Art religieux: définition, histoire, types Automatique traduire
Définition
Qu’est-ce que l’art religieux?
Il y a beaucoup de façons de définir l’art religieux. On peut dire que c’est:
(1) Toute œuvre d’art ayant un thème chrétien ou biblique ( Art chrétien ) ou
(2) Toute œuvre d’art illustrant le culte d’un dieu ou d’une divinité; ou
(3) Toute œuvre d’art ayant un thème islamique, bouddhiste, hindou, sikh, juif, juif, bahaï ou jaïniste, ou tout art représentant des thèmes du shinto, du cao dai ou des religions chinoises traditionnelles.
Cependant, après une analyse plus poussée, ces définitions concernent le "contenu" religieux, plutôt que la "qualité" religieuse. Par exemple, une peinture représentant une scène de crucifixion attirant l’attention sur un attribut physique fondamentalement étrange ou blasphématoire du Christ mourant mériterait difficilement la description d’art religieux. En outre, certaines religions (orthodoxe orientale, islam) ont certaines règles qui circonscrivent le type d’art autorisé: une sculpture de Mahomet serait considérée comme un blasphème plutôt qu’un objet d’art religieux. Ainsi, pour être qualifié de "religieux", la peinture, la sculpture ou l’architecture concernée doit comporter un récit moral reconnaissable, conférant à l’œuvre la "qualité" sacrée nécessaire. Comme pour l’évaluation de tous les arts, déterminer si cet attribut moral est présent ou non est essentiellement un exercice subjectif, même si dans la plupart des cas, la réponse sera probablement assez simple.
Par conséquent, notre définition suggérée d’art religieux va comme ceci:
L’art religieux est une œuvre dont le thème soutient le message moral de la religion qu’il prétend illustrer. Dans ce contexte, la religion s’entend de tout ensemble de croyances humaines se rapportant à ce qu’elles considèrent comme sacré, saint, spirituel ou divin, que des divinités soient impliquées ou non.
Types communs d’art religieux
Depuis l’Antiquité, l’art religieux le plus répandu est la peinture et la sculpture portable. Cependant, la forme d’art religieux ayant le plus grand impact visuel est sans aucun doute architecture . Du Pyramides égyptiennes à la Stonehenge Stone Circle , de la basilique Sainte-Sophie à Istanbul à la grande mosquée omeyyade de Damas, du dôme du rocher à Jérusalem au français Cathédrales gothiques , de la basilique Saint-Pierre à Rome au Taj Mahal , les autorités religieuses ont toujours eu recours à l’architecture pour émerveiller et influencer leurs congrégations. Les décorations artistiques intérieures et extérieures de ces églises chrétiennes, islamiques et bouddhistes incluent généralement un large éventail d’arts décoratifs, notamment: calligraphie, céramique, artisanat, icônes, manuscrits enluminés, ferronnerie , mosaïque, vitrail, tapisserie et sculpture sur bois.
Pour plus d’informations sur la fonction et la conception des tombeaux pyramidaux dans l’Egypte ancienne, voir: Architecture égyptienne (c.3000 et plus).
But et coût de l’art religieux
La fonction de l’art religieux, directement ou indirectement, est de gagner des convertis. L’architecture est donc la principale forme, car une cathédrale peut inspirer, instruire et héberger une congrégation. La statuaire publique peut aussi inspirer, tandis que les mosaïques et vitrail peut illustrer des histoires divines – pas sans importance à une époque où l’analphabétisme était la norme. En exposant le message d’un univers ordonné sous Dieu, l’art chrétien a également contribué à la création et au maintien de l’ordre social. Mais cela a eu un prix. Ainsi, dans leurs tentatives de faire revivre la grandeur, la beauté et le prestige de Rome avec les plus belles conceptions architecturales, sculptures et fresques, Pape julius ii (1503-13) et le pape Léon X (1513-21) faillirent faire faillite à l’Église. En fait, le dépassement des dépenses artistiques par le Pape était une cause importante de la Réforme, car il entraînait des taxes plus élevées pour le peuple et une plus grande corruption parmi les officiers de l’Église. Néanmoins, pendant au moins les neuf siècles entre 800 et 1700, l’Église de Rome a été de loin le plus grand mécène des arts.
Histoire de l’art religieux occidental
Premier art religieux préhistorique
Personne ne sait avec certitude quand l’homme a commencé à créer de l’art spécifiquement religieux. Nous savons que divers types d’images religieuses ont commencé à apparaître à l’ère de la Art néolithique Parmi les exemples, citons: la figurine en terre cuite "La Déesse intronisée" (6 000 avant notre ère) découverte à Catal Huyuk, en Anatolie, en Turquie; et la figure thérianthrope en grès connue sous le nom de Dieu du poisson de Lepenski Vir (datée de 5 000 ans av. J.-C.), découverte dans une colonie du Danube en Serbie.
