Aquarelle: Techniques, Origines, Histoire Automatique traduire
En beaux-arts, le terme «aquarelle» désigne un support de dessin dans lequel les pigments colorés sont liés à des substances solubles dans l’eau. A l’origine, ces liants étaient des colles animales ou certains sucres, mais la gomme arabique est aujourd’hui la substance standard. Divers additifs (miel, glycérine, etc.) peuvent être utilisés pour augmenter la plasticité et créer d’autres effets. L’aquarelle est généralement appliquée avec des pinceaux en zibeline ou en laine d’écureuil sur du papier ou du carton teinté en blanc, bien que la toile, le cuir et le papyrus puissent être utilisés comme base. En Chine et au Japon, l’aquarelle (connue sous le nom de peinture au pinceau, peinture au rouleau ou encre et estompe) est un médium universel, sauf que les aquarellistes d’Asie de l’Est n’utilisent généralement que de l’encre noire. L’aquarelle sèche beaucoup plus rapidement que la peinture à l’huile et permet de réaliser des œuvres d’art plus fines et plus précises. Cependant, en cas d’exposition régulière à la lumière, la couleur s’estompe et de nombreux chefs-d’œuvre &ndash ; dont plusieurs exemples de peinture de paysage de William Turner (1775-1851) &ndash ; ont déjà subi des dommages irréparables.
Note : «La gouache», forme d’aquarelle opaque, se distingue de l’aquarelle ordinaire par le fait que ses pigments sont liés par de la colle et que ses tons plus clairs sont obtenus par l’ajout de pigment blanc.
L’aquarelle &ndash ; matériau polyvalent, elle peut être appliquée sur tout, du papier à la toile, en passant par la pierre, le bois et le tissu. Aujourd’hui, on trouve dans nos musées de nombreuses et belles versions de peintures à l’aquarelle sur papier, des manuscrits, des cartes et des miniatures. Alors que l’aquarelle a dominé l’art asiatique pendant des milliers d’années, dans l’art occidental, elle a été largement confinée aux esquisses préparatoires jusqu’à la fin du 18e siècle. Au cours de ce que l’on appelle aujourd’hui l’âge d’or de l’aquarelle, les artistes de l’école de la peinture de paysage anglaise ont fait de l’aquarelle une forme d’art sérieuse et indépendante. Outre William Turner, les principaux aquarellistes de l’école anglaise sont Thomas Girtin (1775-1802), John Constable (1776-1837) et Richard Parkes Bonington (1802-1828). À la fin du XIXe et au XXe siècle, des artistes européens tels que Emil Nolde (1867-1956) et Egon Schiele (1890-1918), ainsi que des artistes américains tels que Winslow Homer (1836-1910), Maurice Prendergast (1859-1924) et John Marin (1870-1953) ont créé des centaines de tableaux colorés à l’aide de cette peinture.
DÉVELOPPEMENT HISTORIQUE
Pour une liste des dates importantes dans l’évolution de la peinture, y compris les mouvements, les écoles, les styles et les artistes célèbres, voir : Chronologie de l’histoire de la peinture .
Techniques de l’aquarelle
Dans l’aquarelle «pure» (parfois appelée «méthode anglaise»), le blanc n’est pas utilisé. Au lieu de cela, des taches ou des zones sur le papier blanc sont laissées non peintes pour représenter des objets blancs ou la lumière réfléchie. Les tons de couleur et les effets atmosphériques sont obtenus en colorant le papier mouillé avec des quantités variables de pigments colorés. Cette méthode, appelée «estompage», peut également être utilisée pour minimiser ou effacer des coups de pinceau individuels ou pour créer de grandes zones de couleur similaire (comme un ciel bleu). L’artiste contrôle les effets de ces lavis en variant la dilution des pigments. William Turner &ndash ; peut-être le plus grand aquarelliste anglais &ndash ; préférait ajouter du blanc à ses peintures et utilisait d’autres méthodes pour créer ses effets de lumière uniques. (Sur l’interprétation des grandes peintures, y compris les aquarelles, voir : Analyses de peintures célèbres.).
