Sculpture médiévale: histoire, caractéristiques Automatique traduire
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Comment apprécier la sculpture
"Médiéval" et "Moyen Âge" sont des termes assez imprécis qui font référence à la période de l’histoire européenne allant de la chute de l’empire romain en Occident (vers 400 de notre ère) jusqu’à la chute de Constantinople (1453). Cet article sur médiévale sculpture couvre en gros les 600 premières années de cette époque, y compris le travail des sculpteurs de la dernière période de l’Antiquité tardive jusqu’à l’émergence du style européen connu sous le nom de Art roman (1000-1200). Voir aussi notre article sur Art chrétien médiéval (600-1200) ainsi que nos biographies d’exceptionnelles artistes médiévaux tel que Gislebertus (12e siècle), Maître Mateo (12ème siècle) et le Maître de Cabestany (c.1130-1180).
Sculpture romaine
Lien entre le christianisme et l’héritage classique, la civilisation de l’Antiquité tardive occupait une place à la fois entre le dernier Empire romain et le Moyen Âge. Cette période a commencé avec les longs règnes de Dioclétien (284-305) et de Constantin (307-337) et a duré deux ou trois siècles, sa durée variant d’une région à l’autre. Après que Dioclétien eut mis en place un gouvernement tétrarchique avec deux "Augusti" et deux "Césars", le système devint une diarchie en 313, puis en 324, Constantin, le conquérant de Licinius, unissait l’Empire au christianisme. Cette liberté religieuse s’exprima bientôt de manière monumentale. Art chrétien avec la construction des plus anciennes basiliques chrétiennes et l’introduction des premiers décors monumentaux. Dans les villes, les élites municipales et les grands propriétaires, souvent propriétaires de maisons de campagne, ont décoré leurs maisons somptueusement. L’architecture publique s’est efforcée de dépasser les modèles du passé. La basilique Nova de Rome fut commencée par Maxence en 308 et achevée par Constantine. Ses trois bas-côtés monumentaux se dressaient au sommet d’une large plate-forme et étaient couronnés par une vaste abside occidentale contenant une statue colossale de l’empereur.
Une manifestation de la pompe de la ville, l’arc de triomphe de Constantine construit par le Sénat et le peuple de Rome en 315 se trouve près de la colline du Palatin. Le monument comprend trois ouvertures avec des colonnes indépendantes à l’extérieur et un groupe de sculptures, y compris des éléments réutilisés de monuments célèbres précédents, comme pour affirmer l’héritage impérial. La frise historique, dans une position remarquable à mi-hauteur, illustre à la fois l’idéologie impériale et le style de la période constantinienne. Outre les représentations de discours aux citoyens et la répartition des subventions, un rituel de cour hiératique dans lequel l’empereur occupe une position strictement frontale est particulièrement remarquable. Cette disposition, soulignée par les figures élogieuses montrées de profil, a été adoptée par les consuls aux diptyques d’ivoire, par les propriétaires de villas sur des mosaïques et même pour la représentation du Christ parmi les apôtres dans les semidomes des absides des églises.
Un style commun à la sculpture et aux arts de la couleur apparaît au cours de la première moitié du quatrième siècle. C’est pourquoi le rendu extrêmement linéaire et graphique des figures de la frise de l’arc de Constantin et des sarcophages contemporains est proche de celui des figures des mosaïques de la Piazza Armerina en Sicile, de Santa Costanza à Rome, d’Aquilée en Italie du Nord et de Centcelles près de Tarragone en Catalogne. Les éléments de base du portrait, avec les yeux grands ouverts et les cheveux courts accentuant la rondeur de la tête, sont déjà observables dans des œuvres produites sous la Tétrarchie, dont le plus célèbre est le groupe de porphyre des quatre souverains, réutilisé au Moyen Âge. sur la façade latérale de la basilique Saint-Marc à Venise.
Sculpture paléochrétienne
Au cours de la période impériale romaine, la christianisation de la société a progressivement augmenté, mais nous devons attendre la fin de l’Antiquité, en particulier du quatrième siècle, pour voir l’expression publique du sculpture paléochrétienne – du moins à Rome. Les premières images chrétiennes sont apparues dans les catacombes romaines, ces cimetières souterrains aux noms évocateurs (Calixte, Priscille, Pierre et Marcellinus), situés hors de la cité des vivants. étaient l’équivalent romain des nécropoles de surface situées près des entrées des villes de l’Empire. Nous connaissons ces images chrétiennes primitives, ainsi que les goûts et la culture des élites urbaines, à partir de la décoration sculptée des sarcophages qui ont été placés dans des mausolées ou des enclos privés dans des cimetières. (Voir également: Art Romain Chrétien .)
