Sculpteurs Renaissance Automatique traduire

Le mécénat de l’art de la Renaissance en Italie provenait principalement de familles telles que les Médicis à Florence, les Visconti et les Sforza à Milan, les Gonzague à Mantoue, les Bentivoglio à Bologne, les Montefeltro à Urbino, les Malatesta à Rimini, les Este à Ferrare et à Modène. À Rome, le mécénat de la peinture et de la sculpture était souvent une priorité papale, comme à l’époque des papes Sixte IV et Jules II. Comme la peinture, la sculpture de la Renaissance italienne a été fortement influencée par la reprise de sujets et de formes classiques. L’Italie médiévale n’a jamais oublié ni la sculpture grecque, ni la sculpture étrusque et romaine, dans la période 800-1400, mais cette inspiration classique a été sérieusement ébranlée par l’influence germanique, lombarde et franque. Un retour aux formes antiques peut être considéré comme amorcé à l’époque du sculpteur apulien Niccola Pisano (vers 1206-1278), et bien qu’un certain nombre de traditions gothiques aient survécu, elles ont généralement pris une forme de plus en plus «classique».

Sculpture italienne de la première Renaissance (vers 1400-1490)

La sculpture italienne de la Renaissance a été fortement influencée par le renouveau des sujets et des formes classiques. L’Italie médiévale n’a jamais oublié ni la sculpture grecque, ni la sculpture étrusque et romaine, dans la période 800-1400, mais cette inspiration classique a été sérieusement ébranlée par l’influence germanique, lombarde et franque. Un retour aux formes antiques peut être considéré comme amorcé à l’époque du sculpteur apulien Niccola Pisano (vers 1206-1278), et bien qu’un certain nombre de traditions gothiques aient survécu, elles ont généralement pris une forme de plus en plus «classique».

Un autre trait caractéristique de la sculpture du début de la Renaissance est son naturalisme. Cela se traduit par l’augmentation du nombre de sujets contemporains et par le passage d’un traitement traditionnel à un traitement plus naturaliste et réaliste des proportions, de la structure anatomique, du drapé et de la perspective.

Demande et sujets religieux

La demande de sculptures au cours du Quatrocento (XVe siècle) et du Cinquecento (XVIe siècle) était principalement religieuse. L’extérieur des églises était décoré de sculptures, non seulement autour des portails, mais souvent toute la façade extérieure était couverte de statues et de reliefs. L’intérieur des églises était rempli de retables, de baldaquins, de chaires, de chœurs, de fonts baptismaux et de tabernacles, ainsi que de statues individuelles de saints et d’anges. Les portes étaient souvent en bronze et décorées de reliefs, et les chœurs étaient ornés de sculptures figuratives. Les murs intérieurs des églises de la Renaissance étaient décorés de tombes funéraires et de sarcophages dédiés à des archevêques, des évêques, des généraux, des hommes politiques et des aristocrates.

Des décorations sculpturales sous forme de statues et de reliefs ont également été créées pour les palais et les demeures séculaires, et les places publiques et les jardins ont été ornés de statues, de fontaines et de vases, souvent créés par les sculpteurs les plus éminents de la Renaissance.

Les sujets des sculptures d’église de la première Renaissance étaient tirés de l’Ancien ou du Nouveau Testament de la Bible, le sujet le plus populaire étant la Vierge à l’enfant. À la Haute Renaissance, elle apparaît souvent entourée de saints. Les récits de la vie du Christ, de la Vierge, de saint François et d’autres saints étaient aussi courants dans la sculpture que dans la peinture. Au fur et à mesure que la Renaissance progressait, certaines légendes ecclésiastiques, ainsi que de nombreuses sculptures civiques laïques, ont commencé à être placées dans des contextes classiques. Conformément aux valeurs classiques, la nudité est fréquente. Pour un bref aperçu de la forme humaine dans la peinture et la sculpture de la Renaissance, voir Les nus féminins dans l’histoire de l’art (Top 20), et voir aussi Les nus masculins dans l’histoire de l’art (Top 10).

