Art de la Renaissance: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Pendant les deux cents ans entre 1400 et 1600, l’Europe a connu un renouveau remarquable des beaux-arts, de la sculpture et de l’architecture, avec l’Italie au centre de ces processus, une période que nous appelons aujourd’hui la Renaissance ) rinascimento). Ce nom (en français «renaissance») de cette période est dérivé du «Renaissance» &ndash ; un célèbre volume historique écrit par l’historien Jules Michelet (1798-1874) en 1855 &ndash ; et mieux compris après la publication en 1860 de «La civilisation de la Renaissance en Italie» ) Die Kultur der Renaissance in Italien) par Jacob Burckhardt (1818-1897), professeur d’histoire de l’art à l’université de Bâle.

Quelles sont les caractéristiques de la Renaissance?

Pour simplifier, la Renaissance italienne a restauré l’art occidental selon les principes de l’art grec classique, en particulier la sculpture et la peinture grecques, qui ont largement servi de base au Grand Tour et sont restées inchangées jusqu’à Pablo Picasso et le cubisme.

Dès le début du XIVe siècle, à la recherche de nouvelles valeurs artistiques et d’une réponse au style gothique international raffiné, les artistes et penseurs italiens s’inspirent des idées et des formes de la Grèce et de la Rome antiques. Cela correspondait tout à fait à leur désir de créer un art universel, voire noble, capable d’exprimer le nouvel état d’esprit de l’époque, plus confiant.

La philosophie de l’humanisme de la Renaissance

L’art de la Renaissance est avant tout animé par un nouveau concept «l’humanisme» &ndash ; une philosophie qui était à la base de nombreuses réalisations (par exemple la démocratie) de la Grèce antique païenne. L’humanisme minimise l’importance des dogmes religieux et séculiers et accorde au contraire une grande importance à la dignité et à la valeur de l’individu.

L’influence de l’humanisme sur l’art

Dans les arts visuels, l’humanisme signifiait :
❶ L’émergence de la figure individuelle au lieu des figures stéréotypées ou symboliques.
❷ Un plus grand réalisme et une attention accrue aux détails, reflétés dans le développement de la perspective linéaire et le réalisme croissant des visages et des corps humains ; cette nouvelle approche contribue à expliquer pourquoi la sculpture classique était si vénérée et pourquoi l’art byzantin est tombé en désuétude.
❸ L’accent mis sur les actions vertueuses et leur encouragement : une approche reflétée par le principal théoricien de l’art de la Renaissance, Leon Battista Alberti (1404-72). Il a déclaré un jour que "le bonheur ne peut être atteint sans des actions bonnes, justes et équitables".

La promotion de la vertu reflétait l’idée croissante selon laquelle la vie humaine était contrôlée par l’homme plutôt que par le destin ou Dieu, et constituait une raison essentielle pour laquelle la peinture d’histoire (c’est-à-dire les peintures contenant des messages édifiants «») a été considérée comme la forme la plus élevée de peinture. Bien entendu, l’étude de la vertu dans les arts visuels comprenait également l’étude du vice et du mal humain.

Les causes de la Renaissance

Les causes de la renaissance des beaux-arts ne sont pas encore claires. Bien que l’Europe soit sortie de l’âge des ténèbres sous Charlemagne (vers 800) et qu’elle ait connu un renouveau de l’Église chrétienne avec son programme de construction dans le style gothique des XIIe et XIIIe siècles, le XIVe siècle a connu plusieurs récoltes désastreuses, la peste noire (1346) et une guerre prolongée entre l’Angleterre et la France. Des conditions peu propices à un sursaut de créativité, et encore moins à un renouveau prolongé des peintures, dessins, sculptures et nouveaux édifices. De plus, l’Église &ndash ; le plus grand mécène des arts &ndash ; était en proie à des désaccords sur des questions spirituelles et séculières.

Une prospérité accrue

Cependant, des évolutions plus positives se font jour. En Italie, Venise et Gênes s’enrichissent grâce au commerce avec l’Orient, tandis que Florence devient un centre de production de laine, de soie et de bijoux et abrite la fabuleuse richesse de la famille Médicis, cultivée et habile .

La prospérité gagne également l’Europe du Nord, comme en témoigne la création de la Ligue hanséatique en Allemagne. Cette richesse croissante permet de financer un nombre croissant de commandes de grands projets artistiques publics et privés, tandis que les routes commerciales sur lesquelles elle s’appuie facilitent grandement la diffusion des idées et donc l’essor des mouvements à travers le continent.

À cette diffusion des idées, d’ailleurs fortement accélérée par l’invention de l’imprimerie, s’est ajouté un indéniable sentiment d’impatience face à la lenteur des changements. Après mille ans de disette culturelle et intellectuelle, l’Europe (et surtout l’Italie) avait soif de renouveau.