Quand ils ont été sculptés dans du marbre ou du porphyre, les sarcophages ont été décorés avec un décor sculpté comparable à la frise des grands monuments publics. Ces objets caractéristiques de l’Antiquité tardive étaient parfois "produits en série" et pouvaient être achetés en tant que produits standardisés par quiconque souhaitait perpétuer sa mémoire de son vivant ou celui d’un proche qui venait de mourir, comme le prouve une inscription à Arles: " Marcia Romania Celsa, une dame très illustre qui a vécu 38 ans, 2 mois et onze jours, est un homme très illustre, ancien consul ordinaire, placé (cet épitaphe) à sa femme méritoire. " Il était également possible de décorer les sarcophages pour répondre aux besoins individuels. Dans le deuxième quart du IVe siècle, Flavius Januarius ordonna que son épouse décédée soit décrite comme la figure en prière située au centre de la face principale du sarcophage, entre deux apôtres et des scènes de l’Évangile.
Le sarcophage sculpture en relief comprend plusieurs types différents: avec des cannelures en spirale, avec une frise continue, sur deux registres, avec des colonnettes, etc. Imaginativement, les grandes scènes bucoliques et pastorales ont été bientôt suivies par des scènes de l’Ancien Testament (Jonas, Daniel) en opposition typologique Nouveau Testament tel que la vie publique du Christ et les premiers événements de sa passion. La mort du Christ n’est jamais représentée; d’autre part, l’accent est mis sur sa résurrection, sa victoire sur la mort et la promesse de son retour à la fin des temps.
Parmi les exemples les plus significatifs, citons les sarcophages porphyriques d’Hélène et de Constantin (Musée du Vatican) qui, entre 320 et 340, présentent des thèmes propres à l’iconographie impériale ou à la décoration des villas les plus riches, comme le sarcophage orné de scènes de chasse découvert dans la nécropole de la Trinquetaille à Arles en 1974. De la même provenance, un sarcophage avec deux registres représentant un couple illustre ressemble beaucoup au sarcophage Dogmatique (musée du Vatican). Outre les épisodes de l’Ancien Testament (Adam et Ève), il présente des scènes du Nouveau Testament, allant de l’Épiphanie aux miracles du Christ. Ces véhicules de propagande privée nous parlent de la conversion très précoce de certaines élites et de leurs goûts, car le sarcophage Bélier a été acheté à Rome à grands frais. Le sarcophage de Junius Bassus illustre particulièrement bien la qualité monumentale de ces œuvres et la concentration de la pensée chrétienne qu’elles véhiculent.
Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer la sculpture religieuse médiévale, voir: Comment apprécier la sculpture . Pour les travaux ultérieurs, s’il vous plaît voir: Comment apprécier la sculpture moderne .
Sculpture Barbare & Métal
À partir du début du Ve siècle, l’arrivée à l’Ouest de différents peuples germaniques et leur installation sur les territoires de l’ancien empire romain entraînent l’introduction d’une culture originale à composantes romaine et germanique. La première incursion a eu lieu en 401, lorsque les Wisigoths menés par Alaric ont envahi l’Italie. Après leur arrivée aux portes de Rome, ce peuple dirigé par Athaulf se retira en 412 sud de la Gaule. Un peu plus tôt, à la fin de 406, les Vandales, Alani et Suevi franchirent le Rhin à Mayence ou à Worms et prirent la route. dans la péninsule ibérique. L’histoire des mouvements de ces peuples, de leurs conquêtes et de leur sédentarisation progressive a couvert tout le Ve siècle. Leur installation finale dans des régions spécifiques constitua la première adossement de la géographie historique médiévale. Les Francs en Gaule, les Wisigoths dans la péninsule ibérique et les Ostrogoth en Italie ont produit des œuvres d’art originales limitées presque exclusivement à ferronnerie et orfèvrerie. D’un point de vue architectural, ils ont apprécié ce qu’ils ont trouvé dans les pays romanisés. C’est pourquoi, si les nécropoles donnent des meubles funéraires d’origine germanique, les villas mises au jour par les archéologues révèlent art de la mosaïque dans la plus pure tradition romaine, dont certaines datent même du 7ème siècle. La symbiose entre ces différentes cultures artistiques a jeté les bases de la nouvelle civilisation médiévale.