Matériaux et méthodes

La sculpture de la Renaissance accorde moins d’importance à l’utilisation des métaux précieux tels que l’or et l’argent que la sculpture gothique . Cependant, le bronze est devenu le matériau préféré des sculpteurs de la Renaissance - non seulement en raison de sa malléabilité et de sa durabilité, mais aussi de son éclat lorsqu’il est doré - et a été utilisé d’abord pour les reliefs, puis pour les statues, les portraits-bustes et les petits objets. Néanmoins, la fonte du bronze est restée problématique pendant un certain temps, et les premiers bronzes n’étaient pas très polis. Les sculpteurs de la Haute Renaissance surmonteront ces difficultés au XVIe siècle.

La demande croissante de détails décoratifs complexes dans les sculptures en pierre a entraîné une augmentation significative de l’utilisation du marbre, ainsi que de la pierre à chaux telle que la pietra d’Istria et du grès fin tel que la pietra serena. Pour les sculptures monumentales, le marbre blanc de Carrare, dont la couleur était souvent adoucie à la cire, était très prisé. Les sculptures en marbre fortement coloré sont rares. Cependant, les détails fins tels que les ailes des anges, les cheveux et les ornements vestimentaires étaient généralement dorés.

La gamme des sculptures a été considérablement élargie par l’introduction plus large de la terre cuite, qui était un substitut beaucoup moins cher du marbre et qui, étant glacée et cuite, était tout aussi durable. La terre cuite fut bientôt utilisée pour les barrières d’autel, les chaires et les fonts baptismaux, tout comme les moulures de plus en plus bon marché faites de poussière de marbre et de sable. La sculpture sur bois n’était pas rare non plus, mais seulement dans les régions forestières - d’où la prédominance des sculpteurs sur bois d’Allemagne du Sud.

En ce qui concerne la technique pratique, comme l’utilisation d’outils et d’instruments, les sculpteurs de la Renaissance suivent généralement les méthodes des sculpteurs classiques, bien qu’ils accordent une importance beaucoup plus grande aux médias picturaux et graphiques. Conformément à la philosophie des beaux-arts de la Renaissance, «le disegno» était considéré comme primordial, de sorte que les esquisses sur papier constituaient une partie importante du processus de création de la sculpture. En effet, les esquisses préliminaires impliquant des modèles en argile, en cire ou en bois étaient parfois affinées jusqu’à ce que l’exécution réelle de l’œuvre (en bronze ou en marbre) puisse être réalisée par un artisan ou un compagnon qualifié.

Pour apprendre à évaluer les sculpteurs de la Première et de la Haute Renaissance, voir : Comment évaluer la sculpture . Pour les œuvres postérieures, voir : Comment évaluer la sculpture moderne .

L’école florentine de sculpture de la première Renaissance

Les sculpteurs travaillant à la cathédrale de Florence à la fin du XIVe siècle, en particulier Piero di Giovanni Tedesco, créaient déjà des sculptures naturalistes et combinaient des thèmes classiques et chrétiens. Les principaux sculpteurs de la première Renaissance à Florence sont Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466) et Nanni di Banco (mort en 1421).

À bien des égards, l’œuvre de Donatello est celle qui reflète le mieux l’évolution de l’esprit du temps. Dès 1425, un style nettement gothique se dessine dans sa sculpture. Ses statues pour la cathédrale de Florence, pour le Campanile et pour Orsan Michele sont relativement inélégantes et lourdement drapées : les prophètes et les évangélistes (à l’exception de saint Georges) ne sont guère plus que des portraits de ses propres contemporains.

Entre 1425 et 1444, Donatello réalise ses plus belles sculptures tout en acquérant une renommée nationale. Dans la sculpture en relief, Donatello démontre la perspective en utilisant des plans plats en retrait, notamment dans les fonts baptismaux de Sienne. Son réalisme antérieur est remplacé par un classicisme raffiné - comme dans la statue en bronze de David - ainsi que par un sens dramatique marqué. Voir : David de Donatello .

