Anthony Caro:
Sculpteur abstrait britannique, Biographie Automatique traduire

L’artiste anglais Sir Anthony Caro est l’un des artistes britanniques les plus influents. sculpteurs abstraits du 20ème et 21ème siècle. Ancien assistant du sculpteur Sir Henry Moore, Caro est connu pour son grand acier sculpture, souvent peints dans des couleurs vives et plates. Dans ses œuvres de maturité, il inclut des références aux grandes traditions sculpturales de l’art occidental, du classicisme au baroque. Il a enseigné à temps partiel à la St Martins School of Art de Londres pendant plus de 25 ans (1953-1979) et a contribué à la création d’une nouvelle école de musique britannique. sculpture abstraite. Un personnage clé de Sculpture britannique moderne, Caro reste l’un des plus innovants Sculpteurs du 20ème siècle de l’ère moderniste tardive.

Jeunesse

Caro est née en 1924 à Surrey, en Angleterre. Il a fréquenté une école locale jusqu’en 1942, puis a étudié l’ingénierie au Christ College de Cambridge. Comme le sculpteur américain David Smith Caro découvrirait plus tard les compétences techniques acquises en ingénierie, utiles à son art. Pendant les vacances, il a fréquenté la Farnham School of Art, où il a travaillé dans l’atelier du sculpteur Charles Wheeler (qui a été le premier sculpteur à occuper la présidence de l’Académie royale). En 1946, Caro fréquente brièvement l’école polytechnique de Regent Street et étudie la sculpture avec Geoffrey Deeley. Un an plus tard, il entra à la Royal Academy et fut dirigé par Maurice Lambert, sculpteur irlandais. FE McWilliam Alfred Frank Hardiman et Siegfried Charoux. Il a suivi une formation traditionnelle à la Royal Academy, copiant en grec, en étrusque et roman et Sculpture gothique. Il a reçu des médailles pour la modélisation, la sculpture et la composition de figures en argile.

Premières sculptures

En 1951, Caro travailla comme assistant du sculpteur Henry Moore, tout en continuant à dessiner des modèles à l’Académie. En 1953, il commença à enseigner à temps partiel à l’école d’art de St Martin. Ses élèves comprenaient David Annesley, Michael Bolus, Gilbert et George, Phillip King, Brower Hatcher, Peter Hide et Hamish Fulton. Caro a aidé à réorganiser le département des arts et a combiné le dessin et la sculpture en une seule classe dans le but de comprendre un sujet plutôt que de l’enregistrer. Cherchant toujours à repousser ses limites, Caro a commencé à fabriquer des figurines lourdes en argile, en plâtre et en bronze en réaction au style plus traditionnel encouragé par l’Académie. Parmi les exemples, on peut citer Man tenant son pied (1954), Homme prenant sa chemise (1955, exposée à la Biennale de Venise) et Tirant sur une ceinture (années 1950) – les œuvres sont maladroites, amusantes et bafouent délibérément la notion de relation. sculpture. En 1955, deux des sculptures figuratives de Caro ont été incluses dans une exposition de groupe à l’Institute of Contemporary Art de Londres. L’année suivante, il présente sa première exposition personnelle à la Galleria del Naviglio, à Milan, qui présente 20 de ses sculptures, principalement des figures expressionnistes. En 1957, Caro présente sa première exposition personnelle à Londres à la Gimpel Fils Gallery. En 1959, il se produit à la Biennale de Paris pour jeunes artistes et se voit décerner un prix de sculpture. La même année, le Tate Gallery achète l’une des œuvres de Caro, Woman Waking Up (1955).

Changement de style

En 1959, Caro se rendit aux États-Unis et rencontra le sculpteur abstrait David Smith. L’influence de Smith amena Caro à abandonner la figuration et il commença plutôt à construire des sculptures abstraites en acier, soudées et parfois peintes. Il a également travaillé avec le bronze, l’argent, le plomb, le bois, le papier et la pierre. Première pièce importante en 3D de Caro art abstrait, fabriqué en 1961, était 24 heures (Tate Modern, Londres). La même année, il crée sa première sculpture polychrome, Sculpture Seven. Malgré sa production prolifique jusqu’à présent, Caro n’a attiré l’attention du public qu’en 1963 avec son vaste one-man-show à la Whitechapel Art Gallery. Les sculptures incluses dans le spectacle étaient vingt-quatre heures ; Sculpture sept ; Tôt un matin (1962); Mois de mai (1963) et Pompadour (1963). Ses œuvres à cette époque étaient peintes de couleurs vives, se tenant directement sur le sol (sans base), ce qui permettait au spectateur d’avoir un accès plus immédiat. En retirant la sculpture de son socle, Caro innovait, même si David Smith et Brancusi avait également pris des mesures dans la même direction.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer des sculpteurs abstraits modernistes comme Anthony Caro, voir: Comment apprécier la sculpture moderne. Pour les travaux antérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture.

