Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) Automatique traduire

Michelangelo Merisi da Caravaggio est né le 28 septembre 1571 dans un petit village près de Bergame, du nom duquel il tire son nom de l’histoire de l’art mondial - Caravaggio. La date de naissance du grand artiste ne fut connue que grâce au contrat de formation restant, conclu par les parents du futur artiste avec le peintre assez célèbre Simone Peterzano à cette époque. Le document, daté de 1584, indique qu’au moment de sa conclusion, Michelangelo Merisi avait 13 ans. Peterzano était l’élève du grand Titien et vivait à Milan, où débuta la carrière créative de Caravaggio.

Le début du chemin créatif

La mère de Michelangelo, Lucia Aratori, était la deuxième épouse de l’architecte et décorateur Fermo Merisi, qui a servi avec Francesco I Sforza, qui portait le titre de marquis da Caravaggio. Au total, la famille a cinq enfants. Les premières années de la vie de Michel-Ange sont passées à Milan, d’où la famille s’est réfugiée à Bergame, fuyant la peste. L’épidémie n’a certes pas épargné le père et l’oncle du futur artiste, dont toute la famille est restée confiée à sa mère, qui en avait bien besoin.

Entrant dans l’atelier de Simone Peterzano en 1584, Michel-Ange signe un contrat avec le duc de Colonna, héritier du marquis da Caravaggio décédé en 1583. La colonne, qui a décidé d’acheter toutes les œuvres du jeune peintre, dès son entrée l’atelier de Peterzano, est devenu le fidèle patron du Caravage pendant toute sa vie.

Le pape Sixte V, qui était à l’origine des nouvelles tendances de l’art, qui commençait à peine à apparaître en Lombardie, était à la tête de l’Église catholique, qui comptait parmi les plus gros consommateurs de tableaux. A cette époque, le Duché de Milan, sous domination espagnole, devint le centre d’une doctrine artistique et religieuse rigoureuse. En particulier, l’art de l’Europe et de l’Italie était régi par le maniérisme, mais parallèlement à celui-ci, il y avait l’académisme de Bologne et de Rome, limité à l’imitation des grands peintres vénitiens et romains. En Lombardie, en revanche, les artistes ont commencé à s’éloigner du maniérisme et à se concentrer sur un reflet réaliste de la vie. Cette tendance a eu une grande influence sur la formation du style créatif de Michelangelo Merisi.

Malheureusement, nous en savons peu sur les activités de l’atelier de Milan, Simone Peterzano, pendant la période où le Caravage est arrivé. Giovanni Paolo Lomazzo écrivit en 1584 que Peterzano se réjouissait d’une grande demande, qui appréciait constamment ses œuvres, réalisées "avec élégance et facilité". Si vous regardez ses fresques dans l’église de Garegnano près de Milan, ou ses toiles telles que «Vénus» ou «Cupidon et deux satyres» (Collection Corsini, New York), vous pouvez voir une nette influence de maniérisme, mélangée à la nouveau réalisme lombard.

Dans les premiers travaux du Caravage, on peut clairement voir l’influence du style Peterzano, bien que la continuité vis-à-vis des peintures des grands maîtres de la Renaissance, tels que Titian, Giorgione, Giovanni Bellini ou Leonardo da Vinci, soit également évidente.. Le travail de ce dernier, à savoir "Madonna in the Rocks", Caravaggio, bien sûr, vu dans l’église de San Francesco Grande, Milan. De plus, à Bergame, l’artiste a admiré le tableau de Lorenzo Lotto, qui se distingue par sa tension émotionnelle particulière.

L’historienne de l’art Mina Gregory prouve de manière convaincante que le jeune artiste a soigneusement étudié les œuvres d’Andrea Mantegna, ce qui montre clairement la seule fresque peinte par Caravaggio, sans doute peinte sous l’influence du style de peinture de ce magnifique maître de la perspective. Caravaggio était également à Mantoue, où il a examiné les œuvres monumentales de Giulio Romane.

Entre temps, à Milan, une véritable école a été formée, qui est tombée sous l’influence de la manière pittoresque des frères Campi. Les jeunes artistes y développent les thèmes de leurs œuvres, en se concentrant principalement sur la vie réelle, dont ils s’inspirent. La peinture de ce groupe créatif a incorporé toutes les innovations dans les beaux-arts de cette époque.

Pour découvrir l’effet du clair-obscur, Caravaggio a peut-être été aidé par le travail du maître de la Renaissance, Giovanni Girolamo Savoldo, que le jeune peintre a admiré. Il a ensuite créé un portrait de la célèbre artiste Sofonisba Anguissola, qui connaissait bien le grand Michel-Ange dans sa jeunesse. Sofonisba a créé des scènes de genre issues de la vie quotidienne. Nous pouvons voir dans l’un de ses dessins, créés à partir de charbon et de craie, une image de son petit fils, dont le cancer a été mordu par un doigt. C’est ce dessin qui a inspiré au jeune jeune homme du Caravage son premier tableau, qu’il a peint immédiatement après son arrivée à Rome.

Malheureusement, nous ne pouvons parler que de manière hypothétique de la formation créative du Caravage. Selon l’historien d’art Berenson, Giorgione a joué un rôle fondamental dans le développement du style de Caravaggio. L’influence de l’école lombarde se lit également clairement. Roberto Longy écrit: «Pendant longtemps, un groupe d’artistes venus de Lombardie a été vénéré pour avoir créé un art démocratique simple… Dans leurs peintures, il y avait beaucoup de sentiments humains, de lumière intérieure et pas d’extase religieuse; décision coloristique, les effets noir et blanc ont été coordonnés entre eux et vérifiés avec la nature. C’était un art réaliste qui cherchait à dépeindre simplement et véritablement la nature et l’homme. ”

Peterzano, qui était un professeur très progressiste à son époque, a également joué un rôle important dans la formation du style artistique du Caravage. À l’entraînement, il s’est concentré sur la technique de peinture, sans laquelle il est impossible d’atteindre les sommets de l’excellence.

À peine âgé de 18 ans, Caravaggio, désireux de travailler de manière autonome, a déménagé à Rome. La route de son voyage est inconnue, nous ne pouvons que supposer que, le long du chemin, il a vu beaucoup d’œuvres de grands maîtres. À Rome, le prélat Pandolfo Pucci abrite un jeune homme. Les premières œuvres de Caravaggio ont une intrigue simple: «Un garçon mordu par un lézard» (1594, National Gallery, Londres), «Un jeune homme avec un panier de fruits» (1593, Galerie Borghese, Rome), «Un garçon qui nettoie une poire ”(1593).

Le premier autoportrait de Caravaggio est considéré comme le tableau "Musiciens" (1595, Metropolitan Museum of Art, New York), dans lequel l’artiste s’est représenté avec deux autres jeunes musiciens et Cupidon en arrière-plan. De nombreux historiens de l’art considèrent l’image de l’Amour comme une sorte de symbole homoérotique, indiquant le penchant du Caravage pour l’homosexualité. Bientôt, le peintre tombe gravement malade, mais il récupère miraculeusement et peint presque immédiatement le tableau «Little Sick Bacchus» (1953, Galerie Borghèse, Rome), qui constitue son deuxième autoportrait.

Caravaggio est parrainé par le puissant cardinal del Monte, pour lequel l’artiste crée plusieurs peintures religieuses. Dans la peinture "Madeleine pénitente" (1595-1597, Galerie Doria Pamphili, Rome), nous voyons la première image féminine créée par l’artiste. À la même époque, le peintre crée son deuxième «Bacchus» (1596, Galerie des Offices, Florence), cette fois plein de santé. Bientôt, Caravaggio provoque son premier, mais loin d’être le dernier, affrontement avec la justice.

