Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887) Automatique traduire

Tout au long de sa vie, Ivan Nikolaevich Kramskoy a tenté de transformer l’art en visage afin que celui-ci devienne un outil efficace de connaissance active. Un artiste exceptionnel, qui a joué un rôle important dans la formation de l’école nationale de peinture, a dirigé la célèbre "émeute de quatorze", à la tête de l’Art des Artistes et de l’Association des vagabonds, était l’un de ceux dont la vie le travail servait invariablement à affirmer les idées les plus révolutionnaires et les plus avancées de son temps.

Images de Ivan Kramskoy

Sens aigu de la vie

Ivan Nikolaevich a écrit dans sa biographie: «Je suis né le 27 mai 1837 (selon l’art. VV) dans le chef-lieu de comté d’Ostrogozhsk, dans la province de Voronezh., Dans le village de banlieue de Novaya Sotna, des parents le philistinisme local. À 12 ans, j’ai perdu mon père, un homme très sévère, si je me souviens bien. Mon père a siégé à la Douma de la ville, si je ne me trompe pas, en tant que journaliste (c’est-à-dire un employé - VR); Mon grand-père, selon les histoires… était aussi une sorte de greffier en Ukraine. Ma généalogie ne monte pas plus loin. ”

Dans ses dernières années, l’artiste a ironiquement remarqué que quelque chose d’un «genre» venait de lui. Dans son autobiographie, on ressent une certaine amertume, mais en même temps la fierté légitime d’un homme qui s’est échappé de la "classe inférieure" et s’est aligné sur les personnalités les plus en vue de son temps. Le peintre a raconté comment il s’était efforcé de s’instruire toute sa vie, mais il n’avait réussi qu’à terminer l’école du district d’Ostrogozh, bien qu’il y soit devenu le "premier élève". «… Je n’ai jamais été aussi envieux de personne… en tant que personne véritablement éduquée», note Kramskoy, mentionnant qu’après sa formation, il était devenu le même employé à la Douma de la ville, tout comme son père.

Le jeune homme s’intéressa tôt à l’art, mais c’est l’artiste et photographe amateur local Mikhail Borisovich Tulinov, le premier à le remarquer et à l’aider, à qui Kramskoy était reconnaissant de toute sa vie. Pendant quelque temps, il étudia la peinture d’icônes puis, à seize ans, il «eut l’occasion de s’évader d’un chef-lieu avec un photographe de Kharkov». Le futur artiste voyagea avec lui «une grande moitié de la Russie pendant trois ans, un retoucheur et aquarelliste. C’était une école dure… ". Mais cette" école sévère "apporta un bénéfice considérable à Kramskoy, tempéra sa volonté et forma un personnage persistant, ne faisant que renforcer son désir de devenir artiste.

À en juger par ses entrées dans son journal, le jeune Ivan Kramskoy était un jeune homme enthousiaste, mais en 1857, un homme était déjà arrivé à Pétersbourg et savait très bien ce qu’il voulait et comment y parvenir. Le début de la voie indépendante du futur peintre a pris une période difficile pour toute la Russie. La guerre de Crimée vient de prendre fin, après avoir marqué la défaite militaire et politique écrasante de l’autocratie, tout en réveillant la conscience publique des progressistes et des larges masses du peuple.

Monolithe de l’Académie Impériale

L’abolition du servage détesté était imminente et la Russie progressiste vivait non seulement dans l’espoir de changements futurs, mais elle y contribuait également à tous les égards. Les jeunes révolutionnaires raznochintsy, dirigés par NG Chernyshevsky, se sont préparés à la lutte pour la libération du peuple. Et même si loin de la vie pratique, la sphère du "grand" art a succombé au charme du vent du changement.

Si le servage était le principal frein au développement de tous les aspects de la société, le fief du conservatisme dans le domaine de l’art fut créé au milieu du XVIIIe siècle par l’Académie impériale des arts. En tant que chef d’orchestre de doctrines officielles et de principes esthétiques qui lui avaient déjà survécu, elle n’a pas permis à la région du «beau» d’avoir quelque chose en commun avec la réalité réelle. Mais ses élèves de la seconde moitié des années 50, au début des années 60, ont de plus en plus clairement senti que la vie imposait des exigences complètement différentes à l’art. Les mots importants de NG Chernyshevsky «La beauté, c’est la vie» sont devenus un cadre programmatique pour toutes les intelligentesia progressistes russes et les jeunes figures de l’art démocratique russe naissant. Ils ont ensuite apporté de nouvelles ambiances publiques à l’Académie des arts, ont noué des liens étroits avec des étudiants de l’Université, l’Académie de médecine et de chirurgie, dans lesquels les héros du roman Chernyshevsky "Que dois-je faire?" Dmitry Lopukhov et Alexander Kirsanov, deux raznochintsy, pairs I. Kramsky a étudié.

En arrivant à Saint-Pétersbourg, Ivan Nikolaevich jouissait déjà de la notoriété d’un excellent retoucheur, ce qui lui ouvrit la porte du studio des meilleurs photographes métropolitains IF Alexandrovsky et AI Dener. Mais la carrière d’un artisan à succès ne peut le satisfaire. Kramskoy pensait de plus en plus avec persistance à entrer à l’Académie des Arts.

Les dessins de Kramskoi reçurent immédiatement l’approbation du conseil de l’académie et, à l’automne de 1857, il devint déjà étudiant du professeur A… T. Markov. Son rêve est donc devenu réalité et je dois dire qu’il a étudié Kramskoy avec beaucoup de diligence, qu’il a travaillé durement pour le dessin, dont la culture était très élevée à l’Académie, qu’il a travaillé avec succès à des croquis de sujets historiques et mythologiques, recevant tous les prix.

Mais le jeune peintre ne ressentait pas une réelle satisfaction. Homme réfléchi et averti, il ressentit de plus en plus nettement une discorde fondamentale entre les anciennes doctrines de l’art et la vie réelle. Quelques mois seulement après l’entrée de Kramsky à l’Académie, le travail de AA Ivanov «L’apparence du Christ au peuple» a été rapporté en Italie par Pétersbourg. Le retour de l’artiste en Russie après presque trente ans d’absence, la mort subite qui s’ensuivit, l’impression que ses contemporains ont faite, qui devint l’œuvre principale de la vie du grand maître, jouèrent un rôle déterminant dans la formation de la conscience de la partie l’intelligentsia russe.

L’émeute de quatorze

Mieux encore, Ivan Kramskoy lui-même a raconté à la rébellion de 14 ans dans une lettre à son vieil ami MB Tulinov: «Mon cher Mikhail Borisovich! Attention! Les circonstances suivantes se sont déroulées à l’Académie le 9 novembre, c’est-à-dire samedi dernier: 14 étudiants ont soumis une demande de délivrance de diplômes pour le titre d’artistes de classe. À première vue, il n’ya rien d’étonnant.

