Art de la Renaissance: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire
Entre 2000 et 1600, l’Europe a connu une étonnante renaissance du dessin, de la peinture, de la sculpture et de l’architecture centrées sur l’Italie, que nous appelons maintenant la Renaissance ( rinascimento ). Il a été donné ce nom (français pour ’renaissance’) à la suite de La Renaissance – un célèbre volume d’histoire écrit par l’historien Jules Michelet (1798-1874) en 1855 – et fut mieux compris après la publication en 1860 du livre phare "La civilisation de la Renaissance en Italie" ( Die Kultur der Renaissance in Italian ), de Jacob Burckhardt (1818-1897), professeur d’histoire de l’art à l’université de Bâle.
Quelles étaient les caractéristiques de la Renaissance?
En termes très simples, le Renaissance italienne art occidental rétabli selon les principes du classique Art grec , notamment Sculpture grecque et la peinture, qui ont largement contribué à la création de grande tournée , et qui n’a pas été contesté jusqu’à Pablo Picasso et au Cubisme.
À partir du début du XIVe siècle, à la recherche d’un nouvel ensemble de valeurs artistiques et d’une réponse à la courtoisie Gothique international style, les artistes et les penseurs italiens s’inspirent des idées et des formes de la Grèce et de la Rome antiques. Cela correspond parfaitement à leur désir de créer une forme universelle, même noble, de art ce qui pourrait exprimer l’ambiance nouvelle et plus confiante de l’époque.
Philosophie de la Renaissance de l’humanisme
Avant tout, l’art de la Renaissance était inspiré par la nouvelle notion "d’humanisme", une philosophie qui avait été à la base de nombreuses réalisations (par exemple, la démocratie) de la Grèce païenne antique. L’humanisme minimisait les dogmes religieux et laïcs et attachait la plus grande importance à la dignité et à la valeur de l’individu.
Effet de l’humanisme sur l’art
Dans les arts visuels, l’humanisme représentait (1) L’émergence de la figure individuelle, à la place de figures stéréotypées ou symboliques. (2) réalisme accru et souci du détail qui en découle, comme en témoigne le développement de la perspective linéaire et le réalisme croissant des visages et des corps humains; Cette nouvelle approche aide à expliquer pourquoi la sculpture classique était si vénérée et pourquoi l’art byzantin est tombé à la mode. (3) L’accent mis sur l’action vertueuse et la promotion de cette action vertueuse: une approche évoquée par le grand théoricien de l’art de la Renaissance, Leon Battista Alberti (1404-72) lorsqu’il déclara que "le bonheur ne peut être obtenu sans de bonnes œuvres et des actions justes et justes".
La promotion de l’action vertueuse reflétait l’idée croissante selon laquelle l’homme, et non le destin ou Dieu, contrôlait le destin humain et constituait l’une des principales raisons pour lesquelles la peinture d’histoire (c’est-à-dire des images avec des «messages» édifiants) était considérée comme la plus haute forme de peinture. Bien entendu, l’exploration de la vertu dans les arts visuels a également impliqué un examen du vice et du mal humain.
Causes de la Renaissance
La cause de cette renaissance des arts visuels n’est toujours pas claire. Bien que l’Europe ait émergé de l’âge des ténèbres sous Charlemagne (vers 800) et ait assisté à la résurgence de l’Église chrétienne avec ses siècles XIII / XIII. style gothique programme de construction, le 14ème siècle en Europe a connu plusieurs récoltes catastrophiques, la peste noire (1346), et une guerre continue entre l’Angleterre et la France. Des conditions peu idéales pour un élan de créativité, sans parler d’un rinascita soutenu de peintures, dessins, sculptures et bâtiments neufs. De plus, l’Église – le plus grand mécène des arts – était en proie à des désaccords sur des questions spirituelles et laïques.
Augmentation de la prospérité
Cependant, des courants plus positifs étaient également évidents. En Italie, Venise et Gênes s’étaient enrichies grâce aux échanges avec l’Orient, alors que Florence était un centre de laine, de soie et de bijoux art , et était à la maison à la richesse fabuleuse de la culture et conscient de l’art Famille des Médicis .
La prospérité se dirigeait également vers l’Europe du Nord, comme en témoigne la création en Allemagne de la Ligue hanséatique des villes. Cette richesse croissante apporta un soutien financier à un nombre croissant de commissions de grands projets artistiques publics et privés, tandis que les routes commerciales sur lesquelles elle était basée contribuaient grandement à la diffusion des idées et contribuaient ainsi à la croissance du mouvement sur le continent.