La faiblesse de l’Eglise

Paradoxalement, la faiblesse de l’Église a donné un élan supplémentaire à la Renaissance. Premièrement, elle a permis la diffusion de l’humanisme, qui avait été fortement combattu aux époques précédentes ; deuxièmement, elle a encouragé les papes ultérieurs, comme le pape Jules II (1503-13), à dépenser des sommes extravagantes pour l’architecture, la sculpture et la peinture à Rome et au Vatican (voir par exemple Musées du Vatican, en particulier Fresques de la chapelle Sixtine). &ndash ; regagner l’influence perdue. Leur réaction à la Réforme (vers 1520), connue sous le nom de Contre-Réforme, en particulier le type doctrinal de l’art chrétien, a poursuivi ce processus jusqu’à la fin du XVIe siècle.

L’âge des explorations

L’époque de la Renaissance dans l’histoire de l’art est parallèle au début de la grande époque des découvertes occidentales, au cours de laquelle un désir général d’explorer tous les aspects de la nature et du monde s’est manifesté. Les explorateurs navals européens découvrent de nouvelles routes maritimes, de nouveaux continents et établissent de nouvelles colonies. De la même manière, les architectes, sculpteurs et artistes européens ont manifesté leur propre désir d’acquérir de nouvelles méthodes et connaissances. Selon le peintre, architecte et commentateur italien de la Renaissance Giorgio Vasari (1511-1574), la Renaissance s’est développée non seulement en raison d’un respect croissant pour l’art de l’Antiquité classique, mais aussi d’un désir grandissant d’étudier et d’imiter la nature.

Pourquoi la Renaissance commence-t-elle en Italie?

Outre son statut de pays commercial le plus riche entre l’Europe et l’Orient, l’Italie était dotée d’un vaste dépôt de ruines et d’artefacts classiques. Des spécimens d’architecture romaine pouvaient être trouvés dans presque toutes les villes, et la sculpture romaine, y compris des copies de sculptures perdues de la Grèce antique, était connue depuis des siècles. En outre, le déclin de Constantinople &ndash, la capitale de l’Empire byzantin &ndash, a poussé de nombreux érudits grecs à émigrer en Italie, apportant avec eux des textes importants et des connaissances sur la civilisation grecque classique. Tous ces facteurs expliquent pourquoi la Renaissance est née en Italie. Pour plus d’informations, voir Renaissance florentine (1400-90).

Pour plus d’informations sur le développement du mouvement dans les différentes villes d’Italie, voir :

École siennoise de peinture (ex. : frères Lorenzetti, Sassetta) ;
Renaissance à Florence (ex. : Giotto, Mazaccio, Brunelleschi, Léonard) ;
Renaissance à Rome sous les papes (par exemple, Raphaël et Michel-Ange) ;
Renaissance à Venise (par exemple, Mantegna, famille Bellini, Titien, Tintoret).

Les artistes de la Renaissance

Si les facteurs économiques, sociaux et politiques ont jeté les bases de la Renaissance, c’est le talent des artistes italiens qui l’a propulsée vers l’avant. Les principaux peintres, sculpteurs, architectes et designers de la Renaissance italienne des XIVe, XVe et XVIe siècles sont, par ordre chronologique, les suivants :

Cimabue (vers 1240-1302) Connu pour ses fresques à Assise.
Giotto di Bondone (1267-1337) Fresques de la chapelle des arènes de Scrovegni.
Gentile da Fabriano (1370-1427) Peintre influent du style gothique.
Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438) Sculpteur influent de Sienne.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) Sculpteur «Porte du ciel»

Donatello (1386-1466) Le meilleur sculpteur du début de la Renaissance
Paolo Uccello (1397-1475). Célèbre pour ses travaux sur la perspective.
Tommaso Mazaccio (1401-1428) Le plus grand peintre florentin du début de la Renaissance.
Piero della Francesca (1420-1492) Pionnier de la perspective linéaire.
Andrea Mantegna (1430-1506) Connu pour sa technique illusionniste de raccourcissement.
Donato Bramante (1444-1514) Architecte majeur de la Renaissance.
Alessandro Botticelli (1445-1510) Connu pour ses peintures mythologiques.
Léonard de Vinci (1452-1519) Créateur de La Joconde, La Cène.
Raphaël (1483-1520) Le plus grand artiste de la Renaissance.
Michel-Ange (1475-1564) Peintre et sculpteur de génie.
Titien (1477-1576) Le plus grand coloriste vénitien.
Andrea del Sarto (1486-1530) Chef de file de la Haute Renaissance à Florence.
Corrège (1489-1534) Connu pour ses fresques illusionnistes en quadrature.
Andrea Palladio (1508-1580) Dominant dans l’architecture de la Renaissance vénitienne, imité plus tard dans le palladianisme.
Tintoret (1518-1594) Peintre maniériste religieux.
Paolo Veronese (1528-1588) Coloriste, disciple du Titien.

