Louise Nevelson:
sculpteur américain, artiste de l’assemblage Automatique traduire

La sculpteure abstraite américaine d’origine russe Louise Nevelson (née Louise Berliawsky), qui s’installa aux États-Unis en 1905, ne se passionna pour l’art à l’âge de 30 ans. Influencée par le cubisme et l’art africain, elle explora la peinture et les peintures murales avant de s’installer sur sculpture. Elle est devenue connue dans les années 1950 et 1960 pour son style unique de relief en bois art d’assemblage. Cela impliquait généralement la création de grandes structures en bois – occupant souvent tout un mur – constituées de nombreux compartiments remplis d’arrangements d’objets "trouvés", généralement des fragments de meubles, peints dans des couleurs uniformes – noir, or ou blanc. En plus d’être l’un des plus innovants Sculpteurs américains Nevelson était également peintre et graveur. Ses œuvres les plus connues sont Dawn’s Wedding Chapel II (1959, Whitney Museum, New York) et le Louise Nevelson Plaza (1979, quartier financier de New York). Elle a également réalisé des sculptures à plus petite échelle en aluminium et en lucite, comme illustré par Transparent Sculpture VI (1967-198). On peut voir d’autres œuvres de Nevelson dans meilleurs musées d’art en Amérique et dans le monde.

Biographie

Comme le grand moderniste Alexander Archipenko (1887-1964), une décennie avant elle, Louise Berliawsky est née à Kiev, tout comme Sculpture russe était sur le point de s’épanouir. En 1905, elle émigre en Amérique avec sa famille et s’installe à Rockland, dans le Maine. À 21 ans, elle épouse Charles Nevelson et s’installe à New York où, deux ans plus tard, elle a un fils. Comme beaucoup d’artistes avant elle, dont Alexander Calder (1898-1976), Nevelson formé à la Art Students League à New York entre 1929 et 1930, où elle a étudié la vie dessinant et peignant avec George Grosz (1893-1959) – le peintre expressionniste allemand connu pour ses dessins caricaturaux sauvages de la vie berlinoise dans les années 1920 – aux côtés de la baronne abstraite Hilla Rebay von Ehrenweisen (1890-1967).

Au cours de cette période, Nevelson a été initié au cubisme, au collage et au dadaïsme, ainsi qu’aux œuvres de Pablo Picasso Juan Gris et Marcel Duchamp. En 1930, elle s’installe à Munich et étudie avec Hans Hofmann (1880-1966), un important peintre expressionniste abstrait qui a inspiré les étudiants et les artistes du monde entier. En 1932, Nevelson retourna en Amérique et travailla avec Ben Shahn (1898-1969) en tant qu’assistant de Diego Rivera sur ses fresques à New York. Elle a également enseigné l’art à l’école d’art Educational Alliance à Manhattan.

Des assemblages

Entre 1932 et 1944, Nevelson commença à expérimenter avec Art plastique – en particulier des assemblages en bois abstraits. Elle a également travaillé dans l’aluminium, le magnésium et la lucite. Surréalisme, Cubisme, Africain et Art précolombien des influences très importantes sur ses œuvres qu’elle expose lors de spectacles tout au long des années 1930.

Nevelson est restée à peu près inconnue jusqu’à sa première exposition personnelle à la Nierendorf Gallery à New York en 1941. Elle a converti la galerie en un espace doté de grottes préhistoriques, d’une tombe égyptienne et d’une vitrine, évoquant ainsi une image éphémère d’un monde qui a disparu ou peut-être seulement imaginé. En 1943, l’artiste commence ses assemblages à la ferme, qui incorporent des morceaux de bois et objets trouvés, comme en témoignent des œuvres telles que: The Circus, Menagerie Animal et Ancient City (toutes de 1945, Birmingham Museum of Art, Alabama). Elle a également créé des œuvres en terre cuite, telles que Moving Static Moving Figures (c.1947, Whitney Museum, New York).