Alliés à cette diffusion d’idées, qui s’est par ailleurs considérablement accélérée avec l’invention de l’imprimerie, l’impatience suscitée par la lenteur des progrès du changement est apparue. Après mille ans de famine culturelle et intellectuelle, l’Europe (et particulièrement l’Italie) avait hâte de renaître.
Faiblesse de l’Eglise
Paradoxalement, la faible position de l’Église a donné un nouvel élan à la Renaissance. Premièrement, il a permis la propagation de l’humanisme – auquel on aurait fortement résisté dans les temps passés; deuxièmement, il a incité plus tard des papes comme Pape julius ii (1503-13) à dépenser de façon extravagante en architecture, sculpture et peinture à Rome et au Vatican (voir Musées du Vatican , notamment le Fresques de la chapelle Sixtine ) – afin de reprendre leur influence perdue. Leur réponse à la Réforme (c.1520) – connue sous le nom de Contre-Réforme, un type particulièrement doctrinal de Art chrétien – poursuivi ce processus jusqu’à la fin du XVIe siècle.
Un âge d’exploration
La Renaissance dans l’histoire de l’art marque le début de la grande époque occidentale de la découverte, au cours de laquelle est apparu un désir général d’explorer tous les aspects de la nature et du monde. Les explorateurs navals européens ont découvert de nouvelles routes maritimes, de nouveaux continents et établi de nouvelles colonies. De la même manière, architectes, sculpteurs et peintres européens ont manifesté leur désir de développer de nouvelles méthodes et connaissances. Selon le peintre, architecte et commentateur de la Renaissance italien, Giorgio Vasari (1511-1574), il ne s’agissait pas simplement du respect croissant pour art de l’antiquité classique cela a conduit la Renaissance, mais aussi un désir croissant d’étudier et d’imiter la nature.
Pourquoi la Renaissance a-t-elle commencé en Italie?
Artistes de la Renaissance
Si le cadre de la Renaissance reposait sur des facteurs économiques, sociaux et politiques, c’est le talent des artistes italiens qui l’a fait avancer. Les principaux peintres, sculpteurs, architectes et designers de la Renaissance italienne aux XIVe, XVe et XVIe siècles sont, par ordre chronologique:
Cimabue (c.1240-1302)
Remarqué pour ses fresques à Assise.
Giotto di Bondone (1267-1337)
Fresques de la chapelle des Scrovegni Arena.
Gentile da Fabriano (1370-1427)
Peintre influent de style gothique.
Jacopo della Quercia (c.1374-1438)
Sculpteur influent de Sienne.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Sculpteur des "Portes du Paradis"
Donatello (1386-1466)
Meilleur sculpteur de la première Renaissance
Paolo Uccello (1397-1475)
Célèbre pour le travail sur la perspective.
Tommaso Masaccio (1401-1428)
Meilleur peintre débutant florentin.
Piero della Francesca (1420-92)
Pionnier de la perspective linéaire.
Andrea Mantegna (1430-1506)
Connu pour ses techniques de raccourcis illusionnistes.
Donato Bramante (1444-1514)
Haut architecte de la Renaissance.
Alessandro Botticelli (1445-1510)
Célèbre pour la peinture mythologique.
Léonard de Vinci (1452-1519)
Créateur de Mona Lisa, Last Supper.
Raphaël (1483-1520)
Le plus grand peintre de la Renaissance.
Michelangelo (1475-1564)
Génie peintre et sculpteur.
Titien (1477-1576)
Le plus grand coloriste vénitien.
Andrea del Sarto (1486-1530)
Chef de la haute renaissance à Florence.
Le corrège (1489-1534)
Célèbre pour ses illustres fresques de quadratures.
Andrea Palladio (1508-80)
Dominé Architecture de la Renaissance vénitienne , imité plus tard dans le palladianisme.
Tintoret (1518-1594)
Peintre religieux maniériste.
Paolo Veronese (1528-1588)
Disciple du coloriste Titien.
Liste générale des peintres et sculpteurs de la Renaissance
ITALIE ET ESPAGNE
1280-1400 – Artistes de la Renaissance
1400-1490 – Artistes de la première Renaissance
1490-1530 – Artistes de la Renaissance
C.1530-1600 – Artistes maniéristes
EUROPE DU NORD
C.1400-1600 – Artistes de la Renaissance du Nord .
SCULPTEURS
C.1400-1600 – Sculpteurs Renaissance .