Liste générale des peintres et sculpteurs de la Renaissance
c.1280-1400 &ndash ; Artistes de la Renaissance
c.1400-1490 &ndash ; Artistes de la première Renaissance
c.1490-1530 &ndash ; Artistes de la Haute Renaissance
c.1530-1600 &ndash ; Artistes maniéristes
c.1400-1600, Europe du Nord &ndash ; Artistes de la Renaissance septentrionale
c.1400-1600 &ndash ; Sculpteurs de la Renaissance .

L’influence de la Renaissance sur la peinture et la sculpture

Comme nous l’avons vu plus haut, la Renaissance italienne se caractérise par quatre aspects :

❶ La renaissance révérencieuse des formes et des styles classiques de l’art grec et romain

❷ La croyance en la noblesse de l’homme (humanisme)

❸ La maîtrise de la technique de la peinture illusionniste, maximisant «la profondeur» de l’image, y compris la perspective linéaire, le raccourcissement et, plus tard, la quadrature ;

❹ Le réalisme naturaliste de ses visages et figures, renforcé par des techniques de peinture à l’huile telles que le sfumato .

Techniques de peinture de la Renaissance

Exemple Perspective linéaire
: La flagellation du Christ de Piero della Francesca.
Exemple perspective
: Lamentation du Christ mort de Mantegna.
Exemple de quadrature
: fresque de la Camera degli Sposi (ou «Camera picta», salle du Palais Ducal de Mantoue) de Mantegna.
Exemple sfumato
: Mona Lisa de Léonard de Vinci.

En Europe du Nord, la Renaissance se caractérise par des progrès dans la représentation de la lumière dans l’espace et de sa réflexion sur diverses surfaces et (surtout) par l’atteinte d’un réalisme suprême dans le portrait de chevalet et la peinture de natures mortes. Cela est dû en partie au fait que la plupart des artistes de la Renaissance nordique ont commencé à utiliser la peinture à l’huile au début du XVe siècle, préférant la tempera ou la fresque, qui (pour des raisons climatiques et autres) étaient encore les méthodes de peinture préférées en Italie. La peinture à l’huile permet d’obtenir des couleurs plus riches et, en raison de son temps de séchage plus long, elle peut être peinte pendant de nombreuses semaines, ce qui permet de travailler les détails fins et d’obtenir un plus grand réalisme. L’huile se répandit rapidement en Italie, d’abord à Venise, dont le climat humide était moins propice à la détrempe, puis à Florence et à Rome (voir aussi : Mouvements artistiques, périodes, écoles, pour un bref aperçu des autres styles).

Cela signifie, entre autres, que si le christianisme est resté le thème ou le sujet dominant d’une grande partie de l’art visuel de l’époque, les évangélistes, les apôtres et les membres de la Sainte Famille ont été représentés comme des personnes réelles dans des poses et des situations réelles, exprimant de vraies émotions. Parallèlement, les récits de la mythologie classique &ndash ; comme la représentation sur les icônes de personnages tels que Vénus, la déesse de l’amour, sont devenus plus largement utilisés pour illustrer le message de l’humanisme. Pour plus d’informations à ce sujet, voir Analyses de peintures célèbres .

En matière d’art plastique, la sculpture de la Renaissance italienne reflète la primauté de la figure humaine, en particulier du nu masculin. Donatello et Michel-Ange s’appuient tous deux sur le corps humain, mais l’utilisent non pas pour exprimer l’énergie gothique agitée ou la noblesse classique statique, mais pour un sens spirituel plus profond. Les deux plus grandes sculptures de la Renaissance sont «David» Donatello (1440-43, Bargello, Florence) et «David» Michel-Ange (1501-1504, Galleria dell’Accademia delle Arti, Florence). A noter. Pour les artistes et les styles inspirés par l’art de l’Antiquité classique, voir : Le classicisme dans l’art (à partir de 800).

L’élévation du statut des peintres et des sculpteurs

Jusqu’à la Renaissance, les peintres et les sculpteurs étaient considérés comme de simples ouvriers qualifiés, par opposition aux décorateurs d’intérieur de talent. Cependant, dans la poursuite de son objectif de création d’un art classique élaboré, la Renaissance italienne a élevé la profession de peintre et de sculpteur à un nouveau niveau. Ce faisant, une importance capitale a été accordée au «disenio» (Disegno) &ndash ; un mot italien dont le sens littéral &ndash ; «dessin», mais dont le sens comprend «l’ensemble de la conception» d’une œuvre d’art, et pas seulement «colorito» (la technique d’application des peintures et des pigments colorés). Le Dizenio constituait la composante intellectuelle de la peinture et de la sculpture, qui est aujourd’hui devenue la profession des artistes penseurs plutôt que des décorateurs. Voir aussi : Les meilleurs dessins de la Renaissance .