Art religieux de l’Antiquité (environ 3500 avant notre ère – 400 ans)
L’Égypte abritait une quantité considérable d’art religieux. Le rôle des artistes égyptiens consistait à exalter leur pharaon – un roi laïc vénéré comme un dirigeant divin, censé incarner le dieu Horus. L’objectif principal de Art égyptien était la pyramide – la tombe du pharaon et de sa maison – qui était généralement remplie de peintures, de sculptures et de nombreux autres artefacts précieux pour l’aider à survivre et à prospérer dans l’après-vie. Des temples ont également été construits pour le pharaon vivant, de même que pour les dieux de la Grèce antique et de Rome, au cours de la période allant de 600 avant notre ère à 400 ans avant notre ère. Religieux Art grec est le mieux illustré par le Parthénon (dédié à la déesse Athéna) et d’autres temples de l’Acropole à Athènes. Jusqu’en 400 de notre ère, les œuvres sacrées conservées sont presque exclusivement architecturales ou sculpturales. Pratiquement toute la peinture a disparu. Il en a été de même en Europe du Nord, où des structures cérémoniales – peut-être religieuses – ont commencé à apparaître à partir de la fin du quatrième millénaire avant notre ère, telles que la tombe Newgrange en Irlande et Stonehenge en Angleterre.
Art chrétien
Art chrétien (principalement Art biblique ) est apparu environ 150 ans après la mort de Christ. Initialement art paléochrétien – comprenant sculpture paléochrétienne – était en fait un type de Art romain chrétien , combinant l’imagerie romaine avec des motifs grecs classiques: l’image du Christ en majesté provient à la fois de portraits impériaux romains et de représentations du dieu grec Zeus. Au cours des siècles à venir, l’iconographie chrétienne a été progressivement normalisée et harmonisée avec les textes bibliques. Pour le plus ancien manuscrit chrétien enluminé au monde, voir: le Evangiles Garima (390-660) du monastère Abba Garima en Éthiopie.
[Pour un petit guide sur l’art juif, voir Musée d’art juif de Jérusalem , qui possède la plus vaste collection au monde d’art et d’artisanat juifs ashkénazes, séfarades et orientaux.]
Art religieux byzantin (env. 400-1000)
Art byzantin à Constantinople a créé un nombre d’exemples extraordinaires d’architecture chrétienne, notamment: l’église Chora, Hagia Irene, l’église Saint-Serge et Bacchus et l’impressionnante Hagia Sophia (532-37). En outre, ils ont construit l’église Sainte-Sophie à Sofia, en Bulgarie (527-65) et l’église Sainte-Sophie à Thessalonique. Art de la mosaïque était également commun. Pour plus, voir: Art chrétien, époque byzantine .
Peinture religieuse russe: icônes, peintures murales (c.950-1700)
La technique de peinture d’icônes répandue dans toute la région orthodoxe orientale, notamment à Kiev, Novgorod et Moscou. En effet, il est devenu une caractéristique majeure de Peinture médiévale russe . Pour les plus grands iconographes russes, voir: Théophane le Grec (c.1340-1410), fondateur de la Ecole de peinture d’icônes de Novgorod ; son jeune élève Andrei Roublev (c.1360-1430), célèbre pour son chef-d’œuvre, le Icône de la Sainte Trinité (1411-25); et Dionysius (1440-1502), connu pour ses icônes religieuses du monastère de Volokolamsky. le Ecole de peinture de Moscou (c.1500-1700) ont présenté les frères Stroganov, Procopius Chirin, Nicéphore Savin et Simon Ouchakov (1626-1686).
Art religieux en Irlande (c.600-1150)
Protégée de la romanisation et de l’invasion barbare par sa position isolée, l’Irlande est devenue un centre important pour l’art des premiers chrétiens. Les monastères irlandais ont produit un certain nombre de manuscrits enluminés (par exemple, Book of Kells), dont les illustrations s’inspiraient de dessins de la culture celtique La Tene. Art celtique également été illustrée par une gamme de navires ecclésiastiques irlandais, tels que le Ardagh Chalice , le Sanctuaire de ceinture moyen , ainsi que des croix processionnelles comme le 8ème / 9ème siècle Tully Lough Cross et le grand 12ème siècle Croix de cong . Le troisième type d’art chrétien issu de cette fusion de dévotion monastique et d’art celtique était Sculpture de haute croix celtique , qui a été produite en grand nombre à travers l’Irlande au cours de la période allant de 750 à 1150.