Les travaux de l’orfèvre de la période des invasions barbares étaient nombreux. Ils consistaient en objets liturgiques, vaisselle, armes et ornements personnels. Les œuvres de St Eligius, orfèvre de la cour mérovingienne et fabricant d’objets liturgiques, telles que la Croix de Saint-Denis, sont bien connues. Mais le orfèvrerie de cette période est principalement étudiée à l’aide de découvertes funéraires. Le trésor de Sutton Hoo est le plus célèbre des sépultures royales ou princières du début de la période anglo-saxonne découvertes en Angleterre. Son contenu, maintenant dans la Musée anglais ont été exhumés de l’intérieur d’un navire enterré en 1939. Parmi les objets composant ce trésor figuraient des importations en provenance de la Méditerranée orientale (plats en argent et en bronze), de Suède (bouclier), de Gaule Mérovingienne (pièces de monnaie) et de Rhénanie (armure). La date d’inhumation est déterminée par des objets byzantins en argent sur lesquels les timbres d’inspection de l’empereur Anastase ont été identifiés.
Les artefacts anglo-saxons du trésor de l’enterrement du navire Sutton Hoo sont principalement constitués d’armes, de bijoux et d’objets d’usage quotidien. L’or est abondant et le émaillage – la plupart cloisonné – est distribué dans de petites cellules de couleurs différentes qui articulent la surface. Mais tout en mettant l’accent sur la technique, il ne faut pas négliger le répertoire décoratif qui apparaît sur les produits contemporains. Les formes géométriques et les décorations figuratives sont intimement liées dans un enchevêtrement de courbes qui décrivent souvent des entrelacs continus. Ces motifs se sont ensuite répandus en Europe occidentale grâce à la circulation d’artefacts et de manuscrits.
Dans la Gaule mérovingienne, ces œuvres d’orfèvre ont été retrouvées dans les tombeaux des personnes les plus riches. Certains d’entre eux préféraient encore être enterrés dans des sarcophages dans la tradition classique. Parfois, il s’agissait de produits locaux, taillés dans la pierre du pays, d’autres importés par les grandes rivières (Seine, Loire). Souvent de forme trapézoïdale, ces sarcophages, devenus inutilisables au VIIIe siècle, étaient ornés de croix ou de motifs géométriques. Les sarcophages en plâtre trouvés en grande quantité dans la région parisienne constituaient un groupe particulier et leur zone de diffusion s’étendait de Rouen à l’Yonne et du Loiret à la Marne. Dans le sud de la France, la production de sarcophages en marbre a été prolongée jusqu’au 5ème siècle, voire plus tard, tandis qu’en Aquitaine, un groupe de sarcophages avec couvertures de selle et une décoration complète de rinceaux de feuillages ont continué à être produits jusqu’à la fin de l’année. la période mérovingienne. Ces objets prestigieux ont voyagé mais leur taille a probablement été exécutée dans les ateliers urbains d’Aquitaine dans le cadre de l’exploitation de carrières. Ils ont répondu aux exigences des grands propriétaires terriens du sud-ouest de la Gaule pour lesquels la chasse était encore une activité favorite, comme le montre le sacrophage du musée des Augustins à Toulouse.
Parmi les tombeaux privilégiés se trouve la chapelle funéraire découverte au sud-est de la ville de Poitiers en 1878, dont la décuration sculptée est particulièrement importante. Cet hypogée, connu sous le nom d’Hypogée des Dunes, consistait en une "chambre mémoriale" dotée d’installations cultuelles et se trouvait dans une nécropole. Le monument, qui peut être daté de la fin du VIIe ou du premier tiers du VIIIe siècle, était une sorte de caveau familial renfermant plusieurs tombes; une longue inscription sur le montant de la porte de droite indique: "Ici, Mellebaudis, débiteur et serviteur du Christ, je me suis construit cette petite caverne dans laquelle repose mon indigne tombeau. Je l’ai fait au nom du Seigneur Jésus-Christ que j’ai aimé, en qui j’ai cru… "
L’accès à la voûte se fait par un escalier d’une dizaine de marches. Le monument consiste en une salle agrandie par deux arcosolias latéraux. Outre les colonnettes et les chapiteaux qui encadrent l’entrée, la sculpture architecturale s’étend sur trois marches de l’escalier, les deux montants de la porte et la marche qui soulève la plate-forme de l’autel. Cette décoration en relief très peu profond consiste en un feuillage décoratif, du poisson et une tresse à quatre torons avec des têtes de serpents aux extrémités. Le monument conserve également des éléments de mobilier sculpté qui prouvent l’existence d’ateliers bien organisés. Des figures ailées ornent les dalles réutilisées pour fermer les sarcophages debout près de l’autel. L’un d’eux porte les symboles des évangélistes Matthieu et Jean et des archanges Raphaël et Rachel. Près de l’autel se trouvait le socle sculpté d’un pilier orné de deux personnages cloués à des croix qui pouvaient être interprétés comme les deux voleurs encadrant la crucifixion du Christ, aujourd’hui disparue. Un autre fragment sculpté représente la partie inférieure d’un stylite identifié comme Siméon par une inscription.
