Art représentationnel Automatique traduire

En peinture et en sculpture, le terme « art figuratif» (souvent en utilisant le terme plus courant « art figuratif») se réfère généralement à des images qui sont clairement reconnaissables comme ce qu’elles prétendent être, telles qu’une figure humaine, une banane, un arbre, etc. Ces images ne doivent pas nécessairement correspondre à la vie. Ainsi, un arbre ne doit pas nécessairement être vert ou même droit, mais il doit clairement représenter ou être reconnaissable en tant qu’arbre. En revanche, l’art non figuratif ou abstrait consiste en des images qui n’ont pas d’identité claire et qui doivent être interprétées par le spectateur.

Cependant, il n’y a pas de distinction absolue entre l’abstraction et le réalisme . Imaginez plutôt un continuum entre (à un extrême) l’abstraction pure et (à l’extrême opposé) l’ultra-réalisme. A un certain point de ce continuum, les images abstraites deviennent suffisamment reconnaissables pour que nous puissions les qualifier de représentatives, mais il est impossible de déterminer ce point à l’avance.

Néanmoins, on peut dire que l’art figuratif comprend toutes les images qui représentent un objet ou une série d’objets identifiables. Parmi les exemples courants de ce type d’art figurent les portraits, les paysages traditionnels, les peintures de scènes domestiques, les peintures historiques ou mythologiques, les natures mortes et, bien entendu, divers types de statues figuratives et équestres .

Les peintures ou sculptures de formes humaines, une sorte de sous-catégorie des beaux-arts, sont aussi parfois appelées «art figuratif». Les versions expressionnistes des formes humaines (par exemple, les œuvres de l’artiste colombien contemporain Fernando Botero) peuvent être appelées art «néofiguratif».

Observation versus interprétation

Une autre façon d’apprécier la différence entre l’art figuratif et l’art non figuratif est de regarder les choses du point de vue de l’artiste. Les artistes de l’art figuratif agissent généralement en tant qu’observateurs et tentent de reproduire ce qu’ils voient. Bien sûr, ils «interprètent» ce qu’ils voient - il n’y a donc pas deux artistes qui peignent une scène de la même manière - mais leur objectif principal est d’observer et de reproduire les objets qu’ils ont sous les yeux. Ainsi, par exemple, la peinture en plein air - une approche popularisée par les impressionnistes du XIXe siècle - est presque toujours représentative.

En revanche, les artistes non représentatifs ont un objectif différent. Leur objectif est de créer une image plus «intellectuelle» qui n’est pas directement liée à un objet reconnaissable et qui, par conséquent, doit être interprétée. Cette approche non représentative est bien illustrée par le mouvement abstrait du 20e siècle, comme les œuvres de Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-1970) et Sean Scully (né en 1945), dont les peintures sont dépourvues de toute signification objective et doivent donc être interprétées uniquement par le spectateur.

Origines

La plupart des arts anciens sont figuratifs et ont été pratiqués dès l’âge de pierre (vers 2 000 000-10 000 av. J.-C.). Les exemples incluent des sculptures telles que la «Vénus de Tan-Tan» (Maroc) et la «Vénus de Berehat Ram» (Israël), ainsi que les peintures rupestres de Lascaux (France) et d’Altamira (Espagne).

Les beaux-arts modernes sont largement dérivés de l’art grec et de l’art romain (c. 650 av. J.-C. - c. 350 ap. J.-C.).), illustré par la sculpture grecque, telle que «Marathon jeunesse» (IIIe siècle av. J.-C.) de Praxitèle ; «Gaule mourante» (vers 232 av. J.-C.) d’Epigonus ; Laocoon et ses fils (vers 40 av. J.-C.) d’Hagesander, Polydorus et Athénodore. L’un des plus beaux exemples de sculpture représentative romaine est le bas-relief en spirale de la colonne de Trajan, qui appartient à l’époque julio-claudienne. Ces œuvres de l’Antiquité classique ont servi de base à la Renaissance italienne tardive, qui a elle-même exercé une grande influence sur les artistes jusqu’au XXe siècle. L’armée chinoise en terre cuite, créée sous la dynastie Qin (221-206 av. J.-C.), est peut-être le plus grand exemple de beaux-arts).

