Francisco de Goya et Lucientes (1746-1828) 5 563 mots Automatique traduire

Le représentant exceptionnel de l’école espagnole de peinture, Francisco José de Goya i Lucientes, est un artiste unique qui a réussi à incarner dans son art le destin tragique du peuple espagnol, ses espoirs et ses souffrances innombrables, qu’il a endurés avec une vitalité sans fin. L’inspiration pour l’artiste était les événements réels se déroulant dans son pays. N’ayant pas d’autre pouvoir que le pouvoir de l’art, l’artiste exprime à travers ses peintures son attitude personnelle face à la réalité qui l’entoure et à ce qui se passe dans sa patrie bien-aimée.

Photos de Francisco de Goya et Lucientes

Les premières années du grand maître

Le futur grand artiste Francisco Goya est né dans le petit village de Fuentetodos, situé au milieu des roches aragonaises du nord de l’Espagne, le 30 mars 1746, dans la famille du maître doreur José Goya. Le père de l’artiste n’était pas un roturier, il venait d’une famille d’un riche notaire qui avait reçu sa spécialité à Saragosse. Cette situation lui permit d’épouser un représentant des couches les plus basses de la noblesse espagnole, Don García Lucientes. Après un mariage modeste, la jeune famille a déménagé dans la propriété, héritée et située à Fuentetodos. Selon la législation espagnole de l’époque, les nobles ne pouvaient vivre que des revenus de leurs biens et n’avaient pas le droit de travailler.

Dans cet état de choses, la famille Goya pouvait difficilement joindre les deux bouts. Cela a contraint le chef de famille à ramener son ménage à Saragosse, où il a pu se lancer dans l’artisanat. Ce qui s’est passé en 1759. Ayant légèrement amélioré sa situation financière après le déménagement, le père de famille a envoyé ses trois fils Thomas, Camillo et Francisco à l’école primaire du père de Joaquin. Je dois dire que l’éducation que les garçons ont reçue là-bas est difficile à qualifier de bonne. Le père Joaquin a préféré la théologie à l’alphabétisation, ce qui a été reflété dans toute la vie ultérieure de l’artiste. Jusqu’à la fin de sa vie, Goya a écrit avec des erreurs, et sa prononciation et son vocabulaire ont indéniablement trahi un roturier en lui. Certes, il convient de noter qu’à la fin du XVIIIe siècle en Espagne, seule une poignée d’élites disposait d’une bonne éducation.

Après avoir quitté l’école, Francisco entre dans une école jésuite à Saragosse. Son père, le père Pignatelle, remarqua immédiatement les capacités artistiques remarquables du garçon et le recommanda à son parent, Jose Lusana y Martinez, qui était autrefois peintre de cour. Le père Francisco n’était pas opposé et a donné à son fils des leçons d’art pendant quatre ans. Au cours de cette période, Francisco Goya a non seulement compris les bases de la peinture et du dessin, mais a également créé de nombreuses gravures et gravures à partir d’œuvres de grands maîtres espagnols. Déjà à cette époque, Francisco faisait preuve d’une persévérance et d’une détermination incroyables. Pour obtenir une expressivité maximale de l’image des divers mouvements du corps humain, le jeune artiste, en plus de l’atelier de Lucian, a également visité l’école de sculpture de Juan Ramirez. Il y réalise des copies de sculptures et crée des études pour les étudiants. Il convient de noter qu’en Espagne à cette époque les images d’un corps nu, en particulier d’une femme, étaient taboues; par conséquent, les cours de sculpture pour Goya étaient presque la seule occasion d’étudier l’anatomie humaine.

Grâce à sa persévérance, Francisco s’est rapidement imposé comme un brillant copiste, appréhendant subtilement les traits de la manière et du style artistique de peintres illustres. Grâce à cela, en 1760, il reçut sa première commande pour peindre un reliquaire dans une église de Fuentetodos. Malheureusement, cette œuvre a été complètement détruite en 1936 pendant la guerre civile espagnole. Mais son apparence peut être reconstituée à partir de photographies survivantes. Les côtés extérieurs des ailes de reliquaire en bois étaient ornés de l’image «L’apparence de la Madonna del Pilar devant Saint-Jacques», et à l’intérieur, de «Saint Francis de Paula ”et“ Madonna and Child ”. Selon les témoignages conservés, les contemporains ont loué le travail de l’artiste, bien que Goya, qui l’a vue, étant déjà très âgée, s’indigne: «Ne dites pas que je l’ai peint!».

En 1763, Goya, dix-sept ans, qui décida finalement de lier sa vie à l’art, quitta Saragosse et se rendit à Madrid. Les premières années du séjour de l’artiste dans la capitale espagnole sont entourées de secrets et de légendes. D’après les informations fiables qui nous sont parvenues, on sait seulement que fin 1763, immédiatement après son arrivée à Madrid, Francisco avait demandé une bourse à l’Académie royale des beaux-arts de San Fernando, mais avait été refusé. Ce que Goya a fait à Madrid au cours des deux prochaines années est totalement inconnu. En 1766, Francisco participa à un concours annoncé par l’Académie sur un thème de l’histoire espagnole. La tâche était formulée comme suit: "Marthe, l’impératrice de Byzance, arrive à Burgos chez le roi Alphonse Sage pour lui demander une partie du montant que le sultan avait désigné pour racheter son mari, le captif de l’empereur Baldwin et le Le monarque espagnol ordonne de lui donner ce montant. " Ramon Bayer a reçu la médaille d’or de la compétition et Goya a échoué, ce qui n’est devenu que l’un des nombreux échecs qui l’ont poursuivi au début de son travail.

Mais sa participation au concours a été bénéfique pour Goya, qui a rencontré Ramon Bayeu et son frère Francisco, membre du jury académique, auquel il a immédiatement inscrit les étudiants. Pendant environ trois ans, le jeune peintre a vécu et étudié chez un nouveau mentor, au cours duquel il est tombé amoureux de sa sœur Josef. L’affection de Goyal n’empêche pas Goya de partir pour Rome en 1769, où il poursuit ses études.