Influence sur l’art occidental

Les idées et les réalisations des artistes de la première et de la haute Renaissance ont eu une influence considérable sur les peintres et les sculpteurs qui les ont suivis pendant le Cinquecento, puis à partir de l’école de Fontainebleau (vers 1528-1610) en France. La théorie de l’art de la Renaissance a été officiellement adoptée et promulguée (hélas trop rigidement) par toutes les académies d’art officielles d’Europe, dont, entre autres, l’Accademia di San Luca à Rome, l’Accademia del Disegno à Florence, l’Académie française des Beaux-Arts à Paris et la Royal Academy à Londres. Cette approche théorique appelée art académique régit de nombreux aspects des arts visuels. Par exemple, en 1669, André Felibien, secrétaire de l’Académie française, établit une hiérarchie des genres picturaux inspirée de la philosophie de la Renaissance :
❶ Peinture d’histoire ;
❷ Portrait ;
❸ Peinture de genre ;
❹ Paysage ;
❺ Nature morte.

En résumé, la contribution majeure de la Renaissance italienne à l’histoire de l’art a été la promotion des valeurs grecques classiques. En conséquence, la peinture et la sculpture occidentales se sont développées principalement selon les principes classiques. Bien que les artistes contemporains, à commencer par Picasso, aient exploré de nouveaux médias et de nouvelles formes d’art, le principal modèle de l’art occidental reste l’antiquité grecque telle qu’elle a été interprétée par la Renaissance.

Chronologie de la Renaissance

Il est d’usage de classer l’art italien de la Renaissance en plusieurs périodes distinctes mais qui se chevauchent :

Période Proto-Renaissance (1300-1400)
Peinture pré-Renaissance (1300-1400)
Période Début de la Renaissance (1400-1490)
Période Haute Renaissance (1490- 1530)
Renaissance septentrionale (1430-1580)
Renaissance néerlandaise (1430-1580)
Renaissance allemande (1430-1580)
Maniérisme Période (1530-1600).

Cette chronologie correspond en grande partie à la description donnée dans le livre qui fait autorité «Vies des plus célèbres architectes, peintres et sculpteurs italiens» (Vite de ’più eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani) du commentateur de la Renaissance Giorgio Vasari (1511-1574).

Histoire de l’art de la Renaissance

La Renaissance ou Rinascimento, a largement contribué à l’essor post-féodal de la ville indépendante, à l’instar de ce qui se passait en Italie et dans les Pays-Bas méridionaux. Riches grâce au commerce et à l’industrie, ces villes disposaient généralement d’une organisation démocratique de guildes, même si la démocratie politique était généralement tenue en échec par une personne ou une famille riche et puissante. La Florence du XVe siècle, centre de l’art de la Renaissance italienne, et Bruges, l’un des centres de la peinture flamande, en sont de bons exemples. Ces deux villes étaient les deux piliers du commerce et des finances européennes. L’art et, par conséquent, l’artisanat décoratif prospèrent : dans la ville flamande, sous le patronage des ducs de Bourgogne, de la riche classe marchande et de l’église ; à Florence, sous le règne de la riche famille des Médicis.

Dans cette atmosphère favorable, les artistes s’intéressent de plus en plus à la représentation du monde visible au lieu de se limiter à cette préoccupation exclusive de la spiritualité de la religion, à laquelle il n’était possible de donner une forme visuelle qu’à travers des symboles et des conventions rigides. Le changement, sanctionné par les goûts et les attitudes libérales des mécènes (y compris des ecclésiastiques sophistiqués), est déjà évident dans la peinture gothique de la fin du Moyen Âge et atteint son apogée dans le style dit gothique international du XIVe et du début du XVe siècle. Dans toute l’Europe, en France, en Flandre, en Allemagne, en Italie et en Espagne, des artistes libérés des disciplines monastiques ont montré les principales caractéristiques de ce style dans l’intérêt narratif plus fort de leurs peintures religieuses, la tentative de donner plus d’humanité aux humeurs et à l’apparence de la Madone et d’autres images vénérées, le caractère plus individuel du portrait en général, et de présenter des détails du paysage, des animaux et des oiseaux que le peintre moine de l’époque précédente aurait pu considérer comme trop banals. On peut dire qu’il s’agit là de traits caractéristiques de la peinture de la Renaissance, mais la différence essentielle est apparue au début du quinzième siècle. Les représentants du gothique international, tels que Simone Martini (1285-1344) de l’école siennoise de peinture et l’ombrien Gentile da Fabriano (vers 1370-1427), s’en tenaient encore à l’idée de créer une surface élégante avec des couleurs vives et irréalistes. L’objectif réaliste de la génération suivante était de pénétrer radicalement à travers la surface pour donner un nouveau sens de l’espace et des formes tridimensionnelles.

Cette avancée décisive du réalisme est apparue à la même époque en Italie et aux Pays-Bas, et plus particulièrement dans les œuvres de Mazaccio (1401-1428) à Florence et de Jan van Eyck (ca. 1390-1441) à Bruges. Mazaccio, qui, selon Delacroix, a provoqué la plus grande révolution dans l’histoire de la peinture, a donné un nouvel élan à la peinture de la première Renaissance avec ses fresques de la chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine.

