent le surréel dans le réel. D’autres, dont Autoportrait en tant que noyé (1840) d’Hippolyte Bayard (1807-1877), jouent avec la capacité de la photographie à faire de la fiction une réalité. Comme la plupart des grandes images photographiques ont été acceptées rétrospectivement en tant qu’objets d’art, leur histoire ne peut être racontée en se référant à des mouvements, des écoles et des galeries.

Depuis l’invention de la photographie en 1839, la question de l’identité et du statut du médium a été débattue non pas par référence à ses origines technologiques, mais par sa relation avec l’art visuel . Peu de gens ont nié que la photographie était une invention ingénieuse de l’ère moderne, mais beaucoup l’ont perçue comme une menace pour les valeurs traditionnelles associées à l’art. Dans une société divisée symboliquement entre les "gentlemen" (ceux qui exercent leur intelligence et leur imagination) et les "opérateurs" (des ouvriers qui travaillaient sans réfléchir, un travail mécanique), une machine à faire des images était un défi à l’ordre social existant.

Photographie sur papier

Dans les années 1850, la daguerréotypie et la calotypie (nom que Talbot donna à son procédé après d’importantes améliorations en 1841) cédèrent toutes deux la place à la photographie au collodion humide, un procédé basé sur l’utilisation de négatifs en verre pour la production d’images sur papier. Les images résultantes sont généralement imprimées sur du papier recouvert d’albumine (blanc d’œuf) et se caractérisent par des détails nets, une tonalité brun chocolat et une surface brillante. La pratique de la photographie, amateur et commerciale, connut un essor considérable au milieu des années 1850 et Photographes du XIXe siècle a profité pleinement. La pratique de la photographie sur papier avait été libérée des restrictions de licence et deux nouveaux formats étaient sur le point de devenir très populaires. Le stéréogramme (deux images du même sujet légèrement séparées les unes des autres et collées côte à côte sur un morceau de carton) présente une image en trois dimensions lorsqu’il est visualisé dans un spectateur spécial; Les sujets étaient parfois éducatifs, mais souvent conçus simplement pour un effet visuel, voire un titrage. La carte de visite , également connue sous le nom d’album ou de portrait de carte, était un portrait de la taille d’une carte de visite, et mettait l’accent sur la tenue plutôt que sur les caractéristiques du modèle.

Opposition à la photographie en tant qu’art

La vulgarisation de la photographie au milieu du 19e siècle a entraîné un changement d’attitude à l’égard du support. La pratique de la calotypie dans les années 1840 et 1850 en Grande-Bretagne et en France avait connu un degré extraordinairement élevé d’expérimentation et de réalisation techniques et esthétiques. Face à la commercialisation et à la vulgarisation rapides de la photographie dans les années 1850 et 1860, l’idée que la photographie pourrait art – et que les photographes (issus des couches sociales inférieures) pourraient être des artistes – semblaient ridicules à certains. En 1857, la critique d’art et historienne Elizabeth Eastlake déclara que la photographie devait être célébrée, mais seulement si elle ne manifestait pas une prétention allant au-delà du traitement des "faits". Quelques années plus tard, le poète et critique français Charles Baudelaire dénonçait la photographie commerciale comme "l’ennemi le plus mortel de l’art". Le critique d’art influent John Ruskin , qui s’était émerveillé de la fidélité à la nature de la daguerréotypie lorsqu’il l’utilisait comme support visuel à Venise au milieu des années 1840, a déclaré plus tard à propos de la photographie qu’elle "n’a rien à voir avec l’art et ne le remplacera jamais". (Remarque: la photographie a donné un nouvel élan à peinture de paysage et était sur le point de remplacer portrait d’art presque entièrement comme moyen de créer un portrait personnel, mais n’était pas encore accepté comme une forme d’expression indépendante .)