Malheureusement, aucune information fiable sur les deux années de la vie de Francisco de Goya en Italie n’a été préservée. Les seules données restantes mentionnent la participation de l’artiste à un concours organisé par l’Académie des beaux-arts de Parme. Dans le cadre de la compétition, il a créé le tableau "Hannibal, regardant des hauteurs des Alpes dans les champs d’Italie". La toile a connu un certain succès auprès du jury, cependant, Goya a encore une fois manqué de chance. Avec une marge de seulement une voix, la médaille d’or de la compétition est de nouveau passée à une autre.

Reconnaissance du talent

En 1771, Francisco Goya rentre à Saragosse, déçu et fatigué de l’échec. Après plusieurs mois, l’artiste sourit enfin à la chance, il reçut sa première commande. Il a fallu compléter une série de peintures religieuses dans la chapelle du palais du comte local Gabard de Sobradiel. Goya a fait de son mieux. Les fresques se sont révélées être de très haute qualité et appréciées du client. Ce fut le premier succès significatif du peintre dans le domaine professionnel.

Bientôt, l’artiste a été chargé de réaliser une série de croquis pour les fresques de la coupole de la cathédrale de Madonna del Pilar à Saragosse. Pendant un mois de travail, Goya a réussi à créer des œuvres qui ont frappé les membres de la commission pour la reconstruction de la cathédrale. Ce fut le deuxième succès prouvant la capacité de Francisco à créer de superbes peintures murales. Cependant, il convient de mentionner que le prix des œuvres, joué par l’artiste lui-même par dix mille reais de moins que le reste des concurrents, a joué un rôle important dans le fait que Goye ait reçu la commande. Quoi qu’il en soit, au milieu de l’année 1772, l’artiste avait terminé ses travaux sur la peinture du dôme. La fresque, intitulée "Adoration des Anges au Nom du Seigneur", a été réalisée dans le style baroque. Saturé de nombreuses figures d’anges représentées à l’image de belles femmes, dont la variété d’angles souligne la dynamique de la composition, construit sur un mouvement continu, il a procuré à l’artiste un succès tant attendu et bien mérité.

La participation à la création de la décoration pittoresque de la cathédrale de la Madonna del Pilar a marqué un tournant dans la carrière de l’artiste. Outre le respect des concitoyens et le bien-être matériel, Goya a également reçu un flux constant de commandes, ce qui est très important pour tout artiste. Son prochain travail a été la création d’un cycle complet de fresques pour le monastère de Aul Dei et l’église de Menuel. Cela a permis à Francisco de se positionner correctement dans la société et de devenir l’artiste le plus titré de Saragosse. Il arriva un moment où Goya pouvait enfin se permettre de se marier.

Au début du printemps 1773, l’artiste se rend à Madrid avec son professeur Francisco Bayeu pour demander les mains de sa soeur Josefa. Tout s’est bien passé et les heureux amants se sont mariés lors d’une magnifique cérémonie qui s’est tenue le 25 juillet de la même année. Immédiatement après le mariage, les nouveaux mariés se sont rendus à Saragosse, où Francisco a attendu de nombreuses commandes inachevées. Aussi étrange que cela puisse paraître, pratiquement aucune information ne nous est parvenue sur la compagne de la vie de la grande peintre, ni dans ses archives privées ni dans les archives de l’État, ni ses lettres ni les critiques de ses contemporains, il n’y a même aucune information sur le nombre d’enfants nés dans près de quarante ans de leur vie commune. Il est généralement admis que tous les enfants de l’artiste sont morts à un très jeune âge et qu’un seul de ses fils, Francisco Javier Pedro, est devenu un véritable soutien pour son père et le successeur de son travail. Les biographes et les historiens de l’art ne peuvent que supposer que Josefa était une épouse dévouée et une gardienne attentionnée du foyer, mais visiblement, elle s’intéressait très peu à la vie sociale. Seule la date de sa mort, 1812, est connue de manière fiable. Il est étonnant que durant sa longue vie familiale, Francisco Goya n’ait peint qu’un portrait de sa femme.

Trouver un poste à la cour royale

Au début de 1774, la reconstruction des tapisseries de la manufacture royale de Santa Barbara a commencé. Antoine Rafael Mengsu et Francisco Bayeu faisaient partie de la commission de restauration. Le second était responsable de la distribution aux artistes prétendant des commandes pour la création de croquis de futures tapisseries. Grâce à cela, Goya et Ramon Bayeu ont reçu une grosse commande qui leur a procuré un emploi permanent et bien rémunéré. Cette commande a facilité le déménagement de l’artiste à Madrid avec toute sa famille.

Les sujets des premières esquisses commandées par le peintre étaient la chasse et la pêche. Goya a rapidement terminé des croquis de scènes thématiques sur carton. Malgré le style plutôt sec et sobre des croquis, pratiquement aucun espace élaboré autour des personnages, ils ont reçu l’approbation du roi et l’artiste s’est vu attribuer un nouvel ordre, dont le thème était une scène de la vie d’Espagnols ordinaires.

C’est là que le vrai talent du peintre a été révélé. Ces croquis ont jeté les bases d’une série d’œuvres ingénieuses qui ont glorifié l’artiste pendant de nombreux siècles. Il a choisi les jeunes femmes vêtues de couleurs vives (mahi) et leurs compagnons colorés (maho) comme héros de ses cartons. Les compositions sont basées sur des histoires de la vie des gens: jeux, vacances, scènes de rue. Les tonalités riches des sons des peintures reflètent de manière réaliste l’ambiance insouciante du plaisir universel. Dans ses œuvres, l’artiste très observé a montré une variété de types folkloriques et de costumes nationaux vibrants, ainsi que les loisirs et les manières de la jeunesse urbaine. Selon les goûts de son temps, le maître a légèrement idéalisé les formes de ses personnages. Mais la palette de couleurs de l’artiste apparaît ici dans toute sa splendeur - de nombreuses nuances de couleurs de tons différents distinguèrent immédiatement Goya parmi ses contemporains.

Parmi les œuvres les plus marquantes de cette période figurent les peintures «Vendeur de plats» (1779, musée du Prado, Madrid), «Festivités le jour de Saint Isidore» (1788, musée du Prado, Madrid), «Maha et ses fans» )1777), musée du Prado, Madrid) et autres. Mais le meilleur travail parmi eux est le carton pour la tapisserie Umbrella (Musée du Prado, Madrid), écrit en 1776. Le croquis est un simple croquis de genre. Au premier plan, une jolie fille dans une pose élégante, comme si elle se montrait au spectateur, un sourire captivant sur ses lèvres. La jeune compagne de la fille se tient à sa gauche, bloquant la jeune femme des rayons du soleil avec un parapluie ouvert. La composition du carton est imprégnée de joie et d’insouciance de la vie. Le clou de la photo était l’éclairage complexe, presque fantastique, avec lequel Goya crée une saveur musicale harmonieuse, construite sur des couleurs pastel.

