Peter Paul Rubens (1577-1640) Automatique traduire

Le grand artiste Peter Paul Rubens est né le 28 juin 1577, par volonté du destin, loin de la patrie de ses ancêtres - dans la petite ville allemande de Siegen (Westfalen). Le sixième enfant de l’avocat Jan Rubens et de la fille marchande Maria Papelinks était destiné à devenir le chef de file de la nouvelle esthétique et de l’art émergents en Flandre - un État qui, à la naissance du peintre, n’existait même pas sur la carte politique de l’année. le monde. Ce n’est qu’en 1609 que la trêve tant attendue a été conclue entre l’Espagne, les Pays-Bas et la Flandre, ce qui a jeté les bases du renouveau d’un pays détruit par de nombreuses années de guerre.

En Flandre, comme dans de nombreux États de l’Europe médiévale, l’Église catholique a joué un rôle majeur dans la vie de l’État, associée à la noblesse féodale qui la soutient et à la plus haute couche de bourgeois. Ce sont ces couches de la haute société qui ont été les principaux clients des œuvres d’art. À cause de quoi, les peintures d’autel majestueuses créées sur ordre de l’Église catholique et les peintures grand format destinées à décorer les châteaux et les palais des villes nobles d’Anvers ont été largement utilisées dans la peinture flamande. Les principaux genres artistiques sont les scènes mythologiques, les sujets bibliques, de magnifiques natures mortes, les portraits de cérémonie et les scènes de chasse.

Jan Rubens était le représentant d’une vieille famille anversoise. Sa fuite en Allemagne en 1586 était due à une attitude empreinte de sympathie envers le protestantisme. Initialement, la famille s’installa à Cologne, où un avocat respecté reçut le poste d’avocate Anna Saxon, épouse de William I d’Orange, chef de la résistance néerlandaise. Bientôt, l’avocat et la princesse connurent une histoire d’amour qui se termina par la naissance de leur fille. Le scandale qui a éclaté a failli tuer Jan Rubens - il a été condamné à mort par Wilhelm, ce qui est tout à fait conforme aux lois de cette époque. Ce n’est que grâce aux efforts incroyables de son épouse Rubens qu’il a pu se libérer de la prison pour s’exiler dans la petite ville de Siegen. Toute la famille y a vécu jusqu’à la mort de Jan Rubens, décédé à cinquante-sept ans après une longue maladie. Seulement après cela, en 1578, Mary put retourner à Anvers avec ses trois plus jeunes enfants - les fils Peter et Philip et la fille Blandina.

Retour à Anvers

À Anvers, Peter et Philip sont envoyés étudier à l’école latine de Rombouts Verdonka, dans laquelle ils restent jusqu’en 1590. Bientôt, leur sœur se marie et sa mère envoie Philip à l’université de Louvain pour qu’il puisse suivre les traces de son père. et devenir un avocat respecté. Et le jeune Pierre, comme il était de coutume dans les familles nobles mais non riches, entra au service d’un page de Margarita de Lin, veuve du comte Philip de Dalen. Là-bas, Rubens a appris l’étiquette de la cour et les bonnes manières, et s’est rendu compte que sa seule vocation était la peinture. Bien que, pour que la mère permette à Peter d’exercer la profession d’artiste, le jeune homme prend beaucoup de temps.

Dans les premiers enseignants de son fils, Maria a choisi ses parents éloignés - les artistes Tobias Verhacht (1561-1631) et Adam Van North (1561-1641). Le second d’entre eux était vraiment un peintre merveilleux, très respecté par ses contemporains, mais il était connu pour son égarement qui traitait ses étudiants avec rudesse. Bientôt, Rubens entra dans l’atelier d’Otto van Weet (Venius) (1556-1629), le peintre le plus célèbre d’Anvers. Le professeur a eu un impact sérieux sur la perception de l’esthétique artistique par Peter, lui a inculqué des compétences en matière d’étude approfondie et de composition et a développé un intérêt pour les aspects intellectuels de la peinture. Même après être devenu un artiste indépendant et avoir rejoint la Guilde de Saint-Luc à Anvers (en 1598), Rubens continua à perfectionner son art, en se basant sur les principes de son dernier professeur.

