Sculpture sur ivoire: histoire, caractéristiques des ivoires Automatique traduire

L’ivoire est un type de dentine - le tissu osseux dur et dense qui forme la plupart des dents, défenses et défenses d’animaux - qui a été utilisé pendant des milliers d’années comme matériau pour sculpter des sculptures (principalement de petites sculptures en relief ou divers types de petites statuettes) et d’autres objets des arts décoratifs (par ex, les couvertures en ivoire sculpté de manuscrits enluminés, d’objets religieux, de coffrets d’objets coûteux), ainsi qu’un certain nombre d’objets fonctionnels (touches de piano, boules de billard).

L’ivoire était prisé par les artistes et les mécènes pour sa rareté, sa durabilité exceptionnelle et était particulièrement apprécié des sculpteurs pour sa couleur crémeuse, sa texture lisse et son éclat doux. L’art de la sculpture sur ivoire (y compris la gravure scrimshaw) a fait partie de la culture de nombreuses civilisations, dont l’Égypte, la Grèce antique, la Rome, la Russie, le Japon, la Chine et l’Inde. Elle faisait également partie intégrante des arts plastiques de l’Islam, des époques médiévales carolingienne et ottomane, ainsi que des périodes byzantine, gothique et de la Renaissance. Il est également présent dans l’art amérindien, en particulier chez les Inuits et dans le nord-ouest des États-Unis.

Bien que la sculpture sur ivoire soit moins répandue que la sculpture sur bronze ou marbre, elle a été utilisée pour créer certaines des plus grandes sculptures de l’histoire de l’art. Le fait que l’ivoire - contrairement à d’autres matériaux précieux - ne puisse pas être fondu ou réutilisé a été un facteur important dans sa préservation en tant qu’artisanat traditionnel le plus spécialisé .

Commerce de l’ivoire

En ce qui concerne l’art préhistorique, les types d’ivoire les plus couramment utilisés étaient les défenses de mammouth et les bois de renne. Depuis lors, l’ivoire est devenu prédominant, avec des conséquences désastreuses pour la population d’éléphants d’Afrique en particulier. En 1831, la demande d’ivoire au Royaume-Uni a entraîné la mort d’environ 4 000 éléphants, et au cours de la décennie des années 1980, environ 70 000 éléphants d’Afrique ont été tués chaque année pour leurs défenses. Aujourd’hui, grâce à la Convention sur le commerce international des espèces de faune et de flore sauvages menacées d’extinction (CITES), la sculpture sur ivoire est interdite dans la plupart des cas dans le monde.

Depuis 2007, sous la pression du Fonds international pour la protection des animaux, tous les produits en ivoire, y compris les sculptures, sont interdits sur eBay . Toutefois, le commerce illégal de l’ivoire se poursuit et, à l’avenir, on espère que l’ivoire végétal (nom donné à un type de noix dure originaire de Colombie, d’Équateur et du Pérou) remplacera progressivement l’utilisation d’os naturels provenant de dents et de défenses d’animaux en voie de disparition.

Les techniques de sculpture de l’ivoire

Les outils et les techniques de sculpture de l’ivoire ont peu évolué jusqu’à la fin du XIXe siècle. Les sculpteurs utilisaient un adz, une hache ou un ciseau pour enlever les couches extérieures de la défense, puis une scie pour découper la défense en morceaux maniables, et enfin un outil appelé aileron pour ébavurer la surface. Ce n’est qu’après cela que le sculpteur utilisait ses scies à fraiser, ses calibres et ses ciseaux à main pour sculpter la pièce. Tout cela a changé vers 1900, lorsque les scies rotatives et les fraises dentaires motorisées sont devenues disponibles. Ces machines rapides, puissantes et peu gourmandes en main-d’œuvre ont révolutionné la sculpture de l’ivoire et, en 1950, elles étaient largement utilisées dans le monde entier.

Histoire et tradition de la sculpture sur ivoire

L’âge de pierre
Bien que la sculpture sur bois ait été une forme majeure de sculpture préhistorique, il en reste peu de traces aujourd’hui en raison de sa nature périssable. Cependant, l’art de l’âge de pierre comprend un large éventail d’œuvres sculptées à partir de défenses et d’os, comme en témoignent les sculptures en ivoire du Jura souabe (vers 33 000-30 000 av. 33 000-30 000 av. J.-C.), une variété de figures humaines et animales trouvées dans différents abris sous roche paléolithiques, dont le célèbre homme-lion de Holenstein-Stadel (vers 38 000 av. J.-C.).