Effets de la Renaissance sur la peinture et la sculpture
Comme mentionné ci-dessus, la Renaissance italienne a été notée pour quatre choses. (1) une renaissance respectueuse des formes et des styles de l’art classique grec / romain; (2) Une foi dans la noblesse de l’homme (humanisme); (3) la maîtrise des techniques de peinture illusionniste, maximisant la «profondeur» dans une image, y compris: perspective linéaire , raccourci et, plus tard, quadratura ; et (4) le réalisme naturaliste de ses visages et de ses figures, renforcé par des techniques de peinture à l’huile telles que le sfumato .
Techniques de peinture de la Renaissance
En Europe du Nord, la Renaissance a été caractérisée par des avancées dans la représentation de la lumière dans l’espace et par ses reflets sur différentes surfaces; et (le plus visible) dans la réalisation du réalisme suprême dans le portrait de chevalet et la nature morte. Cela est dû en partie au fait que la plupart des artistes de la Renaissance du Nord ont commencé à utiliser la peinture à l’huile au début du 15ème siècle, de préférence à détrempe ou fresque qui (pour des raisons climatiques et autres) étaient encore les méthodes de peinture préférées en Italie. Peinture à l’huile permet une couleur plus riche et, en raison de son temps de séchage plus long, peut être retravaillé pendant plusieurs semaines, ce qui permet d’obtenir des détails plus fins et un plus grand réalisme. Les huiles se sont rapidement répandues en Italie: d’abord à Venise, dont le climat humide était moins bien tempéré, puis à Florence et à Rome. (Voir également: Mouvements d’art, périodes, écoles , pour un bref guide sur d’autres styles.)
Entre autres choses, cela signifiait que, même si le christianisme restait le thème dominant de la plupart des arts visuels de cette période, évangélistes, apôtres et membres de la Sainte Famille étaient décrits comme de véritables personnes, dans des postures et des poses réelles, exprimant de vraies émotions. Dans le même temps, les récits de la mythologie classique ont été davantage utilisés – illustrant par exemple des icônes telles que Vénus, la déesse de l’amour – pour illustrer le message de l’humanisme. Pour plus d’informations à ce sujet, voir: Tableaux célèbres analysés .
En ce qui concerne l’art plastique, Sculpture Renaissance Italienne reflétait la primauté de la figure humaine, notamment du nu masculin. Donatello et Michelangelo s’appuyaient tous deux fortement sur le corps humain, mais ne l’utilisaient ni comme véhicule d’énergie gothique agitée, ni pour la noblesse statique classique, mais pour une signification spirituelle plus profonde. Les deux plus grandes sculptures de la Renaissance sont: David de Donatello (1440-1443, Bargello, Florence) et David par Michelangelo (1501-4, Galerie de l’Académie des Arts, Florence). Remarque: pour les artistes et les styles inspirés des arts de l’antiquité classique, voir: Le classicisme dans l’art (800 et plus).
Statut élevé de peintres et de sculpteurs
Jusqu’à la Renaissance, les peintres et les sculpteurs étaient considérés comme de simples ouvriers qualifiés, un peu comme des décorateurs d’intérieur talentueux. Toutefois, conformément à son objectif de produire un art classique réfléchi, la Renaissance italienne a élevé les professions de peinture et de sculpture à un niveau supérieur. Dans le processus, une importance primordiale a été accordée à disegno ’- un mot italien dont le sens littéral est’ dessin "mais dont le sens incorpore le" design entier "d’une œuvre d’art – plutôt que" colorito ’, la technique d’application de peintures / pigments colorés. Le Disegno constituait l’élément intellectuel de la peinture et de la sculpture, qui est maintenant devenu le métier d’artistes pensants, non de décorateurs. Voir également: Meilleurs dessins de la Renaissance .
Influence sur l’art occidental
Les idées et les réalisations des artistes de la première et de la haute renaissance ont eu un impact considérable sur les peintres et les sculpteurs qui ont suivi cinquecento et plus tard, en commençant par le Ecole de Fontainebleau (c.1528-1610) en France. La théorie de l’art de la Renaissance a été officiellement reprise et promulguée (trop rigoureusement) par toutes les académies d’art officielles en Europe, y compris notamment l’Accademia di San Luca à Rome, l’Accademia del Disegno à Florence, l’Académie française des Beaux-Arts à Paris, et la Royal Academy à Londres. Cette approche théorique, dite ’ art académique ’régularisé de nombreux aspects de l’art. Par exemple, en 1669, André Felibien, secrétaire de l’Académie française, a annoncé une hiérarchie des genres de peinture, inspirée de la philosophie de la Renaissance, comme suit: (1) la peinture d’histoire; (2) l’art du portrait; (3) peinture de genre; (4) paysage; (5) nature morte.