Voir notamment L’expulsion du jardin d’Eden (1425-6, chapelle Brancacci) et La Sainte Trinité (1428, Santa Maria Novella).

Les figures de ces compositions narratives semblaient se tenir et se mouvoir dans l’espace environnant ; elles étaient modelées avec un certain sens des trois dimensions propre au sculpteur, tandis que les gestes et les expressions changeaient de manière à établir non seulement les différents caractères des personnes représentées, mais aussi leurs relations mutuelles. Il anticipe en cela la quête de Léonard dans «La Cène» (1495-98, Monastère de Santa Maria delle Grazie, Milan).

Bien que Van Eyck ait également créé un nouveau sens de l’espace et de la perspective, il existe une différence évidente entre son œuvre et celle de Mazaccio, qui met également en lumière la distinction entre la remarquable école flamande du XVe siècle et la première Renaissance italienne. Toutes deux étaient également admirées, considérées «comme modernes», mais elles se distinguaient par le médium et l’idée. L’Italie avait une longue tradition de peinture des murs à fresque, ce qui créait en soi une certaine largeur de style, tandis que l’artiste néerlandais, qui travaillait à l’huile sur des panneaux, de taille relativement petite, conservait une partie de la superficialité du peintre de miniatures. Mazaccio, en effet, n’était pas un innovateur isolé, mais un artiste qui a développé la tradition narrative de la fresque de son grand prédécesseur proto-Renaissance à Florence, Giotto di Bondone (1267-1337). Voir, par exemple, les fresques de la chapelle Scrovegni (vers 1303-10, Padoue).

Florence avait également une orientation différente en tant que centre d’enseignement classique et d’études philosophiques. La puissance intellectuelle de la ville en a fait le principal centre de la Renaissance du quinzième siècle et a influencé tous les arts. Les érudits qui se consacraient à l’étude et à la traduction des textes classiques, tant latins que grecs, étaient encadrés par des familles riches et nobles qui venaient partager leur enthousiasme littéraire. Cela a alimenté le désir de versions graphiques de l’histoire et des légendes de l’Antiquité. En conséquence, l’éventail des sujets traités par l’artiste s’est considérablement élargi et il a dû résoudre d’autres problèmes de représentation.

Ainsi, ce qui aurait pu être une simple nostalgie du passé et un recul de l’art s’est transformé en un pas en avant et en un processus de découverte passionnant. Le corps humain, longtemps exclu de la peinture et de la sculpture médiévale pour des raisons religieuses &ndash ; sauf sous la forme la plus maigre et la plus irréaliste &ndash ; a pris une nouvelle signification dans la représentation des dieux, des déesses et des héros des mythes classiques. Les artistes ont dû se familiariser à nouveau avec l’anatomie, afin de comprendre la relation entre les os et les muscles et la dynamique du mouvement. Dans une peinture, désormais considérée comme une scène plutôt que comme un plan, la science de la perspective linéaire a dû être explorée et utilisée. En outre, l’exemple de la sculpture classique a donné l’impulsion nécessaire pour combiner le naturalisme avec l’idéal de proportion et de beauté physique.

Peintres et sculpteurs défendent à leur manière la dignité de l’être humain, à l’instar des philosophes humanistes qui font preuve de la même soif de connaissance. La liste des grands artistes florentins du XVe siècle et, surtout, le nombre de ceux qui ont pratiqué plus d’un art ou plus d’une forme d’expression est vraiment extraordinaire.

La remarquable famille Médicis a contribué à tous égards au climat intellectuel et au développement des arts qui ont fait de Florence le moteur de la Renaissance. La fortune issue de la maison de banque fondée par Giovanni de’ Medici (vers 1360-1429), avec seize succursales dans les villes d’Europe, a été consacrée au développement culturel, en particulier par les deux membres les plus éminents de la famille, Cosimo, le fils de Giovanni (1389-1464) et son petit-fils Lorenzo (1448-1492). Leurs talents personnels dans les domaines de la finance, de la politique et de la diplomatie, leur amour des livres, leur généreux mécénat en faveur des vivants et leur appréciation des antiquités étaient typiques de l’universalité qui correspondait si bien à l’esprit de la Renaissance.

L’assimilation de la philosophie de Platon à la doctrine chrétienne dans l’académie créée par Cosme de Médicis semble avoir sanctionné la division des activités de l’artiste, comme c’était souvent le cas, entre sujets religieux et sujets païens. L’atmosphère intellectuelle créée par les Médicis a été l’élément inspirateur qui a permis à Florence de dépasser la ville voisine de Sienne. Bien qu’aucune autre ville italienne du XVe siècle ne puisse se prévaloir d’une telle constellation de génies dans le domaine des arts, les villes les plus proches de Florence étaient celles qui étaient également dirigées par des mécènes éclairés. Ludovic Gonzague (1414-1478), marquis de Mantoue, est un souverain typique de la Renaissance par son aptitude à la politique et à la diplomatie, par son encouragement à la connaissance humaniste et par son goût développé qui l’a conduit à constituer une grande collection d’art et à choisir les œuvres d’Andrea Mantegna (1431-1506) comme peintre de la cour.