Les gens sont libres, les étudiants qui arrivent librement, peuvent, quand ils veulent quitter les cours. Mais le fait est que ces 14 personnes ne sont pas des étudiants ordinaires, mais des personnes qui doivent écrire pour la première médaille d’or. C’était comme ça: un mois auparavant, nous avions demandé l’autorisation de choisir un complot, mais nous avions refusé notre demande… et décidé de donner une histoire aux historiens et un complot aux auteurs de genre qui avaient choisi leurs propres intrigues.. Le jour de la compétition, le 9 novembre, nous sommes au bureau et avons décidé d’aller ensemble au Conseil et de savoir ce que le Conseil a décidé. Et donc, à la question de l’inspecteur: qui de nous sont des historiens et qui sont des auteurs de genre? afin que tout le monde puisse entrer ensemble dans la salle de conférence, nous avons répondu que nous étions tous des historiens. Enfin, ils appellent le Conseil à écouter la tâche. Nous entrons. FF Lvov nous a lu l’histoire: «Feast in Valhalla» - de la mythologie scandinave, où les héros chevaliers se battent pour toujours, où Dieu Odin préside, il a deux corbeaux sur ses épaules et deux loups à ses pieds, et enfin, quelque part dans le cieux, entre les colonnes, un mois entraîné par un monstre en forme de loup et bien d’autres absurdités. Après cela, Bruni s’est levé et est venu nous expliquer le complot, comme c’est toujours le cas. Mais l’une de nous, à savoir Kramskoy, se sépare et dit ce qui suit: «Nous demandons la permission de dire quelques mots devant le Conseil» (silence, tous les yeux braqués sur l’orateur). «Nous avons déposé une demande à deux reprises, mais le Conseil n’a pas jugé possible de répondre à notre demande. "Nous, ne nous considérons plus comme le droit d’insister et n’osons pas penser à un changement de décision académique, nous demandons de nous libérer humblement de la participation au concours et de nous donner des diplômes pour le titre d’artistes."

Quelques instants - silence. Enfin, Gagarine et Tone émettent des sons: “Est-ce tout?”. Nous répondons: "tout", puis nous partons et dans la pièce voisine, nous présentons des pétitions au responsable de la cause… Et le même jour, Gagarine demanda à Dolgoroukov par lettre pour que rien ne parût dans la littérature sans le consulter (Gagarin). En un mot, nous le mettons dans un dilemme. Donc, nous coupons notre propre retraite et ne voulons pas revenir, et que l’Académie soit en bonne santé pour son centenaire. Partout où nous trouvons de la sympathie pour notre action, un auteur, envoyé par des écrivains, m’a demandé de lui dire les mots que j’avais prononcés au Conseil pour publication. Mais nous restons silencieux pour le moment. Et comme nous tenions toujours fermement la main pour ne pas nous perdre, nous avons décidé de nous attacher à créer une association artistique, c’est-à-dire de travailler ensemble et de vivre ensemble. Je vous demande de me faire part de vos conseils et de vos réflexions concernant la structure pratique et les règles générales adaptées à notre société… Et maintenant, il nous semble que cette question est possible. Notre gamme d’actions a une étreinte: portraits, iconostases, copies, peintures originales, dessins de publications et lithographies, dessins sur bois, bref, tout ce qui concerne notre spécialité… Voici un programme qui n’est pas aussi clair que vous le voyez…. "

Dans cette lettre, l’artiste révèle non seulement les hauts et les bas de la confrontation entre les jeunes artistes et l’Académie, mais voit également des perspectives pour l’avenir, qui ne sont pas encore tout à fait claires, mais qui sont très audacieuses et ne se limitent pas aux objectifs égoïstes de leur destin. propre survie. Après cet incident, une surveillance policière secrète a été mise en place sur Kramskoi et ses camarades pendant de nombreuses années. Voici les noms de quatorze participants à «l’émeute»: les peintres I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, M. Peskov, B. Wenig, P. Zabolotsky, N. Shustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, A Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh et le sculpteur V. Kreitan.

Tous ont reçu l’ordre de libérer les ateliers de toute urgence, mais la jeunesse, laissée sans moyen de subsistance, a remporté une victoire majeure dont l’importance était alors difficilement compréhensible. Ce fut la première conquête de l’art démocratique démocratique russe. Bientôt, Kramskoy, avec des personnes partageant les mêmes idées, a commencé à mettre en pratique son idée - la création de la première "association artistique" indépendante - Artels of Artists.

Kramskoy regarde Repin

Après avoir été expulsé de l’Académie, Kramskoy a décidé d’enseigner à l’école de la Société pour l’encouragement des arts, parmi les étudiants dont «était un jeune homme talentueux qui venait d’arriver d’Ukraine à Saint-Pétersbourg», tout comme Kramskoy lui-même. avait déjà rêvé d’entrer à l’Académie des Arts - Ilya Repin.

Ilya Efimovich lui-même décrit sa première rencontre avec Kramskoy comme suit: «Nous sommes dimanche, à midi. La classe est très animée, Kramskoy n’est pas là. Nous tirons de la tête de Milon Krotonsky… Dans la salle de classe, il y a du bruit… Soudain, il y eut un silence complet… Et je vis un homme maigre, vêtu d’une redingote noire, entrant d’un pas décidé dans la classe. Je pensais que c’était quelqu’un d’autre: j’ai imaginé Kramskoy différemment. Au lieu d’un beau profil pâle, celui-ci avait un visage mince et effronté et des cheveux noirs et lisses au lieu de boucles châtain aux épaules, et seuls les étudiants et les enseignants avaient une telle barbe fluide et minable. - Qui est-ce? Je murmure à un ami. - Kramskoy! Tu ne sais pas? il se demande. Alors le voilà!.. Maintenant il m’a regardé; semble avoir remarqué. Quels yeux! Ne vous cachez pas, même s’ils sont petits et assis profondément dans des orbites enfoncées; gris, lueur… Quel visage sérieux! Mais la voix est agréable, sincère, parle avec émotion… Mais ils l’écoutent aussi! Ils ont même abandonné leur travail, ils restent bouche bée; il est évident qu’ils essaient de se souvenir de chaque mot. ”

Repin, à l’instar de nombreux artistes russes (Kramskoy lui-même écrivait très bien, tout comme Perov), Repin s’est avéré être un écrivain de talent. Dans son essai «Ivan Nikolaevich Kramskoy (À la mémoire de l’instructeur)», avec son impulsivité inhérente, il crée un portrait littéraire très vivant et expressif. «Les pages de Kramskoy sur les pages de Repin sont toutes en mouvement, en lutte, ce n’est pas une figure de cire gelée d’un panoptique, c’est précisément le héros d’une histoire fascinante riche en épisodes», écrivait plus tard K. Chukovsky.

Repin a créé une image qui coïncide presque dans les moindres détails avec l’autoportrait, écrit par Kramsky en 1867 et caractérisé par une caractérisation exceptionnellement objective. Sur la photo, rien ne nous détourne de l’essentiel - le visage du héros, avec un regard strict et pénétrant de yeux gris. Esprit, volonté, retenue - tels sont les principaux traits de personnalité de l’artiste, qui sont clairement visibles sur la toile. La fierté de soi se manifeste sans dessin ni pose. Tout est simple et naturel dans l’apparence extérieure du peintre et à sa manière harmonieusement dans l’intérieur. La couleur du portrait est presque monochrome, le trait est dynamique, nous avons devant nous la tête reconnue du premier Artel d’artistes de Saint-Pétersbourg.

Création d’Artel

Sur la façade de la maison n ° 2/10, au coin de l’avenue Mayorov et de la perspective Admiralteysky à Saint-Pétersbourg, se trouve une plaque commémorative portant l’inscription: «Dans cette maison, de 1866 à 1870, un artiste russe de premier plan, Ivan Kramskoy vécu et travaillé. L’Artel organisé par lui, réunissant les principaux artistes réalistes des années 60, était situé ici. ”Mais en réalité, l’Artel des artistes n’a pas immédiatement acquis une salle au centre de la capitale, non loin de la place du Palais.