Origine et histoire
L’art de l’aquarelle remonte à la peinture rupestre de l’âge de pierre, lorsque les premiers hommes du Paléolithique ont peint des images d’animaux et de personnes dans leurs grottes en utilisant du charbon de bois, de l’ocre et d’autres pigments naturels. Elle a ensuite été popularisée dans l’art égyptien après la découverte du papyrus (papier). Cependant, le papyrus est très fragile et les seuls dessins qui ont survécu à l’époque de l’Égypte ancienne sont ceux qui ont été conservés dans les pyramides dans des conditions sèches. Dans l’art traditionnel chinois, l’aquarelle s’est développée vers 4000 avant J.-C., principalement comme médium pour les arts décoratifs. Au quatrième siècle de notre ère, les paysages aquarellés étaient devenus une forme indépendante de la peinture chinoise . L’aquarelle est devenue une forme de peinture indépendante et a fini par dominer toutes les peintures au pinceau chinoises. Pour un guide des principes des beaux-arts et de l’artisanat orientaux, voir : Art traditionnel chinois : caractéristiques . Au Moyen Âge, en Europe, l’aquarelle est utilisée pour produire des manuscrits enluminés et des cartes en couleur, et à la Renaissance pour réaliser des portraits miniatures ou des études d’après nature.
L’aquarelle des 15e et 16e siècles
L’aquarelle moderne trouve ses racines dans la Renaissance nordique . Son premier grand maître fut le peintre allemand Albrecht Dürer (1471-1528), qui anticipa de nombreuses techniques d’aquarelle anglaises dans une série de magnifiques études de plantes et de paysages. Dürer a été l’un des premiers artistes à réaliser le potentiel de ce médium. Ses premières aquarelles se concentraient sur la représentation de la topographie, mais au fil du temps, il a commencé à accorder beaucoup plus d’attention à la transmission de l’atmosphère. Il a également réalisé des études très réalistes de la nature, combinant généralement l’aquarelle et la gouache sur papier. Des exemples célèbres sont «Jeune lièvre» (1502) et «Grand morceau de gazon» (1503, collection graphique de l’Albertina, Vienne). Cependant, malgré les efforts des artistes de l’école baroque flamande et baroque hollandaise, le médium &ndash ; à l’exception des illustrations botaniques ou des illustrations animalières, qui ont développé leur propre tradition d’aquarelle &ndash ; a été largement confiné aux esquisses préparatoires ou aux dessins de conception à grande échelle, jusqu’à ce qu’il devienne une manifestation de la technique de l’aquarelle anglaise de la fin du dix-huitième siècle.
L’école anglaise d’aquarellistes du XIXe siècle
Aujourd’hui, l’aquarelle est généralement associée aux réalisations de l’école anglaise de peintres paysagistes (en particulier Paul Sandby, Thomas Girtin et J. M. W. Turner). Ce groupe a été actif de la fin du 18e au milieu du 19e siècle, ce que l’on appelle l’âge d’or de l’aquarelle. À l’origine, les artistes marquaient leurs peintures à l’aide de couleurs toniques. Il s’agit d’un dessin réalisé à l’encre ou au crayon, avec un pinceau et de l’eau pour appliquer l’encre et créer un effet de teinte. Une gamme limitée de couleurs était autorisée, mais dans l’ensemble, l’effet était plutôt monochrome. Si certains artistes ont continué à créer des dessins teintés, d’autres ont commencé à repousser les limites. Des artistes comme William Pars (1742-1782), John Warwick Smith (1749-1831), Thomas Guirtin (1775-1802) et Turner ont commencé à utiliser une palette plus large de couleurs plus vives pour créer un effet plus pictural. L’aquarelle devient rapidement populaire dans toute la Grande-Bretagne avec l’émergence de la peinture de la faune et de la flore, et avec les nouvelles exigences de la peinture en plein air - les artistes sont encouragés à copier les scènes et la topographie des sites touristiques et militaires, et à accompagner les expéditions archéologiques et anthropologiques à travers le monde pour documenter les images de la flore et de la faune. Un nouveau style romantique de peinture à l’aquarelle voit le jour. Sur un papier à la texture rugueuse, la peinture est appliquée à l’aide d’un pinceau plus lâche afin d’exprimer les effets fugaces du paysage. Parmi les peintres de paysages à l’aquarelle les plus populaires, citons David Cox (1783-1859), Cornelius Varley (1781-1873) et Samuel Prout (1783-1852).
