Art représentationnel Automatique traduire
En peinture et en sculpture, le terme "art figuratif" désigne généralement des images clairement reconnaissables à ce qu’elles prétendent être, telles qu’une figure humaine, une banane, un arbre, etc. De telles images ne doivent pas nécessairement être vraies. Ainsi, un arbre ne doit pas nécessairement être vert, ni même debout, mais il doit clairement représenter ou être reconnaissable en tant qu’arbre. En revanche, non représentatif ou art abstrait se compose d’images qui n’ont pas d’identité claire et qui doivent être interprétées par le spectateur.
Même ainsi, il n’ya pas de distinction absolue entre abstraction et le réalisme. Imaginez plutôt un continuum entre l’abstraction pure (à un extrême) et le réalisme extrême (à l’extrême opposé). À un certain point le long de cette ligne, les images abstraites deviennent suffisamment reconnaissables pour que nous puissions les qualifier de représentationnelles, mais il est impossible de définir un tel point à l’avance.
Néanmoins, on peut dire que l’art de la représentation englobe toutes les images représentant un objet ou une série d’objets identifiables. Exemples courants de ce type de art portraits, paysages traditionnels, peintures de scènes de la vie quotidienne, historiques ou peinture mythologique, natures mortes et bien sûr différents types de figuration et statue équestre.
Les peintures ou sculptures de forme humaine – une sorte de sous-catégorie de l’art figuratif – sont également parfois appelées "art figuratif". Versions expressionnistes de formes humaines (comme celles du peintre colombien contemporain) Fernando Botero) peut être qualifié de "néo-figuratif".
Observation versus interprétation
Une autre façon d’apprécier la différence entre l’art représentationnel et l’art non-représentation est de voir les choses du point de vue de l’artiste. Les peintres de représentation agissent généralement en tant qu’observateurs et tentent de reproduire ce qu’ils voient. Bien sûr, ils «interprètent» ce qu’ils voient – par conséquent, il n’y a pas deux peintres qui peignent une scène de la même manière – mais leur objectif principal est d’observer et de reproduire le ou les objets qui se trouvent devant eux. Ainsi, par exemple, peinture en plein air – une approche popularisée par les impressionnistes du 19ème siècle – est presque toujours figurative.
En revanche, les peintres non représentationnels ont un objectif différent. Leur objectif est de créer une image plus «intellectuelle»: une image qui n’est pas directement associée à un objet reconnaissable et qui, par conséquent, doit être interprétée. Cette approche non représentative est bien illustrée par le mouvement abstrait du XXe siècle, comme dans les œuvres de Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-70) et Sean Scully (né en 1945), dont les peintures n’ont aucune signification objective. et doit donc être entièrement interprété par le spectateur.
Origines
Plus Art ancien est représentatif, et a été pratiqué aussi loin que le Âge de pierre (environ 2 000 000 à 10 000 ans avant notre ère). Les exemples incluent des sculptures telles que la "Vénus de Tan-Tan" (Maroc) et la "Vénus de Berekhat Ram" (Israël), ainsi que des peintures rupestres de Lascaux (France) et d’Altamira (Espagne).
L’art figuratif moderne dérive en grande partie de grec et Art romain (c.650 à c.350 de notre ère), comme illustré par Sculpture grecque comme "The Marathon Youth" (3ème siècle avant notre ère) de Praxiteles; "La Gaule mourante" (c.232 AEC) par Epigonus; Laocoon et ses fils (env. 40 av. J.-C.) de Hagesandrus, Polydorus et Athenodoru. Un des plus beaux exemples de représentation Sculpture romaine est le bas-relief en spirale sur Colonne de Trajan, de la période julio-claudienne. Ces œuvres de l’Antiquité classique ont été à la base de la Renaissance italienne postérieure, qui elle-même a eu une influence considérable sur les artistes jusqu’au 20ème siècle. (Bien qu’on ne l’ait pas découvert jusqu’à nos jours, le Armée de terre cuite chinoise, créé à l’ère de Art de la dynastie Qin (221-206 AEC), est peut-être le plus grand exemple d’art figuratif.)