Stylistiquement, ces sculptures ressemblent à des œuvres et monuments wisigothiques du 7ème siècle dans le nord de l’Italie. Sociologiquement, l’hypogée des dunes de Poitiers illustre le phénomène de "l’aristocratisation" d’une partie de la nécropole: une tombe ecclésiastique privilégiée qui aurait pu être une chapelle à l’origine et, en tout cas, à usage privé. En effet, un fragment du linteau porte l’inscription suivante: "La mémoire de Mellebaudis (memoria), abbé, débiteur du Christ, est ici. Les dévots viennent de tous les côtés (en Christ) pour les offrandes, et ils reviennent chaque année.. " La décoration sculptée de l’hypogée de Poitiers, à l’instar des inscriptions et des vestiges de la peinture, montre que les élites mérovingiennes possédaient une culture hybride alliant la culture classique aux éléments orientaux et l’art des entrelacs qui définit clairement les innovations plastiques de le début du moyen âge à l’ouest.
Art carolingien: ivoire et orfèvrerie
La renaissance culturelle carolingienne ne s’est pas produite soudainement, ni avec l’accession au pouvoir de Charlemagne, ni avec son couronnement par le pape en l’an 800. Elle avait été préparée à partir de la fin du VIIe siècle en Italie, en Gaule et dans les îles Britanniques. À partir de cette période, le renouveau monastique de l’Occident était en cours. Corbie, Laon, Tours, Fleury-sur-Loire et Saint-Denis étaient des centres culturels bien avant la renaissance carolingienne, réputés pour leurs scriptoria et leurs bibliothèques, de même que les abbayes germaniques d’Echternach, Saint-Gall et Fulda. (Voir: Art médiéval allemand Vers 800-1250.) Les règnes de Charlemagne et de son fils Louis le Pieux (de 768 à 855) voient la construction de centaines de monastères, de près de trente nouvelles cathédrales et de près de cent résidences royales. Voir Art carolingien (c.750-900).
Le désir de rivaliser avec le prestige de Rome et Byzance était à l’origine de la décision de Charlemagne de choisir une résidence permanente dans laquelle installer sa cour, son trésor et sa bibliothèque. Le palais de Charlemagne à Aix-la-Chapelle et la chapelle palatine construite sur le modèle de Ravennate à la fin du VIIIe et au début du IXe siècle ont constitué un centre de art religieux et pour l’étude des lettres qui ont accueilli des maîtres célèbres tels que Alcuin. Les ateliers de la cour ont produit manuscrits enluminés qui étaient l’un des moyens les plus efficaces de préserver la culture antique et de diffuser les goûts artistiques contemporains. Parmi les premiers livres illuminés à la cour avant la fin du VIIIe siècle, il y avait le livre de l’Évangile de Godescalc, qui révèle l’importance croissante des modèles italiens et byzantins. Les manuscrits de l’école Ada, du nom d’une abbesse supposée être la soeur naturelle de Charlemagne, marquèrent un moment de diversification dans les écoles palatines correspondant à la succession d’Alcuin par Eginhard.
Parmi les nouvelles tendances artistiques de Louis le Pieux, les évangiles du couronnement (ancien trésor impérial, Vienne) introduisirent un style hellénistique ou alexandrin. À Reims, sous l’archevêque Ebbo, les manuscrits ont été illustrés dans un style dominé par un mouvement qui semble secouer les personnages et leurs vêtements. Le psautier d’Utrecht, écrit et illustré à l’abbaye de Hautvilliers à la fin du premier tiers du IXe siècle, caractérise particulièrement cette renaissance carolingienne et l’école de Reims par sa plume rapide, incisive, vibrante et nerveuse. Après la mort de Charlemagne et la chute d’Ebbo à Reims, plusieurs artistes ont ravivé l’école de Saint-Martin de Tours caractérisée sous l’abbé Vivian (843-851) par l’illustration de Bibles avec des scènes narratives disposées dans des registres superposés.