Art religieux roman et gothique (800-1400)
Le roi Charlemagne des Francs dirigea la renaissance de l’art religieux chrétien depuis sa cour d’Aachen. Art carolingien comprend des œuvres d’architecture, des sculptures médiévales, des peintures murales, des manuscrits en gospel enluminés, etc. Les successeurs de Charlemagne ont maintenu ces traditions pendant l’ère de Art ottonien – noté pour son précieux ferronnerie – soutenu par une église revitalisée basée à Rome. Art roman et l’architecture a suivi à partir du 11ème siècle jusqu’à environ 1200 quand il a été remplacé par architecture gothique (tous les deux Rayonnant et Flamboyant) avec ses arches élancées et ses magnifiques vitraux. Sculpture gothique était plus évocateur et expressif. La période gothique a été l’un des plus grands épanouissements de l’art monumental chrétien, illustré par un vaste programme de construction en France – voir, par exemple, Cathédrale Notre Dame (Paris) et Cathédrale de chartres – et ensuite à travers l’Europe. Des cathédrales gothiques ont été construites à Laon, à Paris (Notre-Dame), à Chartres, à Soissons, à Bourges, à Reims, à Amiens, à Beauvais, à Auxerre et à d’autres villes. En Allemagne, le style gothique est illustré par des structures telles que cathédrale de Cologne , alors qu’en Angleterre, des cathédrales sont apparues à Lincoln, Wells, Salisbury, Canterbury, Durham et Ely, ainsi qu’à York Minster et à l’Abbaye de Westminster. Sous les architectes, une armée de tailleurs de pierre et d’autres artisans ont été employés pour produire une masse d’œuvres d’art décoratives et sacrées comprenant des statues sur colonnes, des mosaïques et des sculptures. Le gothique tardif était réputé pour son autel exquis Sculpture sur bois , par des artisans comme Veit Stoss (c.1447-1533) et Tilman Riemenschneider (c.1460-1531).
Peinture religieuse de la Renaissance du Nord (1400-1600)
Retable d’art l’art religieux des Pays-Bas au cours de cette période, comme en témoigne The Retable de Gand (1425-32) de Jan van Eyck (1390-1441) et Hubert van Eyck (d.1426), The Retable de portinari (1475) de Hugo van der Goes (1440-82), le Retable d’Isenheim (1515) de Matthias Grunewald (1470-1528) et The Deposition (1435), créé par Roger Van der Weyden (1400-1464) pour l’église Notre Dame du Dehors (aujourd’hui au Museo del Prado, Madrid). Voir aussi les peintures fantastiques extraordinaires et fascinantes Jardin des délices et Le triptyque Haywain (1516) de Jérôme Bosch, et le Tour de Babel par Pieter Bruegel l’Ancien.
Art religieux de la Renaissance italienne (1400-1600)
Anticipé par Giotto’s Fresques de la chapelle Scrovegni (1303-10), quattrocento italienne Art de la Renaissance a été financé par l’Église chrétienne et aussi par des dirigeants laïques, comme les familles Medici et Gonzaga, de même que l’école de peinture siennoise, plus conservatrice. Cependant, une grande proportion de la peinture et de la sculpture de la première Renaissance avaient des motifs ou des thèmes religieux, par exemple: Masaccio’s Sainte Trinité (1428) et Fresques de la chapelle Brancacci (1424-14), L’Annonciation (c.1450) de Fra Angelico (1395-1455), et le Dernière Cène (1495-8) de Léonard de Vinci (1452-1519). La haute peinture de la Renaissance comprenait des chefs-d’œuvre religieux tels que Madone Sixtine (1513-14) de Raphaël (1483-1520), et l’incroyable Fresque de la genèse (1508-1512) et Fresque du Jugement dernier (1536-1541) dans la chapelle Sixtine, par Michel-Ange (1475-1564).
Le plus célèbre travail de Architecture de la renaissance était le redessiné et reconstruit Basilique Saint-Pierre à Rome (1506-1626).
Venise
Peinture vénitienne possédait un certain nombre de peintres remarquables de thèmes religieux, notamment Titien (1477-1576) et Tintoret (1518-1594), ainsi que le coloriste Paolo Veronese (1528-1588), connu pour ses immenses scènes de banquets bibliques, telles que Fête de mariage à Cana (1563, Louvre) et Fête à la maison de Levi (1573, Académie de Venise). Voir: Héritage de la peinture vénitienne sur l’art européen.
L’art religieux de la Renaissance dans les provinces est peut-être illustré par le Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1526-30) de Antonio Allegri da Correggio (1489-1534).