En bref, la principale contribution de la Renaissance italienne à la histoire des arts , réside dans sa promotion des valeurs grecques classiques. En conséquence, la peinture et la sculpture occidentales se sont largement développées selon les principes classiques. Et bien que des artistes modernes, à partir de Picasso, aient exploré les nouveaux médias et formes d’art, le principal modèle de l’art occidental reste l’antiquité grecque, telle qu’interprétée par la Renaissance.
Chronologie Renaissance
Il est d’usage de classer l’art de la Renaissance italienne en plusieurs périodes différentes mais se chevauchant:
Cette chronologie suit en grande partie le récit donné dans le livre de référence " Vite de plus grands architectes, pittori et scultori italiani " du commentateur de la Renaissance, Giorgio Vasari (1511-1574).
Histoire de l’art de la Renaissance
La Renaissance, ou Rinascimento , a été largement favorisée par la croissance postféodale de la ville indépendante, comme celle de l’Italie et du sud des Pays-Bas. Riches par le commerce et l’industrie, ces villes avaient généralement une organisation démocratique de guildes, bien que la démocratie politique fût généralement mise à l’écart par un individu ou une famille riche et puissant. Citons à titre d’exemple Florence au XVe siècle – centre de l’art de la Renaissance italienne – et Bruges – l’un des centres de Peinture flamande . Ils étaient deux piliers du commerce et de la finance en Europe. L’art et l’artisanat décoratif se sont épanouis: dans la ville flamande sous le patronage des ducs de Bourgogne, des riches marchands et de l’église; à Florence sous celle de la riche famille des Médicis.
Dans cette atmosphère conviviale, les peintres s’intéressaient de plus en plus à la représentation du monde visible au lieu de s’en tenir à cet intérêt exclusif pour la spiritualité de la religion, qui ne pouvait être matérialisé que par des symboles et des conventions rigides. Le changement, sanctionné par les goûts et l’attitude libérale des clients (y compris des ecclésiastiques sophistiqués), apparaît déjà dans la peinture gothique de la fin du Moyen Âge et aboutit à ce que l’on appelle le style gothique international du XIVe siècle et au début du XVe siècle.. Partout en Europe, en France, en Flandre, en Allemagne, en Italie et en Espagne, les peintres, affranchis des disciplines monastiques, affichent les principales caractéristiques de ce style dans l’intérêt narratif plus fort de leurs œuvres. peintures religieuses , l’effort de donner plus d’humanité de sentiment et d’apparence à la Vierge et à d’autres images vénérées, plus de personnalités au portrait en général et à introduire des détails du paysage, de la faune et de la flore que le peintre-moine de l’époque aurait pu imaginer trop banal. On peut dire que ceux-ci étaient également caractéristiques de la peinture de la Renaissance, mais une différence vitale est apparue au début du XVe siècle. Des représentants du gothique international comme Simone Martini (1285-1344) de l’école de peinture de Sienne et Gentile da Fabriano, né en Ombrie (vers 1370-1427), étaient toujours dirigés par l’idée de réaliser un élégant un motif de couleur lumineux et irréaliste. L’objectif réaliste de la génération suivante impliquait une étape radicale consistant à pénétrer à travers la surface pour donner une nouvelle impression d’espace, de récession et de forme tridimensionnelle.
Cette avancée décisive dans le réalisme est apparue pour la première fois à peu près à la même époque en Italie et aux Pays-Bas, plus précisément dans les travaux de Masaccio (1401-28) à Florence et de Jan van Eyck (vers 1390-1441) à Bruges. Masaccio, qui, selon Delacroix, aurait provoqué la plus grande révolution que la peinture ait jamais connue, donna un nouvel élan à Peinture début Renaissance dans ses fresques de la chapelle Brancacci de Santa Maria del Carmine.
Voir en particulier: Expulsion du jardin d’Eden (1425-1416, chapelle Brancacci), et Sainte Trinité (1428, Santa Maria Novella).
Les personnages de ces compositions narratives semblaient se tenir et se déplacer dans l’espace ambiant; ils ont été modelés avec une sorte de sentiment du sculpteur pour les trois dimensions, tandis que les gestes et les expressions ont été variés de manière à établir non seulement les différents caractères des personnes représentées, mais aussi leurs relations réciproques. À cet égard, il a anticipé l’étude spéciale de Leonardo sur Le dernier souper (1495-98, couvent de Santa Maria delle Grazie, Milan).