La vie en italie

Rubens, comme de nombreux peintres flamands, dont Otto van Weet, était absolument convaincu que "la véritable lumière de l’art ne vient que d’Italie". Au début de mai 1600, il se précipita vers son rêve, obsédé par l’idée de tomber dans ce trésor de peinture, de sculpture et d’architecture afin de comprendre l’essence même de l’art. Arrivé en Italie, le peintre travailla beaucoup, étudia la technique des maîtres anciens et copia leurs toiles. Il a été conquis par les œuvres de Léonard de Vinci, du Corrège et de Michel-Ange, mais l’influence la plus grande a été exercée par les œuvres de Titian, ainsi que par des artistes contemporains, Michelangelo da Caravaggio et les frères Carracci.

Rubens a compris que pour devenir un «grand artiste», il ne suffit pas d’étudier l’art, il faut s’immerger dans la culture, les coutumes et la vie du peuple italien. C’est pourquoi, à la fin de 1600, l’artiste entra au service du peintre de la cour du duc de Mantoue, Vincenzo I Gonzago, connu pour être un collectionneur aimable et gentil, un mécène, un admirateur passionné d’art et de science. Rubens a copié pour lui de nombreuses œuvres de grands maîtres. En plus de remplir ses fonctions directes, l’artiste a souvent participé aux affaires diplomatiques du duc.

C’est par exemple Rubens qui apporta des cadeaux de Vincenzo Ier au roi d’Espagne Philippe III et à son premier ministre, le duc de Lerma, en 1603-1604. Les murs du palais Gonzago étaient ornés de toute une collection de portraits de "plus belles dames du monde: princesses et femmes non titrées". Un certain nombre de portraits de cette célèbre série d’archives historiques ont été réalisés par Peter. Malheureusement, la "galerie des beautés" n’a pas survécu jusqu’à présent, mais c’est peut-être précisément la raison pour laquelle l’artiste a été envoyé à la cour du roi d’Espagne.

Au fil du temps, la fierté de Rubens a commencé à souffrir énormément du fait que Gonzago a utilisé son talent exclusivement pour créer des copies, certes superbes, mais étrangères. L’artiste n’a pas non plus accepté la technique acceptée consistant à écrire des portraits personnalisés, lorsque le visage du modèle s’insère simplement dans le schéma de composition préparé à l’avance à partir de la nature.

Pouvant trouver son approche non conventionnelle à n’importe quel genre, quel que soit son intérêt, Rubens a insufflé une nouvelle vie dans le strict cadre «canonique» du portrait de la cour, le libérant de la rigidité de l’écriture, du détachement du modèle et de la composition congelée. L’artiste a introduit le mouvement et la vie dans le genre du portrait, a ajouté de la richesse en couleurs et a renforcé la signification du fond du paysage environnant, en faisant une digne expression de l’art monumental. Après avoir passé huit ans en Italie, Rubens a peint de nombreux portraits d’aristocrates, notamment Marquise Bridgid Spinola-Dorpa (1606, Galerie nationale, Washington), «Autoportrait avec des amis de Mantoue» (vers 1606, musée Wallraf-Richartz, Cologne).), ainsi qu’un portrait de son patron - le duc de Mantoue.

Une mémoire visuelle superbement développée, un entraînement minutieux et une discipline stricte ont permis au maître d’obtenir une précision et une dureté de la main lors de la création de croquis et de dessins qui, parmi ses contemporains, n’était plus son égal. Grâce à cela, ce fut Rubens, contrairement aux affirmations de tous les meilleurs artistes italiens, qui reçut une grosse commande pour écrire un retable pour l’autel de Chiesa Nuova.

Derrière l’exécution de cet ordre se trouvait sa nouvelle inquiétante d’une grave maladie de sa mère. Rubens se précipite à Anvers à la fin de l’été 1608, mais n’a pas le temps d’attraper Mary Papelins en vie. L’artiste était très inquiète pour sa mort. À la mémoire des «meilleures mères», il érigea une statue sur sa tombe, qu’il fit comme retable de Chiesa Nuova à Rome. Mais, malgré une occasion aussi tragique, le peintre est rentré dans son pays natal à un très bon moment. Enfin, la paix tant attendue de douze ans a été conclue avec l’Espagne, préfigurant la paix et la prospérité du pays.