L’illumination de cette œuvre à la cour royale a été influencée par l’illumination de l’esprit des Lumières françaises, qui s’est éloignée des canons stricts, tant vénérés en Espagne auparavant. Grâce à ce succès au sein de l’aristocratie, Francisco Goya est élu à l’unanimité, le 7 mai 1780, aux nouveaux membres de l’Académie royale des beaux-arts de San Fernando. Déjà en 1785, il en devint vice-directeur, après dix ans - directeur du département de peinture de l’Académie.

Entre 1786 et 1791, un changement d’intonation est prévu dans le carton du maître. De plus en plus, dans ses œuvres, le désir de communiquer non pas l’attrait extérieur de l’intrigue, mais l’état émotionnel des personnages, devenus plus terrestres après avoir perdu le lustre extérieur et la beauté si caractéristique des œuvres antérieures de l’artiste, manifesté. Cela se voit clairement dans des œuvres telles que The Blindfold Game (vers 1788-1790, musée du Prado, Madrid) et The Wounded Mason (1786, Musée du Prado, Madrid), qui est devenue l’une des œuvres clés de cette période.

Le film se distingue par un complot véritablement dramatique: les jeunes travailleurs portent dans les bras de leur camarade déchiré. Dans leurs poses et dans la manière dont l’artiste interprète les volumes de leurs corps, un certain engagement du maître à l’égard des traditions du classicisme transparaît. La couleur froide de la composition est basée sur une combinaison de nuances de bleu, de gris et d’ocre. Bien que l’œuvre n’ait pas encore ce son tragique perçant, caractéristique de nombreuses peintures ultérieures de Goya, elle reflète déjà pleinement les intonations fondamentales de l’œuvre mature du maître.

À la fin de son travail pour la manufacture royale, Goya crée un autre chef-d’œuvre: «La poupée» («Le jeu à la pele», 1791-1792, Musée du Prado, Madrid). Ayant travaillé à la manufacture de Santa Barbara pendant environ dix-huit ans, l’artiste a créé plus de soixante cartons. Au fil des ans, le maître a acquis non seulement des amis et des clients influents, mais également de nombreux envieux et méchants.

L’évolution du portrait de l’artiste

Travaillant sur des croquis pour des tapisseries, Goya a peint beaucoup de portraits personnalisés en même temps. Ses premières œuvres de ce genre parlent du grand désir de l’artiste de réussir à tout prix, ce qui est particulièrement visible dans la façon dont le peintre flattait ses nobles modèles.

Un exemple est le cérémonial «Portrait du comte Floridablanca» (1783, banque d’Urquijo, Madrid), dans lequel le premier ministre tout-puissant est représenté debout, dans son bureau, vêtu de tout ce qui est de pouvoir et de pouvoir. Les objets personnels qui entourent le comte témoignent de ses passions, sa silhouette sur la photo est mise en valeur par des couleurs vives et lumineuses et contraste vivement avec son environnement. Le Premier ministre n’est pas le seul à être représenté: son secrétaire se tient au fond de la salle et à la gauche du comte Goya, lui-même, à partir de l’une de ses œuvres. Sur la photo, Floridablanc ne remarque pas les autres et regarde calmement devant lui, c’est aussi arrivé dans la vie. Le comte a froidement réagi au travail de l’artiste et n’a même pas payé le peintre qui espérait beaucoup rencontrer un personnage aussi influent, dans l’espoir de voir un mécène à la figure.

L’artiste a appris une leçon amère et plus tard, la même année, alors qu’il visitait la villa du frère du roi d’Espagne - Infanta don Luis de Bourbon, où il a peint son portrait de famille, il ne cherchait plus à flatter de tels sommets personnes. Dans son travail sur cette image, le désir de transmettre la profondeur des personnages et l’individualité de chaque modèle est clairement indiqué.

La composition du «Portrait de la famille de l’infante Don Luis de Bourbon» (1783, Fondation Magnani Rock Fund Mamiano, Parme) a été construite sur le principe des scènes de genre de tous les jours. Toute la famille de don Luis s’est rassemblée autour d’une petite table sur laquelle l’infant dispose un solitaire. Mais le véritable centre de composition n’est pas du tout lui, mais sa femme Maria Teresa, vêtue de lumière, comme si elle brillait. Ses cheveux sont peignés par le coiffeur qui se tient derrière elle. Sur le côté gauche de la toile, Goya s’est à nouveau représenté lui-même travaillant sur ce tableau. Une assez grande toile (248 x 330 cm) montre bien le talent accru de l’artiste. L’artiste a réussi à transmettre les personnages des héros avec tact et réalisme. La couleur de l’œuvre repose sur un mélange de couleurs sombres et chaudes avec de légers accents de bleu et de vert, donnant à la toile un son musical et sonore.

Après avoir créé ce portrait, Goya a finalement trouvé ce dont il rêvait: faire connaissance avec les puissantes protectrices influentes, qui sont devenues les duchesse Alameda Osuna et Alba. L’artiste a réussi à s’entendre avec eux, malgré le fait qu’ils étaient des rivaux assermentés, toujours et en tout. Une nouvelle étape a commencé dans sa vie, sa carrière était maintenant condamnée à une augmentation rapide.

Bientôt, l’artiste a commencé à travailler sur un portrait de l’épouse du comte Floridablanca. «Le portrait de la marquise de Pontejos et Sandoval, duchesse de Pontejos» (1786, National Picture Gallery, Washington) est réalisé dans le strict cadre du portrait du défilé. Le style de l’œuvre est très proche des premières œuvres de ce genre. La figure de la marquise est représentée sur un paysage idéal (Goya utilisera cette technique pour les portraits féminins jusqu’à la fin du 18ème siècle), son image entière est naturelle et calme. La belle robe en soie de l’héroïne, peinte avec beaucoup d’habileté par l’artiste, distrait l’observateur de la triste expression de son visage.