Bien que Van Eyck ait également créé un nouveau sens de l’espace et de la vue, il existe une différence évidente entre son travail et celui de Masaccio, qui éclaire également la distinction entre la remarquable école flamande du XVe siècle et le début de la Renaissance italienne. Les deux ont été admirés comme tout aussi «modernes» mais ils étaient distincts dans le moyen et l’idée. L’Italie a une longue tradition de peinture murale à la fresque, ce qui en soi confère une certaine hauteur au style, alors que le peintre des Pays-Bas, travaillant à l’huile sur peintures sur panneaux de taille relativement petite, a conservé une partie de la minutie du peintre miniature. Masaccio, en effet, n’était pas un innovateur isolé, mais un créateur de la tradition narrative de la fresque de son grand précurseur de la Renaissance de la Renaissance à Giotto, Giotto di Bondone (1267-1337). Voir, par exemple, le dernier Fresques de la chapelle Scrovegni (c.1303-10, Padoue).
Florence avait également une orientation différente en tant que centre d’apprentissage classique et d’étude philosophique. La vigueur intellectuelle de la ville en fit le siège principal de la Renaissance au XVe siècle et influença tous les arts. Les érudits qui se consacraient à l’étude et à la traduction de textes classiques, aussi bien latins que grecs, étaient les tuteurs de foyers riches et nobles venus partager leur enthousiasme littéraire. Cela a ensuite créé le désir de versions illustrées de l’histoire ancienne et de la légende. La gamme de sujets du peintre a été considérablement étendue en conséquence et il avait maintenant d’autres problèmes de représentation à résoudre.
De cette manière, ce qui aurait pu être simplement une nostalgie du passé et une étape rétrograde de l’art est devenu un progrès et un processus de découverte passionnant. Le corps humain, longtemps exclu de peinture d’art et médiévale sculpture par scrupule religieux – sauf dans la forme la plus maigre et irréaliste – a acquis une nouvelle importance dans la représentation des dieux, déesses et héros du mythe classique. Les peintres ont dû renouer avec l’ anatomie pour comprendre la relation entre os et muscle, la dynamique du mouvement. Dans l’image traitée à présent comme une scène et non comme un plan, il était nécessaire d’explorer et d’utiliser la science de la perspective linéaire . En outre, l’exemple de la sculpture classique incitait à associer le naturalisme à un idéal de proportion parfaite et de beauté physique.
Les peintres et les sculpteurs affirmaient à leur façon la dignité de l’homme comme le faisaient les philosophes humanistes et manifestaient la même soif de savoir. Extraordinaire est en effet la liste des grands artistes florentins du XVe siècle et, surtout, extraordinaire, le nombre d’entre eux qui ont exercé plus d’un art ou d’une forme d’expression.
À tous les égards, la remarquable famille Médicis a favorisé le climat intellectuel et le développement des arts qui ont fait de Florence le moteur de la Renaissance. La fortune provenant de la banque créée par Giovanni de ’Medici (vers 1360-1429), avec seize succursales dans les villes d’Europe, a été consacrée à cette promotion de la culture, en particulier par les deux membres les plus distingués de la famille, Cosimo, Le fils de Giovanni (1389-1464) et son petit-fils Lorenzo (1448-92), qui, dans leurs propres dons d’hommes de finance, de politique et de diplomatie, leur amour des livres, leur généreux patronage des vivants et leur appréciation des antiquités de beaucoup de genres, étaient typiques de l’universalité qui était tellement dans l’esprit de la Renaissance.
L’équation de la philosophie de Platon et de la doctrine chrétienne dans l’académie instituée par Cosimo de ’Medici semble avoir sanctionné la division de l’activité d’un peintre, comme cela se produisait si souvent, entre le sujet religieux et le sujet païen. L’atmosphère intellectuelle créée par les Médicis a été un élément vivifiant qui a amené Florence à se démarquer de la ville voisine de Sienne. Bien qu’aucune autre ville italienne du XVe siècle ne puisse prétendre à une telle constellation de génie artistique, celles qui se rapprochent de Florence sont celles qui sont également administrées par des clients éclairés. Ludovico Gonzaga (1414-78), le marquis de Mantoue, était un souverain typique de la Renaissance, fort dans son aptitude à la politique et à la diplomatie, dans son encouragement de la formation humaniste et dans son goût cultivé qui l’a amené à constituer une grande collection d’art et à employer Andrea Mantegna (1431-1506) en tant que peintre de la cour.