Federigo Montefeltro, duc d’Urbino, était d’un calibre similaire. Comme Ludovic Gonzague, il fut l’élève du célèbre professeur humaniste Vittorino da Feltre, dont l’école de Mantoue combinait l’exercice avec l’étude des auteurs grecs et latins, et inculquait une croyance humaniste dans l’amélioration globale possible de l’homme. À la cour d’Urbino, qui établit les normes de bonnes manières et de réussite décrites par Baldassare Castiglione dans «Il Cortigiano», le duc parraine de nombreux artistes, dont le principal est le grand Piero della Francesca (1420-1492).

L’histoire de la peinture de la Renaissance après Masaccio nous conduit d’abord au pieux Fra Angelico (vers 1400-1455), né plus tôt mais ayant vécu beaucoup plus longtemps. Il reste quelque chose du style gothique dans son œuvre, mais l’innocence monastique, qui est peut-être la première chose qui attire l’attention, s’accompagne d’une fermeté mature de la ligne et d’un sens de la structure. Ceci est évident dans les peintures des dernières années de sa vie telles que «L’adoration des mages» aujourd’hui au Louvre et les fresques illustrant les vies de saint Étienne et saint Laurent peintes au Vatican pour le pape Nicolas V à la fin des années 1440. Voir aussi sa série de peintures sur l’Annonciation (vers 1450, musée San Marco). Son élève Benozzo Gozzoli (v. 1421-1497) s’en tient néanmoins aux couleurs décoratives vives et aux détails du style gothique international dans des œuvres telles que le panoramique Procession des Mages du Palais Riccardi à Florence, dans lequel il présente un portrait équestre de Laurent de Médicis.

Plus proche de Fra Angelico que de Mazaccio, Fra Filippo Lippi (vers 1406-1469), moine carme dans sa jeunesse et protégé de Cosimo de’ Medici, qui observe avec condescendance les diverses aventures, amoureuses ou autres, de l’artiste. Fra Filippo, dans les sujets religieux qu’il a peints sur des fresques et des panneaux, montre une tendance à glorifier le glamour du type humain idéalisé, ce qui contraste avec l’élan d’innovation technique du XVe siècle. Il se distingue moins en termes purement esthétiques ou intellectuels que dans sa représentation de la Madone en tant qu’être d’origine féminine. Son modèle idéalisé, svelte, aux yeux sombres, aux sourcils relevés, au nez légèrement retroussé et à la petite bouche, a servi de modèle iconographique à d’autres. Son élève Sandro Botticelli (1445-1510) confère à ces images une certaine pudeur.

Les peintures de Botticelli résument une grande partie du développement antérieur de la Renaissance. Elle se caractérise par la grâce des traits et des formes que Fra Filippo a cherché à transmettre et que le contemporain de Botticelli, Domenico Ghirlandaio (1449-1494), a également transmise dans sa version admirable des fresques et des portraits. Il a interprété d’une manière picturale unique le néoplatonisme des philosophes humanistes de Laurent de Médicis. Le réseau d’ingénieuses allégories dans lequel Marsilio Ficino, le précepteur de Laurent de Pierfrancesco de Médicis (cousin de Laurent le Magnifique), s’efforçait de démontrer le rapport entre la Grâce, la Beauté et la Foi, présente la même subtilité dans «Printemps» (La Primavera) (vers 1482-3, Uffizi). 1482-3, Offices) et Naissance de Vénus (v. 1484-6, Offices), exécutés pour la villa de Laurent. L’approche poétique des classiques d’Angelo Poliziano, également précepteur de la famille Médicis, se reflète dans l’art de Botticelli. Bien que sa vie se soit prolongée dans la période de la Haute Renaissance, il incarne toujours la jeunesse de ce mouvement dans son admiration pour les couleurs pures et les détails naturels exquis. Dans la beauté sombre de son «Aphrodite», on peut peut-être trouver quelque chose de la nostalgie du Moyen Âge, auquel, après tout, lorsque le moine fondamentaliste Savonarole a condamné les Médicis et toutes leurs œuvres, il a fait sa réplique passionnée.