Tout a commencé beaucoup plus modestement. Avant de mourir, Kramskoy, se souvenant de l’organisation d’Artel, écrivait à Stasov: «… alors il fallait d’abord manger et manger, puisque les 14 personnes disposaient toutes de deux chaises et d’une table à trois pieds. Ceux qui avaient au moins quelque chose avaient disparu immédiatement. "Après de longues délibérations", a déclaré Repin, "ils sont arrivés à la conclusion qu’il était nécessaire d’organiser, avec l’autorisation du gouvernement, l’Artel des artistes - une sorte de société d’art, d’atelier et de bureau acceptant les commandes de la rue, avec un signe et une charte approuvée. Ils ont loué un grand appartement dans la dix-septième ligne de l’île Vasilievsky et ont déménagé (la plupart d’entre eux) pour y vivre ensemble. Et puis ils ont immédiatement pris vie, se sont égayés. Une grande salle lumineuse commune, des chambres confortables pour chacun, leur propre maison, dirigée par la femme de Kramskoy, tout cela les encourageait. La vie est devenue plus amusante et certains ordres sont apparus. La société est le pouvoir. ”Il y a donc eu la première association d’artistes organisée par Kramskoy. Cela a permis à de nombreux artistes talentueux non seulement de survivre, mais également de réussir, d’être reconnus et de jouir d’une indépendance financière, ce qui a finalement entraîné une nouvelle désintégration complète de l’organisation.

Vie personnelle et intérêt pour la psychologie

Ivan Nikolaevich a toujours été persuadé que son élu serait sa petite amie fidèle et qu’il partagerait avec lui toutes les épreuves de la vie de l’artiste. Sofya Nikolaevna, qui est devenue sa femme, a pleinement réalisé ses rêves de bonheur personnel. Dans l’une des lettres de l’artiste à sa femme, nous lisons: "… non seulement vous ne me dérangez pas d’être artiste et camarade de mes camarades, mais même si vous êtes vous-même devenu un véritable artisan…". Kramskoy a peint à plusieurs reprises des portraits de Sofia Nikolaevna. Et bien que ce serait trop audacieux de l’appeler la “muse” de l’artiste, elle était sans aucun doute l’idéal d’une femme pour lui. La meilleure confirmation de ceci est ses images créées dans les portraits des années 60. Les caractéristiques communes à toutes les peintures sont l’intégrité, l’indépendance et la fierté de leur héroïne, leur permettant de voir en elle une «nouvelle femme» qui, en même temps, n’a pas perdu sa vraie féminité, sa poésie et sa douceur.

Ces qualités sont particulièrement perceptibles dans son portrait graphique, appartenant à la galerie Tretyakov (années 1860). Une femme jeune, charmante et douce avec un caractère volontaire, comme nous le dit un virage énergique et un regard strict mais ouvert.

La peinture "Lecture. Portrait de SN Kramskoy", peinte en 1863, rappelle les portraits lyriques féminins du début du XIXe siècle. La couleur du tableau est basée sur une combinaison de nuances de vert clair, de lilas et d’autres couleurs délicates. Le paysage joue un rôle important dans la toile et dans les quelques accessoires soigneusement sélectionnés qui contribuent à rendre l’attrait évident de l’héroïne du portrait. Un jeune couple de Kramskys fut capturé en 1865 par leur ami commun "l’artisan" NA Koshelev. picture «Kramskoy avec sa femme», nous voyons un croquis lyrique: Sofia Nikolaevna joue du piano, tandis qu’Ivan Nikolaevich a réfléchi à l’accompagnement de sa musique.

Dans les années 60, Kramskoy a créé de nombreux portraits graphiques de ses amis: NA Koshelev, les époux Dmitriev-Orenburg, MB Tulinov, II Shishkin, renforçant de plus en plus leur psychologisme. Certes, la photographie en développement rapide, semble-t-il, a commencé à supplanter le graphisme artistique et les portraits picturaux coûteux. Il semblait que la caméra était disponible avec absolument tout ce qui lui permettait non seulement de capturer avec précision l’apparence de la pose, mais aussi de souligner avantageusement les détails nécessaires du costume, la riche atmosphère, les bijoux, etc. Mais, comme le temps l’a montré, il n’a pas pu. t faire une chose - regarder à l’intérieur d’une personne, lui donner une certaine évaluation sociale et psychologique. Cela ne restait réalisable que dans le portrait créé par l’artiste.

C’est cela - l’amélioration du portrait psychologique - que de nombreux maîtres, dont NN Ge, VG Perov et IN Kramskoy. La montée en puissance du portrait réaliste russe a coïncidé avec le début de l’ère de Wanderer et la fin de l’ère Artel, qui a perdu son sens originel avec le temps.

Partenariat des vagabonds

La grande idée de créer le TPHV, qui joua un rôle important dans la vie de l’art russe, appartenait à un groupe d’éminents artistes de Moscou et de Saint-Pétersbourg, et le célèbre écrivain de genre GG Myasoedov en fut l’initiateur direct. Il a écrit une lettre à Artel où il s’est réuni avec le soutien de membres individuels, principalement - IN Kramskoy.

À toga, en 1870, une organisation a été créée pour libérer l’art démocratique russe de la tutelle de l’État, rassemblant les artistes principaux autour d’une association fondée sur le principe de l’intérêt matériel de tous ses membres. Le principal objectif du partenariat était le développement de l’art. La pratique des expositions itinérantes ouvre la voie à une communication directe entre les artistes et un large public, tout en soulevant les problèmes les plus pressants de notre époque.

Au cours de plusieurs décennies, PM acquit bon nombre des meilleures œuvres des Wanderers de sa collection. Tretyakov. Le 28 novembre (12 décembre, selon le nouveau style), 1871, la première exposition du Partenariat a eu lieu à Saint-Pétersbourg. Il convient de noter que c’est à Kramsky, homme aux principes et aux convictions extrêmement fermes, que le Partenariat des expositions d’art itinérantes créé a été obligé de devenir rapidement une tache plus ardue des tâches de l’organisation de l’exposition et de devenir une véritable école d’art russe avancé.

Ivan Nikolayevich lui-même, organisant le Partenariat et guidant sa vie créatrice, a trouvé en lui ce "terreau" qui lui permettait d’atteindre ses propres sommets artistiques. L’apogée de l’Association of Wanderers a coïncidé avec celle du travail de Kramskoy, en tant que peintre et critique publicitaire, auteur de nombreux articles très sérieux dans lesquels il a exprimé ses réflexions sur le destin de l’art et ses conséquences. haute mission sociale.

Dans de nombreuses lettres à diverses personnes, on peut lire de nombreux commentaires intéressants de Kramskoy sur les grands maîtres du passé et les artistes russes et européens contemporains. Le moment le plus remarquable dans le raisonnement critique de l’artiste fut qu’il les écrivit moins pour apprendre aux autres à exprimer ce travail interne énorme et continu qui était réalisé en lui-même.

Kramskoy, dans ses vues esthétiques, était un partisan inconditionnel des enseignements des grands démocrates VG Belinsky et NG Chernyshevsky. Il écrivait, estimant que seule la vie pouvait être à la base de la création artistique: «C’est mauvais quand l’art devient législateur!… Les intérêts sérieux des peuples doivent toujours primer les moins importants.»

Kramskoy a fait valoir que «l’art ne peut être autre que national. Nulle part et il n’ya jamais eu d’autre art, et si le prétendu art humain universel existe, c’est seulement parce qu’il a été exprimé par une nation qui s’est tenue en face du développement humain universel. Et si jamais la Russie est destinée à occuper une telle position entre les peuples, l’art russe, étant profondément national, deviendra universel. ”

Image du christ

Au moment de l’apogée de l’art impressionniste en France, Repin, qui était à Paris et admirait leur travail, a écrit que "nous", c’est-à-dire les Russes, "un peuple complètement différent, en plus, en développement (artistique. - VR), nous sommes en une phase antérieure. " En réponse à la remarque de Kramskoy selon laquelle les artistes russes devraient enfin «passer à la lumière, aux couleurs», dit Repin: «… notre tâche est contente. Le visage, l’âme de l’homme, le drame de la vie, les impressions de la nature, sa vie et son sens, l’esprit de l’histoire, tels sont nos thèmes… nos couleurs sont un instrument, elles doivent exprimer nos pensées, notre couleur est pas des spots élégants, il doit exprimer l’ambiance de la photo, son âme, il doit positionner et capturer l’ensemble du public, comme un accord musical. ”

Il convient de noter que de nombreuses personnalités de la culture russe, du ministre des Affaires étrangères Dostoïevski au député Moussorgski, ont exprimé des idées analogues. Ils ont été directement incarnés dans les œuvres de IN Kramskoy.