Michelozzo Michelozzi (1391-1473) est alors étroitement associé à Donatello. La troisième et dernière période, qui s’étend de 1444 à sa mort en 1466, voit le plein développement de ce sens du drame, le plus souvent au prix de compositions exagérées et déséquilibrées. Parmi les autres disciples de Donatello, citons Bernardo Ciuffagni (1385-1456), créateur du Saint Matthieu assis de la cathédrale de Florence, et Agostino di Duccio (1418-1481), créateur des statues-colonnes maniérées de la façade de San Bernardino à Pérouse et des sculptures en relief de San Francesco à Rimini. Comme son oncle Luca della Robbia (1400-1482), Andrea della Robbia (1437-1528) est un remarquable représentant de la sculpture en terre cuite, connu pour son Bambino Tondi.

Dans la seconde moitié du XVe siècle, la demande d’œuvres monumentales en marbre et en bronze augmente considérablement. Des autels sculptés, des chaires, des tombeaux et des statues apparaissent dans les églises, et les palais séculiers sont décorés de portes sculptées, de frises, de reliefs et de bustes-portraits . Parmi les sculpteurs de marbre les plus talentueux de l’époque, citons Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501), et Benedetto da Maggiano (1442-1497). Les meilleurs sculpteurs en bronze sont Antonio Pollaiuolo (1432-1498) et Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Si la Renaissance florentine reste le moteur de la sculpture au XVe siècle, d’autres centres tels que Sienne, Milan, Venise et Padoue émergent rapidement, chacun produisant des sculpteurs de talent au statut et à l’influence indépendants.

L’école siennoise de sculpture du début de la Renaissance

En raison des différences de traditions artistiques, la sculpture gothique a duré plus longtemps à Sienne qu’à Florence. Le sculpteur le plus important de Sienne, Jacopo della Quercia (1371-1438), évolue dans la même direction que Donatello. Ses premières œuvres, illustrées par la Fonte Gaia (1409-1419), ont un caractère fortement gothique. Vient ensuite une période plus classique et enfin une période plus dramatique. Le gothique primitif de Quercia se reflète dans les œuvres de Lorenzo Vecchietta (1410-1480), et la manière classique s’exprime dans les œuvres d’Antonio Federighi (c. 1420-1490). Parmi les autres sculpteurs siennois célèbres, citons le maître du bronze Giacomo Cozzarelli (1453-1515) et Lorenzo di Mariano (mort en 1534).

L’école milanaise de sculpture de la première Renaissance

En Lombardie, comme à Sienne, la tradition gothique était plus solidement établie qu’à Florence. Le besoin de bijoux plus élaborés se faisait sentir. Parmi les sculpteurs milanais les plus importants, citons Cristoforo Mantegazza (mort en 1482), Antonio Mantegazza (mort en 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), joaillier virtuose et sculpteur de reliefs en terre cuite Caradosso (1445-1527), Agostino Busti (1480-1548) et Cristoforo Solari, surnommé «Il Gobbo» (le bossu) (activité 1489-1520).

L’école vénitienne de sculpture de la première Renaissance

Alors que les artistes milanais cherchent à gagner leur vie à Gênes, Bergame, Brescia et dans d’autres villes du nord de l’Italie, les sculpteurs vénitiens dominent l’est du pays. Leur influence s’étendait à l’Istrie et à la Dalmatie d’une part, à Vérone et à Brescia d’autre part, ainsi qu’à Ravenne, Cesena, Faenza et Ancône. Venise représentait un goût pour les riches travaux décoratifs, nettement moins banal que celui de Milan, et plus sentimental que celui de Florence. En fait, l’art de la Renaissance à Venise faisait appel aux émotions agréables, tandis que Milan et Florence faisaient appel à l’intellect. Parmi les sculpteurs vénitiens notables, on peut citer Bartolommeo Buon, Pietro Lombardo (1435-1515), et Alessandro Leopardi (mort en 1522).