La nostalgie, ainsi que la pureté du dessin linéaire de Botticelli, qui n’a pas encore été affecté par l’accent mis sur l’ombre et la lumière, ont fait de lui un objet d’admiration particulier pour les préraphaélites au dix-neuvième siècle. Mais, comme chez d’autres artistes de la Renaissance, il y avait chez lui une énergie qui transmettait à ses rythmes linéaires une capacité d’expression émotionnelle intense ainsi qu’une douce délicatesse. La distance entre la Renaissance et le calme inexpressif de la période classique, représenté par les statues de Vénus ou d’Apollon, réside dans cette distinction de l’esprit ou de l’intention, même si elle se manifeste de manière inconsciente. L’expression de l’énergie physique, qui à Florence prend naturellement la forme d’images de nus masculins, confère une violence non classique à l’œuvre du peintre et sculpteur Antonio Pollaiuolo (1426-1498). Pollaiuolo fut l’un des premiers artistes à disséquer les corps humains afin de retracer avec précision le jeu des os, des muscles et des tendons dans un organisme vivant, avec des effets dynamiques tels que la tension des muscles de lutte dans son bronze Hercule et Antée (Florence, Bargello) et les mouvements des archers dans le tableau «Martyre de saint Sébastien» (National Gallery, Londres). Le même accent sculptural se retrouve dans les fresques de l’artiste moins connu mais plus influent Andrea del Castagno (vers 1420-1457).

Luca Signorelli (vers 1441-1523), bien qu’associé à l’école ombrienne en tant qu’élève de Piero della Francesca, a été fortement influencé par le Florentin Pollaiuolo dans son traitement de la figure. Avec moins de raffinement anatomique, mais avec une plus grande emphase sur les renflements et les bandes de muscles et de tendons, il recherche également les effets dynamiques du mouvement, les obtenant par des explosions soudaines de gestes.

C’est cette orientation qui semble avoir conduit naturellement et inévitablement à l’œuvre de Michel-Ange (1475-1654). Bien qu’il y ait des différences évidentes de pensée et de style entre sa «Dernière boîte de la chapelle Sixtine» et la version de Signorelli dans les fresques de la cathédrale d’Orvieto, elles sont unies par une formidable énergie. Une qualité qui les éloigne de l’équilibre et de l’harmonie de l’art classique. Raphaël (1483-1520) était beaucoup plus proche de l’esprit classique dans l’Apollon de son «Parnasse» au Vatican et de sa «Galatée» à la Farnesina de Rome. L’un des contrastes régionaux les plus frappants de la Renaissance &ndash ; est le caractère austère et intellectuel de l’art toscan dans la représentation des figures, comparé à la langueur sensuelle des nus féminins peints à Venise par Giorgione (1477-1510) et Titien (ca. 1485-1576). (Pour plus de détails, voir : La peinture de portrait vénitienne 1400-1600). Sur ce point également, l’érudition florentine n’est pas sans influence. La douce gradation de l’ombre, développée par Léonard de Vinci pour donner de la subtilité au modelé, est adoptée par Giorgione, et à Parme &ndash ; par Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) comme un moyen de renforcer le charme voluptueux de Vénus, Antiope ou Io.

Les maîtres de la Renaissance ont spécifiquement étudié non seulement l’anatomie, mais aussi la perspective, les proportions mathématiques et la structure du monde en général. La quête de connaissances de l’époque peut expliquer en partie cette démarche abstraite, mais elle a des origines et des causes plus concrètes. À l’origine, la perspective linéaire était étudiée par les architectes dans les dessins et les reconstructions de bâtiments classiques qu’ils cherchaient à faire revivre. À cet égard, le grand architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446) a été le chef de file de ses études à Rome. À Florence, il démontra la perspective dans un dessin de la Piazza San Giovanni, qui suscita l’intérêt d’autres artistes, notamment de son ami Masaccio. L’architecte Leon Battista Alberti (1404-1472) est un autre promoteur de la théorie scientifique. Les artistes qui s’intéressent à la peinture comme illusion tridimensionnelle réalisent l’importance de la perspective comme contribution à l’effet d’espace &ndash ; un problème qui concerne les techniques de la peinture illusionniste comme la quadrature, appliquée pour la première fois par Mantegna dans le Palais des Ducs de Mantoue dans son œuvre.

Paolo Uccello (1397-1475) fut l’un des premiers propagandistes de la science à Florence. Son tableau La bataille de San Romano de la National Gallery de Londres, avec son héraldique pittoresque, est une série magnifiquement calculée de formes géométriques et d’intervalles mathématiques. Même les lances brisées sur le sol semblent être disposées de manière à éloigner le regard du point de fuite. Son angle de vue du chevalier allongé sur le sol était un exercice qu’Andrea Mantegna allait imiter. C’est Mantegna qui a apporté une nouvelle science de l’art à Venise.

Dans l’échange complexe d’idées et d’influences abstraites et mathématiques, Piero della Francesca s’impose comme la plus grande personnalité. Bien qu’il soit ombrien, né dans la petite ville de Borgo San Sepolcro, il s’imprègne de l’atmosphère de Florence et de l’art florentin dès son plus jeune âge lorsqu’il y travaille avec le vénitien Domenico Veneziano (1410-1461). Domenico assimila le style toscan et eut son propre exemple de perspective, comme dans la belle Annonciation, aujourd’hui conservée au Fitzwilliam Museum de Cambridge, mais Piero tira probablement son attitude scientifique à l’égard de la conception de trois pionniers de la recherche, Brunelleschi, Alberti et Donatello (1386-1466), le plus grand sculpteur du Quattrocento florentin.