L’œuvre la plus importante de l’artiste était le tableau «Le Christ dans le désert» (1872) présenté lors de la deuxième exposition de l’Association of Wanderers (1872), dont l’idée est née il y a longtemps. L’artiste a déclaré qu’elle était devenue le dépositaire des idées les plus importantes pour lui: «Sous l’influence de plusieurs impressions, une très lourde sensation de vie s’est installée en moi. Je vois clairement qu’il y a un moment dans la vie de chaque personne, créé dans la moindre parcelle à l’image et à la ressemblance de Dieu, lorsqu’il trouve un reflet - faut-il aller à droite ou à gauche?.. Nous savons tous comment une telle l’oscillation se termine généralement. En approfondissant la pensée et en englobant l’humanité en général, je peux, de ma propre expérience, de mon petit original et seulement de lui seul, deviner le drame terrible qui s’est déroulé pendant les crises historiques.Et maintenant, j’ai un terrible besoin de d’autres ce que je pense. Mais comment dire? Comment, de quelle manière puis-je être compris? De par la nature, le langage du hiéroglyphe m’est le plus accessible. Et puis j’ai une fois… j’ai vu un personnage assis dans une pensée profonde… Sa pensée était si sérieuse et profonde que je le mettais constamment dans une position… Il m’est devenu évident qu’il était occupé par une question importante pour lui, si important qu’il soit insensible à une terrible fatigue physique… Qui était-ce? qu’il était insensible à une terrible fatigue physique… Qui était-ce? qu’il était insensible à une terrible fatigue physique… Qui était-ce? Je ne sais pas. Selon toute vraisemblance, c’était une hallucination; Je n’ai vraiment pas dû le voir. Il me semblait que cela correspond le mieux à ce que je voulais dire. Ensuite, je n’ai même pas eu besoin d’inventer quoi que ce soit, j’ai juste essayé de copier. Et quand il a fini, il lui a donné un nom audacieux. Mais si je pouvais, au moment où je le regardais, l’écrire, est-ce Christ? Je ne sais pas…".

Nous pouvons juger combien de temps l’artiste a travaillé dur à la création de cette image très «correcte» à partir du grand nombre de dessins et de croquis réalisés en préparation de l’œuvre principale. L’importance de cette image pour Kramskoy peut être jugée par le fait qu’il a continué à terminer son travail même après son affichage dans la galerie Tretyakov.

L’artiste a représenté le Christ assis sur des pierres grises et froides, le sol du désert est mort, il semble que Jésus se soit égaré là où le pied humain n’avait pas encore marché. Un équilibre délicat du niveau de l’horizon divisant l’espace de travail en deux. Sa silhouette, qui domine simultanément l’espace de la toile, dessine une silhouette nette sur le ciel et s’harmonise avec le monde terrestre représenté sur la toile. Cela aide seulement l’artiste à approfondir le drame intérieur de son héros. Aucune action sur l’image, mais le spectateur semble ressentir la vie de l’esprit, le travail des pensées du fils de Dieu, résolvant pour lui-même un problème important.

Ses jambes sont blessées sur des pierres tranchantes, le personnage est plié, ses mains sont douloureusement serrées. Pendant ce temps, le visage émacié de Jésus ne traduit pas seulement sa souffrance mais, malgré tout, il exprime une volonté énorme, une fidélité sans bornes à l’idée à laquelle il a subordonné toute sa vie.

«Il était assis alors, quand le soleil était encore devant lui, fatigué, épuisé, il observait d’abord le soleil, puis il ne remarqua pas la nuit, et à l’aube, quand le soleil devait se lever derrière lui, il resta immobile.. Et vous ne pouvez pas dire qu’il était complètement insensible aux sensations: non, sous l’influence du froid matinal, il pressa instinctivement ses coudes contre son corps et seulement ses lèvres semblèrent se dessécher, collées ensemble d’un long silence, et seuls ses yeux trahissaient le travail intérieur, bien qu’ils n’aient rien vu… ".

L’auteur s’adresse à ses contemporains, soulevant dans cet ouvrage de grands et éternels problèmes humains universels, posant devant eux la difficile question du choix d’un chemin de vie. À cette époque, beaucoup de gens en Russie étaient prêts à se sacrifier pour la vérité, le bien et la justice. Les jeunes révolutionnaires, qui sont rapidement devenus les héros de nombreuses œuvres de littérature et de peinture démocratiques, se préparaient à «aller au peuple». Le lien étroit entre les peintures de Kramskoy et la vie était évident, mais l’artiste voulait créer un programme de travail: «Alors, ce n’est pas le Christ, c’est-à-dire que je ne sais pas de qui il s’agit. Ceci est une expression de mes pensées personnelles. Quel moment? Transition. Qu’est-ce qui suit? Suite dans le prochain livre. "Le«prochain livre»était censé être la toile«Le rire»(«Réjouis-toi, roi des Juifs!», 1877-1882).

En 1872, Kramskoy écrivait à FA Vasiliev: «Nous devons aussi écrire«Christ», nous en avons certainement besoin, c’est-à-dire non pas lui, mais cette foule qui rit à tue-tête, avec toutes les forces de son immense animal. poumons… Ce rire que je hante depuis tant d’années maintenant. Ce n’est pas si difficile que c’est difficile, mais c’est difficile qu’ils rient. "Le Christ devant la foule, ridiculisé, a craché dessus, mais" il est calme comme une statue, pâle comme une toile. " «Bien que nous ne parlions pas sérieusement de bonté, d’honnêteté, nous sommes tous en harmonie, essayons d’appliquer sérieusement les idées chrétiennes dans la vie et voyons comment le rire s’élève. Ce rire me hante partout, partout où je vais, partout où je l’entends. ”

«Poursuivre sérieusement les idées chrétiennes» pour l’artiste ne signifiait nullement l’affirmation des dogmes de l’orthodoxie officielle, c’était une volonté de défendre une véritable moralité, l’humanité. Le personnage principal de "Rire" incarnait non seulement les idées de Kramskoy lui-même, mais résumait également les pensées de nombreux représentants de l’époque qui pensaient honnêtement et qui le bien abstrait ne pourrait tout simplement pas vaincre le vrai mal réel.

Paroles

Dans la vie de Kramskoy, au milieu de sa vie, il y avait un certain drame lié à celui qu’Ivanov vivait à la fin de son voyage. L’artiste a commencé à penser que l’échec de la création qui lui était arrivé (l’œuvre «Le rire» n’était jamais achevée) est une conséquence de la position erronée de sa position idéologique choisie dans son ensemble. Ces doutes ont été générés par le maximalisme utopique caractéristique de nombre des meilleurs représentants de l’intelligentsia russe. L’artiste a réussi à résoudre la tâche difficile qu’il avait tenté vainement sous la forme d’un cycle d’œuvres sur le Christ, dans ses magnifiques portraits des années 70-80, incorporant dans sa grande galerie d’images d’écrivains, de scientifiques, d’artistes russes avancés et figures de théâtre personnalités de haute apparence morale.