Styles de représentation

L’art italien de la Renaissance a promu le «type idéal» de représentation, illustré par les sculptures de David Donatello et Michel-Ange . Le nu était considéré comme la forme la plus élevée d’expression créative, et les personnages étaient souvent dessinés et sculptés sous une forme idéalisée. À la Renaissance, Florence, Rome ou Venise présentent très peu «de visages ou de corps laids». Les techniques de la perspective linéaire ont été étudiées et documentées.

Cette situation change cependant à l’époque du maniérisme (vers 1530-1600), à partir de la fresque du Jugement dernier de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine . Les figures deviennent moins idéalisées et plus «réelles», surtout en dehors de l’Italie où la peinture à l’huile non idéaliste prédomine, notamment en Hollande, où les traditions réalistes de Jan Van Eyck (1390-1441) et Rogier van der Weyden (1399-1464) ont conduit à la création de l’incomparable école du réalisme hollandais, illustrée par les intérieurs exquis de Jan Vermeer (1632-1675).

Cependant, grâce au pouvoir de l’Église et à l’influence durable de la Renaissance italienne telle qu’elle s’exprime dans les grandes académies d’art européennes, ce n’est qu’après la révolution industrielle (c. 1790-1850) que le mouvement du réalisme est né et que les artistes ont commencé à dépeindre la vraie réalité de la vie au lieu d’une variété idéalisée. (Mais voir aussi L’école anglaise de peinture figurative : XVIIIe-XIXe siècle). Cela a influencé à la fois les méthodes de peinture et les sujets. Par exemple, la couleur a joué un rôle important lorsque les artistes ont essayé de représenter ce qu’ils voyaient. Ainsi, si une meule de foin apparaissait rose dans la lumière mourante, elle était peinte en rose.

Les beaux-arts du 20e siècle

Au cours des 30 dernières années du XIXe siècle, la peinture européenne était dominée par les méthodes libres de l’impressionnisme, dont les représentants attachaient néanmoins une grande importance aux compétences traditionnelles du dessin, de la couleur et de la composition.

Par exemple, l’impressionniste Edgar Degas (1834-1917), qui excellait dans la peinture de genre, était l’un des meilleurs dessinateurs de l’histoire de l’art, et le portraitiste impressionniste John Singer Sargent (1856-1925) était un maître de la technique «au premier coup» (un trait précis, sans raffinement) et l’un des plus grands peintres à l’huile de l’époque moderne. Cependant, l’émergence de Van Gogh (1853-1890) à la fin des années 1880 a marqué un changement important.

Les coups de pinceau dramatiques , les empâtements et les peintures très personnalisées de Van Gogh ont marqué le début du style expressionniste, qui a été développé plus tard par le Norvégien Edvard Munch (1863-1944) et, en particulier, par des groupes allemands, tels que Der Blaue Reiter, Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit et des artistes comme Wassily Kandinsky (1844-1944), Paul Klee (1879-1940), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Otto Dix (1891-1969), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Egon Schiele (1890-1918), Oskar Kokoschka (1886-1980) et Max Beckmann (1884-1950). Bien que l’expressionnisme précoce ait toujours adopté une approche (largement) figurative, il a rejeté les traditions académiques, favorisant une approche plus subjective de l’art. Au fil du temps, cela a conduit à un affaiblissement des méthodes picturales traditionnelles, ce qui, combiné aux événements politiques du début du XXe siècle, a conduit à l’essor de l’art abstrait et à l’émergence du postmodernisme. En conséquence, dans les années 1940, le monde de l’art (dont New York était alors le centre) était témoin d’une prédominance de la forme sur le contenu.

Picasso, le cubisme et l’attrait de l’abstraction

Outre la montée de l’expressionnisme allemand et de son subjectivisme sous-jacent, la vraie peinture subit la pression d’autres artistes mécontents de son image démodée et de son manque de possibilités intellectuelles. Malheureusement, dans leur tentative de «redéfinir» et «moderniser» l’art, ces artistes ont en fait «jeté le bébé avec l’eau». Ce phénomène est peut-être illustré par l’œuvre de l’artiste espagnol Pablo Picasso (1881-73), qui excellait à la fois dans l’art figuratif et dans l’art non figuratif. (Note : Pour une explication des œuvres contemporaines d’artistes comme Picasso, voir : Analyser la peinture contemporaine : 1800-2000).