Renommée et reconnaissance

À partir des années 1960, la réputation de Caro était fermement établie. Entre 1964 et 1964, il présente d’importants one-man shows à New York (Galerie Andre Emmerich), à Washington DC (Galerie d’art moderne de Washington) et à Londres (Tate). Pendant la décennie suivante, il se rendit aux États-Unis plusieurs fois par an, travaillant habituellement un mois à la fois. En 1966, il expose au pavillon britannique de la Biennale de Venise avec les peintres Bernard Cohen, Richard Smith, Harold Cohen et Robyn Denny. La renommée de Caro se répandit et il élargit la portée de son travail. Il a commencé à faire de petites sculptures en utilisant des poignées apparaissant au-dessus du bord d’une table, il les a appelées Sculptures sur table . Il a également créé des tours sculpturales plus grandes, à la fois architecture et sculpture. En 1969, une exposition rétrospective a eu lieu à la Hayward Gallery, à Londres, comprenant cinquante œuvres réalisées entre 1954 et 1968.

Développements sculpturaux

Dans les années 1970, Caro a commencé à acheter de grandes pièces de machines agricoles, y compris des pièces de charrue et des pales d’hélice, et les a intégrées à cette œuvre: Sun Feast (1969, Collection privée) et Orangerie (1969, Collection privée). Les parties de la machine sont des éléments reconnaissables, qui créent une illusion de familiarité, mais la forme abstraite de la sculpture est purement expressive. Il a commencé à cirer et à vernir les structures en acier, comme dans The Bull (1970). Tundra (1975, Tate) est un autre ouvrage important. Il a continué à passer des périodes en Amérique, travaillant dans l’atelier du peintre abstrait américain Kenneth Noland dans le Vermont. Au cours des deux dernières décennies, Caro a continué à développer son style. Il a expérimenté de petites "pièces d’écriture", des sculptures calligraphiques en acier comprenant souvent d’autres ustensiles. Il a réalisé des sculptures avec du papier fait main, de la céramique et de l’acrylique sur toile (au studio d’Helen Frankenthaler à New York). En 1986, Caro crée After Olympia (le Metropolitan Museum of Art de New York), sa plus grande sculpture à ce jour. En 1991, il a créé plusieurs exemples de ce qu’il a appelé Sculpitecture (par exemple, Tower of Discovery).

Des expositions

Au cours des décennies suivantes, Caro élargit ce qu’il a appelé le «langage de la sculpture», en tant qu’artiste et professeur influent à la St Martin’s School of Art. Il a encouragé les étudiants à tester et à repousser les limites de leur travail, comme il l’a fait dans le sien. le Musée d’Art Moderne, New York a organisé une exposition rétrospective de ses œuvres en 1975, qui s’est rendue au Walker Art Center de Minneapolis, au Museum of Fine Art de Houston et au Museum of Fine Arts de Boston. Caro a également eu d’importantes rétrospectives aux marchés de Trajan, à Rome (1992); Musée d’art contemporain de Tokyo (1995); et Tate Britain, Londres (2005), où il a montré sa gigantesque sculpture The Last Judgment (1995-1999, Collection Wurth, Kunzelsau). En 2008, il a également présenté sa première exposition personnelle à la Hillsboro Fine Art Gallery, à Dublin.

Prix ​​et reconnaissance

À l’instar de son contemporain britannique Henry Moore, Caro a servi de modèle de professionnalisme, en combinant un travail énergique et la création d’une relation productive avec le monde de l’art. Il a reçu de nombreux prix, notamment le Praemium Imperiale pour la sculpture à Tokyo en 1992 et le Lifetime Achievement Award pour la sculpture en 1997. Il a reçu des diplômes honorifiques d’universités d’Europe, des États-Unis et du Royaume-Uni. Il a reçu le titre de chevalier en 1987 et l’ordre du mérite en 2000. Il est décédé en octobre 2013.