Confident de l’infante Isabella

En apprenant le retour du peintre déjà très célèbre dans son pays, l’archiduc Albert et Infanta Isabella, au nom de la couronne espagnole, qui régnait sur la Flandre à cette époque, ont invité Rubens à servir. Et pour que le maître accepte et ne retourne pas en Italie, où il avait une position stable et des salaires élevés, le couple au pouvoir offrit à Peter des concessions importantes et un certain nombre de privilèges attrayants.

Ainsi, Rubens a reçu une chaîne en or, qui lui a valu le titre honorifique d’artiste à la cour, et un montant forfaitaire élevé a été attribué à chaque œuvre commandée. De plus, une récompense supplémentaire importante lui a été promise. Contrairement aux règles selon lesquelles un peintre devrait s’installer à Bruxelles pour vivre dans la cour des mécènes, Rubens a été autorisé à rester à Anvers, il a été exempté des taxes et des règles de la guilde de Saint-Luc.

Aucun artiste ne pouvait refuser de telles conditions et Rubens ne commença plus à retourner en Italie. Doté d’un esprit subtil, d’un sens du tact, du charme et de la capacité d’interlocuteur, l’artiste a réalisé une brillante carrière de diplomate, facilitée également par le fait qu’il communiquait constamment avec les nobles les plus influents et les plus riches du monde. de nombreux pays. L’infante lucide Isabella a parfaitement compris que l’art du maître lui donnait un libre accès à de nombreuses demeures royales d’Europe. Elle décida d’en profiter et fit de Rubens son messager non officiel. Lors de séances de portrait, l’artiste a mené des négociations secrètes au nom de la couronne espagnole. Grâce aux documents historiques conservés, nous pouvons conclure que la plupart d’entre eux ont eu un résultat favorable.

Amour

Bientôt, la vie personnelle du maître fut également ajustée. En 1609, Rubens a rencontré le secrétaire du tribunal municipal d’Anvers, Jan Brant. Sa jeune et jolie fille Isabella a conquis le cœur de l’artiste avec son charme Rubens. L’artiste de trente-deux ans ne l’épousa que quelques mois plus tard, le 3 octobre 1609. Son heureux mariage était fondé sur un amour tendre et fort. Rubens a exprimé son bonheur dans le film "Autoportrait avec Isabella Brant" (1609-1610, vieille Pinakothek, Munich).

La toile se distingue par sa splendeur, sa virtuosité et son éclat. Le peintre a soigneusement peint tous les bijoux et les détails de costumes coûteux, affichant un motif précis et délicat. Sur le visage d’Isabella Brant, on lit une joie et un bonheur sincères, soulignés par un sourire doux, presque imperceptible. L’artiste s’est représenté lui-même regardant calmement le spectateur. Un regard ouvert et les bons traits soulignent la noblesse et la dignité de Rubens, son aristocratie. Et bien que l’autoportrait soit proche du portrait de cérémonie classique, l’artiste dans son travail dépasse le cadre traditionnel du genre, en offrant au spectateur l’occasion de ressentir son amour et son affection pour sa jeune femme, leur consentement mutuel et leur tendresse.

Ayant créé plusieurs portraits de son épouse bien-aimée, Rubens a toujours dépeint Isabella avec beaucoup de sincérité, de précision et de profondeur au cours des longues années de leur vie commune, laissant le fond de la photo sombre et flou afin de ne pas distraire le spectateur. de sa femme bien-aimée.

Reconnaissance universelle et talents pédagogiques

Un immense succès et une reconnaissance qui ont valu au peintre une prospérité à laquelle ses parents, épuisés par leur destin difficile, ne pouvaient même pas rêver. En 1610, il acquit une maison spacieuse, à laquelle il attacha un atelier, et décora la façade avec une sculpture, réalisant ainsi ses projets architecturaux créés en Italie. Dans cette maison de palais stylisée à Anvers, l’artiste s’est installé avec sa famille.