L’essor des sociétés d’aquarellistes
Angleterre
En 1804, un groupe de peintres aquarellistes de premier plan fonde la Society of Watercolour Painters, qui deviendra plus tard la Royal Watercolour Society (RWS). Parmi les fondateurs figurent Francis Nicholson, Samuel Shelley, William Frederick Wells, John Glover, William Henry Pine et Robert Hills. Parmi les membres éminents actuels &ndash ; Dame Elizabeth Violet Blackadder, peintre et graveur écossais. Ses œuvres sont exposées au Museum of Modern Art de New York et à la Tate Gallery. David Remfrey est également connu pour ses aquarelles grandeur nature de boîtes de nuit et de scènes urbaines (il a reçu un MBE pour services rendus à l’art britannique en 2001). Le Royal Institute of Painters in Watercolours, fondé en 1831 en concurrence avec la Royal Watercolour Society, est également très actif aujourd’hui. Parmi les membres notables, on peut citer l’illustratrice de livres pour enfants Kate Greenaway (1846-1901), le dessinateur Sir Coutts Lindsay (1824-1913), l’illustrateur de Vanity Fair John Hassall (1868-1948) et la petite-fille de la reine Victoria, la princesse Patricia Connacht
Irlande
En République d’Irlande, la Watercolour Society of Ireland (WCSI) a été fondée en 1870. Au fil des ans, la WCSI a compté parmi ses membres des artistes irlandais aussi connus que Rose Barton (1856-1929), George Campbell (1917-1979), Lillian Davidson (1893-1954), Gerard Dillon (1916-1971), Percy French (1854-1920), Mildred Ann Butler (1858-1941), Letitia Hamilton (1878-1964), Paul Henry (1876-1958), Harry Kernoff (1900-1974), Maurice McGonigal (1900-1979), Nora McGuinness (1901-1980), Frank McKelvey (1895-1974), Walter Osborn (1859-1903), Nano Reed (1905-1981), George Russell (AE) (1867-1935), et Jack B. Yates (1871-1957). En Irlande du Nord , l’Ulster Watercolour Society (UWS) était la principale organisation. Cette dernière comprenait des artistes de renom tels que Gladys McCabe (née en 1918) et Maurice Wilkes (1910-1984).
États-Unis
Les artistes américains sont également fascinés par l’aquarelle, notamment Winslow Homer (1836-1910), fortement influencé par l’école de Barbizon, William Trost Richards (1833-1905), Henry Roderick Newman et John LaFarge (1835-1910). L’American Watercolor Society (à l’origine American Society of Painters in Watercolour) a été fondée en 1866.
Aquarelles du vingtième siècle
Parmi les aquarellistes notables du XXe siècle figurent &ndash ; l’artiste abstractionniste russe Wassily Kandinsky (1866-1944), l’artiste moderniste suisse Paul Klee (1879-1940) et l’artiste expressionniste français Raoul Dufy (1877-1953). Aux États-Unis, les peintres aquarellistes les plus connus sont Thomas Eakins (1844-1916), John Marin (1870-1953), Maurice Prendergast (1859-1924), Edward Hopper (1882-1967), Lionel Feininger (1871-1956), et Andrew Wyeth (1917-2009). Les mouvements artistiques américains qui soutiennent l’aquarelle comprennent l’école de l’Ohio (du Cleveland Museum of Art) et la scène californienne. (de l’Académie CalArts).