D’autres exemples célèbres de ce type d’art paléolithique sont plusieurs figurines énigmatiques Vénus, telles que Vénus de Hohle-Fels (35.000 av.), Vénus de Brassempui (23 000 av. J.-C.), Vénus de Kostenok (22 000 av. J.-C.), Vénus d’Avdeevskie (20 000 av. J.-C.), Vénus de Zaraiskie (vers 20 000 av. J.-C.), et Vénus de Malte (20 000 av. J.-C.). Pour les sculptures d’ivoire russes plus tardives, voir Vénus d’Eliseevich (14 000 av. J.-C.).

Égypte ancienne (vers 5500-700 av. J.-C.)
La sculpture sur ivoire et sur dent d’hippopotame apparaît très tôt dans le développement de la sculpture égyptienne (vers 5500 av. J.-C.), notamment pendant la période de l’art néolithique Naquada I (4000-3500 av.) J.-C.) Parmi les œuvres notables, on peut citer les statuettes du roi Kheops, les sculptures en relief gravées sur des plaques d’ivoire, les objets décoratifs tels que les coffrets marquetés, les amulettes et divers ustensiles.

L’ivoire était également utilisé dans la sculpture mésopotamienne - voir Couvercle en ivoire sculpté d’une boîte à cosmétiques syrienne (1250, Louvre, Paris). Les traditions égyptiennes de sculpture en relief et d’incrustation d’ivoire ont été développées par les artistes phéniciens (voir, par exemple, Lionne dévorant un garçon, ca. 800 av. J.-C., British Museum, Londres), les artistes syriens (voir, par exemple, Le couvercle d’une boîte à cosmétiques, vers 1250 av. 1250 av. J.-C., Louvre, Paris), ainsi que les sculpteurs minoens et mycéniens de la période (vers 1700-700 av. J.-C.). Note : En Chine, à cette époque , la sculpture sur jade est le type de sculpture sur jade le plus prestigieux.

Grèce antique (v. 500-100 av. J.-C.)
La sculpture sur ivoire était une caractéristique commune de la sculpture grecque, bien que peu de pièces significatives aient survécu. Cependant, on connaît des chefs-d’œuvre tels que les sculptures à grande échelle de Chryséléphantine (en ivoire pour les parties du corps et le blanc des yeux, et en or pour les vêtements) de Phidias (vers 488-431 av. J.-C.), le plus grand sculpteur grec de l’époque. Il s’agit notamment d’une statue de Zeus assis dans un temple d’Olympie et d’une figure de la déesse grecque Athéna dans le Parthénon d’Athènes .

Rome (v. 100 av. J.-C. - 300 ap. J.-C.)
La sculpture romaine devait incarner la gloire et la grandeur de la Rome antique, et l’accent était donc mis sur les grands reliefs historiques, les statues impériales et les bustes. En conséquence, les sculpteurs romains ont peu ajouté à la tradition de la sculpture sur ivoire, si ce n’est pour produire un certain nombre de plaques personnalisées ou de panneaux montés (dans le style des diptyques). - Sorte d’anciennes cartes de visite délivrées par les consuls. (Un exemple typique est, par exemple, une plaque du diptyque du consul Areobindus, 506 ap. J.-C., Musée national du Moyen Âge, Paris).

A l’époque de l’art paléochrétien (vers 150-550), ces panneaux gravés sont adaptés par les sculpteurs chrétiens pour servir d’objets religieux.

Objets paléochrétiens (v. 300-450)
La persécution des premiers chrétiens obligeait la sculpture paléochrétienne à être petite et transportable, ce qui convenait parfaitement à l’ivoire. En outre, l’Ancien et le Nouveau Testament de la Bible ont fourni aux sculpteurs une riche source d’images iconographiques, comme en témoigne le coffret de Brescia (vers 300-400 de notre ère). À partir de là, les petites images religieuses ont dominé la sculpture sur ivoire jusqu’à la Renaissance.