Styles de représentationnalisme
italien Art de la Renaissance a promu un type de représentationnalisme "idéal", comme en témoignent les sculptures de David de Donatello et Michelangelo. Le nu humain était considéré comme la plus haute forme d’expression créative et les personnages étaient fréquemment peints et sculptés de manière idéalisée. Il y avait très peu de visages ou de corps "laids" à la Renaissance Florence, Rome ou Venise. Techniques de perspective linéaire ont été explorés et documentés.
Cependant, cette situation a changé au cours de la Maniérisme période (environ 1530-1600) commençant par Michelangelo Fresque de la chapelle Sixtine "Le Jugement dernier ". Les figures sont devenues moins idéalisées et plus" réelles ", surtout en dehors de l’Italie, où dominait la peinture à l’huile non idéaliste, notamment en Hollande où les traditions réalistes de Jan Van Eyck (1390-1441) et Roger Van der Weyden (1399-1464) a conduit à l’école incomparable du réalisme hollandais, illustrée par les intérieurs exquis de Jan Vermeer (1632-75). Cependant, du fait du pouvoir de l’Église et de l’influence persistante de la Renaissance italienne – exprimée par le biais des grandes académies européennes de l’art – ce ne fut qu’à la révolution industrielle (vers 1790-1850) que le réalisme fut nés et les peintres ont commencé à représenter la vraie réalité de la vie au lieu de la variété idéalisée. (Mais voir aussi le Ecole anglaise de peinture figurative: 18ème / 19ème siècle.) Cela a affecté les méthodes de peinture ainsi que le sujet. Par exemple, la couleur a été pleinement exprimée alors que les artistes tentaient de peindre ce qu’ils voyaient. Ainsi, si une meule de foin apparaissait rose dans la lumière mourante, elle était peinte en rose.
Art de représentation du XXe siècle
Au cours des trente dernières années du XIXe siècle, la peinture de représentation européenne était dominée par les méthodes fluides de Impressionnisme, dont les membres ont néanmoins attaché la plus grande importance aux compétences traditionnelles des dessin, couleur et composition.
Par exemple, l’impressionniste Edgar Degas (1834-1917), qui a excellé à peinture de genre, était l’un des meilleurs dessinateurs de l’histoire de l’art, tandis que le portraitiste impressionniste John Singer Sargent (1856-1925) était un maître de la technique du "au premier coup" (un coup de pinceau exact, pas de retouche) et l’un des grands peintres à l’huile des temps modernes. Cependant, l’apparition de Van Gogh (1853-1890) à la fin des années 1880 marque un changement important.
Van Gogh dramatique empâtement Des coups de pinceau et des peintures hautement personnalisées ont marqué le début d’une Expressionniste style qui a ensuite été développé par le norvégien Edvard Munch (1863-1944) et notamment par des groupes allemands tels que Der Blaue Reiter, Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit et par des artistes tels que Wassily Kandinsky (1844-1944), Paul Klee (1879-1940)), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Otto Dix (1891-1969), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Egon Schiele (1890-1918), Oskar Kokoschka (1886-1980) et Max Beckmann (1884-1950). Bien que l’expressionnisme primitif adhère encore (en grande partie) à une approche représentationnelle, il rejette les traditions académiques, préférant une approche plus subjective de l’art. Avec le temps, cela a conduit à un affaiblissement des méthodes picturales traditionnelles, ce qui, associé aux événements politiques du début du XXe siècle, a entraîné la croissance de l’art abstrait et du post-modernisme. En conséquence, dans les années 1940, le monde de l’art (alors centré à New York) était témoin de la domination de la forme sur la substance. Voir également Peinture de représentation en Irlande.
Picasso, le cubisme et l’appel de l’abstraction
En plus de la montée de Expressionnisme allemand et son subjectivisme sous-jacent, la peinture fidèle à la réalité, était soumis à la pression d’autres artistes mécontents de leur image démodée et de son manque de possibilités intellectuelles. Malheureusement, dans leur tentative de "réinterpréter" et de "moderniser" l’art, ces artistes ont effectivement jeté le bébé avec l’eau du bain, un phénomène qui est peut-être illustré par le travail de l’artiste espagnol Pablo Picasso (1881-73) qui a excellé dans l’art représentationnel et non-représentationnel. (Remarque: pour une explication des œuvres modernes d’artistes comme Picasso, veuillez consulter: Analyse des peintures modernes : 1800-2000.)