Les débuts de l’artiste dans sa ville natale constituaient une commande importante pour la salle de l’hôtel de ville d’Anvers - la toile “Adoration des bergers” (1608, Anvers). La peinture subit une forte influence de la peinture italienne, avec de vifs contrastes en noir et blanc, qui caractérisaient le style artistique de Michelangelo da Caravaggio, que Rubens a souvent utilisé dans ses travaux de cette période sur des sujets religieux et mythologiques. La construction compositionnelle et coloriste "Adoration des bergers" répète presque exactement la toile de Correggio "Nuit", avec seulement quelques ajouts. À cette occasion, l’artiste français Delacroix s’est exprimé une fois, soulignant que Rubens "avait un don unique pour absorber tout le reste… Il était rempli des plus grands exemples, les remodelant conformément au début qu’il portait en lui-même".

Les premiers travaux de Rubens sur des sujets religieux lisent aussi clairement la refonte de l’expérience italienne. Travaillant sur des commandes pour l’église, l’artiste ne s’est jamais senti contraint par le cadre clair des canons. L’exécution de deux triptyques pour l’église locale: «Exaltation de la croix» (vers 1610-1611, cathédrale d’Anvers) et «Descente de la croix» (1611-1614, cathédrale d’Anvers) apporta à Rubens le succès et la gloire du meilleur peintre. non seulement d’Anvers, mais de l’ensemble de la Flandre. On sait que le maître a conçu la composition «Exaltation de la Croix» en Italie, mais il n’a pu la réaliser que chez lui. La matérialité tangible de tous les objets et les caractéristiques de vie tranchantes de tous les héros de cette toile indiquent également l’influence la plus forte de l’école italienne. Avec les œuvres du grand Caravage, le travail est lié à la tension et à la dynamique internes évidentes de toutes les poses et de tous les gestes des héros chargés d’expression dramatique.

La composition des peintures représentant deux pièces de théâtre jouées au Calvaire est forte et significative. Chaque personnage a son propre caractère unique, qui se révèle le plus souvent à travers une interaction avec l’environnement et d’autres personnages. Les mains de Jésus, situées dans la partie centrale de la toile de l’Exaltation de la Croix, ne sont pas écartées mais se prolongent au-dessus de la tête, son visage est déformé par une attaque de douleur intolérable, ses doigts sont étroitement comprimés, ses muscles de tout son corps sont tendus. Les raccourcis prononcés de toutes les figures, les efforts tangibles des bourreaux soulevant la croix, les lueurs agitées de la lumière et des ombres forment un seul et même élan dynamique qui unit la nature et l’homme. L’artiste a fait tout son possible pour que les croyants qui regardent cette œuvre ne puissent avoir le moindre doute sur le plus grand sacrifice que le fils de Dieu leur ait fait.

La «Descente de la Croix» a un son interne complètement différent. Le corps plastique, gracieux, presque gracieux de Jésus est sans poids. Rubens compare sa belle fleur, coupée d’une main impitoyable. Avec des efforts incroyables, ses proches s’efforcent de maintenir le poids du corps sans vie du Christ. À côté de Jésus, nous voyons sa mère et ses amis, ainsi que «la femme la plus aimante et la plus faible, dans la fragilité, la grâce et la repentance dont sont incarnés tous les péchés terrestres, pardonnés, ressentis et maintenant rachetés». de la toile. En général, la composition est concise, on n’y voit pas d’images de tourments insupportables, de cris, de gestes acérés, de larmes. Notre-Dame retient les sanglots. Seules ses yeux ont rougi des larmes sur son visage taché par les larmes et le geste retenu de ses mains exprime son chagrin inexprimable.

Dans cette intrigue, le peintre était attiré par les passions et les expériences humaines, ce qui explique probablement pourquoi, éprouvant personnellement la tragédie de la perte d’un être cher, il a été capable de rédiger cet ouvrage de manière aussi convaincante et brillante, en racontant les tristesses des proches à propos des morts. À la différence de l’Adoration des bergers, les triptyques créés révèlent toute l’étendue du talent de Rubens, qui se reflète dans l’ampleur des images, le pouvoir de la généralisation, le contenu profond de la vie, combinés à un divertissement vivant - tels sont les traits caractéristiques de l’individu. style du maître, que l’on retrouve dans toutes ses œuvres ultérieures.

Ainsi, Rubens reçut de ses contemporains le titre de "dieu de tous les peintres". L’énorme succès de l’artiste, qui a frappé le public avec une monumentalité, une expression et un drame extraordinaires de ses œuvres, a attiré de nombreux étudiants. Bientôt, l’atelier du peintre fut considéré comme la meilleure école professionnelle de Flandre.