Tableaux religieux maniéristes (1530-1600)
L’église catholique romaine avait une attitude ambivalente envers le stylisé Maniérisme mouvement artistique. En Italie, par exemple, à la suite du Concile de Trente, les formes stylisées et le caractère artificiel de Peinture maniériste était perçu comme une ingérence inutile dans le message liturgique. Pour un exemple de peintre maniériste qui a changé de style conformément à l’enseignement de l’Église, voir: Federico Barocci (1526-1612). Pour plus, voir: Retables vénitiens (1500-1600). En Espagne, cependant, l’expressivité du nouveau style a été considérée comme un véhicule idéal pour décrire des expériences religieuses intenses.
Un développement majeur à cette époque, grâce notamment à Antonello da Messina (1430-1479) et au Caravaggio (1573-1610), fut l’utilisation de formes humaines plus réalistes pour représenter la Sainte Famille et d’autres personnages bibliques. Voir, par exemple, Le Christ couronné d’épines (Ecce Homo) (1470) de Antonello da Messina. L’architecture religieuse de la Renaissance est illustrée par le dôme de la cathédrale de Florence, conçu par l’architecte et l’artiste Filippo Brunelleschi (1377-1446) et par la reconstruction de l’église de Saint-Pierre (Rome, 1506-1626), vieille de 1 100 ans, par Bramante, Raphaël, Sangallo, Maderno, Michelangelo et Bernini. Ce projet s’étendit au-delà de la Haute Renaissance jusqu’à l’ère baroque.
Ecole de la Renaissance espagnole (XVIe siècle)
La Renaissance en Espagne était en retard sur celle d’Italie et d’ailleurs. Même ainsi, la piété espagnole et la dévotion aux dogmes religieux de Rome étaient absolues. Il n’est donc pas surprenant que leurs artistes participent activement à la diffusion et à l’illustration du message chrétien. Ils comprenaient: Alonso Berruguete (c.1486-1561) le plus grand sculpteur espagnol de la Renaissance, dont les chefs-d’œuvre incluent: le retable du monastère de La Mejorada Valladolid (1526) et les stalles de la chorale de la cathédrale de Tolède (1539-153). Aussi, Juan de Juni (1507-1577), le célèbre sculpteur maniériste français, spécialisé dans les thèmes religieux et l’expression dramatique de l’émotion, comme l’illustrent ses deux groupes de l’ Ensevelissement du Christ (1544, cathédrale de Valladolid) et (1571, cathédrale de Ségovie). La peinture religieuse espagnole de la fin de la Renaissance est illustrée par le peintre maniériste El Greco (1541-1614), dont les œuvres principales incluent: La Sainte Trinité (1577); Le déshabillage du Christ (El Espolio) (1577); L’enterrement du comte d’Orgaz (1586-1588); Christ chassant les marchands du temple (1600); L’ouverture du cinquième sceau de l’Apocalypse (1608); L’adoration des bergers (1612-14); Pierre repentant (1600); et le Christ portant la croix (1600).
Art religieux baroque (1600-1700)
Suite à la réforme de Martin Luther (c.1517) et à l’émergence de nouvelles formes de Art de la Réforme Protestante , – le Vatican a lancé une vigoureuse campagne de Art de la contre-réforme catholique , conçu pour reconquérir ses congrégations égarées en Europe. La peinture, ainsi que des techniques picturales telles que Caravagisme , était un élément clé de cette campagne de propagande religieuse. L’église voulait communiquer son message directement aux fidèles et exigeait de ses artistes une clarté sans compromis. Pour se conformer à cela, les peintures devaient avant tout être réalistes et le réalisme sans fioritures de Caravaggio était absolument adapté à la campagne contre-réforme. En supprimant les prétentions intellectuelles et stylistiques du maniérisme tardif – un style qui n’était apprécié que par une minorité éduquée, il a donné à peindre l’impact instantané inspirant exigé par l’église de Rome. Voici des exemples de son réalisme religieux: L’appel de saint Matthieu (1600), Le martyre de saint Matthieu (1600), Souper à Emmaüs (1601), La crucifixion de saint pierre (1601), Conversion de saint Paul sur le chemin de Damas (1601), Mort de la vierge (1601-6) et La mise au tombeau du Christ (1601-3).
Un autre type d’art privilégié par la Contre-Réforme catholique était la peinture sur fresque d’église quadratura, conçue pour inspirer les congrégations avec des procédés illusionnistes. Voir par exemple: Apothéose de saint Ignace (1694) de Andrea Pozzo.