Mais pourquoi le jeune artiste a-t-il choisi Rome? Les biographes du Caravage s’accordent pour dire que le choix de la capitale culturelle de l’Italie, et donc du monde entier, était dû aux ambitions extraordinaires du Caravage, qui rêvait de devenir le plus grand artiste de tous les temps. Est-ce parce qu’il a enfreint la loi plusieurs fois parce qu’il croyait qu’il - tout doué de Dieu plus que son entourage - était autorisé à tout?

Rome à cette époque a vraiment prospéré. La construction de la basilique Saint-Pierre, qui était à l’époque la plus grande structure architecturale du monde, vient de s’achever. De grandes basiliques ont été érigées, telles que San Giovanni Laterano, Santa Maria Maggiore, le port de Ripetta sur le Tibre, qui est véritablement devenu la porte du monde. Le pape Sixtus V a invité tous les peintres talentueux de la péninsule à venir à Rome et beaucoup, y compris les Lombards, ont suivi cet appel. Tout cela avait pour but de transmettre au monde entier le triomphe du christianisme.

Comme beaucoup de choses sur la vie de Caravaggio, nous ne connaissons pas la date exacte de son arrivée à Rome. C’était peut-être 1591 ou 1592. Il existe de nombreuses preuves que l’artiste est arrivé dans la Ville Éternelle sous le pape Clément VIII.

Le jeune artiste qui est arrivé à Rome avait probablement plusieurs toiles peintes à Milan. Mais ces œuvres, avec leur interprétation réaliste des personnages et des intrigues, ne pouvaient guère susciter l’intérêt du public local, dont les goûts déterminaient alors le maniérisme et le classicisme. Le grand amour à Rome a apprécié des copies des travaux de Michelangelo et de Raphael. Il est significatif que les peintres qui étaient très populaires à cette époque, comme Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salviate, Rafaelino da Reggio, Césars Nebbia ou Giuseppe Cerzi, n’ont laissé qu’une petite trace dans l’histoire mondiale de l’art.

L’historien d’art Callab écrit: «Les jeunes artistes arrivés à Rome à la fin du XVIe siècle devaient non seulement se limiter à une douce imitation de peintures de maîtres anciens, mais aussi hériter de leur idéalisme, de leur timidité artistique et de la peur de l’abandon. une manière de surface vide de la description. En peinture, ces artistes ne se contentaient que de ressemblances extérieures. "Afin de survivre, ils ont été forcés de se soumettre aux goûts du public et de se consacrer uniquement à la décoration de la vie. Un exemple est le travail d’Annibale Carracci, qui est venu à Bologne de Rome. Il a été chargé de décorer la galerie dans le Palazzo Farnese: déjà en train de mettre en œuvre son plan créatif, il a rencontré de grandes difficultés et une grande méfiance envers ses clients et le public.

La même chose s’est produite avec Caravaggio. Il s’est blotti dans les quartiers pauvres de la ville, au même endroit que de nombreux autres immigrants de la Lombardie, les mêmes artistes, sculpteurs et tailleurs de pierre au chômage qui ont essayé de survivre en prévision des ordres. Bientôt, le peintre a réussi à entrer au service de Lorenzo Siciliano, dans l’atelier où il a rencontré ses compatriotes, les frères Longo.

Pendant cette période, Caravaggio et ses camarades passaient leurs journées au travail, explorant la campagne et s’amusant. Les chercheurs ont vainement cherché les œuvres de l’artiste de cette période. Peut-être qu’il a écrit quelque chose pour lui-même, mais, évidemment, ces peintures n’ont pas trouvé d’acheteurs.

Et pourtant, Caravaggio souriait à la chance en la personne d’un riche philanthrope, homme au goût artistique raffiné, mais à la réputation douteuse, prélat de la cour pontificale, Mgr Pandolfo Pucci. Il était le frère d’un cardinal qui, d’ailleurs, s’occupait également du «timide» Benvenuto Cellini.

Le prélat était fasciné par la dextérité, le talent du jeune artiste et son caractère inflexible et explosif. Pucci a invité Caravaggio chez lui, assurant ainsi son existence. Pour sa part, l’artiste, reconnaissant de la gentillesse du prélat, a dû faire le travail de copie des meilleurs tableaux d’église pieux. Monseigneur Pucci a envoyé toutes ses œuvres au monastère des Capucins de Recanati, dans lequel il était né et avait passé les premières années de sa vie. Pas un seul travail de cette série ne nous est parvenu.

Style et thèmes

Avec beaucoup de temps libre et une totale liberté de création, Caravaggio pouvait choisir n’importe quelle intrigue pour ses œuvres et y réfléchir longtemps. Nous savons maintenant avec certitude que le tableau de l’artiste "Un garçon mordu par un lézard" (vers 1954, la National Gallery, Londres et, en deuxième option, la Fondation Longy à Florence) a été créé lors de son séjour avec Mgr Pucci. La photo était une sorte de réminiscence du dessin au fusain bien connu de Sofonisba Anguissola. Le jeune homme sur la toile est représenté au moment où le lézard le mord, et il retire craintivement sa main. Pour la première fois en peinture, un moment de mouvement a été saisi et enregistré.

Selon Berenson, dans ce travail du Caravage, il existe un "besoin universel d’innovation," une volonté de détruire les conventions. Peut-être une allégorie se cache-t-elle également ici: les épaules nues du garçon et une fleur derrière son oreille indiquent que le jeune homme appartient aux classes inférieures romaines - le monde des prostituées et des voleurs, auquel Caravaggio associe douleur physique et souffrance qui accompagnent nécessairement l’amour. Tout au long de la carrière de l’artiste, les images de souffrance physique étaient inextricablement liées à la souffrance spirituelle et mentale.

Caravaggio a également écrit son célèbre «Joueur de luth» lors de son séjour à Pucci. Maintenant, l’image est à l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg. L’image d’un musicien est très typique des modèles choisis par l’artiste. Il existe une autre version de la toile, elle est stockée au Metropolitan Museum of Art, à New York. On y voit le même garçon qui joue, mais on ne voit pas de fleurs ni de fruits à côté de lui.

Il est étonnant de constater la minutie avec laquelle l’artiste compose des instruments de musique. Le visage rêveur du joueur de luth, la langueur dans ses yeux, tout suggère que le jeune homme est emporté dans l’imaginaire dans son monde intérieur profond. Vous pouvez lire une inscription fascinante sur la partition sur la photo de l’Ermitage: «Voi sapete chio vato» («Tu sais que je t’aime»). Je me demande qui a envoyé cette reconnaissance? Dans l’image «Musiciens», le premier plan représente également une partition dépliée au public, qui est tenue par un chanteur à moitié nu. Mais ici, l’inscription faite par sa main, jusqu’à présent, personne n’a été capable de lire.

Le fait que toutes les œuvres de cette époque, Caravage aient été inspirées par de jeunes hommes (les images féminines sont absentes), suggère également l’orientation non conventionnelle de l’artiste. La première image féminine de son travail est le tableau "Madeleine repentante", peint vers 1596.

On ignore pourquoi le Caravage a quitté la maison de Mgr Pucci. Peut-être le prélat avait-il une disposition très lourde. L’artiste apparaît à nouveau dans les rues romaines, privé de tout moyen de subsistance. Heureusement, le vieil ami du peintre, qui travaillait avec lui dans l’atelier de Lorenzo Siciliano - l’artiste Antiveduto Gramatica - hébergeait le Caravage, sans abri et appauvri. La grammaire a connu un certain succès auprès du public et a donc été commandée régulièrement.

Mais les malheurs hantaient le pauvre Caravage, il tomba malade de la fièvre romaine qui sévissait dans toute la péninsule. Un ami de l’artiste Longo l’a emmené à l’hôpital du couvent de Santa Maria della Consolation, où ils ont amené ceux qui n’avaient pas les moyens de payer le traitement. Là-bas, Caravaggio a été placé dans le sous-sol, considéré comme un couloir de la mort.