Federigo Montefeltro , duc d’Urbino, était d’un calibre similaire. Comme Ludovico Gonzaga, il avait été l’élève du célèbre professeur humaniste Vittorino da Feltre, dont les études à Mantoue combinaient des exercices virils avec l’étude des auteurs grecs et latins et inculquaient la conviction humaniste du progrès total possible. À la cour d’Urbino, qui établit la norme de bonnes manières et d’accomplissement décrite par Baldassare Castiglione dans Il Cortigiano, le duc divertit de nombreux peintres, dont le grand Piero della Francesca (1420-92).
L’histoire de la peinture de la Renaissance après Masaccio nous amène d’abord au pieux Fra Angelico (c.1400-55), né plus tôt mais vivant beaucoup plus longtemps. Quelque chose de style gothique reste dans son travail mais l’innocence conventuelle, qui est peut-être ce qui frappe le premier, est accompagnée d’une fermeté mature de ligne et de sens de la structure. Cela est évident dans les peintures de ses dernières années, telles que l’Adoration des mages aujourd’hui au Louvre, et les fresques illustrant la vie de saint Étienne et de Saint Laurent, peintes au Vatican pour le pape Nicolas V à la fin des années 1440. Ils lui montrent qu’il a été conscient de l’attitude changeante et croissante de son époque et qu’il peut en tirer parti. Voir aussi sa série de peintures sur L’Annonciation (vers 1450, musée San Marco). Son élève, Benozzo Gozzoli (1421-97), conserva néanmoins la couleur décorative et les détails détaillés du style gothique international dans une œuvre telle que La procession panoramique des mages du palais Riccardi à Florence, dans laquelle il introduisit la Portrait de Laurent de Médicis.
Plus près de Fra Angelico que Masaccio Fra Filippo Lippi (c.1406-69), un moine carmélite dans sa jeunesse et un protégé de Cosimo de ’Medici, qui observa avec indulgence les diverses escapades de l’artiste, amoureuses ou non. Fra Filippo, dans les sujets religieux qu’il a exclusivement peints, à la fois sur fresque et sur panneau, montre la tendance à célébrer le charme d’un type humain idéalisé qui contraste avec l’envie du XVe siècle d’innovations techniques. Il se distingue moins par sa qualité purement esthétique ou intellectuelle que par sa représentation de la Madone en tant qu’être essentiellement féminin. Son modèle idéalisé, aux contours élancés, aux yeux noirs et aux sourcils levés, au nez légèrement retroussé et à la petite bouche, fournissait un motif iconographique aux autres. Une certaine nostalgie d’expression a peut-être été transmise à son élève, Sandro Botticelli (1445-1510).
Dans les peintures de Botticelli, une grande partie du développement précité de la Renaissance est résumée. Il excellait dans cette grâce de traits et de formes que Fra Filippo avait voulu donner et dont le contemporain de Botticelli, Domenico Ghirlandaio (1449-94), a également eu sa version délicieuse dans les fresques et les portraits. Il a interprété d’une manière picturale unique le néo-platonisme des philosophes humanistes de Lorenzo de Medici. Le réseau d’allégories ingénieuses dans lequel Marsilio Ficino, le tuteur de Lorenzo di Pierfrancesco de ’Medici (un cousin de Lorenzo le Magnifique), cherchait à démontrer une relation entre Grâce, Beauté et Foi, présente une subtilité équivalente La Primavera (c.1482-3, Uffizi) et la naissance de Vénus (c.1484-6, Uffizi) exécutés pour la villa de Lorenzo. L’approche poétique des classiques d’Angelo Poliziano, également tuteur de la famille des Médicis, peut être reflétée dans l’art de Botticelli. Bien que sa vie ait duré jusqu’à la période de la Haute Renaissance, il représente toujours la jeunesse du mouvement dans des couleurs claires et des détails naturels exquis. Peut-être que dans la beauté nostalgique de son Aphrodite, on peut trouver quelque chose de la nostalgie du Moyen Âge envers laquelle, finalement, lorsque le moine fondamentaliste Savonarole a dénoncé les Médicis et toutes leurs œuvres, il a fait son geste de retour passionné.