L’artiste a toujours essayé de développer un don individuel chez chacun de ses élèves. Mais le nombre de personnes désireuses de s’inscrire à la formation Great Rubens était si important que beaucoup ont dû refuser. Parmi les «rejetés» se trouvaient même des amis proches et des parents du maître, ce qui compliquait sérieusement sa vie. Ainsi, dans une lettre à son ami Jacob de Bi du 11 mai 1611, Rubens a écrit: «Je ne peux vraiment pas accepter le jeune homme que vous me recommandez. Je suis tellement assiégé par les demandes de tous les côtés que certains étudiants attendent d’autres maîtres depuis plusieurs années pour pouvoir les accepter. "Je peux dire en toute vérité et sans la moindre exagération que j’ai été obligé de rejeter plus d’une centaine de candidats, y compris les membres de ma famille ou ceux de ma femme, ce qui a profondément déplu à certains de mes meilleurs amis." le nombre d’ordres du peintre était incroyablement grand.

Pour remplir nombre de ses commandes, Rubens a été contraint d’attirer ses étudiants. L’artiste allemand Joachim von Zandrart a écrit à ce propos: «Yoon (Rubens) a toujours composé lui-même la composition de la future peinture sur un croquis de deux ou trois travées, selon ce croquis que ses étudiants ont réalisé. Il a ensuite peint un tableau sur toile. passé avec un pinceau ou lui-même effectué les lieux les plus importants. ”L’artiste a lui-même écrit ses meilleures œuvres. Zandrart a félicité Rubens en tant qu’enseignant. Dans son traité sur le maître, il a noté qu’il avait toujours "formé avec soin" tous ses pupilles et qu’il "les utilisait conformément à leurs inclinations et à leurs capacités". Les graveurs, architectes et sculpteurs sont sortis de l’atelier de Rubens, dirigés par l’artiste dans la direction dont ils étaient le plus capables. Un grand nombre de ceux qui ont étudié dans l’atelier du peintre ont ensuite constitué l’orgueil et la gloire de l’école flamande. Les plus célèbres de ses élèves sont Franz Slider (1579-1657) et Anthony Van Dyck (1599-1641).

Un savoir-faire incomparable

Entre 1615 et 1620, les œuvres de Rubens deviennent encore plus expressives, acquièrent une complexité de composition, sont remplies de mouvements rapides et de traits prononcés du style baroque. Même les œuvres de cette période écrites dans des scènes dramatiques sont pleines de la plénitude et de la dynamique de l’être, un personnage essentiel pour la vie qui imprègne toute la composition. Les héros de ces peintures étonnantes sont devenus extrêmement beaux spirituellement et physiquement. L’artiste était attiré par des thèmes évoquant l’endurance d’un esprit humain inébranlable, sa capacité à exploiter, le début héroïque, par exemple, l’oeuvre «Le patronage de la femme romaine» et «Le Christ à la couronne d’épines», tous deux autour 1612, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.

Pour la figure de Jésus dans la composition «Le Christ à la couronne d’épines», l’artiste a utilisé ses premiers croquis italiens de la célèbre sculpture antique «Centaure». Cette technique ne fait pas exception à la règle: les esquisses de monuments antiques l’ont inspiré pendant de nombreuses années. Mais dans cette peinture, la force exceptionnelle du potentiel créatif du maître était particulièrement clairement exprimée.

La figure du Christ, comparée à une statue antique, conserve un esprit assez intense, caractéristique de la plupart des œuvres de Rubens. C’est l’expression que le maître met à l’image de la figure infiniment tragique du Christ, située au centre de la composition, confère au tableau une netteté extraordinaire. Après avoir mis une extraordinaire expressivité dans l’œuvre, le peintre a réalisé un contraste harmonieux parfait entre le corps vif de Jésus et le fond sombre de la toile, combinant ainsi la lueur émotionnelle avec des techniques techniques parfaites.