Développement du style: "Murs sculptés"

En 1947, Nevelson commença à travailler dans l’atelier de gravure de l’artiste britannique Stanley William Hayter, baptisé Atelier 17. Hayter fut associé au surréalisme jusque dans les années 1930, mais à partir de 1940 avec l’expressionnisme abstrait. Elle est également associée au début art féministe, bien que le mouvement n’ait pas encore émergé. À l’Atelier 17, Nevelson a commencé à apprendre gravure. Ses premières aquatintes (technique de gravure en taille-douce) datent toutefois de 1953 (par exemple, Flower Queen). En 1958, Nevelson a organisé une exposition personnelle à la Grand Central Moderns Gallery, à New York. Elle a créé un environnement intitulé Moon Garden Plus One et Sky Cathedral (rassemblé au Museum of Modern Art de New York). C’étaient des sculptures de la taille d’une pièce créées à partir de piles de boîtes remplies de fragments de bois sculpté et d’objets trouvés, tels que des pattes de meubles, des moulures, des dossiers de chaises et des bibelots. Ce fut l’une de ses premières œuvres à grande échelle. En rassemblant les objets dans un assemblage complexe, puis en le peignant en noir pour masquer l’identité de l’objet d’origine, cela a eu pour effet de l’unifier formellement. La sculpture a été placée contre un mur et est devenue connue sous le nom de « murs sculptés». Un autre exemple est son image miroir 1 (1969, Musée des Beaux-Arts, Houston). Cette juxtaposition d’objets englobait des éléments de peinture d’action, de cubisme et de peinture par champs de couleurs. (Notez également les assemblages innovants créés par l’artiste français Arman [1928-2005] à Paris et à New York au début des années 1960.) Ces assemblages tout en noir ont été remplacés par des assemblages tout en blanc tels que Dawn’s Wedding Chapel (1959, Whitney Museum, New York). Elle a également expérimenté une œuvre entièrement d’or dans Un hommage américain au peuple britannique (1960-1965, Tate, Londres). C’est vers la fin des années 1950 que Nevelson a été reconnu comme l’un des plus créatifs. sculpteurs du XXe siècle en Amérique.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer des sculpteurs américains contemporains tels que Louise Nevelson, voir: Comment apprécier la sculpture moderne. Pour les travaux antérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture.

Prix ​​et reconnaissance

Au fur et à mesure de sa carrière, Nevelson remporta le grand prix de l’art au New York Coliseum Exhibition. En 1959, la galerie Martha Jackson lui offre une exposition personnelle. En 1960, elle reçut le Logan Award pour le travail présenté à la 63ème exposition américaine et deux ans plus tard, elle fut incluse à la Biennale de Venise. En 1962, Nevelson devint président de la National Artist’s Equity et premier vice-président de la Fédération des peintres et sculpteurs modernes. L’année suivante, elle est nommée présidente de la National Artist’s Equity. En 1963, en tant que l’un des principaux sculpteurs abstraits En Amérique, elle a participé au Conseil national des arts et du gouvernement à Washington DC. Elle a reçu un diplôme honorifique du Western College for Women, à Oxford, en Ohio. Elle a remporté la médaille d’or en sculpture de l’Académie américaine des arts et des lettres en 1983, la médaille nationale des arts en 1985 et le prix Great Artist Series du musée Guggenheim en 1986.

Style mature

Dans les années 1960, Nevelson expérimenta le perspex clair (par exemple, Transparent Sculpture II, 1967, Whitney Museum). Elle a également commencé à utiliser de l’acier pour fabriquer des structures plus légères et partiellement transparentes. Ses œuvres sont devenues plus géométriques et en 1969, elle a reçu sa première commande en plein air de l’Université de Princeton. D’autres commissions ont suivi, notamment Transparent Horizon (1971) pour le MIT à Cambridge, Massachusetts. Au début des années 1970, Nevelson a commencé à fabriquer des structures en acier suggérant des jardins botaniques, tels que Seventh Decade Garden (Galerie Beyeler, Bâle). L’une de ses œuvres les plus importantes de cette époque est le Louise Nevelson Plaza, achevé en 1979, un environnement extérieur de sept sculptures dans le quartier financier de New York. Elle a également complété divers exemples de installation d’art à Chicago, New York et Philadelphie.

Louise Nevelson est décédée à New York en 1988.

Les meilleurs exemples de Nevelson Art américain peut être trouvé dans le Musée d’Art Moderne (MoMA) et le Whitney Museum. Ses travaux ont été liés au cubisme, au dada, au surréalisme, à l’expressionnisme abstrait, au minimalisme, à l’installation d’art et au féminisme.