Sculpture byzantine (vers 450-1100)
Après le sac de Rome (vers 450), Byzance (Constantinople), capitale de la Rome orientale, devient le centre du christianisme et de l’art chrétien . Ce monde orthodoxe oriental de l’art byzantin désapprouvait encore la sculpture religieuse à grande échelle et acceptait donc des objets sculptés plus petits. Par exemple, le chef-d’œuvre figuratif «Ariane et son cortège» (510 ap. J.-C., Musée national du Moyen Âge, Paris) et «le Diptyque» de Barberini (vers 500-550, Louvre, Paris).

Une œuvre majeure de l’art religieux de cette période, réalisée à Constantinople et transportée à Ravenne, est le Trône de Maximien, évêque de Ravenne (546-556). (Voir aussi : Art chrétien, période byzantine)) De cette période (c. 600-800), il ne subsiste pas d’œuvres importantes de sculpture byzantine, bien qu’il y ait un certain nombre de reliefs magnifiques des Xe et XIe siècles, ainsi que plusieurs triptyques remarquables. Il s’agit notamment du triptyque d’Harbaville (vers 900-1000) et du triptyque de Borradale.

Sculptures anglo-saxonnes (vers 700-900)
Si la sculpture religieuse de grande envergure est encore mal vue à Constantinople, il en va autrement en Occident. À partir de la culture du roi Charlemagne à Aix-la-Chapelle, la sculpture sur ivoire perd de sa suprématie, tandis que la sculpture monumentale gagne peu à peu en importance. Néanmoins, les petites sculptures en métal et en os restaient populaires auprès des artistes anglo-saxons qui créaient des œuvres à partir d’os de morse et de baleine importés, comme le coffre franc (vers 700-800). Cette œuvre contient un mélange extraordinaire d’images païennes, historiques et chrétiennes, avec des inscriptions en vieil anglais et en latin. Un autre chef-d’œuvre anglo-saxon, qui illustre la tendance à l’abandon des petits reliefs et autres, est un jeu d’échecs en os de morse de Lewis (vers 1175, British Museum, Londres).

Périodes carolingienne (750-900) et ottonienne (900-1050)
Les défenses de morse sont restées un élément populaire dans l’art des Carolingiens . Les sculpteurs les ont transformées en objets religieux tels que des crucifix, des reliquaires et d’autres récipients pour les saintes reliques, ainsi qu’en couvertures pour des manuscrits enluminés et des livres de prières. Ces traditions se sont maintenues et développées à l’époque de l’art ottoman .

Les plaques carolingiennes David et saint Gérôme (vers 790, Louvre, Paris) et «saint Grégoire avec ses scribes» (vers 865), les sculptures en relief ottoniennes «Otton Ier présentant une maquette de son église au Christ intronisé» (vers 965), en sont des exemples, Metropolitan Museum of Art, New York) et «Le couronnement de l’empereur Otton II et de Théophane» (vers 982, Musée national du Moyen Âge, Paris).

Art roman et gothique (1000-1400)
Les beaux-arts changent de direction pendant la période de l’art roman et l’époque suivante de l’art gothique . L’accent mis sur la décoration d’objets religieux et ecclésiastiques a été supplanté par l’accent mis sur la décoration architecturale, qui a résulté de la construction nouvelle et généralisée de cathédrales et d’églises monastiques. La sculpture sur pierre, la peinture monumentale et le vitrail occupent désormais le devant de la scène, tandis que la sculpture sur os est considérée comme un art secondaire, bien que très spécialisé.

C’est à cette époque que Paris devient le premier centre de sculpture sur os, exportant dans toute l’Europe et la Méditerranée des pièces de jeu, des petits coffrets, des diptyques, des crucifix, des plaques et d’autres objets utilitaires. (Les plaques religieuses romanes typiques sont «Voyage à Emmaüs» et «Noli Me Tangere» (1120, Metropolitan Museum of Art, New York). Dieppe (France) et Erbach (Allemagne) sont d’autres centres de gravure sur ivoire au Moyen Âge.