Brillant connaisseur d’art ancien, Rubens a montré un grand intérêt pour les sujets mythologiques. L’artiste n’a jamais cessé d’admirer la vie et la beauté du corps humain. Il convient de noter qu’avec tout cela, le peintre n’a jamais copié les images de maîtres anciens, mais a repensé les idéaux classiques en les traduisant dans la "langue flamande". Rubens a admiré la beauté nationale d’un corps humain sain, florissant et fort. Surtout, l’artiste s’intéressait à l’incarnation dans la chair vivante d’une personne de son pouvoir physique et de son mouvement. Et les meilleurs complots pour un tel tableau pourraient être glanés de la riche mythologie grecque. Les toiles les plus célèbres de cette période sont Bacchanalia (vers 1615, musée national des Beaux-Arts Pouchkine) et l’enlèvement des filles de Leucippe (vers 1618-1620, la vieille Pinakothek, Munich).

Tous les mouvements de ces peintures sont inhabituellement émotionnels, les gestes gestuels sont soulignés par les étoffes des vêtements en développement rapide. Rubens construit avec amour des compositions complexes et spectaculaires, préférant utiliser des diagonales, des ellipses ou des spirales.

Ainsi, dans l’œuvre «L’enlèvement des filles de Leucippe», l’homme et le cheval sont représentés au moment du plus grand stress physique. Les corps de jeunes femmes qui demandent de l’aide forment un motif complexe en termes de rythmes de couleurs et de structure linéaire. La silhouette générale «nerveuse» d’un groupe qui s’intègre presque parfaitement dans le cercle est perturbée par des gestes expressifs. Le pathos de l’œuvre est renforcé par l’horizon exceptionnellement bas, grâce à quoi les figures sont encore plus spectaculaires, plongeant dans un ciel nuageux et excité. La construction de la composition est dominée par des diagonales nettes qui montent.

Le grand pouvoir de l’amour capable de surmonter tous les obstacles est décrit par Rubens dans le tableau Persée et Andromède (1620-1621, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Ici, Persée, fils de Danai et de Zeus, apparaît devant nous comme l’incarnation la plus haute d’un héros capable de n’importe quel exploit. Le vainqueur du monstre marin, à qui il a sauvé la belle Andromède, est représenté avec la tête de Méduse Gorgone sur le bouclier et de nombreux artefacts magiques qui l’aident à surmonter tous les obstacles. La dynamique interne intense de chaque ligne et forme souligne le thème héroïque du travail. Les poses excitées de beaux personnages de la photo sont perçues comme l’écho d’une bataille récente. Les figures de la déesse de la gloire et des amours ajoutent de la composition au son pathétique. La couleur de la toile contribue également à cela. Les débordements multicolores et la légèreté sont obtenus par des transitions de tons étonnamment transparents en couleurs vives saturées, créant une symphonie unique de l’œuvre. L’artiste a traduit le récit mythologique bien connu dans la langue vivante de la Flandre, en y ajoutant de nombreux détails réalistes caractéristiques des habitants de son pays, révélant ainsi le contenu du mythe d’une manière nouvelle tout en ne perdant rien de l’original..

Une place importante dans l’art du XVIIe siècle est occupée par les portraits de Rubens, relatifs à la période de maturité de son travail. Ils révèlent tout le charme du langage pittoresque de l’artiste. Créant des œuvres de ce genre, Rubens agit comme un véritable successeur des traditions de la Haute Renaissance, tout en se limitant au cadre de la ressemblance extérieure, mais n’aborde pas les caractéristiques psychologiques et les expériences émotionnelles des modèles. Absolument tous les héros du grand flamand débordent de vie. Il a interprété les images masculines et féminines comme elles aiment être représentées dans les portraits d’une dame: d’abord adopté la beauté canonique, puis la ressemblance individuelle. Dans ses portraits, le peintre a parfaitement transmis tous les signes nécessaires de son époque et la place de ses modèles dans la société.

Le «Portrait de la reine Marie-Médicis» (vers 1622, Prado, Madrid) peut servir d’exemple frappant de la manière dont Rubens a peint les femmes - invariablement un beau teint, un haut front aristocratique, un menton très net et des yeux grands ouverts et brillants. Une autre caractéristique de toutes les images féminines créées par le peintre était la plénitude élégante, attribut invariable de la féminité et de l’attractivité.