Autres sculpteurs célèbres du début de la Renaissance

Il s’agit notamment de : Niccolò da Bari, dit Niccolò degli Arca (1414-1494) de Bologne ; Guido Mazzoni (1450-1518) de Modène, qui, comme la famille des sculpteurs della Robbia, préférait la terre cuite à la pierre ou au bronze ; les sculpteurs antérieurs Andrea Ciccione et Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) de Naples ; le Dalmate Francesco da Laurana, et Domenico Gagini et son fils, Antonio Gagini (1478-1536) de Sicile. Quant à la sculpture romaine, il faudra attendre la Renaissance tardive à Rome .

La sculpture de la première Renaissance italienne est bien représentée dans les églises et les édifices publics de Florence, Milan, Venise, Padoue et Rome, ainsi que dans des musées tels que le Louvre (Paris), le Musée national (Florence) et le Metropolitan Museum of Art de New York.

La sculpture italienne de la Haute Renaissance et au-delà (c. 1490-1530)

Au cours de la période de la Haute Renaissance en Italie, la sculpture perd beaucoup de son importance par rapport à l’architecture et à la peinture. Parfois, elle domine même ses arts frères. Par exemple, l’architecture devient plus sculpturale (les pilastres sont remplacés par des colonnes), et en peinture le modelé et la perspective l’emportent sur le contour et la composition.

Les goûts en matière de sculpture ont également changé. Les bas-reliefs décoratifs élaborés sont largement remplacés par des hauts-reliefs et des sculptures rondes. La noblesse de l’intention devient moins importante que le modelage, la posture (bras et jambes) et le mouvement des draperies. L’effet était plus important que tout le reste, et bien que l’influence de la sculpture classique ait persisté, elle n’a conduit qu’occasionnellement à la reproduction de formes antiques.

Les sculpteurs florentins de la Haute Renaissance

Les principaux sculpteurs florentins de cette époque sont : Andrea Sansavino (1460-1529), son élève Francesco di San Gallo (1493-1570), le plus influent Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522) qui se rendit en Angleterre et réalisa le tombeau d’Henri VII et de la reine Élisabeth dans l’abbaye de Westminster.

A Milan et à Pavie, la succession des sculpteurs de talent s’achève avec Agostino Busti. À Modène, on trouve Antonio Begarelli (1479-1565), à Bologne Alfonso Lombardi de Lucques (1497-1537) et la sculptrice, Propertia de’ Rossi (1490-1530), et Niccole Pericoli (1485-1550).

A Venise, le meilleur sculpteur était le Florentin Jacopo Sansovino (1486-1570). Ses élèves, tels que Tommaso Lombardo, Girolamo Lombardo, Danese Cattaneo, et Alessandro Vittoria (1525-1608) continuèrent sa tradition, bien qu’avec des exagérations.

Les sculpteurs romains de la Haute Renaissance

Alors qu’au début de la Renaissance, Florence fournit des artistes à Rome, les rôles s’inversent à la Haute Renaissance, où Rome, principalement par l’intermédiaire de Michel-Ange (1475-1564), influence le développement de la sculpture dans toute l’Italie.

Michel-Ange, connu à la fois comme architecte, sculpteur et peintre, est avant tout un sculpteur dans toute son œuvre et se préoccupe principalement de la forme humaine. Sa première période (vers 1488-1496) peut être comparée à l’œuvre de Donatello, mais elle est plus libre et plus classique. Il représente la Vierge et l’Enfant avec le même degré de dignité et d’humanité que dans les reliefs grecs. Il s’est plu à étudier la figure humaine nue dans sa «Bataille des Centaures».

Sa deuxième période (vers 1496-1500) témoigne encore de l’attention qu’il porte au corps humain. Si l’on fait abstraction des lourdes draperies, combien sa «Pieta» de la cathédrale Saint-Pierre est sincère. Quelle noblesse dans son David. Son dernier style (vers 1500-1564), dont Moïse (du tombeau du pape Jules II) et les figures des tombeaux des Médicis sont des exemples, montre une grande harmonie dans le traitement. Le modelé, les poses, les drapés et l’expressivité de ses sculptures sont plus finement équilibrés.