En Espagne, les dévots Francisco de Zurbaran (1598-1664), fortement influencé par le quiétisme espagnol, produit des peintures saintes pour de nombreux monastères et ordres religieux (Chartreux, Capucins, Dominicains, Jéronymites, entre autres), ainsi que pour des cathédrales et autres autorités ecclésiastiques. Parmi ses œuvres notables figurent Christ en croix (1627), Apothéose de saint Thomas d’Aquin (1631) et Adoration des bergers (1638). Le grand Diego Velazquez (1599-1660), bien que célèbre comme portraitiste virtuose, a également produit un certain nombre de peintures saintes telles que L’Immaculée Conception (1618), Joseph’s Coat (1630) et Christ crucifié (1632). La sculpture religieuse baroque espagnole est bien représentée par l’artiste de Séville Juan Martinez Montanes (1568-1649), surnommé le dieu du bois pour ses talents de sculpteur, sculpta principalement des crucifix en bois et des personnages religieux. Ses œuvres les plus connues incluent Le Christ Miséricordieux (1603, cathédrale de Séville) et Le retable de Santiponce (1613); et aussi par l’explosif Alonso Cano (1601-1667), connu sous le nom de "Michelangelo espagnol", dont le chef-d’œuvre est L’Immaculée Conception (1655, cathédrale de Grenade).
En Flandre, le plus grand représentant de religieux du 17ème siècle Peinture flamande était Rubens (1577-1640), dirigeant incontesté de l’école baroque flamande, succéda aux artistes religieux comme Robert Campin, Hugo van der Goes et Hans Memling.
En Italie, pays de l’Église catholique romaine, des peintres comme Nicolas Poussin (1594-1665) et Claude Lorrain (1600-1682) ont reçu de nombreuses commandes religieuses. Les plus grands représentants de la sculpture religieuse italienne étaient l’incomparable Bernini (1598-1680) – voir son Extase de Ste Teresa (1645–1652), créé pour la chapelle Cornaro de l’église Santa Maria della Vittoria de Rome – et son grand rival Alessandro Algardi (1598-1654), qui reçurent tous deux de nombreuses commandes papales. Le style baroque catholique a donné lieu à un style architectural émotionnel, exploitant pleinement le potentiel mélodramatique du paysage urbain. La Place Saint-Pierre (1656-1677) et ses abords, en face de la basilique Saint-Pierre de Rome, en sont un exemple.
Le protestantisme avait son propre art religieux. Peinture hollandaise du 17ème siècle présente certaines œuvres remarquables de l’Ancien Testament de Rembrandt. En outre, les réalistes néerlandais aiment Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Pieter Claesz (1597-1660), Willem Kalf (1622-93) et Willem Claesz Heda (1594-1681), introduit un genre appelé Vanitas peinture (basé sur Ecclésiaste 12: 8 "La vanité des vanités dit le prédicateur, tout est vanité"), dont le thème principal était la nature éphémère de la vie et l’absurdité des vanités humaines. Voir aussi les peintures intérieures de l’église de Emanuel de Witte (1615-92) et Pieter Jansz Saenredam (1597-1665).
C’est entre 1650 et 1750 environ que la nature du marché de l’art européen a commencé à changer. Jusqu’en 1650, la plupart des arts avaient été l’art publique destiné aux masses – principalement sous la forme d’architecture et de sculpture, et la plupart de ce religieux. En 1750, ce type d’art public avait été remplacé par un art au chevalet portable – principalement des peintures pour des clients commerciaux. L’ère des dépenses à grande échelle des autorités de l’Église était terminée.
Déclin de l’art religieux (à partir de 1700)
Le 18ème siècle était l’ère des monarques absolus, dont le règne despotique était basé sur le prétendu «droit divin des rois» nommé par Dieu. Cependant, ces monarques, comme Louis XIV, Louis XV, les Romanov russes et les Habsbourg autrichiens, étaient trop soucieux d’exalter leur statut laïc et de soutenir leurs empires déchirants pour investir de l’argent dans la peinture, la sculpture ou l’architecture religieuses. En outre, sauf dans la péninsule ibérique, où la piété espagnole ne faiblit jamais, le pouvoir de l’Église catholique romaine a été sérieusement affaibli par la destruction de ses monastères au cours des deux siècles précédents. Cette combinaison de faiblesses laïques et ecclésiastiques signifiait que – à quelques exceptions près, telles que les commissions catholiques attribuées à Giambattista Tiepolo (1696-1770) en Bavière et à Venise – il y eut une réduction significative des sommes consacrées aux activités religieuses. art. De plus, cette période a été marquée par une forte augmentation de la demande des marchands et des propriétaires fonciers, pour les portraits et les paysages topographiques. En réalité, la période se termina avec la Révolution française, qui annonça un changement de sentiment à travers l’Europe. Désormais, l’art célébrerait les hommes plutôt que les divinités.