Dans les années 1860, la majorité des photographes commerciaux considéraient les qualités techniques, telles que la netteté des informations visuelles et la qualité d’impression irréprochable, comme un moyen de démontrer la supériorité de leurs images photographiques. Cette conception technique de l’excellence signifiait que, pour le futur photographe professionnel, la photographie était un art du réel. Quelques individus notables ont rejeté cette orthodoxie et ont considéré la photographie comme un moyen de créer des tissages complexes d’idéalité et de réalité. Le plus connu de ces amateurs était une femme: Julia Margaret Cameron (1815-1879). Cameron a commencé à photographier à la fin de la quarantaine et, tout au long de la décennie suivante, a créé de nombreuses œuvres uniquement pour des raisons esthétiques. Elle a eu recours à la mise au point différentielle, à des tenues de costumes et à des accessoires occasionnels pour créer des portraits et des études de figures aux tons doux et chaleureux, ces dernières inspirées de sujets bibliques, littéraires ou allégoriques. La conviction de Cameron que c’était elle qui faisait de la photographie était si audacieuse et sa pratique si singulière était un affront aux aspirations modestes des œuvres présentées lors d’expositions photographiques, qu’elle était considérée par la communauté photographique comme une infortunée femme excentrique. qui ne pouvait pas utiliser son équipement correctement.

Pictorialisme

Ce n’est toutefois qu’à la fin du XIXe siècle que la subjectivité de la photographie acquiert une légitimité culturelle plus large. Au centre du mouvement international dit ’ Pictorialisme ’, dont les représentants ont encouragé la photographie en tant que moyen d’expression, étaient des photographes ayant «succédé» à des sociétés de photographes établies et à leurs réalisations techniques. La photographie pictorialiste se caractérise par des techniques et des effets empruntés aux arts graphiques. Bien qu’une image pictorialiste vienne généralement d’une image négative nettement définie, les nombreuses manipulations en salle noire souvent nécessaires pour transformer l’image en l’éloignant de cette dure réalité ont permis de revendiquer chaque impression comme unique. Les images résultantes, souvent imprimées dans une teinte vibrante et semblant douces, floues et semblables à des rêves, visaient à provoquer des réactions esthétiques plutôt que littérales. De nombreuses compositions pictorialistes ont invoqué le sérieux des arts contemporains Symbolisme , comme on le voit sur la photographie The Wind Harp (1912) d’Anne Brigman (1869-1950).

Photographie droite

La figure la plus étroitement liée à la promotion de la photographie d’art à cette époque était Alfred Stieglitz (1864-1946), un New-Yorkais étroitement lié à l’Europe. (Remarque: la femme de Stieglitz Georgia O’Keeffe (1887-1986) et son jeune contemporain Edward Steichen (1879-1973) sont également des champions actifs des beaux-arts basés sur les lentilles et ont contribué à introduire le médium dans les collections de musées.) Après avoir tourné le dos au Camera Club de New York et fondé la Photo-Secession, Stieglitz présida ensuite sur la revue Camera Work , une vitrine du meilleur art photographique d’aujourd’hui, y compris le sien. Stieglitz et Camera Work ont joué un rôle aussi important dans l’abandon du pictorialisme que dans sa promotion. Déjà en 1904, le critique Sadakichi Hartmann, écrivant dans Camera Work , utilisait l’expression "photographie simple" pour contrecarrer l’esthétique à la marge du pictorialisme. The Steerage (1907) de Stieglitz, paru dans Camera Work en 1911, est souvent considéré comme la première photographie moderne. Ce n’est que lors de la parution du dernier numéro de la revue en 1917, cependant, qu’une esthétique pure pour la photographie a été pleinement réalisée. Ce numéro était dédié aux œuvres de Paul Strand (1890-1976) et inclut son emblématique Wall Street (1915), qui associe une géométrie picturale audacieuse à un sujet de la vie moderne.

L’idée que la photographie puisse avoir une esthétique propre et qu’elle repose sur des qualités uniques au médium était extrêmement convaincante pour les photographes d’art américains, dont beaucoup ont renoncé au pictorialisme. Edward Weston (1886-1958) en vint à adopter l’idée que le travail créatif de la photographie ne devait plus être mené dans la chambre noire, mais dans la "visualisation" préalable du sujet par le photographe et dans sa composition avant d’exposer le négatif dans l’appareil photo. En 1932, un groupe dédié à la promotion de la photographie rectiligne, connu sous le nom de groupe f / 64, se forma en Californie avec Weston et Ansel Adams (1902-1984) parmi ses membres. Weston, avec ses natures mortes et natures presque abstraites, et Adams, avec son paysage lyrique photographie documentaire , a continué à dominer la fabrication d’art photographique aux États-Unis pendant des décennies.