Deux ans plus tard, Goya écrira un autre de ses célèbres portraits de groupe: «La famille du duc d’Osun» (1788, musée du Prado, Madrid). Dans ce travail, une nouvelle manière de l’artiste est déjà manifestée, qui deviendra à l’avenir la manifestation la plus frappante de son style individuel. La principale caractéristique de son travail est l’accent mis sur l’état psychologique de ses héros. En même temps, afin de détourner l’attention du regard exigeant de clients éminents de sa propre évaluation de leurs personnalités, Goya dessine avec soin et maîtrise tous les détails les plus fins de leurs vêtements et bijoux exquis. Le fond des portraits devient monophonique, de sorte que rien ne détourne le spectateur de la contemplation des modèles. Parmi les exemples les plus frappants de portraits de cette période, citons le «Portrait de Don Manuel Osorio de Zoonig» (1788, Metropolitan Museum of Art, New York).

Bientôt, enfin, le rêve de l’artiste se réalisa: en avril 1789, Goya reçut le poste de peintre de la cour qu’il souhaitait tant. Je dois dire que le succès lui a tellement tourné la tête qu’il a commencé à ignorer la fabrication du carton pour la tapisserie. Cela a provoqué chez l’artiste la colère du directeur de la manufacture, qui a immédiatement écrit une plainte au roi. Le vieux mentor du peintre Francisco Bayeu a dû travailler dur pour réparer son parent et faire taire le scandale. Heureusement pour Goya, tout s’est bien passé et il a commencé à travailler tranquillement à la cour, en faisant des portraits de ceux qui étaient au pouvoir. Ainsi, en 1795, il écrit son célèbre "Portrait de Marie-Thérèse Cayetan de Silva, Duchesse d’Albe" (Musée du Prado, Madrid). L’image de la duchesse est très efficace, une robe blanche contrastant avec un choc de cheveux noirs bouclés et d’accents rouges sous la forme d’une large ceinture de satin, resserrant la taille fine de l’héroïne et arborant des arcs rouges sur la poitrine et les cheveux. Cette combinaison de couleurs contrastante donne à la toile entière un son majeur.

Tableau de l’église de saint Antoine

Outre des commandes constantes de gravures et de portraits, le peintre de la cour Francisco de Goya a reçu des commandes très honorables et très rentables pour la création de peintures monumentales. Ainsi, en 1798, le roi Carlos IV chargea l’artiste de peindre les dômes et les murs du temple de San Antonio de la Florida, qui venait juste d’être achevé.

L’église a été construite par ordre du roi par le célèbre architecte de l’époque, Fontana, qui a réussi à achever les travaux en seulement six ans, de 1792 à 1798. Les fresques du temple étaient censées raconter la vie de saint Antoine. de Padoue, le moine du franciscain qui a vécu au XIIIe siècle. Pendant trente-six ans, saint Antoine devint un orateur remarquable. Histoires et légendes et sa vie vertueuse, ses miracles et ses sermons soul étaient connus dans tout le pays, on l’appelait même la «lampe de l’ordre».

Dans le travail sur les fresques, l’artiste dispose d’une totale liberté d’action et Goya saisit cette occasion pour repenser les canons traditionnels de la peinture d’église.

Selon la tradition, tout l’espace réservé aux coupons lors de la création de fresques devait être occupé par des images d’anges, d’une croix ou du Christ. Goya décida d’y installer un complot consacré au miracle de la résurrection des morts par saint Antoine, exécuté devant une foule ébahie. Par ce geste, l’artiste exalte le saint à qui le temple est dédié. Le peintre a placé des anges et des archanges sur les murs et les arches de soutien, et de petits anges ont occupé les voiles.

La scène de la résurrection de Goya acquit une interprétation tout à fait réaliste. Saint Antoine est représenté avec ses compagnons, entouré d’un public varié, qui surveille attentivement ses actions. Afin de donner à la fresque un maximum de réalisme, l’artiste s’est attaché à transmettre les images de gens ordinaires, décrivant la foule comme si elle était arrivée directement des rues de Madrid. La solution de composition circulaire confère à l’œuvre un effet de mouvement et de dynamisme continus. Contrairement aux images réalistes de la fresque centrale, Goya décrit les représentants de l’armée céleste comme idéalisés et sophistiqués. La peinture de ce temple est toujours considérée comme l’une des meilleures œuvres monumentales et décoratives de Goya.

Image de vices humains

Les années 90 du 18ème siècle sont devenues un tournant dans la conscience et le travail de Goya. Une maladie grave qui pousse à repenser la vie et le travail de l’artiste, comme cela se produit souvent. Les premières attaques d’une maladie inconnue s’abattirent sur le peintre à l’automne 1792. Des migraines sévères, alternant avec des vertiges, se terminèrent par une paralysie partielle. Le malheureux artiste craignait surtout de perdre la vue. La maladie a paralysé l’esprit moral de Goya, il était constamment morose et ses proches craignaient sérieusement pour sa vie. Heureusement, ces attaques se sont relativement bien terminées, déjà au printemps de l’année dernière, le peintre se sentait beaucoup mieux.

En été, l’artiste s’est presque complètement remis de la maladie, mais non sans perte. La maladie l’a complètement privé d’audition, mais cela n’a pas empêché le capitaine de prendre son pinceau immédiatement après sa guérison. La souffrance expérimentée et la peur de la mort ont suscité chez l’artiste un intérêt véritable et passionné pour l’être spirituel et social de l’homme. Il a jeté un regard différent sur la structure de la société espagnole et a repensé son propre système de valeurs. La joie de vivre et le rayonnement du soleil ont longtemps quitté le travail de l’artiste.

Tout cela a amené le peintre à créer une série d’œuvres intitulée "Caprichos" (Fads). Il comprenait quatre-vingts gravures à l’eau-forte créées entre 1797 et 1799. Sous une forme grotesque fantastique, l’artiste reflétait la situation sociale tendue et tout le côté peu flatteur de l’ordre féodal en Espagne.

Tous les dessins ridiculisent les vices humains: cruauté, ignorance, lâcheté, prétention, égoïsme, crédulité, cupidité et bien plus encore. Toutes les gravures de la série sont basées sur le contraste de la lumière et de l’ombre, exprimé par de grandes taches noires et blanches. Goya fit preuve d’un talent symboliste remarquable et d’une grande ingéniosité. Tous les personnages de Caprichos ont une personnalité très vive qui exprime le vice qu’ils représentent. Les poses, les gestes, les expressions faciales des héros sont si expressifs qu’il devient impossible de déterminer où se trouve la vérité et où se situe la fiction.