Parmi les autres sculpteurs romains célèbres de la Haute Renaissance, citons l’imitateur de Michel-Ange Baccio Bandinelli (1487-1559), le cadet Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566), et Fra Giovanni Angelo Montorsoli (1507-1563).

Parmi les sculpteurs romains de bronze de la Haute Renaissance, citons Benvenuto Cellini (1500-1572), créateur du magnifique Persée (1545-54), et le génie flamand Giambologna (1524-1608), spécialisé dans les thèmes classiques tels que Neptune, Mercure volant, L’enlèvement des Sabiniennes, Hercule et Nessus . Giambologna a exercé une influence considérable sur un grand nombre d’étudiants et d’artistes contemporains. Un bon exemple est le sculpteur de bronze néerlandais Adriaen de Vries (1560-1626), qui a étudié en Italie avec Giambologna et a travaillé principalement à Prague et à Augsbourg. Stefano Maderno (1576-1636) est l’un des derniers sculpteurs maniéristes de Rome, dont la statue naturaliste en marbre de Sainte Cécile, sans mise en scène, a conduit à la période baroque et au Bernin.

La sculpture de la Renaissance en France

15e siècle

La Renaissance a pris une forme unique en Italie : il s’agit essentiellement d’une renaissance de l’esprit national. En revanche, dans d’autres pays que l’Italie, elle n’est qu’un mélange de l’art italien et du style national. En France, par exemple, qui avait produit de magnifiques mouvements romans et gothiques en sculpture et en architecture, la Renaissance italienne a eu un effet beaucoup moins révolutionnaire, bien que ses formes simples et classiques aient remplacé avantageusement le style gothique fatigué . Un autre facteur important fut la transformation des châteaux féodaux français en châteaux de plaisance, qui suscita de nombreuses commandes de nouvelles sculptures dans le style de la Renaissance.

Pour répondre à cette nouvelle demande, de nombreux sculpteurs du nord de l’Italie s’installent en France, à Tours, Paris et Fontainebleau, rejoignant ceux qui les ont précédés, comme Guido Mazzoni, Girolamo da Fiesole, Girolamo della Robbia, et Benedetto da Rovezzano .

La première école de sculpture française à manifester l’influence nouvelle de la Renaissance italienne est l’école de Tours. Son principal représentant, Michel Collomb (1432-1515), est comparable aux meilleurs sculpteurs italiens du début de la Renaissance. Son relief «de saint Georges et le dragon», sculpté en 1508 pour le maître-autel du château de Guyon, n’a rien à envier aux œuvres de Donatello sur le même sujet. Parmi les autres sculpteurs français travaillant dans le style italien, citons Perreal, ainsi que le franco-italien Antoine Juste (1479-1519) et son frère Jean Juste (1485-1534).

XVIe siècle

Le style franco-italien de la sculpture se répandit rapidement en France dans la première moitié du XVIe siècle, grâce au mécénat énergique et au soutien de François Ier. Les grands châteaux de Blois, Chambord, Fontainebleau et Saint-Germain sont reconstruits selon le nouveau style de la sculpture florentine du début de la Renaissance.

La première école de Fontainebleau, patronnée par le roi François Ier (règne 1515-47) et dirigée par le roi François Ier (règne 1515-47).) et dirigée par Francesco Primaticcio, Elle est suivie dans les années 1690 par la seconde école de Fontainebleau, soutenue par le roi Henri IV (1589-1610) et dirigée par des artistes tels qu’Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) et Martin Fréminet (1567-1619).

Suivront les édifices publics et les maisons particulières de Tours, Angers, Orléans, Rouen, Reims et Toulouse, puis les églises dont les portails, les barrières de chœur, les grilles et les bancs sont ornés de reliefs, de frises et de statues de la Renaissance.