Au début de sa carrière (vers 1901-7), en particulier dans la «période bleue» et la «période rose», Picasso s’est concentré sur la peinture réaliste. Vient ensuite la brève «période africaine» (époque noire), au cours de laquelle ses images se déforment davantage (par exemple «Les Demoiselles d’Avignon»), puis le style révolutionnaire du cubisme (vers 1908-19), dont les formes disparates (par exemple «Jeune fille à la mandoline», 1910) comptent parmi les exemples les plus connus de peinture non représentative. En d’autres termes, Picasso pensait que l’art naturaliste avait atteint ses limites au cours des époques impressionniste (1870-1900) et fauviste (c. 1905).

En conséquence, il a décidé d’expérimenter des formes d’art plus non représentatives (abstraites) - une approche que lui et Georges Braque considéraient comme plus «intellectuelle» - et c’est ainsi qu’ils sont parvenus au cubisme. (Le chemin de Picasso du réalisme à l’abstraction «» est mieux considéré en examinant son portfolio de portraits, jusqu’à sa célèbre Femme en pleurs «» de 1937).

Néanmoins, malgré la nature véritablement révolutionnaire du cubisme et sa contribution à l’histoire de l’art, et malgré l’immense créativité de Picasso au cours de ses 92 années de vie - travail qui comprenait l’expressionnisme, le cubisme et le surréalisme - il n’a jamais été vraiment intéressé par l’abstraction pure, et la plupart de ses chefs-d’œuvre ont été (sans doute) représentatifs. Notez également son utilisation de l’idiome du classicisme - voir : Les peintures de figures néoclassiques de Picasso (1906-30) - et sa contribution au Renouveau classique dans l’art moderne (c. 1900-30).

Pourquoi l’art figuratif est-il important?

Selon l’inoubliable philosophe Karl Popper, "la signification objective d’une affirmation dépend de la possibilité de prouver sa fausseté. Si sa fausseté ne peut être prouvée, elle n’a que peu d’importance. Par exemple, mon affirmation : je pense que c’est de l’art - ne peut être réfutée et n’a donc que peu d’importance, sauf peut-être en tant que preuve de mon opinion personnelle".

Norme de mérite artistique

L’art représentatif est important avant tout parce qu’il fournit une norme permettant de juger de la valeur artistique. Par exemple, un portrait peut être jugé par la ressemblance qu’il donne au modèle ; un paysage peut être jugé par sa ressemblance avec une scène particulière ; un paysage de rue peut être comparé à la vie réelle ; une peinture d’une scène sombre peut être jugée par la façon dont elle représente l’ombre et la lumière, et ainsi de suite. Mais l’art non figuratif ne prétend pas représenter quoi que ce soit de la vie réelle et ne peut donc pas être jugé selon des critères objectifs. Par conséquent, la réputation des peintres et sculpteurs non figuratifs peut dépendre entièrement des caprices de la mode dans le monde de l’art, plutôt que d’une compétence évidente.

La base de tous les beaux-arts

Deuxièmement, l’art figuratif est une base importante pour tous les beaux-arts parce qu’il dépend des compétences de l’artiste en matière de dessin, de perspective, d’utilisation des couleurs et des tons, de représentation de la lumière et de composition générale : des compétences qui sont à la base de nombreux beaux-arts. En outre, ces compétences objectives peuvent être enseignées aux élèves dans l’intérêt de tous, notamment parce qu’un tel enseignement peut utiliser, soutenir et améliorer les méthodes artistiques.

Rendre l’art accessible au public

Troisièmement, les images représentatives étant facilement reconnaissables et donc perceptibles, elles contribuent à rendre l’art accessible au grand public. En revanche, les œuvres d’art abstraites ou non figuratives peuvent exiger des connaissances considérables de la part du spectateur avant d’être «véritablement» comprises. Cette exigence constitue souvent une barrière «regrettable» entre les artistes et le public.

Tout cela n’enlève rien aux mérites de l’art abstrait. Néanmoins, j’espère que ces dispositions montrent que la peinture et la sculpture représentatives jouent un rôle indispensable dans la création, l’appréciation et la jouissance de l’art visuel, et devraient être activement promues par des individus et des organisations responsables.