Les premiers travaux de la série Capriccios sont principalement consacrés aux vices qui consomment les âmes féminines: insidieux, inconstance et tromperie. Sur ces draps, de chères jeunes femmes séduisent vilainement leurs gentilshommes, et les vilaines vieilles procuratrices sont engagées dans la corruption de filles inexpérimentées.

À partir de la feuille 37, il y a des dessins consacrés à l’ignorance: ils montrent des images d’ânes guérisseurs, jouent de la musique, s’enseignent mutuellement, font des discours et posent pour des singes. Toutes les gravures subséquentes à travers le grotesque nous démontrent clairement comment la laideur morale des gens produit des esprits mauvais. Dans les nuits noires, les sorcières et les brownies effectuent leurs rites, rient, grimacent, se rassemblent le jour du sabbat et tourmentent leurs malheureuses victimes. Mais quand le soleil se lève, toutes les bêtes ne disparaissent pas ni ne meurent, elles changent seulement d’apparence, devenant des gens ordinaires, extérieurement respectables. Et sans fin.

43 feuilles - une gravure intitulée «Le rêve de la raison donne des monstres» - est devenue l’une des plus célèbres. Goya lui fournit des commentaires d’accompagnement intéressants: «L’imagination abandonnée par l’esprit donne naissance à des monstres sans précédent, mais conjointement avec l’esprit, elle devient la mère de tous les arts et la source des miracles qu’ils créent. «En fait, l’artiste a fait de tels commentaires sur chaque feuille de la collection, mais, selon les contemporains, de telles descriptions de l’intrigue ont encore compliqué sa perception,«en fermant les yeux sur tous ceux qui n’avaient pas la moindre idée. «

Selon le plan du peintre, «Caprichos» allait faire redresser ses compatriotes et décider d’affronter leur position imposée par l’aristocratie. En 1799, Goya imprima à ses frais trois cents exemplaires de la série. Quatre exemplaires, avant même leur mise en vente, ont été achetés par la duchesse d’Osuna. 27 autres ont été vendus au cours des prochaines années. Certes, après un certain temps, les Capriccios ont encore gagné en popularité parmi les artistes romantiques.

L’évolution du style et de la vision du monde Pendant tout ce temps, le maître n’a pas cessé de travailler dans le genre du portrait, pour lequel il était constamment commandé par la cour aristocratique. S’éloignant de la précédente interprétation quelque peu superficielle des personnages et des intrigues, il passa au réalisme intellectuel strict. Les peintures créées aux XVIIIe et XIXe siècles se distinguent par un système expressif de techniques artistiques subtiles qui permettaient à l’artiste de révéler pleinement l’essence intérieure des personnages. Ces œuvres reflètent déjà les nouvelles tendances de la peinture, proches des idéaux visuels de l’époque du romantisme.

Le maître commence à accorder de plus en plus d’attention à la psychologie, il tente de souligner la compression tragique de la personnalité sous le joug de circonstances extérieures. Goya semble apprécier le potentiel d’un individu, quel que soit son statut social. Ceci est souvent exprimé par un sarcasme caustique, clairement visible dans un certain nombre de portraits de puissants. Un autre trait distinctif de la nouvelle période de travail de l’artiste est la riche palette de couleurs et l’accent mis sur le volume plastique, la couleur aérienne et gris argentée des années 1790 était à jamais.

Au début du XIXe siècle, Goya reçoit une importante commande de la famille royale pour l’exécution d’une série de ses portraits. L’une des œuvres les plus remarquables de cette période est le «Portrait de la famille du roi Carlos IV» (1800, Musée du Prado, Madrid). Lors de l’exécution de cette toile de grande taille (dont les dimensions étaient de 280 x 336 cm), l’artiste a réussi à créer des portraits séparés de chaque membre de la famille sacrée. Le travail sur le portrait de famille lui-même a duré environ un an.

La première chose qui attire l’attention lorsque l’on regarde cette photo est la magnificence des costumes de tous les membres de la famille royale, écrits avec une grande habileté. Des tissus luxueux, des voiles d’apesanteur, des bijoux irisés et des regalia de pouvoir masquent les images des héros eux-mêmes. Cet effet a été recherché par l’artiste. Parce que, si vous regardez de près les visages pompeux figés des membres de votre famille, vous remarquerez la subtile caractéristique psychologique que Goya a donnée à chacun d’eux.

Par exemple, l’image de la reine Mary Louise a été peinte avec une clarté photographique. La peintre a représenté de façon réaliste son nez crochu, son double menton et ses lèvres minces, ses lèvres étirées dans un sourire. Maria Louise se tient au centre de la toile, de jeunes enfants se tiennent autour d’elle, le roi Carlos IV est représenté à gauche et son fils aîné dans une camisole en soie bleue se trouve à droite de la reine. Par la suite, il deviendra un tyran Ferdinand VII (regardez son visage pervers). À côté de Ferdinand se trouve son épouse, elle s’est détournée du spectateur, car au moment de la rédaction de la photo, aucun accord sur leur mariage n’avait été conclu. Dans le coin gauche du tableau, dans l’ombre profonde, Goya s’est peint.

Le portrait traduit très subtilement les relations au sein de la famille. Si vous faites attention à la position des personnages de l’image, il est frappant qu’ils ressemblent à une foule fragmentée et figée qui a rempli toute la toile. L’artiste souligne intentionnellement l’incohérence de leurs points de vue et de leurs gestes. Et la couleur de l’image elle-même est construite sur une combinaison dispersée de taches inhabituellement colorées.

Malgré le fait qu’aucune des familles sacrées ne manifeste une ombre d’indignation sur le travail fini (la reine se moque même de son apparence «infructueuse»), la toile est le dernier ordre reçu par l’artiste de la famille royale.