Le 19ème siècle a produit encore moins d’art religieux. Bien que la révolution industrielle ait créé un excédent de richesse considérable pour les nations et les individus, elle n’a pas été investie dans l’art chrétien. Au lieu de cela, il s’est concentré sur le développement des services sociaux et publics. Les seules commissions régulières offertes par les autorités de l’Église concernaient des sculpture commémorer les évêques et autres religieux décédés décédés. Et tandis que quelques peintres continuaient à peindre des scènes bibliques, la demande de compositions religieuses s’effondrait – une tendance qui se poursuivit jusqu’au 20ème siècle. Mais voir Un enterrement à Ornans (1850) du peintre réaliste Gustave Courbet et les étranges œuvres symbolistes du peintre belge James Ensor (1860-1949), notamment l’entrée du Christ à Bruxelles .
Art religieux du XXe siècle
L’architecture des temples de l’Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours (Mormons) est une caractéristique de l’art chrétien moderne en Occident. Son développement – de la conception simple du temple de Kirtland (construite dans les années 1830) aux allures d’église, aux styles gothiques complexes des premiers temples de l’Utah aux temples modernes fabriqués en série aujourd’hui – témoigne de l’évolution de l’architecture religieuse moderne elle-même. Les églises postmodernistes les plus récentes incluent le temple de la Communauté du Christ à Independence, dans le Missouri; Unity Temple, l’Universaliste unitarien de Chicago conçu par Frank Lloyd Wright (1867-1959); la cathédrale Sainte-Marie de l’Assomption (San Francisco) conçue par Pietro Belluschi; et la cathédrale catholique Notre-Dame des Anges, conçue par Jose Rafael Moneo (Los Angeles). Malheureusement, le 20ème siècle a également été le théâtre de destructions énormes: de nombreux beaux églises et autres œuvres d’art religieuses ont été détruites par les régimes communistes de l’Europe de l’Est. En ce qui concerne la peinture sacrée, les peintres du 20ème siècle l’ont, à quelques exceptions près, ignorée, préférant s’adresser au collectionneur d’art moderne et laïc plus séculier. Parmi les peintures religieuses modernes exceptionnelles, citons: Christ en croix (1936) de Georges Rouault (1871-1958); Ecce Homo (1925) de Lovis Corinth (1958-1925); Christ à Emmaüs (1963) de Patrick Caulfield (1936-2005); Crucifixion 3.85 (1985) de Antonio Saura (1930-1998); et l’étrange travail abstrait St John (1988) de Gerhard Richter (né en 1932). En attendant, la sculpture religieuse postmoderniste est sûrement illustrée par Virgin Mother (2005) de Damien Hirst (né en 1965), qui se tient sur la Plaza de Lever House, à New York.
Thèmes de l’art chrétien
Les papes, les autorités religieuses et laïques ont chargé des peintres et des sculpteurs d’illustrer un très large éventail de scènes de la Bible. Le choix des scènes peut être déterminé par la politique religieuse, ainsi que par le type d’art et les médias impliqués. Un des thèmes les plus célèbres de la sculpture religieuse, par exemple, est David et Goliath : voyez les trois Davids sculptés par Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-1488) et Michelangelo (1475-1564). Léonard a traité le thème difficile de l’Immaculée Conception dans sa belle Vierge des Rochers (1484-6, Louvre, Paris). Occasionnellement, des artistes se sont spécialisés sur certains thèmes bibliques, par exemple la femme peintre baroque. Artemisia Gentileschi (1593-1656) peint Judith décapitant Holopherne plusieurs fois.
Sujets d’art populaire des évangiles du Nouveau Testament
Sujets d’art populaire des évangiles de l’Ancien Testament
Art religieux non chrétien
Dans ce bref aperçu, des expressions telles que art hindou, art bouddhiste et art islamique ne sont que des termes génériques pour désigner les arts et l’art de la décoration créés sur les territoires occupés par la culture concernée. L’architecture et la sculpture (souvent combinées) sont les deux formes d’art les plus remarquables. Voir, par exemple, le 11ème siècle Temple Kandariya Mahadeva (1017-29) en Inde, au 12ème siècle Temple d’Angkor Wat Khmer (1115-1145) au Cambodge et le célèbre Taj Mahal (XVIIe siècle) datant du XVIIe siècle – qui constituent tous des exemples exceptionnels de l’architecture religieuse non chrétienne. Les autres formes d’art incluent la sculpture en relief, la peinture corporelle, la coulée du bronze, la calligraphie, le tissage de tapis, la céramique, la décoration de costumes, la draperie, le dessin, la broderie, la peinture faciale, les frises, la fabrication de meubles, la taille de pierres précieuses, la fabrication de orfèvres, la gravure de manuscrits, sculpture sur ivoire , bijouterie, reliure laquée, lustres, travail des métaux, mosaïques, peinture, poterie, art de la tapisserie , design textile, sculpture sur bois, entre autres.