La nostalgie ainsi que la pureté de la conception linéaire de Botticelli, qui n’a pas encore été affectée par l’accent mis sur la lumière et les ombres, en ont fait l’objet spécial de l’admiration préraphaélite au XIXe siècle. Mais, comme chez d’autres artistes de la Renaissance, il exerçait une énergie qui conférait à ses rythmes linéaires une capacité d’expression émotionnelle intense ainsi qu’un raffinement doux. La distance qui sépare la Renaissance du calme inexpressif de la période classique, représentée par des statues de Vénus ou d’Apollon, réside dans cette différence d’esprit ou d’intention, même inconsciemment révélée. L’expression de l’énergie physique qui, à Florence, a pris la forme, assez naturellement, de représentations de nus masculins , donne une violence non classique à l’œuvre du peintre et sculpteur Antonio Pollaiuolo (1426-98). Pollaiuolo a été l’un des premiers artistes à disséquer des corps humains afin de suivre avec précision le jeu des os, des muscles et des tendons dans l’organisme vivant, avec des effets aussi dynamiques que ceux qui apparaissent dans les tensions musculaires de la lutte dans son bronze d’ Hercule et Antée (Florence, Bargello) et les mouvements des archers dans son tableau Le Martyre de Saint Sébastien (NG, Londres). La même importance sculpturale peut être vue dans les fresques de l’artiste moins connu mais plus influent Andrea del Castagno (c.1420-57).
Luca Signorelli (c.1441-1523), bien qu’associé à l’école d’Ombrie en tant qu’élève de Piero della Francesca, il fut fortement influencé par le pollen florentin dans son traitement de la figure. Avec moins de subtilité anatomique mais mettant davantage l’accent sur les protubérances extérieures et les stries de muscle et de tendon, il visait lui aussi les effets dynamiques du mouvement, les obtenant par de soudaines explosions de geste.
C’était une direction d’effort qui semble conduire naturellement et inévitablement à la réalisation de Michel-Ange (1475-1654). Bien qu’il existe des différences manifestes dans les modes de pensée et de style entre son dernier logement dans la chapelle Sixtine et la version de Signorelli sur les fresques de la cathédrale d’Orvieto, elles ont en commun une énergie redoutable. C’était une qualité qui les faisait paraître éloignés de l’équilibre et de l’harmonie de l’art classique. Raphaël (1483-1520) était beaucoup plus proche de l’esprit classique de l’Apollon de son Parnasse au Vatican et de la Galatée à la Farnesina, à Rome. L’un des contrastes régionaux les plus marquants de la Renaissance réside dans le caractère fondamentalement austère et intellectuel de l’art toscan dans la façon dont la figure est rendue, par rapport à la langueur sensuelle de l’art. nus féminins peint à Venise par Giorgione (1477-1510) et Titien (c.1485-1576). (Pour plus d’informations, voir: Portrait de Venise vers 1400-1600.) Même si, même à cet égard, la science florentine n’était pas sans influence. La douce gradation d’ombre imaginée par Léonard de Vinci pour donner des subtilités de modélisation a été adoptée par Giorgione et à Parme par Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) comme moyen d’accroître le charme voluptueux d’une Vénus, d’une Antiope ou d’un Io.
Les maîtres de la Renaissance ont non seulement étudié l’anatomie, mais aussi la perspective, les proportions mathématiques et, en général, la science de l’espace. Le désir de la période de connaissance peut expliquer en partie cette poursuite abstraite, mais elle avait des origines et des raisons plus spécifiques. La perspective linéaire était d’abord l’étude des architectes dans les dessins et les reconstructions des types classiques de bâtiments qu’ils cherchaient à faire revivre. À cet égard, le grand architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446) a été un chef de file dans ses recherches à Rome. À Florence, il a fait une démonstration de perspective dans un dessin de la place de San Giovanni qui a suscité l’intérêt d’autres artistes, notamment de son ami Masaccio. L’architecte Leon Battista Alberti (1404-72) était un autre propagateur de la théorie scientifique. Les peintres concernés par le tableau en tant qu’illusion tridimensionnelle ont compris l’importance de la perspective en tant que contribution à l’effet de l’espace – une question impliquant des techniques de peinture murale illusionniste telles que la quadratura , pratiquée pour la première fois par Mantegna au palais ducal de Mantoue dans son Caméra degli Sposi frescoes (1465-74).
Paolo Uccello (1397-1475) était l’un des premiers promoteurs de la science à Florence. Sa peinture du Bataille de San Romano à la National Gallery, Londres, avec son pittoresque héraldique, est une série admirablement calculée de formes géométriques et d’intervalles mathématiques. Même les lances cassées sur le sol semblent disposées de manière à conduire l’œil à un point de fuite. Son raccourci sur le sol était un exercice d’habileté qu’Andrea Mantegna devait imiter. C’est Mantegna qui a introduit la nouvelle science de l’art à Venise.