Plus tard, dans la seconde moitié du siècle, l’influence de Catherine de Médicis sur la Maison de Valois conduit à un renforcement de l’influence italienne sur l’art français. L’architecture gothique ne détermine plus les formes structurelles et la sculpture devient beaucoup plus indépendante. Les trois grands sculpteurs de l’époque sont Pierre Bontemps (actif au milieu du siècle), Jean Goujon (actif 1540-1563), et Germain Pilon (1529-1590). Le meilleur élève de Pilon fut Barthelemy Prieur (1536-1611).

Parmi les autres écoles de sculpture de la Renaissance française, on peut citer l’école de Toulouse, représentée par Nicolas Bachelier, et l’école de Troyes, illustrée par François Gentil . Une autre tradition forte, l’école bourguignonne, a établi des liens artistiques étroits avec Charles Ier en Espagne.

La sculpture espagnole de la Renaissance (1400-1600)

Les sculpteurs du début de la Renaissance dans l’Espagne du XVe siècle étaient beaucoup moins développés que leurs homologues italiens. En fait, il n’est même pas facile de dater le début de la véritable Renaissance dans la péninsule ibérique. Les artistes espagnols n’avaient pas de mécènes ambitieux comme la famille Médicis à Florence ou les papes à Rome. En outre, bien que le nouveau style de la Renaissance en Espagne se caractérise par une plus grande liberté et un plus grand naturalisme, les sculpteurs conservent une grande partie de l’iconographie religieuse traditionnelle ainsi qu’un certain nombre d’éléments gothiques.

Au cours de la Haute Renaissance (vers 1490-1530), de nombreux artistes venus de Flandre, de France et d’Italie s’installent en Espagne. Ils contribuent à l’esprit humaniste de la Renaissance, mais généralement dans le contexte des traditions espagnoles.

Le Français Philippe Vigarni (Felipe Bigarni) (v. 1470-1543) a travaillé à Burgos, sculptant des reliefs en albâtre dans la cathédrale. Il réalisa également une partie des grands retables des cathédrales de Tolède et de Palencia. Il travaille parfois aux côtés de Diego de Siloe (vers 1495-1563) et Alonso Berruguete (1488-1561), considérés comme les plus sobres, les plus naturalistes et les plus orientés vers la Renaissance des trois. Diego de Siloe, influent en Andalousie et en Castille, est connu pour l’escalier d’or et la sculpture «du Christ et de la Vierge à l’enfant» de la cathédrale de Burgos.

Le sculpteur de Burgos Bartolomé Ordóñez (v. 1490-1520) est connu pour ses reliefs harmonieux et ses panneaux de marbre, ainsi que pour le tombeau de Don Felipe et Doña Juana dans la chapelle royale de Grenade.

À Palencia, alors centre culturel important, les arts plastiques sont dirigés par le sculpteur gothique Juan de Valmaceda (né en 1490), célèbre pour le calvaire du retablo de la cathédrale de Palencia. À Tolède, principal centre artistique de la Nouvelle-Castille, le style Renaissance apparaît plus tôt, grâce à Vasco de la Zarza, connu pour le tombeau de Don Juan Carrillo de Albornozin dans la cathédrale de Tolède et le tombeau de Don Alonso de Madrigal dans la cathédrale d’Avila. L’influence de Vasco de la Zarza s’étendit à Tolède, Avila et Ségovie.

En Andalousie, la Renaissance est diffusée par Jorge Fernández, connu pour diverses sculptures de style gothique dans la chapelle royale de Grenade. En Aragon, la Renaissance s’est appuyée sur le sculpteur Gil Morlanes l’Ancien, connu pour le retablo en albâtre du monastère de Montearagon (cathédrale de Huesca). Un autre sculpteur espagnol important du XVIe siècle est Damian Forment (1480-1540), connu pour le superbe retable de Nuestra Señora del Pilar, le retable de la cathédrale de Huesca et le grand retable du monastère de Poblet, qui a travaillé à Valence et plus tard à Saragosse.