Tout à fait par hasard, l’artiste a attiré l’attention de l’ancien espagnol, l’honorable sénateur Contor, un bon ami de Monseigneur Pucci, qui est passé et a reconnu le Caravage. Conteras a demandé de transférer le peintre en phase terminale dans une autre pièce et a ordonné de ne pas quitter ses infirmières. Cela seul a sauvé la vie de l’artiste.

Mais les thèmes de la mort et de la maladie, désormais comme un écho lointain de l’expérience, peuvent être vus dans beaucoup de ses toiles, par exemple dans l’Assomption de Marie. En remerciement pour son salut, Caravaggio a peint pour les peintures Contares, mais malheureusement, comme beaucoup d’autres de ses œuvres, elles n’ont pas encore atteint notre époque.

Six mois passés à l’hôpital, douleur et peur, maladies concomitantes ont profondément marqué l’âme de l’artiste. C’est à ce moment-là que Caravaggio crée l’une de ses œuvres les plus célèbres, «Sick Bacchus». La figure de Bacchus est représentée en miroir: un visage gonflé et pâle et des yeux ternes indiquent la condition grave de l’artiste après la maladie. Dans «Malade Bacchus», nous voyons un dieu qui ne peut plus jouir des plaisirs de la vie, mais en profiter.

La peinture a été peinte dans l’atelier de l’un des plus célèbres peintres de Rome, le cavalier Cesare d’Arpino, qui a abrité le Caravage dans sa maison. Cesare d’Arpino n’était pas beaucoup plus âgé que le Caravage lui-même, mais était déjà connu comme un favori de la haute société et avait même été adopté à la cour papale. Appartenant à l’une des associations d’art les plus populaires de la capitale italienne - l’Académie du téméraire (qui comprenait également des poètes comme Batista Laura, futur pape Urbain XVII et Torquato Tasso), Arpino a préféré le divin au rationnel. En remerciement pour le refuge, Caravaggio a dû porter des guirlandes de feuilles et de fleurs pour les fresques de Cesare d’Arpino. A cette occasion, un contrat a même été signé. Les peintures murales des contemporains du Caravage sont reconnues comme parfaites.

Dans la maison de Cesare d’Arpino, le Caravage a rencontré de nombreux philanthropes fortunés de Rome: cardinaux, marchands, ambassadeurs, ainsi que des artistes célèbres qui jouissent d’une bonne réputation: Van Dyck, Jan Brueghel et éventuellement Rubens. Parmi eux se trouvait Valentine, qui avait récemment attiré l’attention d’un jeune artiste français. Il est supposé que plus tard, Valentin s’est secrètement retiré de l’atelier de Cesare d’Arpino et a vendu plusieurs œuvres du Caravage.

À peu près à la même époque, le peintre créa un autre chef-d’œuvre: «Le jeune homme à la corbeille de fruits», que le pape Paul V. présenta plus tard à son neveu Shipione Borghese. Les deux peintures (celle-ci et «Sick Bacchus») étaient dans l’atelier du cavalier Cesare d’Arpino datant de 1607 ans. Ensuite, ils ont été confisqués par les agents du pape Paul V, qui est monté sur le trône après le pape Clément VIII, en remboursement de dettes.

N’ayant pas de revenu permanent, Caravaggio a demandé à Valentin de l’aider et m’a conseillé d’écrire des peintures religieuses. En effet, la demande de peinture d’église était énorme. Caravaggio a accepté l’offre, il a reçu des peintures et des pinceaux, mais après un certain temps, il a confié à l’agent un travail non religieux dans son deuxième «Bacchus».

Sur cette toile, nous voyons l’ancien dieu sous la forme d’un jeune homme à la peau épaisse, plein de santé, caractéristique de la plupart des personnages de l’artiste, un peu lourd depuis des siècles. La tête de Bacchus est décorée d’une couronne de vigne traditionnelle. Dans sa main se trouve un verre de vin. Sur la table, on voit une carafe à moitié vide. Mais il y a d’autres nuances - des feuilles légèrement fanées dans une couronne, des fruits rassis, qui font penser à un spectateur attentif.

Le biographe Caravaggio Giovanni Ballone écrira: «Le Bacchus à plusieurs branches de raisin peintes de couleurs différentes est écrit avec beaucoup de soin, ainsi qu’avec une certaine netteté et une sécheresse de manière; cette peinture vient du temps où Caravaggio essayait de vivre de son propre argent en vendant ses peintures. "En 1916, cette oeuvre a été redécouverte par Roberto Longy, qui l’a découverte dans le dépôt de la Galerie des Offices.

Le talent extraordinaire du Caravage a été apprécié avec un retard de 300 ans. On ignore si le client a accepté Bacchus ou si l’œuvre n’a jamais été mise en vente. en tout état de cause, sa mise en œuvre ne pourrait pas aider le maître à résoudre ses problèmes matériels. Valentin, qui croyait en l’énorme talent artistique du Caravage, a convaincu l’artiste d’accepter un ordre d’exécution de travaux à contenu religieux, mais l’entêté, malgré tout, a commencé à travailler sur un nouveau travail - il a écrit The Fortune Teller.

Sur la toile, on voit soit une scène de rue, soit l’un des épisodes du théâtre folklorique. Valentine a payé 30 thalers au Caravaggio! Par la suite, l’œuvre a été offerte au roi de France Louis XIV par le prince Doria-Pamphili et est actuellement conservée au Louvre.

Un examen aux rayons X du travail a montré que, sous l’image du jeune chancelier, il y avait une image antérieure ressemblant beaucoup à Cesare d’Arpino. Caravaggio a peut-être simplement économisé de l’argent sur la toile. La vulgarité de cette scène a choqué les contemporains de l’artiste, mais c’est elle qui a ensuite inspiré un autre peintre, le Français Georges de Latour, pour créer un tableau sous le même nom et sur la même parcelle. Ayant reçu l’argent, Caravaggio s’est immédiatement précipité vers des aventures, des bagarres et des bagarres, ce qui a obligé la police papale à exercer à nouveau une surveillance stricte de sa vie.

Qu’est-ce qui s’est passé ensuite? Comment Valentine a-t-elle réussi à convaincre cet artiste égaré de revenir sur le droit chemin? Probablement, dans cette lutte contre la disposition rebelle du Caravage, il a utilisé le nom d’un des plus riches collectionneurs d’art de cette période - le cardinal Francesco Maria del Monte. Enfin, le peintre accepte d’écrire pour le cardinal une image sur un thème religieux, devenue la première de son travail.

Certes, l’artiste a posé sa condition: liberté totale dans le choix du sujet. Caravaggio a immédiatement refusé d’écrire les scènes traditionnelles de la crucifixion et du martyre. En tant qu’objet pour l’image, l’artiste a choisi le thème de l’extase, en accord avec sa manière picturale et son tempérament artistique. Il commence l’œuvre monumentale Ecstasy of St. Francis. Caravaggio se lance résolument dans la création de la toile et s’installe dans le sous-sol de la maison de Valentine afin de mener à bien cette tâche difficile pour lui dans les meilleurs délais.

Le travail devait être très artistique et magistral, ce qui pourrait ouvrir les portes du Caravage aux collections des grands amateurs d’art romain. En même temps, elle l’aurait rendu célèbre et aurait aidé à gagner les faveurs de gens riches et autoritaires. Les chercheurs modernes du travail de l’artiste considèrent Ecstasy of St. Francis comme le premier travail de Caravaggio.