Le déclin en Occident (1400-aujourd’hui)
Comme on pouvait s’y attendre, les sculpteurs de la Renaissance (1400-1600) ont porté la sculpture sur os à un nouveau niveau de sophistication, bien que la demande soit restée stagnante. Cela est dû en partie à la plus grande disponibilité et au coût moins élevé du bois, qui est devenu le principal support pour la sculpture à petite échelle, en particulier au nord des Alpes, sous l’impulsion de maîtres tels que Veit Stoss (1445-1533), Tilman Riemenschneider (1460-1531) et Gregor Ehrhart (c. 1470-1540). La sculpture sur ivoire a connu une brève renaissance en Allemagne et en Flandre à l’époque de la sculpture baroque, au 17e siècle, mais elle a connu un nouveau déclin aux 18e et 19e siècles et ne s’est pas rétablie depuis, malgré la demande croissante de pièces fonctionnelles. En tant qu’artisanat technique semi-interdit, il continue à prospérer dans certaines parties du monde, bien que sa valeur esthétique soit minime.

Est

Islam
Depuis l’époque de Mahomet, si ce n’est plus tôt, l’ivoire a été le matériau de base pour les motifs abstraits élaborés privilégiés par les maîtres de l’art islamique, et a été largement utilisé au Moyen-Orient, en Afrique du Nord et dans l’Espagne islamique. La prospérité relative du monde islamique, combinée à un accès géographique plus facile à l’ivoire africain et indien, a permis aux sculpteurs de produire des pièces plus grandes, souvent décorées d’arabesques géométriques, florales et zoomorphes.

Inde
Bien que la sculpture sur ivoire soit pratiquée en Inde depuis plus de 4 000 ans, peu de sculptures illustrant cette tradition ont survécu. Toutefois, celles qui ont survécu (par exemple la figure mythologique du dieu hindou Ganesha , vers 1400, Metropolitan Museum of Art. 1400, Metropolitan Museum of Art, New York) témoignent d’une conception fantaisiste, d’un savoir-faire exquis et d’un gaspillage de matériaux précieux. Les principaux centres de sculpture en Inde étaient Murshidabad, Mysore, Orissa, Tamil Nadu, Uttar Pradesh et Rajasthan.

Chine
Bien que l’ivoire ne soit pas considéré comme aussi prestigieux que d’autres matériaux tels que le jade ou la corne de rhinocéros, les sculpteurs l’ont beaucoup travaillé en Chine, même avant l’ère de l’art de la dynastie Shang (XVIIIe-XIIe siècle av. J.-C.) - voir, par exemple, les coupes et turquesa de l’ère Shang conservées à l’Académie chinoise des sciences sociales, à Pékin.

Les éléphants ont parcouru les forêts autour du fleuve Jaune pendant des millénaires jusqu’à leur extinction sous la dynastie Song, de sorte que les artistes avaient facilement accès à un approvisionnement régulier en défenses. Sous la dynastie Han (206-220 de notre ère), les plaques d’ivoire sont devenues un élément courant de la tenue vestimentaire, et leur taille a même augmenté sous les dynasties Tang (618-907) et Song (960-1279).

Pendant la dynastie des Ming (1368-1644), l’ivoire a été utilisé pour fabriquer de petites statuettes de dieux et d’autres personnages. Voir aussi Sculpture bouddhique chinoise (vers 100-aujourd’hui). Sous la dynastie Qing (1644-1911), lorsque Pékin et Guangzhou se sont imposés comme les principaux centres de la sculpture chinoise, l’artisanat est devenu plus sophistiqué et plus répandu. Les objets sculptés comprenaient des poignées décoratives, des porte-pinceaux, des écrans de table, des boîtes à pinceaux cylindriques et un large éventail de figures délicatement sculptées, souvent colorées à l’aide de peintures et de vernis. Plus tard, les sculpteurs chinois ont fabriqué des tabatières, des sous-verres en porcelaine, des boîtes à parfum, des accessoires pour les fumeurs d’opium, ainsi que des ensembles de mahjong et de sceaux.

Collections

On peut voir des exemples de sculptures en ivoire dans certains des plus beaux musées d’art et jardins de sculptures du monde, notamment au Louvre et au Metropolitan Museum of Art de New York.

ÉVOLUTION DE LA SCULPTURE
Pour en savoir plus sur l’origine et le développement des arts plastiques, voir : HISTOIRE DE LA SCULPTURE .