Dans l’échange complexe d’idées et d’influences abstraites et mathématiques, Piero della Francesca s’impose comme la plus grande des personnalités. Bien qu’un jeune homme originaire de la petite ville de Borgo San Sepolcro, il se soit imprégné de l’atmosphère de Florence et de l’art florentin en tant que jeune homme, lorsqu’il y travailla avec le jeune homme vénitien. Domenico Veneziano (c.1410-61). Domenico avait assimilé le style toscan et avait son propre exemple de perspective à donner, comme dans la belle Annonciation qui se trouve maintenant au Fitzwilliam Museum de Cambridge, bien que Piero ait probablement acquis son attitude scientifique à l’égard du design des trois pionniers de la recherche, Brunelleschi, Alberti et Donatello. (1386-1466), le plus grand sculpteur de quattrocento Florence.
Classique dans la conception ordonnée et la largeur de la conception, mais sans la touche d’antiquarianisme qui se trouve à Mantegna, Piero a influencé de nombreux peintres. Ses perspectives intérieures de l’architecture de la Renaissance qui ajoutaient un élément d’abstraction géométrique à ses compositions de figures ont été remarquées par son contemporain florentin. Andrea del Castagno (c.1420-57). Un cadre rigoureusement géométrique contraste et souligne la souplesse de l’expression humaine chez les apôtres dans le chef-d’œuvre d’Andrea, La Cène, au couvent de Sant ’Apollonia, à Florence. Antonello da Messina (1430-1479), qui introduisit à Venise la technique flamande de la peinture à l’huile, apporta également un sens de la forme dérivé de Piero della Francesca qui, à son tour, stimula son influence sur Giovanni Bellini (1430-1516), le détournant d’un style linéaire dur comme celui de Mantegna et contribuant à sa maturité en tant que leader de Peinture vénitienne , et le professeur de Giorgione et Titian.
Léonard de Vinci et Michel-Ange sont les héritiers de tout le merveilleux développement de la Renaissance italienne au XVe siècle. L’ universalité de l’artiste était un aspect crucial du siècle. Entre architecte, sculpteur, peintre, artisan et homme de lettres, il n’y avait pas eu de distinction rigide. Alberti était architecte, sculpteur, peintre, musicien et auteur de traités sur la théorie des arts. Andrea del Verrocchio (1435-88), l’un des premiers maîtres de Leonardo, est décrit comme un orfèvre, un peintre, un sculpteur et un musicien: il pourrait rivaliser avec n’importe quel maître. Mais Léonard et Michel - Ange ont affiché cette universalité à un degré suprême. Leonardo, l’ingénieur, l’inventeur prophétique, l’érudit de la nature sous tous ses aspects, le peintre de chefs-d’œuvre obsédants, n’a jamais manqué de susciter l’émerveillement. Voir, par exemple, son Vierge des Rochers (1483-5, Louvre, Paris) et Dame avec une hermine (1490, Musée Czartoryski, Cracovie). On peut en dire autant de Michelangelo, sculpteur, peintre, architecte et poète. La couronne des réalisations florentines, elles marquent également le déclin de la grandeur de la ville. Après une longue période de déclin, Rome, restaurée par des papes ambitieux après une longue décadence, demanda à Michel-Ange, aux côtés de Raphaël, de produire les conceptions monumentales de Peinture haute renaissance : deux chefs-d’œuvre absolus étant ceux de Michel-Ange Fresque de la genèse (1508-12, plafond de la chapelle Sixtine, Rome), qui comprend la célèbre Création d’Adam (1511-12) et la Madone Sixtine de Raffaello Sanzio (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde). En outre, les deux artistes ont été nommés architecte en charge du nouveau Basilique Saint-Pierre à Rome , symbole de la transformation de la ville de la ville médiévale à la Renaissance. Léonard, absorbé par ses recherches, a finalement été attiré vers la France. Pourtant, dans ces grands hommes, le génie de Florence a survécu. Pour l’histoire de la Renaissance tardive, durant la période (environ 1530-1600) – une période qui comprend les plus grands Retables vénitiens ainsi que la magnifique fresque de Michel-Ange sur la muraille de l’autel de la chapelle Sixtine – voir: La peinture maniériste en Italie . Voir également: Peinture de couleurs du Titien et de Venise 1500-176 environ.
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