Le génie de l’innovation

L’ouvrage «Extase de saint François» a suscité beaucoup de controverses et de discussions. L’écrivain Dominic Fernandez voit en elle la naissance d’un véritable baroque. L’intrigue de l’image se déroule dans le contexte d’une forêt de nuit. À l’arrière-plan, Caravaggio a dépeint de simples bergers qui ont allumé un feu. À sa lumière, la figure du saint accompagnateur endormi, le Frère Léon, apparaît clairement. Saint François révèle des stigmates dans un état d’extase mystique.

Personne avant le Caravage n’a décrit une scène d’extase religieuse comme celle-ci: un saint repose dans les bras d’un ange, dont l’image est incarnée par la forme d’un jeune homme séduisant qui rappelle fortement les modèles préférés du peintre. La figure d’un ange, malgré les ailes derrière elle, ne monte pas en flèche, mais tombe sur le sol. En essayant de trouver de nouveaux moyens expressifs et expressifs, l’artiste améliore le jeu de la lumière et résout l’ensemble de la composition comme une reconstitution théâtrale, essayant ainsi d’obtenir non seulement un effet artistique significatif, mais également plus de persuasion.

L’extase de saint François a fait son travail - a jeté les bases de la renommée de Caravage en tant que peintre religieux. D’autres œuvres monumentales de l’artiste ont suivi, telles que La conversion de Saul de l’église de Santa Maria del Pololo. Le cardinal del Monte, appréciant le caractère novateur du peintre, invite Caravaggio au Palazzo Madama.

Francesco Maria del Monte était l’ambassadeur du duc de Toscane à la cour de Pantifex Maximus. Sa résidence était située dans la villa Médicis. Le cardinal était une personne très instruite: il connaissait l’hébreu, le grec ancien et d’autres langues orientales. Il était un grand fan de musique et de peinture, toujours ouvert aux nouvelles idées. Grâce à cela, Caravaggio lui a fait bonne impression et le cardinal lui a offert une liberté de création et un contenu complet. Vivant dans le palais de Madama et perçu comme un élève du cardinal, Caravaggio est devenu un artiste recherché et célèbre. Certes, non seulement ils l’admiraient, mais aussi le haïssaient.

Protégé de toutes les adversités, bien pourvu, et peut-être même amoureux, l’artiste a commencé à s’habituer à une vie tranquille. Ce qui, toutefois, n’a pas affecté la netteté et la netteté de son langage pictural, qui est constamment affiné. Absorbé par la recherche des scènes les plus dramatiques, et incarnant ses idées, il a eu recours à une richesse de contrastes, à un jeu d’ombre et de lumière, donnant à ses peintures vitalité et persuasion.

Pendant ce temps, un changement de siècles approchait. Le maniérisme en tant que mouvement artistique est tombé progressivement en déclin: la Renaissance est devenue une histoire. C’était l’époque de l’édit de Nantes, qui mettait fin aux guerres de religion en Europe. La France et l’Italie ont conclu une alliance: Henri IV a épousé Marie-Médicis. Michelangelo Merisi, qui a pris le nom de Caravaggio, avait alors 25 ans.

En tant qu’élève du cardinal, qui a heureusement acquis la plupart de ses œuvres, l’artiste peut s’abandonner complètement à l’inspiration - «la fureur du moment». Il a commencé à écrire non seulement des peintures religieuses, mais aussi des peintures de genre. La "Madeleine pénitente" de Caravaggio est étonnamment réelle. À propos, un modèle de la rue nommé Julia a servi de modèle au peintre. Deux ans plus tard, il crée le tableau «La circulation de Madeleine», qui se distingue par une étude encore plus minutieuse de tous les détails.

Dans la maison du cardinal del Monte, Caravaggio écrit sa célèbre nature morte "Fruit Basket". Le panier qui plane au-dessus de la table semble exceptionnellement matériel. En plus des fruits juteux et frais, le maître l’a «remplie» de fruits trop mûrs et de feuilles fanées. Cette toile n’a jamais orné la collection de del Monte, le cardinal ne l’a découverte que plus tard dans l’atelier du gentilhomme Cesare d’Arpino, à laquelle l’artiste lui-même l’avait donnée, en guise de dédommagement. Plus tard, ils ont oublié la nature morte de Caravaggio. Jusqu’à récemment, la «corbeille de fruits» faisait partie de l’école néerlandaise de la peinture. Seule l’étude scientifique menée par Longy en 1919 a prouvé la paternité de Caravaggio.

Bientôt, l’artiste quitte le Palazzo Madama et s’installe dans la maison du cardinal Maffeo Barberini, l’un des clients de Valentin. Influencé par les conseils et les conseils constants de son ami, Caravaggio se tourne à nouveau vers le développement de sujets religieux, sans perdre confiance dans ses idées et ses principes. L’artiste cherche des situations dramatiques dans l’histoire et la vie, les renforce avec la théâtralité des solutions de composition, avec des contrastes extraordinaires d’ombres et de lumières, donnant à ses œuvres un son totalement nouveau.

Les œuvres «Prise du Christ en garde à vue» (National Gallery, Dublin, Irlande) et «La donation d’Isaac» sont consacrées à des récits de l’histoire biblique. La plus séduisante de «La donation d’Isaac» est une interprétation humaniste de l’image d’un ange apparaissant à Abraham, apportant un poignard au-dessus de son fils. L’ange fait un geste vers le bélier, qui devrait être posé sur l’autel à la place du garçon.

Dans le tableau "Sainte Catherine d’Alexandrie", l’artiste représente à l’arrière-plan une roue de torture effrayante avec des pointes en acier. Caravaggio équilibre magistralement la composition en mettant en corrélation les parties sombres et claires. L’œuvre, qui pendant quelque temps faisait partie de la collection de del Monte, a été vendue par ses héritiers à la famille Barberini, dont elle est ensuite entrée dans la collection Thyssen-Bornemisza en 1935.

Le tableau "Jean-Baptiste" appartient à la même époque et sa création s’inspire des figures des jeunes nus de Michel-Ange de la Chapelle Sixtine. Il écrit aussi une autre Marie-Madeleine, interprétée à la manière des maîtres vénitiens («Conversion de Madeleine»). Sur cette toile, en plus de Madeleine, appuyée sur un grand miroir rond, nous voyons un autre personnage - Marta, qui est présenté par Caravaggio. Le modèle pour Martha était Filis Melandrone, qui travaillait avec l’artiste et écrivait Sainte Catherine.

La demande personnelle insistante du cardinal et sa grande demande de peinture religieuse ont forcé le peintre à continuer à travailler sur des œuvres sur des thèmes bibliques. Toutes ses œuvres ultérieures ont porté un coup fatal à la direction fondamentale de l’art européen - le maniérisme.

Bientôt, Caravaggio décide d’écrire une toile sur l’un des pires moments de l’histoire juive décrite dans l’Ancien Testament. Il écrit Judith et Holopherne, où il décrit le moment où Judith a été coupée au tyran assyrien Holopherne. Le modèle de Judith était également Filis Melandrone. Au départ, l’artiste a représenté Judith avec les seins nus, mais a ensuite été contrainte de la «couvrir» avec un corsage. Un peu loin de l’héroïne attend un serviteur âgé. Elle tient facilement une serviette en lin pour envelopper la tête de la victime. L’image de la vieille fille a été créée par Caravaggio sous l’impression de «La tête du vieil homme» de Léonard de Vinci.

La peinture "Le repos sur la fuite en Égypte" montre clairement l’acceptation et la négation des traditions de la peinture religieuse. Les cheveux bruns de la Mère de Dieu contrastent avec les boucles rouge clair de l’Enfant Jésus. Un ange écrit à l’arrière joue du violoncelle; son regard est fixé sur la partition que Joseph détient. L’artiste a dépeint le mari de la Vierge Marie comme pieds nus et à la barbe grise. Il est assis sur un sac, à côté duquel on voit une bouteille de vin à moitié ivre. En tant que toile de fond, le paysage encadre toute la composition. Lui et le motif de fleurs et de feuilles sont stylistiquement proches des peintures de Giorgione, mais, bien sûr, Caravaggio le surpasse par la force de son talent.