Classique dans l’ordonnancement et l’ampleur de sa conception, mais sans l’antiquité de Mantegna, Piero della Francesca a influencé de nombreux artistes. Sa perspective interne de l’architecture de la Renaissance, qui ajoute un élément d’abstraction géométrique aux compositions de figures, a été bien accueillie par son contemporain florentin Andrea del Castagno (vers 1420-1457). Le cadre géométrique rigide contredit et pourtant souligne la flexibilité de l’expression humaine des apôtres dans le chef-d’œuvre d’Andrea La Cène du monastère de Sainte-Apollonie à Florence. Antonello da Messina (1430-1479), qui introduit à Venise la technique flamande de la peinture à l’huile, apporte également un sens de la forme hérité de Piero della Francesca, qui exerce à son tour une influence stimulante sur Giovanni Bellini (1430-1516), en l’éloignant d’un style linéaire rigide. De même, elle influença Mantegna et l’aida à acquérir une grandeur mature en tant que chef de file de la peinture vénitienne et à élever des disciples tout aussi grands, Giorgione et Titien.

Léonard de Vinci et Michel-Ange sont les héritiers de tout le remarquable développement de la Renaissance italienne au XVe siècle. L’universalité de l’artiste est l’un des aspects les plus importants du siècle. Il n’y avait pas de distinction rigide entre l’architecte, le sculpteur, le peintre, l’artisan et le lettré. Alberti était architecte, sculpteur, peintre, musicien et auteur de traités sur la théorie de l’art. Andrea del Verrocchio (1435-1488), le premier professeur de Léonard, est décrit comme un orfèvre, un peintre, un sculpteur et un musicien : en sculpture, il pouvait rivaliser avec n’importe quel maître. Mais Léonard et Michel-Ange ont démontré cette polyvalence au plus haut degré. Léonard, ingénieur, inventeur-prophète, scientifique, étudiant la nature sous tous ses aspects, peintre de chefs-d’œuvre mémorables, n’a cessé de susciter l’émerveillement. Voir, par exemple, son tableau «La Vierge aux rochers» (1483-1455, Louvre, Paris) et l’exquise «Dame à l’hermine» (1490, Musée Czartoryski, Cracovie).

Il en va de même pour Michel-Ange, sculpteur, peintre, architecte et poète. La couronne des réalisations florentines, qui a également marqué le début du déclin de la grandeur de la ville. Rome, rendue à sa splendeur par des papes ambitieux après un long déclin, exigea de Michel-Ange qu’il crée, avec Raphaël, des concepts monumentaux de la peinture de la Haute Renaissance : deux chefs-d’œuvre absolus &ndash ; la fresque de Michel-Ange dans la Genèse (1508-12, plafond de la chapelle Sixtine, Rome), qui comprend la célèbre Création d’Adam (1511-12) et la Madone Sixtine de Raphaël Santi (1513-14, galerie des Maîtres anciens, Dresde). En outre, les deux artistes sont nommés architectes responsables de la nouvelle basilique Saint-Pierre de Rome, symbole de la transformation de la ville du Moyen Âge à la Renaissance. Léonard, absorbé par ses études, fut finalement débauché par la France. Pourtant, c’est dans ces grands hommes que réside le génie de Florence.

Quant à l’histoire de la Renaissance tardive, la période (ca. 1530-1600) &ndash ; période qui comprend les plus grandes images prosternées vénitiennes, et la magnifique mais inquiétante fresque de Michel-Ange du Jugement dernier sur le mur de l’autel de la chapelle Sixtine &ndash ; voir : La peinture maniériste en Italie . Voir aussi : Titien et la peinture vénitienne en couleurs c.1500-76.

Les meilleures collections d’art de la Renaissance

Les galeries italiennes suivantes possèdent d’importantes collections de peintures ou de sculptures de la Renaissance.

Galerie des Offices (Florence)
Palais Pitti (Florence)
Musées du Vatican (Rome)
Galleria Doria Pamphili (Rome)
Museo del Capodimonte (Naples)
Isabella Stewart Gardner Museum (Boston, ÉTATS-UNIS).

Principaux spécialistes et critiques de la peinture, du dessin et de la sculpture de la Renaissance :
Bernard Berenson (1865-1959),
Kenneth Clark (1903-1983),
Leo Steinberg (1920-2011)…

Malgré son humanisme, la Renaissance italienne a produit de nombreux chefs-d’œuvre d’art religieux sous forme de projets architecturaux, de retables, de sculptures et de peintures.

Pour en savoir plus sur les pigments de couleur utilisés par les artistes de la Renaissance, voir : La palette de couleurs de la Renaissance .