Liste des aquarelles connues
Très peu d’aquarelles, s’il y en a, sont aussi connues que les peintures à l’huile . Il y a plusieurs raisons à cela. Tout d’abord, les aquarelles se décolorent beaucoup plus rapidement que les huiles à la lumière. Elles perdent leur éclat et peuvent très vite paraître «floues» &ndash ; ce qui n’est pas la meilleure option lorsqu’il s’agit d’être reconnu par le public. C’est pourquoi les meilleurs musées d’art n’exposent généralement leur collection d’aquarelles que pendant une période limitée. Le reste du temps, les peintures sont conservées dans des caves sombres à température contrôlée. Deuxièmement, la plupart des aquarelles sont peintes sur du papier, qui est plus sensible à la détérioration et à la dégradation que la toile ou le bois. Par conséquent, la plupart des chefs-d’œuvre de l’aquarelle n’ont tout simplement pas résisté à l’épreuve du temps. Pour une explication des paysages du dix-neuvième ou du vingtième siècle, voir : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).
Voici une liste de peintures à l’aquarelle qui méritent d’être vues :
Albrecht Dürer : Le jeune lièvre (1502, Albertina, Vienne)
William Blake : Pitié (1795, Tate collection)
Thomas Girtin : Berry Pomeroy Castle, Devon (1798, collection privée)
Fyodor Alekseev : Monastère de la Trinité (1800, Brooklyn Museum)
John Sell Cotman : Aqueduc de Chirk (1804, Victoria and Albert Museum)
William Turner : S. Giorgio Maggiore, Early Morning (1819, Tate Collection)
John Constable : Etude de nuages et d’arbres (1821, British Museum)
Richard Parkes Bonington : Rouen vu du quai (1821, British Museum)
Eugène Delacroix : Saada (1832, Metropolitan Museum of Art New York)
John Constable : Stonehenge (1835, Victoria and Albert Museum, Londres)
William Turner : Flint’s Castle (1838, collection particulière)
William Turner : Aube après l’accident (1840, British Museum)
JMW Turner : Blue Rigi, Sunrise (1842, Tate London)
Rossetti : Anniversaire de la mort de Béatrice (1853, Ashmolean Museum)
Lawrence Alma-Tadema : Faust et Marguerite (1857) (1857), collection privée)
William Turner : Coucher de soleil sur un château en ruine (1868, Tate Collection)
Ivan Kramskoy : Portrait de S. И. Kramskoi (1880, Galerie Tretyakov, Moscou)
Mary Cassatt : Autoportrait (ca. 1880, National Gallery of Art, Washington)
Vincent van Gogh : Zouave (1888, Metropolitan, New York)
Childe Hassam : Taxis du soir tirés par des chevaux (1890, collection privée)
Maurice Prendergast : Dames sous la pluie (1893, Fort Lauderdale Museum)
Maurice Prendergast : Grand Canal, Venise (1899, Daniel J. Terra Collection, New York, New York)
Maurice Prendergast : Grand Canal, Venise (1899, Daniel J. Terra Collection, New York)
Maurice Prendergast. Terra)
Emil Nolde : Champ de blé (1900, collection privée)
Egon Schiele : Maedchen (1911, collection particulière)
Robert Delaunay : Dédicace à Blériot (1914, Musée d’Art Moderne, Paris)
Egon Schiele : Femme assise au genou plié (1917, Narodni) Galerie, Prague)
Georgia O’Keeffe : Nude Series VII (1917, GO’K Museum, Santa Fe)
Emile Nolde : Red Poppies (1920, Leonard Hutton Galleries, New York)
John Marin : Islands of Maine (1922, Phillips Collection), Washington)
Edward Hopper : Mansard Roof (1923, Brooklyn Museum)
Paul Klee : Part G (1927, Staatliche Museen, Berlin)
Xul Solar : Palais Almi (1932, Museo XS, Buenos Aires)
Edward Burra : Izzy Orts (1955, Gallery of Modern Art, Edinburgh)
Andrew Wyeth : Main de champ (1985, National Gallery of Art, Washington, DC)
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