La toile "Le repos sur le chemin de l’Égypte" a été perçue de manière ambiguë par le public et a reçu diverses cotes. Cependant, le cardinal a donné un nouvel ordre à Caravaggio pour peindre le plafond de sa résidence (actuellement, il y a la villa de Boncompany Ludovisi). L’artiste a complété la commande au milieu des années 1590. Cette fresque est encore le seul travail connu de Caravaggio dans le domaine de la peinture murale. Le peintre démontre l’habileté stupéfiante de posséder une perspective. Les figures de Jupiter, Neptune et Pluton, décrites par lui dans une fresque, témoignent des capacités extraordinaires de l’artiste de 26 ans. Bien que l’œuvre ait été très bien accueillie par les connaisseurs avertis, Valentin attendait plus de l’artiste. Il a aidé Caravaggio à conclure un important contrat pour peindre des scènes de la vie de l’apôtre Matthieu de la plus grande église romaine de San Luigi dei Francesi.

En vertu de ce contrat, l’artiste a créé deux toiles monumentales - «Martyre de l’apôtre Matthieu» et «L’appel de l’apôtre Matthieu», qui ornent encore l’église de San Luigi dei Francesi, située au même endroit où elles ont été identifiées temps de l’artiste. Ils sont la preuve vivante d’une nouvelle étape dans la vie et le travail du Caravage.

Cet ensemble pittoresque était le plus grand de tous les spectacles de l’artiste. Et le résultat de son travail était stupéfiant. Les œuvres monumentales qu’il a écrites et qui reposent sur un regard novateur sur des sujets bibliques ont suscité un débat passionnant, tant parmi les membres du clergé que parmi les amateurs d’art. Cela n’est pas surprenant, étant donné qu’au début du XVIIe siècle, les peintures d’église et les fresques étaient à l’honneur et suscitaient un vif intérêt, non seulement du clergé, mais également de tous les amoureux de la peinture. Tous étaient donc impatients de voir de nouvelles œuvres de peintres..

L’histoire de cette commande est plutôt inhabituelle. Le cardinal Matteo Contarelli, qui souhaitait dédier la chapelle à saint Matthieu, son patron céleste, a invité des peintres et des sculpteurs à décorer l’église. Les travaux n’étaient pas encore terminés au moment du décès du cardinal et la question de leur achèvement a fait l’objet de discussions approfondies lors de nombreux conseils d’église.Parmi les artistes impliqués dans la chapelle de Contarelli, notons Girolamo Muziano et le gentilhomme Cesare d’Arpino, qui a peint les voûtes et le plafond de l’église avec des scènes de la vie du saint. Il allait faire des fresques sur tous les murs de la chapelle, mais pour des raisons inconnues, il ne pouvait pas continuer à travailler. Son achèvement a été confié à Caravaggio. Le contrat du 25 juin 1599, conclu avec l’artiste, a survécu. Selon lui, le Caravage a reçu une récompense de 400 scudos.

En fait, on ne voit pas pourquoi le choix s’est porté sur le Caravage et non sur d’autres, plus célèbres au cours de ces années, les maîtres romains. Probablement, la médiation des tout-puissants mécènes de l’artiste: le cardinal del Monte et le riche philanthrope et aristocrate génois Vincenzo Giustiniani a joué un rôle important à cet égard. Bien sûr, le peintre a été flatté par l’honneur qui lui a été présenté et s’est immédiatement mis au travail. Mais là, un problème est apparu clairement: des messes servaient régulièrement dans la chapelle de Contarelli et il était donc impossible de créer les forêts nécessaires à la création de compositions grand format. Caravaggio a offert son moyen de sortir de la situation - il a décidé de faire des peintures à l’huile de grand format sur toile de 3,40 x 3,24 mètres à l’huile! Aucun de ses contemporains n’a encore complété des commandes de cette ampleur. Après un peu de réflexion, le clergé a accepté.

Le peintre n’a pas respecté les délais stipulés dans le contrat et a soumis son travail plusieurs mois plus tard. Il acheva le «martyre de l’apôtre Matthieu» à temps pour le début de 1600. Le Caravage changea à plusieurs reprises la composition de la toile à la recherche de la solution la plus aboutie. Le peintre a décrit la scène qui s’est déroulée dans la cour du roi d’Ethiopie, qui a ordonné l’exécution de Saint Matthieu, qui y a prêché l’évangile. Le bourreau, tenant son épée à la main, se penchait déjà pour le tuer, un martyr résistant. Un ange tend au saint une branche de palmier, emblème du martyre de la foi. Au loin se trouve un jeune homme au visage tendre, essayant involontairement de se distancer de la scène terrible qui se déroule. Le garçon en fuite se détourne, son visage exprime une horreur indescriptible.Dans l’un des personnages de la toile, Caravaggio lui-même peut être perçu comme un témoin de ce crime: un homme d’âge moyen à la barbe et au visage épuisé. C’est le troisième autoportrait de l’artiste.

Le tableau «Le martyre de l’apôtre Matthieu» triomphe avant tout de l’authenticité réaliste, de la richesse émotionnelle et du caractère le plus convaincant des images. Hermann Foss écrit: «Au moment où Caravaggio a commencé à utiliser la méthode d’éclairage inventée dans le développement de compositions à plusieurs figures, il a ressenti le besoin d’abandonner le moyen d’image linéaire-plan utilisé par Zuccaro et Giuseppino. Ses concurrents n’ont pas hésité à faire des jugements critiques. L’artiste Zuccaro, l’un des théoriciens du maniérisme romain, s’exprima comme suit: «Beaucoup de bruit provient de rien! Je ne vois ici qu’une copie du style Giorgione! ”

Reconnaissance du talent

La peinture «L’appel de l’apôtre Matthieu», exécutée quelques mois plus tard et placée dans une chapelle à côté de la composition «Martyrdom», a également alimenté la conversation. L’artiste a montré le mystère de «l’appel» sous la forme d’une scène de la vie quotidienne romaine. Réalisant son plan audacieux, Caravaggio choisit l’emplacement de l’une des tavernes romaines dans laquelle se trouvent généralement les joueurs. Dans l’original, un épisode de l’histoire de l’Évangile se déroule dans une pièce qui respecte les coutumes modernes. Après tout, il s’agit du collecteur d’impôts principal, le collecteur en chef des impôts qui contrôle la perception des impôts.

Dans la toile, la lumière tombe d’en haut et n’éclaire que le côté droit de la pièce. La seule fenêtre est étroitement fermée et semble murée. Le peintre a décrit une situation totalement inappropriée pour accomplir le sacrement de conversion, mais c’est ici que Jésus apparaît. En entrant, il montre du doigt le percepteur d’impôts choisi, et ce geste rappelle un peu le mouvement de la main du dieu de l’hôte, tiré de la fresque "Création du monde" de Michel-Ange.

Enfin, le Caravage devient célèbre. Il a prouvé de manière convaincante qu’en peignant, une combinaison harmonieuse du divin avec le quotidien est possible. L’apparition de Jésus au bureau du recouvrement des impôts, figurant sur sa toile, n’a pas l’air blasphématoire. Certes, cette innovation dans la peinture d’église a provoqué des débats sans fin. Néanmoins, les exécuteurs testamentaires du cardinal Contarelli ont été satisfaits et ont immédiatement demandé à l’artiste d’accomplir l’image centrale de l’autel de l’église. Le motif de la dernière image a été déterminé à l’avance - l’apôtre Matthieu et l’ange. Le peintre à l’heure a présenté le travail aux clients, mais celui-ci a été rejeté car Caravaggio a doté le saint des traits caractéristiques d’un simple paysan le représentant barbu, chauve, jambes nues et sales.