Art impliquant le culte des ancêtres
Ce type de religion présente diverses pratiques et croyances concernant l’esprit des parents décédés. Les sociétés dont les arts et la culture étaient étroitement liés à la célébration du culte des ancêtres religieux comprennent plusieurs civilisation de la région méditerranéenne – voir, par exemple, Art égéen (2600-1100 AEC) – ainsi que Art asiatique du Japon, de la Chine, de la Corée, de l’Asie du Sud-Est et du sous-continent indien. Le culte des ancêtres était particulièrement répandu dans la Chine ancienne. Pour examiner de plus près les cultures chinoises impliquées, voir les ressources suivantes:
Art néolithique chinois (7500-2000 AEC)
Culture de la dynastie Xia (2100-1600 AEC)
Art de la dynastie Shang (1600-1050 AEC)
Art de la dynastie Zhou (1050-221 AEC)
Art de la dynastie Qin (221-206 AEC)
Art de la dynastie des Han (206 AEC – 220 CE)
Art hindou
L’hindouisme, qui date du 2e millénaire avant notre ère, est la religion principale en Inde, avec environ 850 millions d’adeptes et quelque 64 types d’art traditionnel. La peinture hindoue, par exemple, est illustrée par des œuvres anciennes et médiévales d’Ajanta, Bagh, Ellora et Sittanavasal, tandis que la sculpture hindoue est marquée non pas par un sentiment de plénitude plastique mais plutôt par un caractère linéaire mettant l’accent sur les contours, comme dans le Shiva. statuette [à gauche]. L’architecture hindoue embrasse des temples tels que l’Akshardham à Delhi, le temple Hoysaleswara à Halebidu, le temple Chennakesava à Belur, le temple Kesava à Somanathapura, le temple Brihadeeswara, Thanjavur et le temple Sri Ranganathaswamy à Srirangam.
Lectures complémentaires sur l’art hindou
Pour un bref aperçu de l’art indien, voir: Inde: peinture et sculpture .
Pour des articles plus spécifiques, voir ce qui suit:
Peinture indienne classique (Jusqu’à 1150 CE)
Peinture indienne post-classique (XIVe-XVIe siècle)
Peinture moghole (XVIe-XIXe siècle)
Rajput Peinture (XVIe-XIXe siècle)
Sculpture indienne (3300 avant notre ère – 1850)
Art bouddhiste
Le bouddhisme, fondé par Siddhartha Gautama vers 600 avant notre ère, compte environ 380 millions d’adhérents répartis en Inde, en Asie centrale et méridionale et au Japon. L’architecture bouddhiste est principalement consacrée aux temples, aux monastères et aux sanctuaires, y compris les stupas, les dagobas et les pagodes, à travers l’Asie. Mais l’iconographie bouddhiste utilisée dans les arts comme la sculpture varie selon les régions: en Asie du Sud-Est (Myanmar, Cambodge, Thaïlande, Indonésie), les traditions Theravada encouragent les images de Bouddha occupant des positions de médiation ou d’inclinaison; En Asie centrale (Chine, Corée, Japon, Tibet, Bhoutan, Vietnam et Afghanistan), les traditions mahayana ont donné lieu à un éventail plus large de représentations, notamment de différents bouddhas, saints, bodhisattvas et autres divinités. Pour plus, voir Sculpture bouddhiste chinoise (c.100-present). L’art bouddhiste en 3D est illustré par les sculptures en grès de Mathura, en Inde. (Pour plus, voir: Art japonais , et Art chinois .)
Note: L’art bouddhiste chinois – notamment la peinture, la sculpture et la conception de bâtiments – proliféra durant les Jin de l’Est (317-420), les dynasties méridionale et septentrionale (420-581), l’empire Sui (589-618), la plupart des (618-906) et la chanson (906-1279). Pour plus d’informations, voir les ressources suivantes:
Arts des Six Dynasties (220-589)
Art de la dynastie Sui (589-618)
Art de la dynastie Tang (618-906)
Art de la dynastie des chansons (906-1279)
Yuan Dynasty Art (1271-1368)
En Corée, où le bouddhisme est arrivé de Chine vers 370, la culture bouddhiste est restée forte plus longtemps: pour plus de détails, voir Art coréen (environ 3000 ans avant notre ère). En Inde, la relation entre le bouddhisme, l’hindouisme et l’islam est extrêmement complexe. L’art hindou a été influencé par l’art bouddhiste plus jeune, jusqu’à ce que le bouddhisme disparaisse autour de 950 siècle en partie en raison de l’influence croissante de l’Islam (et de l’art islamique) parallèlement à l’hindouisme. En raison de cette influence, les architectes hindous ont adapté leurs conceptions pour s’adapter aux traditions de la nouvelle religion, comme illustré dans la conception et la construction du Taj Mahal et de Gol Gumbaz. Mais notons également le récent choc des idéologies religieuses en Afghanistan, lorsque les musulmans talibans ont détruit les sculptures de pierre monumentales connues sous le nom de Bouddhas de Bamyan.