Mais les œuvres les plus significatives de l’artiste de cette période (1800 - 1803) étaient les toiles “Dressed Swing” et “Naked Swing” (Musée du Prado, Madrid). Vraisemblablement, ces deux œuvres ont été créées par ordre du Premier ministre Manuel Godoy. Selon des sources, les noms originaux des peintures étaient “Gypsy Dressed” et “Gypsy Nude”. L’image féminine créée par l’artiste sur ces toiles incarnait une beauté vivante et sensuelle, contrastant avec les canons froids de l’académisme. Des informations fiables sur l’identité de la fille qui a servi de modèle à ces œuvres n’ont pas été préservées. Selon une version, c’était la maîtresse de Godoy, d’autres - la duchesse d’Alba, qui, selon des rumeurs, entretiendrait une relation assez longue avec l’artiste lui-même. Certes, aucune preuve réelle de cela n’a été trouvée.

Au cours des deux prochaines années, de 1804 à 1806, l’artiste crée un certain nombre d’images féminines intéressantes. Ceux-ci incluent Portrait de Francisco Sabas y Garcia (1804, Galerie nationale d’art, Washington), Portrait de Dona Teresa Sured (1804-1806, Galerie nationale de l’art, Washington) et Portrait de Dona Isabel Cabos de Porsel (vers 1805, Galerie nationale, Londres). Toutes les toiles sont écrites de manière libre, différente de ses premières œuvres discrètes.Le maître, en mélangeant délicatement de nombreuses nuances de tons, parvient à une interprétation très réaliste des modèles. Les visages des jeunes femmes sont empreints d’une impulsion romantique, et les poses et les regards sont pleins de détermination. Les toiles sombres sont un hommage à la tradition établie de cette époque, mais malgré cela, l’artiste parvient à obtenir le son riche de toutes les couleurs et la transmission incroyablement réaliste des jeunes filles. Une autre caractéristique des portraits est que le peintre ne sélectionne pas leurs tenues et accessoires, comme c’était le cas dans son travail précédent, ni les caractéristiques de personnalité des héroïnes, leur caractère et leur psychologie.

Ensuite, l’artiste crée une autre œuvre avec des images féminines mémorables: «Swinging on the Balcony» (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, New York). La toile représente deux jolies jeunes femmes assises sur le balcon. Dans le fond, dans des couleurs sombres, les silhouettes de leurs compagnons sont écrites. Les silhouettes fragiles des filles, leurs sourires astucieux et leurs yeux touchants paraissent attrayants et attrayants, mais l’apparence de leurs compagnes est alarmante et crée un sentiment de danger.

Bientôt une guerre a éclaté avec la France. Goya reçut de nombreuses commandes du gouvernement pour des portraits de généraux de l’armée et, entre les deux, créa des gravures à l’eau-forte rassemblées dans une série commune appelée The Disasters of War. Au total, la série comprend environ quatre-vingts œuvres. Le peintre y décrit des opérations militaires sans fioritures. Pas d’héroïsme ou de courage ostentatoire, mais ce qui se passe réellement dans la guerre, c’est le durcissement du cœur humain, qui devient capable de subir des atrocités et des trahisons.

Une série de gravures dédiées à la guerre est devenue le summum du travail réaliste de l’artiste. De nombreuses œuvres reflètent ce que le peintre a lui-même vu et vécu au fil des ans. Toute la tragédie du peuple espagnol est dépeinte impitoyablement, honnêtement, sans une goutte d’idéalisation: montagnes de cadavres, pillages, incendies, famine, exécutions.

Il convient de noter que le but du peintre, tout d’abord, n’était pas l’exactitude documentaire, mais l’expression à travers cette série d’œuvres de la tension et de la tragédie qu’il a ressenties au fil des années de guerre. Le sous-texte profond, la combinaison de la réalité et du grotesque, de l’allégorie et de la science-fiction avec une analyse sobre de la réalité, ainsi que la forte expressivité obtenue grâce aux contrastes en noir et blanc accentuaient de nouvelles voies de développement dans le genre de la gravure européenne.

Sur un carton «Un triste pressentiment de ce qui va arriver» (1810, Bibliothèque nationale de Madrid), un homme en vêtements déchirés est représenté, ses bras sont impunément écartés sur les côtés et ses yeux pleins de désespoir et de larmes se lèvent au ciel dans une question silencieuse. Au fond, le chaos et la destruction règnent, les pertes que l’enfer de la guerre entraîne inévitablement. Gravure ouvre la série "Catastrophes de la guerre" et en est le leitmotiv.

Toutes les horreurs de la guerre passent par une série de gravures d’une séquence réaliste effrayante et effrayante: innombrables cadavres, violence contre les femmes, exécution de rebelles et charrettes avec les morts. Les événements et les images dépeints par le maître expriment si bien l’essence des hostilités qu’ils pourraient servir d’illustration à tous les conflits armés vécus par l’humanité tout entière. Il était important pour l’artiste de souligner que les victimes de monstrueux conflits entre États ne sont pas seulement des soldats des troupes officielles, mais également des civils sans défense: enfants, personnes âgées, femmes. La série ne put être réunie en assemblée complète qu’en 1863, après 35 ans passés sous le règne de la France.

La fin de la première décennie du 19ème siècle fut une période difficile pour l’Espagne. Le mécontentement grandissait constamment dans le pays et le roi Carlos IV se révéla être un homme politique peu volontaire et insolvable. En fait, le pays était dirigé par son épouse et son favori, le Premier ministre Manuel Godoy. Ils ont complètement asservi le roi et dilapidé le trésor, entraînant la ruine presque complète de l’Espagne. Cela a provoqué des troubles populaires, qui ont entraîné une crise aiguë dans le pays.

En 1808, le roi Carlos abdiqua en faveur de son fils aîné, Ferdinand VII. Tandis que la confusion régnait à la cour espagnole, à cause de la division du pouvoir, Napoléon profita de la situation pour capturer le jeune souverain et placer son frère Joseph sur le trône d’Espagne et y faire entrer ses troupes. L’empereur français a motivé son action exclusivement avec de bonnes intentions, notamment la nécessité de résister à la révolution en cours de maturation. Ainsi commença la guerre sanglante de l’Espagne avec la France.

Cette année, Goya crée son tableau «Le Colosse» (1808, musée du Prado, Madrid) dans lequel il exprime toute la confusion et les tensions qui règnent dans la société. La majeure partie de la composition est occupée par une figure géante d’un colosse féroce qui serre les poings. Un géant traverse les terres espagnoles, touchant des nuages ​​d’orage. Son apparence provoque une panique générale. La figure de Colosse incarne fort probablement l’impitoyable guerre qui entraîne la ruine générale, la destruction et le chaos.