Sous la pression du clergé, Caravaggio présente la deuxième version du tableau, avec une interprétation complètement différente de l’intrigue. Dans la deuxième version de l’œuvre, le peintre refuse de démontrer la proximité émotionnelle entre l’apôtre et quelque chose qu’un ange murmure à l’oreille. L’image de l’autel de saint Matthieu, créée par le Caravage, est encore visible dans la chapelle de l’église de San Luigi dei Francesi. L’ensemble artistique de trois toiles monumentales est resté longtemps dans l’obscurité du sous-sol de la chapelle de Contarelli, jusqu’à ce qu’il soit "ressuscité" de Roberto Longa. La première exposition de ces œuvres eut lieu en 1922 lors d’une exposition organisée à Florence.

Ces peintures sensationnelles ont apporté au Caravage un succès sans précédent. Il a immédiatement reçu une nouvelle commande. L’artiste doit maintenant travailler sur un thème religieux pour une autre chapelle, située sur la plus belle place de Rome, Cherazi, dans l’église de Santa Maria del Popolo. La chapelle, située à gauche de l’autel, a été achetée par la famille Cherazi pour le tombeau de la famille.

En 1601, le Caravage eut enfin des étudiants, dont l’un, Giovanni, s’installa même chez son professeur, au sous-sol du Palazzo del Monte. Pendant ce temps, l’artiste achevait la peinture de l’Assomption de Marie pour la chapelle de Cherubini dans l’église de Santa Maria della Scala à Trastevere, à la demande des moines mendiants carmélites sous la médiation directe du marquis Giustiniani.

La toile "Assomption de Marie" allait devenir la plus grande de l’autel de la chapelle. La composition de la photo nous montre Marie mourante. Sa chambre est pauvre, tout l’environnement misérable se compose d’un lit gigantesque, d’une chaise et d’un vaisseau de lavage. Le lit de mort est couvert par un grand rideau rouge qui pend directement à la poutre du plafond. Longy note: «La photo nous dit à quoi ressemble la mort d’une femme des gens ordinaires… La douleur de chacun se tenant près du lit est impressionnante et reçoit un pouvoir d’influence illimité grâce à un flot de lumière qui combat les ombres, les chutes de la gauche et éclairant les couleurs flamboyantes de l’intérieur. Le chagrin et le choc des assistants, soulignés de manière expressive par la lumière, semblent infiniment gigantesques, inépuisables. "

Sans surprise, les moines carmélites ont rejeté la photo. Ce n’était pas sans rumeurs. L’artiste n’a-t-il pas invité une femme de vertu douce comme modèle pour le personnage principal? Caravaggio a dépeint le corps de la défunte Maria de telle sorte que tout indique une maladie grave. Même l’image au premier plan d’un bol d’eau de vinaigre, conçue pour laver les morts, était elle-même un blasphème et a alerté l’église. Il convient de rappeler qu’un an plus tôt à Rome, Giordano Bruno, qui avait rejeté le dogmatisme religieux, avait été incendié sur le bûcher de l’Inquisition.

Le produit de l’Assomption de Marie n’a pas trouvé d’acheteur pendant longtemps, jusqu’à ce que le duc de Mantoue de Vincenzo Gonzaga l’achète pour sa propre collection sur les conseils de Rubens. Rubens était ravi du courage et de la puissance de la peinture de Caravaggio, de son habileté à transmettre des ombres et des lumières. L’œuvre de l’Assomption de Marie, comme l’essentiel de la collection du duc, a été vendue à Charles Ier en Angleterre en 1628. Le tableau a longtemps appartenu à un banquier parisien, puis à Louis XIV, après son décès.

Pendant cette période, Caravaggio commence à rencontrer à nouveau ses amis des quartiers défavorisés et n’essaie en aucun cas de conclure un contrat rentable avec l’église de Santa Maria del Popolo, ce qui inquiète beaucoup Valentine. Néanmoins, le peintre accepte d’écrire une peinture monumentale pour le riche banquier Marquis Giustiniani - «Le couronnement d’une couronne d’épines». La version originale de l’image, longtemps considérée comme une copie, n’a été identifiée qu’en 1974, elle se trouve dans la galerie d’art Prato.

En plus d’elle, le maître écrit pendant une courte période une autre œuvre de grande taille, intitulée «La position dans le cercueil», qui se trouve maintenant au Vatican. Dans ce travail, sa vision extraordinaire de la lumière et de l’ombre et son talent pour travailler avec des couleurs «ravivées» se sont révélés de manière surprenante. Le tableau était le seul travail de Caravaggio sur un thème religieux, reçu sans délai par les clients de l’église de Santa Maria in Vallicella, qui s’exprimait au nom de Monseigneur Vitrici. Plus tard, Rubens a fait une copie de cette œuvre, en modifiant légèrement la composition.

Bientôt, un important contrat avec l’église de Santa Maria del Popolo pour 400 scudos, avec l’assistance directe de Valentine, a été conclu. Cet argent a permis à Caravaggio de rembourser ses dettes et de gagner une certaine indépendance. Initialement, selon le contrat, l’artiste était censé écrire des œuvres jumelées de petit format, exécutées sur des planches de cyprès, mais à la fin, Caravaggio les a peintes sur des toiles à l’huile. Les parcelles ont été proposées par le sénateur Cherazi: «La crucifixion de l’apôtre Pierre» et «La conversion de Saul». Très probablement, le peintre a rempli avec enthousiasme cet ordre, qui était classique à tous égards.

Néanmoins, le clergé a fermement rejeté la première version des peintures créées par l’artiste, qui a donné lieu à la création de leur deuxième version. La version originale du tableau “La crucifixion de l’apôtre Pierre” se trouve à l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg, tandis que la première version de la “Conversion de Saul” est perdue. La deuxième version de The Crucifixion a été créée avec un tel réalisme et une telle conviction que les moines carmélites l’ont acceptée avec crainte. Le Caravage décrit des bourreaux qui essaient de soulever une grande croix avec les saints attachés. L’artiste a peint l’apôtre Pierre avec une baby-sitter, qui l’a fait pour le tableau "Le repos sur la fuite en Égypte" et des tableaux situés à San Luigi Lei Francesi. La "Crucifixion de l’apôtre Pierre" a été acceptée par les clients,bien qu’avec un peu de mécontentement.

Le tableau «L’appel de Saül» a été rejeté deux fois par les moines avant d’être placé dans la chapelle de Cherazi. Le fait était qu’une telle interprétation du complot biblique, comme dans le tableau «Assomption de Marie», était une provocation impensable. Il suffit de noter que presque tout l’espace de la toile est réservé à l’image du cheval. L’un des prélats de l’église de Santa Maria del Popolo a obstinément contesté cette décision artistique avec Caravaggio lui-même. Un serviteur de l’église a enregistré cette conversation pour le récit: «Pourquoi le cheval est-il au milieu et l’apôtre Saul est-il étendu sur le sol?" - "Il est donc nécessaire!" - "Ce cheval doit-il remplacer Dieu?" - "Non, mais il est à la lumière de Dieu. "

Berneson note que "… Le Caravage attend quelque chose des sculpteurs de notre temps…". Roberto Longi estime que les deux toiles de l’église de Santa Maria del Popolo sont une preuve vivante du génie artistique du maître. «Les expériences de Caravaggio dans le domaine de la peinture lui ont finalement permis d’appliquer la réduction des ombres profondes, ce qui a bien sûr accru l’impact de son réalisme tragique et courageux… Le Caravaggio change complètement l’iconographie traditionnelle. C’est peut-être l’image la plus révolutionnaire de l’histoire de l’art religieux qui a contribué à un tournant décisif dans le développement spirituel colossal de la société», écrit-il. Anthony Blunt est plus concis, mais affirme que c’est ce tableau de Caravage qui a inspiré Georges de Latour pour créer le tableau "Saint Joseph le Charpentier"."