Dans les mêmes années 70, Kramskoy écrit un certain nombre d’œuvres lyriques qui ne lui sont pas particulières plus tôt. Un exemple frappant est le tableau «Inspection de la vieille maison» (1873), qui raconte le «nid noble» abandonné et en train de s’effondrer, que son propriétaire est revenu après plusieurs années d’absence. «Le vieil homme de race, célibataire» arrive enfin dans son domaine familial après une très longue période et le trouve en ruine: le plafond s’est effondré à un endroit, il y a partout une toile d’araignée et de la moisissure, plusieurs portraits de les ancêtres sont sur les murs. Deux personnalités féminines le conduisent sous ses bras… Derrière elles - l’acheteur - un gros marchand… ".

Nous voyons un homme âgé se déplaçant lentement le long de l’enfilade de pièces d’un domaine familial abandonné. Alors il entra dans le salon, accroché aux portraits de ses ancêtres assombris de temps en temps, vit des meubles anciens recouverts de bâches grises, il semble que même l’air de cette vieille maison soit peint dans des tons fumés-poussiéreux, le temps s’est arrêté ici, et la lumière timide des fenêtres ne parvient pas à dissiper cette brume du passé.

Comme NA le mentionnait dans ses lettres, Mudrogel - l’un des plus anciens employés de la galerie Tretiakov, était probablement "sur la photo" Inspection de la vieille maison "Kramskoy se présenta lui-même". La preuve d’un contemporain présente un intérêt certain, même si, même si cela est vrai, l’artiste n’a pas simplement essayé cette triste situation lyrique. Kramskoy investi dans son image a créé une signification sociale large et poétique.

Comme vous le savez, la photo est restée inachevée. Peut-être que Kramskoy, en tant que personne active, active et purement «publique», ne s’est tout simplement pas laissé aller à se détendre, à se diriger vers le canal lyrique, surmontant cette faiblesse en lui-même, afin de travailler sur des œuvres d’une signification sociale complètement différente, plus importante encore., à son avis, dans une situation socio-artistique difficile en Russie dans les années 1870. «En substance, je n’ai jamais aimé les portraits, et si je le faisais assez bien, c’est uniquement parce que j’aimais et aimais la physionomie humaine… Je suis devenu portraitiste par nécessité», a écrit Ivan Nikolaevich. Il est évident, cependant, que la seule «nécessité» ne pourrait pas en faire un excellent maître du portrait.

Portrait de Tolstoï

La nécessité de prouver que, selon les idées de Chernyshevsky, "la personne humaine est la plus haute beauté du monde, accessible à nos sens", a suscité chez Kramskoy un vif intérêt pour la "physionomie humaine". Grâce à l’intérêt de l’artiste pour refléter l’âme humaine, les portraits créés par le maître à cette époque ont été une contribution inestimable aux beaux-arts russes des années 1860 et 80.

IE Repin lui écrivait en 1881: «Les portraits que vous avez maintenant représentent les visages de la chère nation, de ses meilleurs fils, qui ont apporté des avantages positifs à leurs activités désintéressées, au profit et à la prospérité de leur pays natal, croyait en son avenir meilleur et luttait pour cette idée…»Ivan Nikolaevich Kramskoy est devenu l’un des fondateurs de la galerie de portraits, grâce auquel nous pouvons maintenant voir le visage de personnes qui ont joué un rôle de premier plan dans l’histoire et l’art de l’art. Russie. Parmi les premiers figurait Léon Tolstoï, dont les premiers portraits ont été peints par Kramskoy.

Le rêve chéri de Tretyakov était de réaliser un portrait du grand écrivain russe de la collection, mais jusqu’à présent, personne n’a réussi à convaincre Lev Nikolaevich de poser. De l’autre côté, il y avait Kramskoy, qui a tenté de persuader le collectionneur d’aider le jeune artiste talentueux FA Vasiliev, qui mourait de Crémée après avoir été consumé. En 1873, afin de payer la dette de Tretyakov pour Vasiliev, Kramskoy persuada Tolstoï de poser pour lui pour deux portraits: l’un destiné à un collectionneur, le second à la maison de l’écrivain à Yasnaya Polyana.

Ivan Nikolaevich a travaillé sur les deux toiles en parallèle, tout en essayant d’éviter l’identité absolue. En conséquence, la famille de l’écrivain a choisi un portrait avec une interprétation plus intime de Lev Nikolaevich, dans laquelle il est plongé dans lui-même. Tretyakov a eu un portrait dans lequel l’écrivain s’adresse, pour ainsi dire, au spectateur. Ainsi, l’artiste a réussi à créer simultanément deux images artistiques fondamentalement différentes.

Les deux portraits présentent un certain nombre de caractéristiques communes. Premièrement, un fond neutre, en raison duquel l’emplacement de la figure dans l’espace cesse de jouer aucun rôle. Deuxièmement, les mains du modèle ne sont écrites qu’en termes généraux. Troisièmement, l’artiste a délibérément évité le pittoresque expressif en couleurs. Une telle retenue de la décision plastique a permis de reporter toute l’attention sur le visage de Tolstoï, âgé de 45 ans - ouvert, simple, encadré par une large barbe et des cheveux coupés de façon virile.

Ce qui est essentiel dans les portraits créés, ce sont les yeux de l’écrivain, qui expriment le travail intense de la pensée d’une personne intelligente et instruite. Sur la photo de Kramskoy, Tolstoï nous regarde «fermement et sévèrement, même froidement… ne se permettant pas d’oublier au moins un instant sa tâche d’observation et d’analyse. Il devient un scientifique et son sujet est l’âme humaine», a déclaré l’impressionnant critique d’art soviétique DV Sarabyanov. C’est la compréhension de l’intellect puissant de Tolstoï qui est devenue l’objectif principal et, bien entendu, la principale difficulté rencontrée par l’artiste dans cette œuvre.

Portraits du grand

Kramskoy a peint de nombreux portraits commandés par Tretyakov, rendant hommage à cette personne exceptionnelle. Ainsi, en 1871, l’artiste écrit à partir de photographies un portrait du grand poète ukrainien Taras Shevchenko. Et à l’hiver 1876, Ivan Nikolaevich devint particulièrement proche de la famille du collectionneur, travaillant sur des portraits de l’épouse de Tretyakov, Vera Nikolaevna, et de Pavel Mikhailovich lui-même, en qui il avait toujours vu non un marchand, mais un intellectuel et un véritable patriote. Culture nationale russe, qui croyait fermement que «l’école de peinture russe ne sera pas la dernière. "Dans un petit portrait de 1876, caractérisé par une certaine" chambre "de décision artistique, Kramskoy tente d’exprimer la signification sociale de la personne représentée.

Par ordre de Tretyakov, l’artiste a créé deux images du grand poète démocrate russe NA Nekrasov (1877-1878), la première est un portrait de Nikolaï Alekseevich, la seconde est le tableau "Nekrasov à l’époque de" Last Songs ". Le travail sur ces œuvres était compliqué par une grave maladie du poète. L’artiste ne réussissait parfois à l’écrire que dix à quinze minutes par jour, mais le 30 mars 1877, le portrait de NA Nekrasov était terminé.

Mais sa plus grande valeur n’est pas lui, mais le tableau "Nekrasov à l’époque de" The Last Songs ", dans lequel la sélection des détails du ménage a permis de créer une image fidèle du poète. Un pâle, vêtu de blanc, gravement malade Nekrasov est assis sur le lit, complètement perdu dans ses pensées, et les photos de NA Dobrolyubov et d’IS Tourgueniev accrochées aux murs de son bureau, ainsi qu’un buste de VG Belinsky, mentor idéologique et grand ami Nekrasov, évoquent l’atmosphère de une vie créative riche et intense, vous faisant sentir comme un grand poète immortel.