À l’automne de la même année, l’artiste quitte la capitale pour se rendre à Saragosse, déjà détruite par les troupes françaises. L’apparition de la ville natale en ruine et brûlée a émerveillé le peintre jusqu’au fond de son âme et lui a donné un nouvel élan pour la créativité.

À cette époque, Madrid avait la fièvre des nouvelles. Dans les rues, ils ont dit que les Français ne voulaient pas seulement arrêter, mais s’occuper de toute la famille royale. Le 2 mai 1808, des foules de gens se rassemblent devant le palais royal de la Puerta del Sol. Ils exigent des preuves françaises que le plus jeune fils de l’ancien roi Carlos IV, le prince Francisco de Paula, âgé de treize ans, aimé du peuple, soit toujours en vie. Peu à peu, la situation se tendit, les Espagnols chauffés se précipitèrent pour garder le palais. Ils ont été accueillis par une rebuffade armée. Les habitants sont confrontés à des mercenaires égyptiens - les mamelouks.

Quelques années plus tard, en 1814, Goya décrivit la scène de cet événement sur une toile intitulée "Le 2 mai 1808 à Madrid, le soulèvement contre les Mamelouks" (Musée du Prado, Madrid). La composition de l’image est extrêmement intense, tout y est mélangé - personnes, animaux, vivants, morts et blessés. La couleur rouge-orange intense de la toile traduit parfaitement l’atmosphère de désastre social.

Les troupes de Napoléon ont brutalement écrasé la rébellion. La même nuit, sur l’ordre du monarque français, un massacre sans précédent dans sa cruauté a été perpétré contre les rebelles survivants. Des centaines de Madrid ont été exécutés sans procès. Selon des éléments de preuve restants, beaucoup d’entre eux n’auraient aucune relation avec le soulèvement.

Aucun véritable artiste ou poète ne pouvait rester indifférent, témoin direct de tels événements. Francisco de Goya ne pouvait pas non plus. Six ans plus tard, il a créé le tableau «Le tir des rebelles le 3 mai 1808 à Madrid» (1814, Musée du Prado, Madrid), qui raconte une terrible tragédie. La photo nous montre une scène qui s’est produite tard dans la nuit dans une friche en dehors de la ville. Sur une pente douce d’une colline, illuminée par la lumière inégale d’une grande lanterne, des soldats français abattent les rebelles capturés. Le peintre a présenté les bourreaux comme une masse sans visage et strictement organisée. Le centre du travail est un jeune paysan vêtu d’une chemise blanche. Il écarte les bras, comme s’il essayait de protéger son pays natal avec son propre corps. Le reste des rebelles, condamnés à mort, sont représentés de différentes manières. Quelqu’un inclina docilement la tête,quelqu’un sourit avec défi directement aux bourreaux, d’autres se couvraient les mains, mais aucun d’eux ne tentait même de s’échapper. Le fond de la photo est constitué des silhouettes de la cathédrale, des tours, des maisons qui se distinguent à peine de l’obscurité de la nuit. La composition de l’image est si expressive qu’il semble que des prises de vue assourdissantes briseront le silence qui règne. Le paysage sombre et sévère complète l’atmosphère de tragédie imminente.Le paysage sombre et sévère complète l’atmosphère de tragédie imminente.Le paysage sombre et sévère complète l’atmosphère de tragédie imminente.

Avec cette image, l’artiste cherche non seulement à retranscrire les événements cruels de l’histoire de l’Espagne afin d’exciter le spectateur, mais aussi à représenter la supériorité morale du peuple espagnol sur ses bourreaux, à exprimer la rébellion du national esprit.

Exil volontaire

Avec l’avènement de 1812, l’artiste subit une tragédie personnelle: l’épouse bien-aimée de Joseph décède. L’artiste était très contrariée par la mort d’un fidèle compagnon de sa vie, car après son départ, il ne lui restait plus qu’un fils, qui avait déjà 28 ans. Il est étonnant que Goya n’ait rien écrit sur sa femme et qu’elle ne l’ait représentée qu’une seule fois sur la photo: «Portrait de Josefa Bayu de Goya». À en juger par cette toile, Josefa était une femme simple et gentille. L’artiste lui-même, malgré sa petite taille et son apparence peu séduisante, était connu pour être un amoureux des femmes, peut-être que le modeste Josef ne participait pas à la vie sociale de la société.

Comme tout peintre, Goya a expérimenté toutes ses joies et toutes ses peines à travers sa créativité. Après la mort de son épouse, il entreprit de créer une série de gravures à l’eau-forte destinées à illustrer le travail de Nicolas Fernandez de Moratan, «Notes historiques sur l’émergence et le développement de la corrida en Espagne». De nos jours, cette série est connue sous le nom de "Tavromahiya", dans laquelle l’artiste montrait l’intrépidité d’une personne entrant dans la bataille avec un animal sauvage et féroce.

Vers la fin de la deuxième décennie du 19ème siècle, Francisco de Goya, malade, fatigué et déçu par la politique des autorités espagnoles, décida de quitter la capitale animée pour se protéger. Il a acheté une grande maison de deux étages sur les rives de la rivière Manzanares, entourée de vastes terres cultivées. L’artiste a déménagé plus d’un dans un nouveau refuge, surnommé la Maison des Sourds, suivi de son parent éloigné Leocadia Weiss, avec sa petite fille Rosarita. On sait peu de choses sur la vie de cette femme. À Madrid, elle était réputée pour son comportement scandaleux, mais l’artiste sourde n’était évidemment pas gênée.

À la fin de 1819, Goya tomba de nouveau gravement malade. Leocadia et Rosarita l’ont courtisé, essayant d’éclaircir son grave problème. Grâce à ces soins et aux efforts du Dr. Eugenio Garcia Arrieta, l’artiste a pu se rétablir et même retourner à la peinture. Son premier tableau, après avoir souffert, était dédié à son sauveur - "Autoportrait avec le Dr. Arrieta" (Institut des arts, Minniapolis) avait déjà été peint en 1820. Au centre de la composition, le maître se présentait, penché le dos sur l’épaule d’un jeune docteur. Eugenio apporte un verre de bouillon curatif aux lèvres de l’artiste. À l’arrière-plan, dans une pièce sombre, on peut voir les silhouettes de quelqu’un. La couleur du double portrait est harmonieuse et calme. Au bas de la toile, la note de l’artiste:«Goya remercie son ami Arriet pour l’attention et les soins qui lui ont sauvé la vie lors d’une grave maladie dont il a été victime à la fin de 1819, à l’âge de 73 ans. Il l’a écrit en 1820. "

Ayant amélioré sa santé, Goya commence à travailler sur une nouvelle série d’estampes intitulée Los Proverbios (Proverbes), publiée par l’Académie San Fernando en 1864, bien qu’elle soit connue sous un nom différent - "Disparates" ("Nonsense"). Sur 22 cartons, Goya décrivait toutes sortes d’absurdités et d’absurdités - telle était l’interprétation de son auteur des proverbes nationaux, qui acquéraient un son fantastique de l’artiste.