En raison de son retard avec l’exécution de l’ordre, Caravaggio a été condamné à une amende de 100 scudos. Les œuvres de Santa Maria et les peintures de San Luigi ont été progressivement oubliées. Une des raisons en était le placement trop élevé de peintures dans les locaux de l’église. La "Conversion de Saul" et la "Crucifixion de l’apôtre Pierre" étaient toutes deux situées à l’ombre partielle sous le plafond, de sorte qu’il était presque impossible de les distinguer. Ce n’est qu’au 20ème siècle que leur renaissance a eu lieu.

L’artiste était très sensible à la critique. Absorbé dans l’indignation et le ressentiment, il plonge tête baissée dans une vie sauvage. Pendant des mois, Valentine n’avait rien entendu à son sujet. Et Caravaggio a erré autour de la périphérie de Rome avec un jeune marié appelé Benedetto et son ami Lionello Spada. Cependant, Valentine réussissait toujours à suivre sa trace. Après avoir recherché le peintre, il lui suggéra de créer une série de peintures sur des sujets mythologiques célèbres. Ainsi sont nés les tableaux “Narcisse” et “Cupidon le Victor” (1603).

Les toiles mises en vente ont suscité des critiques extrêmement hostiles de la part des marchands d’art, qui les considéraient comme indécents. Peut-être que le modèle de la figure de l’Amour, décrit par le peintre comme un enfant très terrestre et enjoué, était le marié Benedicto. Armé de flèches, le petit garçon se moque sans retenue des symboles de l’amour, de l’art, du pouvoir et du pouvoir. L’œuvre porte une inscription significative: Amor vinciti omnia ("L’amour triomphe de tout"). En outre, des rumeurs ont couru selon lesquelles Amour le conquérant aurait été créé comme une parodie de la célèbre statue de la victoire de Michel-Ange dans le palais Vecchio à Florence. D’autres y ont vu un soupçon de l’image de saint Barthélemy de la fresque "Le Jugement dernier" de la chapelle Sixtine. Bien sûr, Caravaggio a mis à nu le thème homosexuel dans les travaux de son grand prédécesseur.

Réputation gâchée

La période de 1602 à 1606 fut remplie non seulement de créativité, mais également d’aventures aventureuses, de conflits incessants avec les agents de la loi et du paiement d’innombrables amendes. Par exemple, un certain peintre de Girolamo Spampa a été blessé avec une épée lors de critiques offensives de ses œuvres. Un peu plus tard, il est accusé d’avoir composé et publié des vers diffamatoires sur le peintre et son futur biographe Ballon. Cela s’est produit juste au moment où l’artiste a terminé le travail de l’Ascension pour l’Église romaine de Gesu. Ensuite, pour la composition du sensationnel libelle diffamatoire (qui n’a pas été pardonné à Rome), le peintre a été envoyé à la prison de Torre di Nona, y réussissant même à se comporter mal. Les déclarations du Caravage, pleines d’insolence, de mensonges et de calomnies, n’ont en aucune manière contribué à l’indulgence des juges.

Sans l’intercession de deux voire trois cardinaux et du marquis Giustiniani, Caravaggio aurait inévitablement été condamné à une longue peine de prison, compte tenu des nombreuses condamnations antérieures. Mais l’artiste s’est repenti, a promis de ne plus commettre d’actes inconvenants et a même demandé pardon à Ballon, après quoi il a été relâché. Il a donc eu l’occasion de terminer le travail "David avec la tête de Goliath". Dans celui-ci, l’artiste s’est libéré de l’influence du maniérisme et a donné une interprétation totalement nouvelle de l’espace et de la lumière. Trois ans plus tard, Caravaggio a écrit une autre version de cette toile. Bientôt, il signa un contrat pour la création de l’œuvre monumentale "Madonna di Loreto", pour la chapelle de Cavaletti dans l’église romane de Sant Agostino. L’artiste s’est mis au travail, mais ce travail ne lui a pas apporté le bonheur.Malgré les avertissements, Caravaggio l’invite à poser pour une prostituée de la place Navona, nommée Helen.

L’ancien notaire public, Mariano Pascvalone, s’est ouvertement indigné de ce fait. Ceci ou quelque chose d’autre a provoqué un fort conflit entre le peintre et le notaire, qui a abouti à la présentation de Pascvalone, blessé de sang, dans la cour et expliquant qu’il avait été passé à tabac par l’artiste Caravaggio devant le palais de l’ambassadeur d’Espagne. L’incident scandaleux et puni criminellement a forcé Caravaggio à quitter d’urgence Rome.

Il se rend à Gênes en 1604 et reçoit le patronage du duc Marzio Colonna, qui le protège depuis ses études à Milan. Le prince Marcantonio Doria, qui souhaite que l’artiste peigne sa résidence sur des fresques, fait une offre à Caravaggio. Mais le peintre refuse un contrat lucratif. Dans la galerie du Palazzo Bianchi se trouve l’œuvre de Caravage “L’Homme” (Ecce Homo, 1606), qui a peut-être été écrite précisément lors de la visite de cet artiste à Gênes. C’est vrai, ce n’est pas prouvé.

Soudain, le notaire Mariano Pascvalone retire sa plainte contre Caravaggio et l’artiste rentre à Rome. Là il termine la Madonna di Loreto. Sur cette peinture incroyablement populaire, la Vierge Marie est représentée «flottant dans le ciel» à l’intérieur de l’espace de l’autel. L’artiste décide de la présenter sous une simple apparence paysanne au moment où elle rencontre deux pèlerins aux pieds nus, sales, avec une douceur et une révérence touchantes. Le visage de la Madone est empli d’une infinie modestie et l’Enfant Jésus, qu’elle tient dans ses mains, regarde les aînés avec un mélange de curiosité et d’inquiétude. L’interprétation des images de pèlerin est particulièrement impressionnante dans le travail.

Comme toujours, la photo a suscité beaucoup de controverses et de discussions sans fin, au cours desquelles le peintre est apparu à la fois comme de nouveaux fans et de nouveaux ennemis irréconciliables. Les prêtres de l’église de Sant Agostino ne pouvaient pas accepter le travail et donc payer le contrat de Caravaggio. Une lettre d’un membre du clergé est conservée dans les archives nationales de la ville de Modène, où il décrit les problèmes de justice de l’artiste et son procès devant la curie judiciaire.

Bientôt, un nouvel incident se produisit qui, bien entendu, ne fit qu’exacerber la situation du peintre. Lors d’un repas amusant à Albergo del Moro, le garçon garçon servit le Caravage avec désinvolture et désinvolture. Il y jeta une assiette d’artichauts. Cela a conduit à une bagarre et le fauteur de troubles a été arrêté. L’artiste est de nouveau apparu dans la cour qu’il n’a quitté que grâce à ses patrons. Tentant de se réhabiliter et de se justifier, Caravaggio commande deux toiles: "Saint François avec un crâne" et "Écriture de Jérôme" destinées à l’église des moines capucins.

Vers la même période, l’œuvre «Le Christ dans l’oliveraie», détruite en 1945 lors du bombardement de Berlin, date de l’époque. Nous pouvons seulement en voir des copies maintenant. Au cours des mêmes années, Longo date «Jean-Baptiste» de la Galerie Borghese et une autre version du tableau «Christ à Emmaüs», qui se trouve maintenant dans la Pinacothèque de Brera à Milan.

Cette période a été la plus fructueuse pour tout le temps passé à Rome par le Caravage. Dans la seconde version du tableau «Le Christ à Emmaüs», l’artiste acquiert une maîtrise suprême dans la composition du tableau, dans laquelle les personnages de cinq personnages bibliques occupent presque tout l’espace de la toile.