Il est intéressant de noter que si vous regardez de près la surface de la toile de la photo, vous remarquerez facilement que plusieurs coutures la traversent. L’image de la tête du poète est faite sur un fragment séparé, dont la position initiale n’est pas difficile à établir. Apparemment, le maître a d’abord décrit le poète en phase terminale comme couché, puis reconstruisant la composition pour une plus grande expressivité. Nekrasov a apprécié le talent de Kramskoy en lui présentant une copie de son livre «Last Songs», sur la page de titre, sur laquelle il a écrit: «Kramskoy comme souvenir. N. Nekrasov le 3 avril ".

Le travail de Kramsky sur les images du remarquable écrivain satiriste ME Saltykov-Shchedrin s’est révélé encore plus complexe, s’étirant sur plusieurs années. L’un des deux portraits créés par l’artiste était également destiné à la collection Tretyakov. Il a été créé de 1877 à 1879 et a subi de nombreuses modifications. Après avoir terminé le tableau, Kramskoy écrit à Tretyakov que ce portrait «est vraiment très similaire», en parlant de ses caractéristiques artistiques, souligne le maître: «La peinture… est sortie de Murugha et imaginez - avec intention."

Comme dans le portrait de Tolstoï, la coloration de l’œuvre est très sourde, sombre. Ainsi, l’artiste met en lumière le visage de Shchedrin, son front haut, les coins tristement baissés de ses lèvres et, surtout, le questionnement exigeant qui lui est propre. Un rôle important dans la création de l’image d’un écrivain satirique est joué par des mains - fermées, avec de fins doigts imbriqués, elles sont accentuées aristocratiques, mais pas du tout douces.

L’idée fédératrice des portraits de Léon Tolstoï, NA Nekrasov, ME Saltykov-Shchedrin, PM Tretyakova, est devenue l’idée d’une grande citoyenneté. Kramskoy vit en eux les chefs spirituels de la nation, des hommes avancés de leur temps. Cela a laissé une empreinte sur la manière de dépeindre le dépeint. L’artiste a délibérément «réduit» les limites de sa personnalité afin de souligner leur signification sociale. Selon Kramskoy, rien n’aurait dû distraire le spectateur de l’essentiel - la composante spirituelle des héros de ses portraits et, par conséquent, la couleur des peintures est si sourde.

Lorsque l’artiste a peint des portraits d’écrivains, des artistes qui, à son avis, n’accumulaient pas si puissamment la «charge spirituelle» de l’époque, ont rendu la solution plastique-picturale de l’œuvre plus libre, sans inhibition, qui rendait les images de personnes dépeint par lui vif et direct. On peut attribuer à de telles œuvres un portrait d’Ivan Ivanovich Shishkin réalisé par le peintre en 1873. Cette oeuvre, tout comme la toile "Nekrasov à l’époque de" Les dernières chansons ", appartient à la catégorie des portraits, des peintures combine deux principes à la fois - portrait et paysage.

L’image de la nature créée dans cette œuvre n’est pas simplement un fond naturel pour l’image du maître du paysage, mais l’élément dans lequel il a vécu et travaillé. Le paysage lyrique et à la fois majestueux (un ciel bleu clair sur lequel flottent de légers nuages, la silhouette mystérieuse d’une forêt et de hautes herbes aux pieds de Shishkin), non seulement recrée l’apparence d’une zone particulière, mais représente une expression générale. de la nature russe, comme il a été dépeint dans les années 70, y compris II Shishkin lui-même.

L’artiste a cherché à souligner son unité indissoluble avec le monde extérieur. La figure élancée mais puissante du peintre paysagiste, son visage ouvert et volontaire, sa simplicité extérieure et en même temps la grandeur indéniable de son apparence, la façon dont il scrute calmement et avec brio le sens des affaires sur des distances sans fin, reflètent avec précision le regard de Kramsky. vue de Shishkin comme un "homme-école" "," Jalon dans le développement du paysage russe. "

Plus tard, en 1880, Kramskoy écrira un autre portrait du grand chanteur de la nature russe. L’artiste sera à nouveau étonné par sa force physique, notant qu’avec l’âge, la personnalité de Shishkin est devenue plus riche et plus complexe.

Cadeau de portrait extraordinaire

Parmi les nombreux portraits d’écrivains et d’artistes russes peints dans les années 70, que Kramskoï a peints pour PM Tretyakov, se trouvaient notamment IA Goncharova, IE Repin, IP Polonsky, PI Melnikov-Pechersky, MM Antokolsky, ST Aksakova, FA Vasiliev, FA Vassiliev, MK Klodt et beaucoup d’autres.

Deux portraits se distinguent particulièrement: l’écrivain Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) et le peintre Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).

Réalisant un portrait de l’auteur du roman Anton-Goremyk, alors très populaire, le maître remarqua avec vigilance la posture normalement dépourvue de Grigorovich et une sorte d’indulgence et de complaisance dans ses yeux, caractéristiques d’une personne qui n’était pas habituée à plonger dans la complexité de la vie autour de lui. Un geste théâtral stressé d’une main avec un pince-nez à la monture d’or entre ses doigts maigres. "Ce n’est pas un portrait, mais juste une scène, un drame!… Alors Grigorovich est assis devant vous avec tous ses mensonges, son feuilletonisme français, sa gloire et ses rires", a écrit VV Stasov avec enthousiasme à Kramskoy. Bien que l’artiste lui-même, après quelques années, ait écrit une lettre au célèbre éditeur AS Suvorin, a tenté de détourner l’accusation de ténacité évidente, affirmant qu’il ne voulait pas «faire quelque chose de drôle,à part une passion tout à fait naturelle pour la forme caractéristique visible, sans le souligner. ”Nous ne le saurons probablement jamais, mais une chose est claire: nous sommes aujourd’hui attirés par le portrait de DV Grigorovich, précisément par la fascination de l’artiste. avec la «forme caractéristique visible», qui a été la clé pour créer une image humaine étonnamment vive et vibrante.