Pour plus d’informations sur l’évolution des arts et de la culture bouddhistes en Asie de l’Est, voir: Chronologie de l’art chinois (environ 18 000 ans avant notre ère – présent).
Art islamique
L’Islam, fondé par le prophète Mahomet au 7ème siècle de notre ère, compte environ 1, 5 milliard d’adeptes. Comme ses confrères, Art islamique est un mélange de nombreuses cultures. Bien qu’il reflète le credo musulman concernant le pouvoir absolu du Dieu unique (Allah), il combine des éléments de l’art grec et du début de l’art chrétien, ainsi que des grandes cultures de l’Égypte, de Byzance et de la Perse ancienne, ainsi que de l’héritage oriental. de l’Inde et de la Chine. Malgré tout, l’influence des Arabes qui ont conquis l’ancien monde islamique est primordiale. Il a propagé le Coran (Coran), la forme d’écriture arabe, les écritures kufique et naskhi de textes islamiques traditionnels. calligraphie , une variété infinie d’ornements abstraits et un système complet d’abstraction linéaire (Arabesques) propre à toutes les formes d’art islamique. Cette conception abstraite équilibre l’équilibre de l’interdiction islamique de la reproduction figurative.
Parmi les autres arts et métiers islamiques notables, citons: l’art de la céramique, notamment le lustre, la sculpture sur pierre, l’art du textile sur soie et la peinture murale. L’illumination de livres était une spécialité iranienne, comme le montrent le manuscrit Manafi al-Hayawan (Utilité des animaux) (1297) et le Jami al-tawarikh de Rashid al-Din. Le verre émaillé et le travail du métal étaient également très prisés, comme le magnifique bassin en métal argenté mamluk connu sous le nom de "Baptistere de Saint-Louis" (Syrie, 1290-1310). L’architecture islamique est particulièrement célèbre pour ses structures religieuses telles que: Le Dôme du Rocher (Jérusalem, construite par Abd al-Malik, 691); la grande mosquée de Damas (finie 715); le palais de l’Alhambra (Grenade, c.1333-91); la grande mosquée de Samarkand (commencée en 1400); La mosquée ottomane du sultan Ahmet Ier ("la mosquée bleue") (Istanbul, 1603-17); la mosquée en forme de dôme de Shaykh Lutfullah (1603-18), construite par des architectes safavides à Ispahan; L’architecture moghole comprend le palais de Fatehpur Sikri (vers 1575) construit sous le règne d’Akbar, ainsi que le sublime Taj Mahal (1630-1653), construit par l’empereur Shah Jahan à la mémoire de son épouse préférée, Mumtaz Mahal.
Art religieux autochtone
L’art tribal (ou art autochtone primitif), c’est-à-dire les arts et l’artisanat produits par des autochtones de sociétés tribales d’Afrique, du Pacifique Sud et d’Indonésie, d’Australie, des Amériques et de l’Alaska, est généralement beaucoup plus sacré ou religieux que l’art occidental. C’est parce que les religions tribales étaient omniprésentes. Ainsi, l’imagerie picturale tribale (peintures), la sculpture (pierre ou bois) ou les modèles tridimensionnels (masques) incarnaient les forces vitales supposées exister dans toute matière vivante. Parfois, ces images représentaient les esprits des morts, l’essence vitale de l’ascendance tribale. Malheureusement, beaucoup d’œuvres de ce type ont péri ou ont été échangées avec des explorateurs blancs. Il ne reste que des ouvrages en pierre (sculptures, temples), des travaux de terrassement ou diverses formes d’art rupestre. Malgré cela, des découvertes extraordinaires d’art religieux autochtone ont été découvertes, notamment: (1) des peintures préhistoriques dans les grottes de Laas Gaa’l à Hargeisa en Somalie, contenant des dessins d’hommes et de femmes vénérant du bétail et exécutant des rituels religieux; (2) des peintures à Ukhahlamba-Drakensberg, en Afrique du Sud, représentant des animaux et des humains qui, selon les experts, représentent des croyances religieuses. Pour plus de détails sur l’art religieux primitif, voir: Art tribal .
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