La période 1530-1570 marque l’apogée de la sculpture espagnole de la Renaissance. Cette époque est menée par le génie Alonso Berruguete (1488-1561), fils du peintre Pedro Berruguete (1450-1504) et élève de Michel-Ange. Connu pour le retable de Mejorada, le retable de San Benito de Valladolid, les reliefs des chœurs de la cathédrale de Tolède et le tombeau du cardinal Tavera.

L’un des sculpteurs français de la Renaissance les plus novateurs travaillant en Espagne à cette époque est l’artiste bourguignon Juan de Joigny (Jean de Joigny) (1507-1577), connu pour la spiritualité expressive de ses œuvres, comme l’Enterrement du musée de Valladolid.

De 1570 à 1600 environ, on assiste à l’essor du maniérisme espagnol sous l’impulsion de sculpteurs espagnols comme Juan de Anchieta (né en 1540) et d’artistes étrangers comme les Italiens Leone Leoni (1509-1590) et Pompeo Leoni (1533-1608). Leur style, alliant maniérisme et académisme, est représenté par les effigies en bronze de l’impératrice Isabelle et de Philippe II (Museo del Prado), et par les groupes de sculptures appartenant aux tombes de Charles Quint et de Philippe II (Escorial).

La sculpture de la Renaissance allemande (vers 1450-1600)

L’influence de Klaus Slüter (vers 1340-1406), déjà perceptible dans les œuvres de Hans Moultscher à Ulm, s’étend à la Rhénanie, à la Souabe, à la Franconie et jusqu’au sud de l’Autriche sous l’influence de Nicholas Gerhart von Leyden (actif en 1462-1473) et de ses suiveurs. La prédilection pour l’ornementation excessive, caractéristique du gothique tardif, a empêché la création de toute sculpture monumentale en pierre.

Ce désir de décoration, qui trouve son origine dans une région forestière densément peuplée, a fait de la sculpture sur bois le moyen d’expression préféré des artistes allemands et a été largement utilisé pour le mobilier d’église (par exemple, les stalles de chœur) et les retables. Parmi les principaux sculpteurs sur bois de la Renaissance allemande, citons Jörg Sirlin d’Ulm ; Gregor Ehrhart (c. 1460-1540) d’Ulm et d’Augsbourg ; Veit Stoss (c. 1447-1533) de Nuremberg, auteur d’un retable de la Vierge Marie, église Sainte-Marie de Cracovie, 1486 ; et Nicholas von Hagenau (enregistré 1485-1526) de Strasbourg.

À Nuremberg , Adam Kraft (vers 1455-1509), célèbre pour le tabernacle de l’église St Lorenz, fait preuve de toute l’habileté technique et de la profusion de la sculpture sur bois, mais en pierre. (Voir : L’art de la Renaissance allemande .)

Bien qu’il y ait un relâchement marqué dans certaines sculptures des sculpteurs allemands, ceux-ci ont eu du mal à s’adapter aux formes statiques de l’art de la Renaissance. Des figures de proue comme Veit Stoss, Tilman Riemenschneider (vers 1460-1531), Maître H.L. . (Retable de Breisach) et Hans Bekofen (m. 1519) ont conservé un fort attachement au gothique tardif. Parmi les plus fervents partisans du nouveau style de la Renaissance, citons le peintre d’Augsbourg Adolf Doher (1460-1524) ; le sculpteur de Nuremberg Peter Vischer l’Ancien (c. 1460-1529), célèbre pour le sanctuaire de Saint Sebaldus.

Plus tard, Peter Vischer le Jeune (1487-1528) et l’orfèvre Peter Flotner (d. 1546) s’adonnèrent à la petite sculpture de la Renaissance. À la même époque, Alexander Colin de Malines (mort en 1612), qui a travaillé sur l’aile Otteinrich, a apporté à Heidelberg l’idiome décoratif de la Renaissance flamande. Dans la seconde moitié du XVIe siècle, le style Renaissance s’est finalement imposé à Augsbourg et à Munich, qui sont devenus des centres de l’italianisme.