Art d’avant-garde

En Europe, la Première Guerre mondiale a eu un effet profond sur la fabrication de l’art. Les artistes mécontents cherchaient à développer des modes d’expression picturale capables d’exprimer la crise de la foi dans les valeurs traditionnelles engendrées par le conflit. Les premières photographies non figuratives, faisant appel au temps, à l’espace et à d’autres concepts abstraits, ont été réalisées pendant la guerre et cet esprit d’innovation radicale a influencé la fabrication de art d’avant-garde dans les années 1920 et au-delà. En tant que technologie moderne ayant des connotations démotiques, la photographie était parfaitement bien placée pour jouer un rôle central dans la scène artistique avant-gardiste. Le support – qui prend maintenant généralement la forme d’empreintes à base d’argent à aspect «noir et blanc» – a été utilisé par Dada en Allemagne pour des travaux de critique sociale piquante – voir, par exemple, les photomontages de Dada par Raoul Hausmann (1886-1971), Hanna Hoch (1889-1978) et John Heartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968) – par Constructivisme en Union soviétique à forger de nouveaux modes imagés pour une nouvelle société; par artistes surréalistes comme Man Ray (1890-76) à Paris, dans leurs plaisanteries visuelles et leurs explorations de l’inconscient; et à l’international par les modernistes pour célébrer les nouvelles formes d’art et de design. La photographie s’est prêtée à ces programmes esthétiques très différents en raison de son emprise sur l’actualité. En tant que technologie moderne, la photographie a célébré le moderne et le matériel. En tant qu’appareil d’enregistrement mécaniste, la photographie a conféré à l’imagination ou à l’irrationnel le poids d’un fait objectif. Dans des pays aussi opposés que la Russie soviétique et les États-Unis sur le plan idéologique, un nombre restreint mais influent de praticiens d’avant-garde en sont venus à considérer la photographie comme le moyen visuel idéal pour l’ère moderne.

La commercialité sape-t-elle l’art?

La photographie a peut-être été largement utilisée par les artistes d’avant-garde, mais cela ne signifie pas qu’ils ont toujours reconnu son égalité avec les autres arts. Cela était en partie dû à sa commercialisation sous forme de portraits de célébrités, de publicité et de mode. Des biographes, des historiens de l’art et des conservateurs ont partagé cette inquiétude quant au statut commercial de la carrière des photographes afin de s’assurer de leur reconnaissance en tant qu’artistes. Aujourd’hui, il est notoire que les grands photographes de l’avant-garde parisienne des années 20 – Man Ray, André Kertesz (1894-1985) et Brassai (1899-1984) – tous travaillèrent à la commission. Man Ray, né Emmanuel Radnitzky à Philadephia, s’installe à Paris en 1921 et se distingue en tant qu’innovateur iconoclaste en peinture, sculpture, film et photographie. (Remarque: Edward Steichen n’a pas non plus été compromis en 1911 par sa célèbre collection de photos des robes de mode de Paul Poiret pour le magazine Art et Decoration .) Aujourd’hui, nous ne considérons pas que sa créativité soit compromise par ses reportages éditoriaux ou de mode. Parfois, comme dans le cas de sa célèbre image en noir et blanc, la commission incitait à la créativité. (Voir notamment les photographies de Charles Sheeler Ford River River Car Factory.) Même certaines des photographies de guerre de caméramans comme Robert Capa (1913-54), Larry Burrows (1926-1971), Don McCullin (b.1935) et Steve McCurry (né en 1950) a une qualité profondément artistique. Le premier commercial américain photographes de mode des années 1950 et 60, tels que Irving Penn (1917-2009) et Richard Avedon (1923-2004) ont apporté d’énormes contributions à l’art moderne, malgré le caractère commercial de leurs photographie de mode , et développé plusieurs nouvelles techniques photographiques dans le processus.

Photographie humaniste

La photographie humaniste est un autre développement important qui a ses racines en France durant l’entre-deux-guerres. Étroitement liée à la montée en puissance de revues populaires telles que le magazine Life , ce type de photographie représente des sujets d’intérêt humain. Les photographes les plus connus travaillant dans une veine humaniste étaient les artistes Dorothea Lange (1895-1965) et Henri Cartier-Bresson (1908-2004), dont Photographie de rue et des images de reportages photographiques du monde entier ont également été publiés dans une série de livres photo influents. Réalisée dans un langage réaliste, l’ œuvre de Cartier-Bresson doit tout autant à Surréalisme quant à la photographie directe, mais celle-ci a été obscurcie à la fin du XXe siècle par la place de la photographie dans l’orthodoxie moderniste. Voir aussi la photographie de l’impasse dans le livre-photo Twentysix Gasoline Stations (1962) de Ed Ruscha (b.1937).