Ceci est encore plus prononcé dans un portrait grand format d’AD Litovchenko. Vêtu d’un épais manteau brun foncé, l’artiste est représenté sur un fond gris clair verdâtre. Un peu «érodant» le contour en mouvement décrivant la silhouette, Kramskoy a souligné la facilité naturelle de son modèle. La position de Litovchenko est inhabituellement expressive: la main droite est posée avec son mouvement libre derrière le dos et la main gauche tient gracieusement un cigare avec un geste habituel. Les doigts ne sont pas dessinés, ils sont délimités par plusieurs traits dynamiques et précis. Ce n’est pas un hasard si Kramskoy a «barbouillé» le bord de la manche qui encadrait ce bras et le rendait délibérément flou. Il a donc transmis de manière convaincante l’instantané naturel du geste, qui correspond exactement à l’expression vive et changeante du visage du héros du portrait, encadrée par une barbe luxuriante.On ne peut que deviner le motif de la lèvre, mais noir comme de la braise, les yeux de la personne dépeinte paraissent si tranchants, exprimant au mieux l’immédiateté de sa nature, que toute l’image de Litovchenko est perçue «comme vivante». L’artiste utilise des détails avares, mais extrêmement expressifs, avec une précision incroyable: le capuchon de la forme conique complète parfaitement la silhouette de la figure de l’artiste dans son ensemble, ainsi que les gants jaune clair qui sortent de la poche du manteau de Litovchenko son image.Le manteau de Titovchenko jaillissant négligemment de sa poche complète son look.Le manteau de Titovchenko jeté délicatement de sa poche complète son look.exprimant au mieux l’immédiateté de sa nature, toute l’image de Litovtchenko est perçue «comme vivante». L’artiste utilise des détails avares, mais extrêmement expressifs, avec une précision incroyable: le capuchon de la forme conique complète parfaitement la silhouette de la figure de l’artiste dans son ensemble, ainsi que les gants jaune clair qui sortent de la poche du manteau de Litovchenko son image.Le manteau de Titovchenko jaillissant négligemment de sa poche complète son look.Le manteau de Titovchenko jeté délicatement de sa poche complète son look.exprimant au mieux l’immédiateté de sa nature, toute l’image de Litovtchenko est perçue «comme vivante». L’artiste utilise des détails avares, mais extrêmement expressifs, avec une précision incroyable: le capuchon de la forme conique complète parfaitement la silhouette de la figure de l’artiste dans son ensemble, ainsi que les gants jaune clair qui sortent de la poche du manteau de Litovchenko son image.Le manteau de Titovchenko jaillissant négligemment de sa poche complète son look.Le manteau de Titovchenko jeté délicatement de sa poche complète son look.le bonnet de forme conique complète parfaitement la silhouette de la figure de l’artiste, ainsi que les gants jaune pâle qui sortent de la poche du manteau de Litovchenko et qui complètent son image.Le manteau de Litovchenko jette un coup d’œil négligeable dans sa poche complète le sien Le manteau de Titovchenko jaillissant négligemment de sa poche complète son look.le bonnet de forme conique complète parfaitement la silhouette de la figure de l’artiste, ainsi que les gants jaune pâle qui sortent de la poche du manteau de Litovchenko et qui complètent son image.Le manteau de Litovchenko jette un coup d’œil négligeable dans sa poche complète le sien Le manteau de Titovchenko jaillissant négligemment de sa poche complète son look.

Le portrait de AD Litovchenko est sans aucun doute l’un des plus grands succès créatifs de Kramskoi. Son image s’est révélée être tellement vivante et individuelle grâce aux hauts mérites picturaux de cette image, «par le feu, la passion et la vitalité d’une exécution rapide, semblable à l’impromptu» (V. Stasov).

Ivan Nikolaevich ne «dessine» plus au pinceau, comme c’était le cas dans beaucoup de ses peintures, combien il en écrit, largement, avec tempérament, alignant une forme plastique sur une couleur, anticipant les meilleures toiles de portrait de IE Repin. Frappé par son expression puissante, le député Moussorgski a tellement réagi à propos de son travail: "Pour en revenir au portrait de Litovchenko, j’ai rebondi…" a-t-il écrit à VV Stasov. - Quel miracle Kramskoy! Ce n’est pas une toile - c’est la vie, l’art, le pouvoir, recherché dans la créativité! ”

Nous pouvons voir ce que l’artiste était devenu lui-même à cette époque, grâce à son autoportrait de 1874. Une image de petit format était clairement écrite "pour moi-même". Le fond rouge foncé saturé contribue à créer une atmosphère de concentration accentuée dans le portrait. Kramskoy, scrutant son propre visage, montre comment, au fil des années, son calme et sa persévérance, développés par une vie difficile et un travail constant, ont augmenté. Son regard est devenu beaucoup plus profond et triste que dans l’autoportrait de 1867, dans lequel le maître semblait déclarer publiquement sa position d’artiste de lutte. Maintenant, sans reculer d’un pas sur le chemin choisi, il se confesse à quel point la force spirituelle requise par cette endurance et ce courage est énorme.

"Jusqu’à présent, seuls les portraits d’hommes ont réussi pour M. Kramskoy", a écrit l’un des septièmes observateurs mobiles, "mais l’exposition actuelle montre que le portrait d’une femme, incomparablement plus difficile, lui est également accessible."

Une remarque vraie, surtout si l’on considère qu’avant Kramskoy, un portrait féminin aussi démocratique, dont le mérite de développement lui appartient entièrement, n’existait pas dans la peinture russe.

L’image du peuple russe

Kramskoy a souvent écrit que, vivant à Saint-Pétersbourg, il ressentait le poids de l’atmosphère publique oppressante. Il avait même déclaré que le "climat de Pétersbourg", auquel il avait toujours essayé de résister, "tuait l’art et les artistes russes". Dans cette sensation, il avait beaucoup de gens partageant les mêmes idées. Rappelons-nous A. Pouchkine, qui a déclaré que le «Nord lui était néfaste», KP Bryullov, qui, revenant d’Italie, baignait dans la gloire de la gloire, mais avait écrit qu’il était «en train de se morfondre», car il avait «peur de le climat et l’esclavage. "

«Il me tire de Pétersbourg», a écrit Kramskoy, «ça me rend malade!» Où tire, pourquoi est-il malade?… Où est la paix? Oui, et ce ne serait rien si un matériau riche et incroyablement énorme ne se trouvait pas en dehors des villes, là-bas, au fond des marais, des forêts et des routes impraticables. Quel genre de visages, quel genre de chiffres! Oui, les eaux de Baden-Baden aident l’autre, Paris et la France l’autre, et le troisième… suma, oui la liberté! ”Répondant vivement à la nouvelle“ aller au peuple ”, l’artiste écrit:“ assis au centre… vous commencez à perdre le nerf d’une vie libre et étendue; trop loin des banlieues, et les gens sont quelque chose qui peut donner! Oh mon dieu, quel printemps énorme! N’a que des oreilles pour entendre et des yeux pour voir… Ça me tire, c’est comme ça que ça tire! "C’était parmi les gens de Kramskoy qui ont vu la force principale de la vie,y découvrir une nouvelle source d’inspiration créatrice.

Les images de paysans dans les œuvres de IN Kramskoy sont très diverses. C’est le "contemplateur" (1876, musée de l’art russe de Kiev), philosophe, chercheur de la vérité éternelle et apiculteur vivant une vie unifiée avec la nature ("Pasechnik", 1872) et "petit homme au crochet" (1872, Tallinn Art Museum) - a vécu un long siècle sans joie, un vieux paysan encrassé. Il y a d’autres images, telles que le héros du tableau «Village Warden» («Miller», 1873) ou le puissant homme sévère sur la toile de 1874 «La tête du paysan» (Penza Art Gallery de KA Savitsky).

Mais le travail le plus significatif sur un thème folklorique est l’image de 1874 "Woodland". Kramskoy écrit à son sujet au Premier ministre Tretyakov: «… selon le plan, mon dessin au chapeau devrait représenter l’un de ces types (ils sont dans le peuple russe) qui comprennent une grande partie du système social et politique du peuple la vie avec leur esprit, et qui a profondément installé le mécontentement à la limite de la haine. Parmi ces personnes, dans les moments difficiles, Stenka Razina et Pugacheva gagnent leurs gangs et, en temps ordinaire, ils agissent seuls, où et comment ils le feront, mais jamais à la hauteur. Le type est antipathique, je sais, mais je sais aussi qu’il y en a beaucoup, je les ai vus. ”

À la fin de la période de créativité, l’artiste s’est également tourné vers le thème du paysan. En 1882, une "étude d’un paysan russe" a été créée - un portrait de Mina Moiseyev. En 1883, le tableau «Le paysan avec une bride» (Musée d’art russe de Kiev). Dans ces deux œuvres, le maître a créé deux images diamétralement opposées, écrites toutefois à partir du même modèle.

Période de créativité tardive

Malgré la défaite politique de la pensée démocratique en Russie dans les années 70-80 du 19ème siècle, qui a été littéralement écrasée par le régime, l’art démocratique russe connaissait une ascension sans précédent. Des changements importants ont eu lieu dans la vie du Partenariat des expositions d’art itinérantes; le travail de titans de beaux-arts russes tels que IE Repin et VI Surikov est apparu. Ivan Nikolaevich Kramskoy a continué à travailler dur et dur. Malgré la haute autorité de l’artiste parmi ses contemporains, il devint de plus en plus difficile de travailler. La preuve en est l’image inachevée «Rires» pendant de nombreuses années, dont l’idée même ne correspondait plus aux besoins de la communauté. En conséquence, Kramskoy n’avait plus que des portraits.