Visions effrayantes

Dans le même 1820, Goya est revenu à la peinture monumentale, en décidant de peindre les murs de sa maison. Ainsi, par exemple, sur les murs d’une grande pièce du rez-de-chaussée, le peintre a représenté une belle demoiselle en pleine croissance: «Une femme au châle noir» (Musée du Prado, Madrid). Il n’ya pas d’information exacte, mais c’est peut-être un portrait de Leocadia Weiss elle-même. L’Espagnol a une pose naturelle, reposant d’une main sur une haute clôture de pierre qui occupe la majeure partie de la composition. Le léger voile noir recouvrant le visage de la femme confère à l’image un certain mystère.

Cette peinture murale est devenue la plus pacifiée de toutes les œuvres du cycle, dans laquelle le maître a décidé de révéler l’essence cachée de l’homme. L’histoire de l’art n’a pas encore vu d’œuvres de ce genre. Les peintures murales de Goya sont dominées par un principe effrayant, diabolique et artificiel: des images sinistres apparaissent comme dans un cauchemar. Peut-être que l’artiste les a vus dans un rêve, la foi n’est pas tout à fait dans un rêve, mais dans un délire. Dans certaines lettres, Goya lui-même a mentionné que durant sa maladie, il avait eu de terribles hallucinations, peut-être que ce sont eux qui ont trouvé leur chemin dans les peintures noires de l’artiste.

L’une des plus frappantes est la fresque "Saturne dévorant ses enfants" (1820-1823, musée du Prado, Madrid). Dim Light allume dans les ténèbres le corps maigre d’un dieu qui, dans une folie délirante, dévore son propre enfant et le déchire.

La fresque “Pèlerinage à Saint-Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) est très révélatrice et montre à quel point la vision du monde de l’artiste a changé. Cette comparaison est très vivante, car Goya avait déjà créé dans sa jeunesse un ouvrage consacré à ce thème: «Les fêtes du jour de saint Isidore» (1788, Musée du Prado, Madrid) représentent l’une des fêtes les plus appréciées des Madrilènes. C’est une procession annuelle sur les rives de la rivière Manzanares, où un grand pique-nique avec danses a été organisé. Un attribut indispensable de la fête était de boire plus d’eau d’une source thermale découverte par St Isidore, selon la légende. Sur la toile de 1788, c’est une fête nationale colorée et joyeuse. Mais à la fin des travaux, sur le mur de la «Maison des sourds», règne un sentiment alarmant de malheur imminent.Sur une fresque sombre et lugubre sur un sol sec, une foule de gens se promènent les uns aux autres. Sur leurs visages, de terribles grimaces de douleur, de peur, d’horreur, de malice animale et de malice.

Dans le même esprit, l’œuvre «Sabbat des sorcières» (1820-1823, musée du Prado, Madrid) est achevée, bien qu’elle soit peinte de couleurs plus claires, tout son espace étant occupé par la même foule «laide». Au centre de la composition se trouve une chèvre noire en soutane monastique. Ceux qui sont autour avec une lueur gourmande aux yeux fous écoutent la personnification de Satan. Dessinant cette "tribu démoniaque", l’artiste souligne que les gens ont perdu leur apparence humaine et que leurs visages ressemblent à ceux d’animaux.

Toutes les fresques de la «Maison des Sourds» ont un caractère étrange et controversé, elles excitent et font peur. Des taches de couleur blanche, jaune et rouge rosâtre clignotent soudainement, saisissant des images séparées de l’obscurité, puis les enveloppant au contraire. Les quinze scènes ont été réalisées dans des couleurs sombres, pour cela et pour le fait que les placettes sont incroyablement «sombres», les fresques ont été surnommées «Black Paintings». Ils étaient sur les murs de la maison jusqu’aux années 1870, jusqu’à ce que le nouveau propriétaire, le baron Emil Erlanger, banquier et collectionneur passionné, reçoive l’ordre de transférer toutes les parcelles sur de la toile. En 1878, il les présenta lors d’une exposition à Paris. Trois ans plus tard, il en fit don au Musée du Prado à Madrid, fondé par Ferdinand VII en 1819.

Déménagement en France et mort d’un maître

L’achèvement des fresques a coïncidé avec les changements dans le pays. Le roi Ferdinand VII a aboli en 1823 le gouvernement constitutionnel, avec lequel Goya sympathisait. L’artiste, qui était encore peintre de cour, commença à craindre pour sa vie et partit au printemps 1824 pour la France.

Il s’est installé à Bordeaux, dans une petite maison confortable, emmenant avec lui, Leona Leocadia et sa fille. À cette époque, l’artiste avait déjà soixante-seize ans. Goya a beaucoup travaillé en France. Il a créé des portraits de ses parents et amis autour de lui, maîtrisant la technique de la lithographie. Vers 1828, Goya crée l’œuvre «Grive de Bordeaux» (musée du Prado, Madrid) et une nouvelle série de gravures «Taureaux de Bordeaux».

Peu de temps avant sa mort, le peintre s’est rendu à Madrid, où il a rendu visite à son fils et à son petit-fils. Le peintre est décédé le 16 avril 1828, il avait quatre-vingt-deux ans. Les cendres de Francisco de Goya ont été transportées en Espagne et enterrées dans le temple de San Antonio de la Florida à Madrid, peint par le maître il y a de nombreuses années.

Tous les travaux du maître ont eu un impact considérable sur la formation et le développement de l’art du XIXe siècle. Quelques années seulement après le décès de l’artiste, son apport à la culture artistique a été évalué au niveau paneuropéen.

Zhuravleva Tatyana