Acceptation de la photographie comme forme d’art

Un des monde meilleures galeries d’art contemporain , le célèbre New York musée d’art moderne (MoMA) était le foyer idéologique du modernisme – l’esthétique dominante d’avant-garde du milieu du siècle qui englobait l’art, conception et architecture . Le MoMA organisa une importante étude sur la photographie en 1937 et ouvrit finalement son département de photographie en 1940. Cependant, le statut de la photographie en tant qu’art était toujours incertain. Ce fut John Szarkowski (1925-2007), qui devint conservateur des photographies au MoMA en 1962, qui fut le plus efficace pour assimiler la photographie au modernisme. Selon Szarkowski, la photographie légitime était «directe», démocratique dans son sujet et avait une forte composante formelle. Les photographies ne sont pas des œuvres de l’imagination mais des fragments d’actualité organisés de manière imagée pour refléter une vision personnelle forte.

Selon l’érudit Douglas Crimp, si la photographie a été inventée en 1839, elle n’a été découverte que dans les années 1960 et 1970 – la photographie, c’est-à-dire la photographie elle-même. Crimp et d’autres membres de son entourage ont critiqué la perte de compréhension provoquée par le transfert de photographies des tiroirs des archives sur les murs du musée d’art. Inévitablement, cet intérêt critique pour la photographie, associé à des textes tels que Un art moyen (1965) de Pierre Bourdieu, On Photography (1977) de Susan Sontag (1977) et Camera Lucida (1979) de Roland Barthes, contribuait à rehausser le statut culturel de la photographie. Le texte de Barthes – un récit très poignant de sa recherche d’une "véritable" image de sa mère – est peut-être l’exemple le plus influent de la tentative de définition de la photographie en termes essentialistes. Dans son livre, Barthe a formulé l’idée du «punctum», le détail d’une photographie qui pique le spectateur avec une sensation semblable à une blessure. Comme les récits modernistes de la photographie, Camera Lucida a suggéré que celle-ci avait un caractère unique qui la distinguait de tous les autres supports visuels. [Remarque: un certain nombre de mouvements artistiques des années 1960 et de nouvelles formes d’art ont fait de la photographie un élément essentiel de leur approche. Mouvements inclus Fluxus (Années 1960) et Pop Art (1955-70), ainsi que Arte Povera (c.1966-71), tandis que de nouvelles formes d’art utilisant des photographies installation d’art et art de la performance . L’un des plus importants artistes modernes compter sur la photographie pour créer ses images, était Andy Warhol (1928-1987); voir par exemple ses sérigraphies de photos de stars de cinéma, comme Elvis et Elizabeth Taylor. Un certain nombre d’artistes contemporains, dont Gilbert et George (né en 1943 et 1942) dépendent également beaucoup de l’utilisation de la photographie.] Fait intéressant, le propre portrait photographique de Warhol, pris en 1987 par Robert Mapplethorpe (1946-1989), et vendu aux enchères à Christie’s en 2006 pour 643 200 dollars, reste l’une des photos les plus chères de la période.

Photographie postmoderniste

Une conceptualisation concurrente de la photographie affirme qu’elle n’a pas de caractéristiques innées. On affirme que son identité dépend des rôles et des applications qui lui sont attribués. Cette théorisation de la photographie appartient à la critique contemporaine du modernisme connue sous le nom de postmodernisme. (Remarque: voir aussi: Art postmoderniste et Artistes postmodernistes .) Le désir de voir de nouveau l’art engagé socialement et politiquement plutôt que d’appartenir à un royaume de pureté créatrice a ramené les chercheurs aux écrits de Walter Benjamin, critique et philosophe associé à l’école de Francfort dans les années 1930. En affirmant qu’une copie photographique détruisait "l’aura" d’une œuvre d’art originale et qu’il était possible pour les masses de profiter de l’art via ce simulacre, la photographie symbolisait pour Benjamin la possibilité d’un désinvestissement du pouvoir culturel, et finalement politique des national-socialistes. Dans les années 1980, les théoriciens de gauche ont commencé à reconceptualiser l’histoire du médium en termes d’implication de la photographie dans l’exercice du pouvoir. (Pour le pouvoir et la nudité, voir le travail de Helmut Newton (1920-2004); pour les questions de genre, voir le travail de Nan Goldin (b.1953).) Les écrits de ces érudits et intellectuels, notamment Jean Baudrillard, remettaient en question la notion d’objectivité photographique, contestant ainsi l’idée d’une réalité préexistante capturée ou reflétée par des moyens visuels. Selon Baudrillard, l’imagerie est la réalité à travers laquelle nous connaissons le monde.