Au cours de cette période, l’artiste, avec son habileté et son psychologisme, peint des portraits de II Shishkin, figure marquante de la médecine russe SP Botkin et de l’artiste VV Samoilov. En outre, Kramskoy a non seulement semblé digne des plus jeunes peintres portraitistes, tels que IE Repin et NA Yaroshenko, mais a également continué à jouer le rôle d’un "enseignant" pour eux. Et leurs peintures, à leur tour, portaient un reflet de l’art de Kramskoy.

Néanmoins, l’artiste a compris qu’il avait besoin de grandir quelque part, de chercher de nouvelles façons de travailler. Il s’essaie à un portrait de cérémonie, à la recherche de nouvelles solutions d’éclairage et de couleurs, tout en haletant, sous le poids de commandes constantes. S’efforçant de fournir aux familles le meilleur possible et réalisant que ses forces s’épuisaient, Kramskoy s’est lancé entre des recherches créatives fastidieuses et un travail rapide, qui ne donnait parfois pas les meilleurs résultats. L’artiste, qui était très respecté et même honoré, a bien résisté à ces échecs.

Les exigences que la vie elle-même a présentées à l’art ont donc changé et le système de l’art a dû changer. En 1883, un jeune artiste, KA Korovin, élève de AK Savrasov et de VD Polenov, écrivit une esquisse «Chorus Girl» à l’École de musique et des arts de Moscou, lui reprenant un motif inhabituel et des techniques de peinture très audacieuses. Même Polenov, familier avec le travail des impressionnistes français, a été frappé par cette audacieuse expérience de l’artiste, décidant qu’il était très en avance sur son temps. Cependant, bientôt, un ami proche de Korovin, VA Serov écrira sa «Fille aux pêches» (1887), transformant le portrait de Vera, âgée de 12 ans - fille du célèbre industriel moscovite SI Mamontov, en une image radieuse de la jeunesse..

Dans le but de saisir l’essence des nouvelles tendances, Kramskoy écrit son «Inconnu» (1883), l’un de ses tableaux les plus mystérieux. Voici comment l’historien de l’art, NG Mashkovtsev, décrit le tableau: «Une jeune femme est représentée dans une poussette sur le fond du palais d’Anichkov, peinte en rouge rouillé. Cette couleur est adoucie par le brouillard d’hiver ainsi que par les contours de l’architecture. Avec une plus grande clarté, la figure féminine apparaît au premier plan. Elle est habillée avec tout le luxe de la mode. Elle s’assit dans l’équipage, recouverte de cuir jaune foncé. Dans son visage, la fierté d’une femme consciente de son charme. Kramskoy n’accorda pas autant d’attention aux accessoires: velours, soie, fourrure. Le gant noir, couvrant étroitement la main, comme une seconde peau, mince et translucide, à travers lequel un corps vivant se fait sentir,est écrit avec une chaleur particulière. Qui est-elle, cette femme captivante, ça reste inconnu. ”

Beaucoup pensent que Kramskoy a décrit Anna Karenina comme un symbole de la nouvelle position de la femme dans la société, telle qu’elle devrait devenir. Cette version a des partisans et des opposants, mais il serait plus correct de supposer que l’artiste IN Kramskoy et l’écrivain LG Tolstoï, créant leurs images féminines, y ont investi davantage que le portrait d’une femme en particulier, à savoir leur idée. de l’idéal d’une femme moderne. À l’instar de Tolstoï, Kramskoy, défendant la dignité humaine de la femme, il s’est donné pour tâche d’essayer de concrétiser son idée de la catégorie morale et esthétique de la beauté par le biais de l’attractivité visible, «objective» du modèle.

En 1884, l’artiste complète sa peinture "Un chagrin inconsolable", conçu à la fin des années 70. L’intrigue de la toile est inspirée par le chagrin personnel du maître - la mort précoce de ses deux fils cadets. À travers ce travail, qui comporte un nombre inhabituel de croquis et de croquis (montrant à quel point c’était important pour Kramskoy) pour l’artiste, il a transféré son chagrin à son épouse, Sophia Nikolaevna. En investissant beaucoup dans l’image personnelle, profondément cachée, le peintre cherche en même temps à en maximiser et à approfondir le contenu. Des éléments choisis avec précision et avec parcimonie nous plongent dans l’atmosphère de la maison, dans laquelle un grand chagrin s’est abattu, mais très restreint, sans excès mélodramatique.

Le centre compositionnel et sémantique de la toile est l’image d’une femme pleine de drame. Sa silhouette droite tendue, le regard triste de ceux qui ne voient pas les yeux, le foulard porté à ses lèvres, témoignant des sanglots à peine retenus, révèlent toute la profondeur de sa souffrance. Une telle expressivité psychologique de l’image ne va pas facilement à l’artiste. «J’ai sincèrement sympathisé avec le chagrin maternel», a écrit Kramskoy au Premier ministre Tretyakov. «Je cherchais une forme longue et propre et je me suis finalement décidé pour cette forme…» C’était la forme stricte, réalisée sans théâtralité inutile, qui lui permettait de créer l’image d’une personne forte, et la structure monumentale du La toile a permis de transmettre des sentiments et des émotions, comme un drame de personnalité que le maître tente d’élever au niveau d’un grand phénomène social.

Il convient de noter que, contrairement aux portraits des années 70, dans lesquels les sentiments des héros de Kramskoy étaient plus probablement marqués du sceau de la haute citoyenneté, les personnages des œuvres les plus récentes vivent dans un monde beaucoup plus fermé d’expériences personnelles.

Les lettres de Kramsky à ses amis nous disent à quel point la dernière période de sa vie a été difficile pour lui. En 1883, il écrit à PM Tretyakov: «… J’avoue que les circonstances vont au-delà de mon caractère et de ma volonté. Je suis brisé par la vie et je n’ai pas fait ce que j’avais voulu et j’aurais dû faire… ". En même temps, une lettre a été écrite à l’artiste, PO Kovalevsky:«Je travaille dans l’obscurité depuis longtemps. Près de moi, il n’y a déjà personne qui, à l’instar d’une voix de conscience ou de la trompette de l’archange, avertisse une personne: "Où va-t-il? Est-ce un vrai chemin ou est-il perdu?" moi-même avons déjà cessé d’attendre pour moi-même. "

Cependant, le maître a travaillé jusqu’à son dernier jour. Cinq heures par jour, il dirigeait des séances de portrait, criant de douleur sans cesse, mais remarquant presque cela, il était tellement emporté par son processus créatif. C’était donc le dernier jour du peintre. Sentant un regain de vigueur le matin, il peint un portrait du Dr Rauchfus. Soudain, son regard s’arrêta et il tomba droit sur sa palette. C’était le 24 mars 1887.

"Je ne me souviens pas des funérailles les plus cordiales et les plus touchantes!… La paix soit sur vous, ce puissant homme russe qui est sorti de l’insignifiance et de la saleté de l’arrière-pays", a ensuite écrit IE Repin à propos des câbles jusqu’au dernier voyage de son vieil ami.

Dans le même 1887, une grande exposition posthume des œuvres du grand maître russe a été organisée, accompagnée de la publication d’un catalogue illustré détaillé. Un an plus tard, un livre consacré à la vie et à l’œuvre d’Ivan Nikolaevich Kramskoy a été publié.