La production de manuscrits a créé dans les différents ateliers spécialisés une demande de travail des orfèvres et artisans spécialisés dans sculpture sur ivoire , principalement pour orner des reliures précieuses. Ceci explique la relation stylistique étroite entre les manuscrits illustrés et les sculptures en ivoire. Il a même été suggéré que les ateliers étaient équipés pour produire les deux genres. Ainsi, les ivoires de l’école Ada ressemblent beaucoup à des manuscrits du même cercle. Les couvertures de Lorsch Gospel exécutées à la fin du VIIIe siècle s’inspirent des modèles byzantins de la période de Justinien, alors que les couvertures du psautier de Dagulfs trouvent leur source dans les œuvres du premier christian occidental. Cette richesse de sources prouve également le rôle joué par ces ateliers dans la transmission de modèles de l’Antiquité tardive. À Metz, sous l’épiscopat de Drogo (825-855), des panneaux d’ivoire (Drago Sacramentary) reflétaient le mouvement animant les manuscrits de la même école, dans lequel on pouvait voir des contrastes avec l’école de Reims.
Sous Charles le Chauve, les ateliers de Corbie, Reims et Saint-Denis étaient particulièrement actifs et avaient une affinité stylistique plus grande avec les manuscrits de Reims. La couverture du Psautier de Charles le Chauve (Bibliothèque Nationale, Paris) rappelle particulièrement l’interprétation faite par les sculpteurs sur ivoire des illustrations manuscrites. Dans ce cas, le modèle est le psautier d’Utrecht. La Crucifixion de Munich, avec sa représentation de la Résurrection sous les personnifications du soleil et de la lune, et ses références antiques à Oceanus et à Rome, pourrait bien être le chef-d’œuvre de cette période. Cette couverture en ivoire est luxueusement encadrée par un écrin d’orfèvrerie, de pierres précieuses et d’émaux qui nous invite à nouveau à spéculer sur la collaboration entre les sculpteurs sur ivoire et les orfèvres dans ces ateliers exceptionnels. (Pour plus, voir aussi: Art celtique Metalwork .)
Le développement du culte des reliques et l’agrandissement des principales églises sont à l’origine de la production luxueuse des œuvres d’orfèvre de la période carolingienne: urnes, divers types de statue , reliquaires de toutes sortes, couvertures de livres et autres objets à usage liturgique constituaient la partie essentielle d’une production destinée à jouer un rôle important dans le développement de la sculpture monumentale. Nous en trouvons un bon exemple dans le reliquaire appelé l’Arc de Triomphe d’Eginhard, connu uniquement par un dessin. Il a sans aucun doute servi de pied de croix et sa riche décoration trouve son inspiration dans les programmes de triomphe romains et paléochrétiens, tout en annonçant la monumentale exposition iconographique des grands portails d’églises romanes.
Le travail de l’or carolingien a bénéficié des progrès réalisés à l’époque mérovingienne et a combiné l’ancienne pratique du cloisonné à celle de la chasse et des incrustations. Parmi les œuvres les plus célèbres, citons la reliure du Codex Aureus de Munich, avec une décoration divisée en cinq champs, et le ciborium du roi Arnulf. La taille, le prestige et l’influence exercée sur la sculpture se distinguent également par la façade d’autel en or et en argent de Milan, confiée à l’orfèvre Volvinius sous l’épiscopat d’Angilbert II. Il a des scènes christologiques sur le devant, tandis que le dos est réservé à la vie d’Ambroise, le saint milanais. Les différences de style observables entre les deux parties correspondent parfaitement à la situation de l’art carolingien déchiré entre une antiquité éblouissante et une nouvelle esthétique. le sculpture en bronze ou statuette "Charlemagne" ( Louvre, Paris ) suggère clairement cette double dimension affirmant l’idée impériale. C’est le reflet de l’activité des ateliers des fondeurs de bronze qui ont laissé d’autres œuvres célèbres dans la chapelle d’Aix-la-Chapelle. tels que les grilles des galeries et les portes. Voir également: Art Ottonien (c.900-1050).
Pour une autre école influente mais plus tardive de art médiéval en Europe occidentale, fortement influencée par la culture carolingienne, voir Art Mosan qui a émergé autour de Liège, illustrée par le travail du métal et l’orfèvrerie de Nicolas de Verdun (1156-1232) et Godefroid de Claire (1100-1173).
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