Au début de sa carrière (vers 1901-7), notamment dans ses "Périodes bleues" et "Période rose", Picasso se concentra sur la peinture réaliste. Cela céda la place à sa "période africaine" (époque noire) au cours de laquelle son image devint plus déformée (par exemple, "Les Demoiselles d’Avignon), puis son Cubisme style (c.1908-19) dont les formes disjointes (par exemple, "Girl With Mandolin", 1910) sont parmi les exemples les plus célèbres de la peinture non figurative. En termes très simples, Picasso pense que l’art naturaliste a atteint ses limites sous les Impressionnistes (1870-1900) et Fauvistes (c.1905). En conséquence, il a décidé d’expérimenter davantage d’art-formes abstraites / non représentatives – une approche à laquelle Georges Braque considéré comme plus «intellectuel» – à la suite de quoi ils ont dûment proposé le cubisme. (Le parcours de Picasso du réalisme à l’abstraction est mieux étudié en étudiant son portfolio de des portraits, jusqu’à son célèbre " Femme en pleurs ", 1937.)
Néanmoins, malgré le caractère véritablement révolutionnaire du cubisme et sa contribution à la histoire des arts, et malgré l’énorme travail créatif de Picasso au cours de ses 92 ans de vie – une œuvre qui comprenait l’expressionisme, le cubisme et Surréalisme – il n’a jamais vraiment été intéressé par l’ abstraction pure et la plupart de ses chefs-d’œuvre étaient (sans doute) représentationalistes. Notez également son utilisation de l’idiome classiciste – voir: Peintures de figures néoclassiques de Picasso (1906-30) – et sa contribution à la Renaissance classique dans l’art moderne (c.1900-30).
Pourquoi l’art de la représentation est-il important?
Selon le redoutable philosophe Karl Popper, la signification objective d’une déclaration dépend de la possibilité de prouver que cette dernière est fausse. S’il ne peut être démontré que cela est faux, cela n’a pas une grande signification. Par exemple, ma déclaration: "Je pense que c’est de l’art" ne peut être réfutée et n’a donc aucune grande signification sauf peut-être une preuve de mon opinion personnelle.
Niveau de mérite artistique
L’art de la représentation est important en premier lieu, car il fournit une norme selon laquelle le mérite artistique peut être jugé. Par exemple, un portrait peut être jugé en fonction de la ressemblance qu’il présente avec le modèle; une paysage peut être évaluée en fonction de sa similarité avec une scène particulière; et une scène de rue peut être comparée à la vie réelle; une peinture d’une scène sombre peut être jugée en fonction de la qualité de sa représentation de la lumière et de l’ombre, etc. Mais l’art non-représentationnel ne prétend pas représenter quoi que ce soit dans la vie réelle et ne peut donc pas être jugé par référence à des critères objectifs. En conséquence, la réputation des peintres et des sculpteurs non représentatifs peut dépendre entièrement des fantaisies de la mode du monde de l’art, plutôt que de compétences démontrables.
Une fondation pour tous les arts visuels
Deuxièmement, l’art figuratif est un fondement important de tout art visuel, car il dépend de la maîtrise du dessin, de la perspective, de l’utilisation de la couleur / du ton, de la lumière et de la composition générale: des compétences qui sous-tendent de nombreuses formes d’art visuel. En outre, ces compétences objectives peuvent être enseignées aux étudiants dans l’intérêt de tous, notamment parce qu’elles peuvent s’appuyer sur les méthodes artistiques, les maintenir et les améliorer.
Rend l’art accessible au public
Troisièmement, les images de représentation étant facilement reconnaissables, et donc appréciables, elles contribuent à rendre l’art accessible au grand public. En revanche, les œuvres d’art abstraites ou non représentatives peuvent nécessiter des connaissances considérables de la part du spectateur avant de pouvoir être «réellement» comprises. Cette exigence constitue souvent une "barrière" regrettable entre les artistes et le public.
Rien de tout cela ne dévalorise les mérites intrinsèques de l’art abstrait. Néanmoins, j’espère que ces points démontrent que la peinture et la sculpture figuratives jouent un rôle irremplaçable dans la création, l’évaluation et la jouissance des beaux-arts et qu’elles devraient être vivement encouragées par les individus et les organismes responsables.
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