Le patronage du duc de Colonna a contribué à rendre les commandes de Caravaggio de plus en plus nombreuses. Maintenant, son génie créatif pourrait être pleinement révélé et l’attribution à l’artiste ne tarde pas à venir. Malgré la notoriété du peintre, le neveu du cardinal Shipione Borghese a reçu du pape Paul V lui-même l’autorisation de confier à Caravaggio l’exécution de l’image de la Vierge de la basilique Saint-Pierre.

Absolument tous les peintres romains de cette époque rêvaient de travailler dans cette plus grande cathédrale du monde. Selon les termes du contrat, il était nécessaire de décorer l’autel le plus important de la chapelle Palafrenieri, l’une des familles les plus remarquables d’Italie, qui comprenait le pape Paul V. La commission des cardinaux du conseil de l’église, en particulier le Caravage, était une excellente occasion pour l’artiste de restaurer complètement la réputation endommagée et d’établir sa position en tant que l’un des meilleurs peintres de Rome et de toute l’Italie.

Mais, comme toujours, l’obstination du Caravage a tout gâché. En dépit des conseils et des avertissements, l’artiste invite à nouveau le modèle de rue Helen comme modèle. Il remplit la commande avec une rapidité inhabituelle - tous les travaux sur la toile sont terminés en trois jours à peine, après quoi ils sont présentés au public.

C’était un effondrement indescriptible de toutes les ambitions et de tous les espoirs du peintre. Jamais auparavant le Caravage n’avait pu avancer autant dans une interprétation réaliste de l’histoire de l’Évangile et de la vitalité des images. Comme on pouvait s’y attendre, la majorité du public a considéré l’œuvre monstrueusement vulgaire. La Madonna Palafrenieri a été catégoriquement rejetée par le clergé et les portes qui pouvaient ouvrir à l’artiste le chemin de la gloire et de la fortune étaient fermées à jamais. «Nous ne voyons dans cette image que de la vulgarité, des sacrilèges, le manque de divinité et de beauté», a écrit l’un des secrétaires du Conseil des cardinaux. Puis, comme ses rivaux: le cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano et Giovanni Ballone et d’autres, ont activement grimpé au sommet de la célébrité - l’Académie de Saint-Luc elle-même, en voie de recevoir l’honneur de recevoir un chevalier ’Caravaggio a perdu pour toujours la possibilité d’être reconnu par la haute société et par l’autorité papale.

Le peintre entre à nouveau dans le sérieux et se retrouve bientôt à la prison de Torre di Nona. Nous parlons maintenant d’un crime plus grave. Un des gardes pontificaux a été retrouvé mort, observant l’artiste la nuit. Quelqu’un s’est cassé la tête avec une pierre. Le peintre a tenté de prouver son innocence: il a assuré que la pierre était accidentellement tombée du toit juste au moment où cet homme y était passé. Mais le tribunal a rejeté cette version et Caravaggio a été emprisonné.

L’artiste a été enchaîné et interrogé pendant une longue période, il a même été condamné à être battu avec des bâtons. Peut-être ce Caravage souffrant a-t-il ensuite réfléchi sur la toile "Flagellation du Christ", qu’il écrira plus tard à Naples. Ses amis craignaient pour sa vie et ne voyaient son salut qu’en fuite.

L’évasion de Caravaggio de prison a été un succès, mais maintenant il a été mis sur la liste noire par la police pontificale. Ni l’artiste lui-même, ni ses amis, ne savaient comment se débarrasser de la persécution. Mais le plus regrettable est le fait que l’artiste n’a pas voulu apprendre de ses erreurs.

Dans le port de Ripetta sur les rives du Tibre, Caravaggio a repris ses aventures et ses combats, se cachant périodiquement dans le Palazzo Colonna. Le 29 mai 1606, lors d’une partie de balle sur le champ de Mars, l’artiste accusa Ranuccio Tomassoni d’avoir trompé son partenaire. Cela a conduit à une bagarre. Les armes ont été lancées, à la suite de Tomassoni est tombé mort. Le peintre a également été blessé, mais a réussi à s’échapper.

Après ce scandale, ses amis ont été arrêtés et lui-même condamné à mort. À ce moment-là, une telle peine signifiait que chaque agent de la force publique, n’importe où et n’importe quand, dès qu’il détecterait un fugitif, pourrait exécuter la peine.

Caravaggio a crié au secours de ses clients, mais ceux-ci étaient déjà fatigués des demandes sans fin de l’artiste, qui ne voulait pas se comporter avec prudence. Faible et malade, le peintre a dû se cacher à nouveau. Il souhaitait se réfugier sur les terres de la colonne ou de Lacy situées en dehors des limites romaines.

À 35 ans, le peintre entre dans la dernière période de sa vie. Rome ne lui a cependant jamais promis la richesse, mais lui a fourni les moyens de subsistance suffisants pour le développement de son génie. Caravaggio n’est jamais revenu à la Ville Éternelle. Bien que chaque minute, il espérait un retour, caché dans un abri secret. Le fugitif, empoisonné par la maladie, la haine et la menace de la mort, commence à écrire ses chefs-d’œuvre à un rythme incroyable et «inhumain». Ses dernières œuvres sont remplies de passion, de grandeur et de force.

En équilibre au bord du gouffre

Après s’être enfui de Rome en mai 1606, Caravaggio, qui a la gloire de l’un des meilleurs peintres de la Ville éternelle, ne s’attend pas à un pardon. Il préfère donc s’éloigner des détectives papaux. Sans hésitation, il s’est rendu à Naples - une grande ville densément peuplée, littéralement pleine de nouvelles idées, de mouvements artistiques et d’un esprit révolutionnaire.

Ici, l’artiste reçoit presque immédiatement une commande d’un riche marchand Ragus. Caravaggio crée une grande image d’autel «Madone avec le chapelet» pour l’autel de l’église dominicaine, qui porte un deuxième nom - «Madonna del Rosario». Cette toile a marqué le début d’une nouvelle étape dans son travail.

Le travail fini a provoqué un conflit entre l’artiste et les moines dominicains, qui se sont reconnus dans les personnages représentés sur la toile. Cela contredit le concept traditionnel de peinture religieuse. Le peintre utilise des contrastes de contraste clairs-obscurs pour une transmission volumétrique très matérielle des formes, tandis que les techniques picturales indiquent le retour de l’artiste à ses premiers écrits.

En conséquence, le tableau a été acheté par le peintre Louis Finsonius de Bruges. Il l’envoya à Anvers, où l’association artistique, comprenant Rubens, Van Balen et Jan Brueghel, en fit l’acquisition pour la cathédrale dominicaine pour 1800 florins. En 1781, Joseph II, roi d’Autriche-Hongrie, l’acheta aux moines, qui étaient venus en admiration complète.

La nouvelle commande, bientôt reçue par Caravaggio, n’a pas non plus été appréciée par le client. Cette fois, l’artiste était censé écrire une toile pour l’église de Pio Monte della Misericordia. Le client était le chef de la curie de la ville. Le peintre a été chargé de créer la monumentale image trans-autel «Sept œuvres de la miséricorde».

Le maître décide de combiner sept épisodes décrits dans l’Évangile de Matthieu dans une même toile. La peinture, à l’instar de la Madonna del Rosario, se distingue par un style napolitain particulièrement marqué par le caractère des personnages et par la composition. Riches et pauvres, plébéiens et nobles s’unissent dans une scène nocturne. Une simple femme du peuple à la porte de la prison allaite le vieil homme: «car j’avais faim et tu m’as donné à manger» («Évangile de Matthieu»). Non loin de là, un gentilhomme prend une épée pour couper un morceau de tissu de son manteau et le couvrir d’un mendiant. Le propriétaire d’une nuit donne un verre à une personne