Jusque dans les années 1970, l’art photographique était associé à des images emblématiques du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Aujourd’hui, il s’identifie aux œuvres réalisées au cours des trente-cinq dernières années environ. Au moment de la rédaction de cet article, le record mondial d’une photographie vendue aux enchères est de 4, 3 millions de dollars pour The Rhine II (1999) de Andreas Gursky (1955). Il y a douze ans à peine, lorsque nous sommes entrés dans le 21e siècle, le record du monde était de 860 000 $ – pour La Grande Vague, Sète de Gustave Le Gray (1820-1884). L’augmentation massive de la valeur des photographies est souvent citée comme preuve que la photographie a finalement été acceptée comme un art. (Note: voir aussi Les peintures les plus chères: Top 20 .) Ce n’est pas la première fois que la photographie est considérée comme une forme d’art. Ce qui distingue le présent du présent, c’est que l’information, quelle que soit sa forme, est rarement transmise sans images fixes ou animées: la photographie, sous sa forme numérique, est tout aussi une merveille moderne que le daguerréotype de 1839. (Remarque: voir également Art d’animation et Art vidéo .)

Conclusion: la photographie est un art

Découpant une partie du sagebrush intellectuel, le consensus actuel semble être que les photographies capturent un moment artificiel ou délibéré de la réalité, et c’est cette délibération qui contient le noyau artistique. [Voir, par exemple, les photographies "mises en scène" de Jeff Wall (b.1946), les paysages manipulés d’Andreas Gursky (b.1955) ou les autoportraits surréalistes de Cindy Sherman (b.1954)]. Autrement dit, l’art du photographe est sa capacité à capturer un moment de réalité et à le transformer en une image visible d’intérêt et / ou de beauté. Peu importe que la photo puisse être répliquée mille fois, privant ainsi l’original de son statut unique. Il suffit qu’il n’y ait pas deux photographes susceptibles de créer une image identique. La qualité artistique d’une image "pictorialiste" qui est "créée" dans la pièce sombre, pour ainsi dire, est encore plus assurée. Le processus permettant de déterminer si la photographie est un art rappelle que ni la peinture ni la sculpture ne sont aussi pures que l’on croit parfois. La sculpture en bronze peut être moulée et refondue en un grand nombre d’exemplaires; et notre connaissance de la sculpture grecque ne provient pas de statues grecques originales, mais de copies romaines. En outre, on a estimé qu’un tableau sur dix qui pendaient dans le ciel meilleurs musées d’art , ne sont pas des copies originales. À la fin de la journée, une caméra, une pièce sombre et ses produits chimiques utilisés pour le traitement, ne sont pas si différents des pinceaux et des peintures du peintre. Il ne reste plus qu’un ensemble d’outils avec lesquels un photographe tente de créer une image: une image pour remuer notre âme, à la manière des images.

Aujourd’hui, des photographies d’art sont visibles dans de nombreux musées du monde entier, y compris Metropolitan Museum of Art , NYC (collections Stieglitz, Steichen, Walker Evans et Ford Motor Company); Musée d’art moderne (MOMA), NYC (collections rassemblées par Edward Steichen, John Szarkowski et Peter Galassi); Musée Guggenheim New York , (Collection Robert Mapplethorpe); Institut d’art de Chicago (Collection Alfred Stieglitz); Detroit Institute of Arts (Galerie Albert / Peggy de Salle); Musée du comté de Los Angeles d’art (département de photographie de Wallis Annenberg); Musée d’art de Philadelphie (30 000 photos de photographes comme Alfred Stieglitz, Paul Strand); et Victoria & Albert Museum , Londres (500 000 images de 1839 à nos jours).