«Portrait du chambellan Infanta Isabella» (vers 1625, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) constitue également un excellent exemple du portrait du maître. À l’aide de légers reflets dorés, de reflets froids et d’ombres transparentes, l’artiste transmet le charme éclatant d’une jeune fille enjouée. Rubens a généreusement enrichi la caractérisation de ses modèles en affirmant leur rôle social. Une partie importante de la structure de composition du portrait de cérémonie a été jouée par des détails tels que tourner la tête, un regard spectaculaire, la position de la figure dans l’espace, une atmosphère de fête. Il donna aux aristocrates un sentiment de supériorité et un certain degré d’arrogance, qui ne les priva pas pour autant de leur charme vital. Et l’artiste a révélé toutes les nuances non dites à l’aide d’un costume.

Certes, il y avait des exceptions frappantes, par exemple, «Portrait d’Elena Furman avec deux enfants» (vers 1636, musée du Louvre, Paris) n’a presque aucun signe évident d’un portrait de défilé baroque. Il n’y a pas de vêtements luxueux et d’accessoires de luxe coûteux. Mais toute la composition de l’œuvre est empreinte d’un brillant bonheur serein. Les images de la mère et des enfants sont pleines d’aisance naturelle et de charme expressif spécial. Ce portrait est devenu un véritable hymne à la maternité et au rôle crucial des femmes dans la vie de chaque homme.

Scènes de chasse

Le thème de la chasse était loin d’être secondaire dans l’ensemble du travail du peintre. Rubens s’est souvent tourné vers des histoires sur la lutte entre l’homme et la nature. Personne n’a montré les combats acharnés de personnes et d’animaux aussi clairement et figurativement que lui.

Si auparavant, dans les œuvres de ses prédécesseurs sur les animaux, l’objectif principal était généralement de démontrer leur connaissance de la structure anatomique des animaux et que leur apparence sur les toiles était généralement due à des sujets mythologiques ou bibliques, a commencé à jouer un rôle indépendant à Rubens. Il a créé un monde vivant où les hommes et les animaux se sont battus spontanément. Toutes les toiles de cette série sont empreintes d’une tension énorme: les passions sont chauffées à l’extrême, les gens et les animaux excités s’attaquent violemment et sans peur.

«La chasse aux tigres et aux lions» (1617-1618, musée des beaux-arts de Rennes) a été écrit juste au moment où l’artiste s’intéressait le plus à la chasse et aux scènes de combat. De 1615 à 1621, le peintre réalise à travers de telles intrigues le but principal de son art: chanter le dynamisme de la vie et incarner des moments de la réalité, ce qui ne permet qu’une certaine fraction de la fiction. Les peintures de l’artiste ne font pas une impression sombre, elles ne émanent pas d’agression, mais uniquement de force et de puissance, d’une passion incontrôlable et du désir de vivre.

«Il y a quelque chose de délicieux dans cette horreur», écrivait son contemporain. Créant ses scènes de chasse célèbres, le maître a joué sur les sentiments du public, le rendant compréhensible pour ce qui se passait sur la toile, et a également utilisé le véritable intérêt du public pour les animaux exotiques.

Au XVIIe siècle, l’Europe n’a découvert que le monde inconnu des autres continents. Tout le monde a déjà entendu parler de leur existence, mais très peu d’entre eux ont personnellement été témoins des Maures, des Arabes, des tigres du Bengale, des hippopotames, des girafes africaines et des éléphants d’Indiens. Rubens a souvent observé un exotisme similaire dans les ménageries de riches nobles, pour qui il effectuait un travail ou avec qui il s’était entretenu au cours de ses missions diplomatiques.

Le cycle historique pour les monarques français

La situation politique en Flandre dans les années 1620 était extrêmement tendue, mais la vie de l’artiste brillait de toutes ses couleurs. Il supervisait le travail des peintres et des graveurs dans son atelier, concevait des livres pour différents éditeurs pour des éditeurs, fabriquait du carton pour treillis et créait des esquisses de projets sculpturaux et de toutes sortes de produits d’artisanat d’art. Sa renommée et son succès ont explosé dans toute la Flandre et ont rapidement dépassé ses frontières.

Cela a été promu par l’ordre le plus important dans la vie de Rubens, qu’il a reçu en 1621. En janvier 1622, le peintre se rend à Paris pour remplir le contrat conclu avec la mère de Louis XIII, Maria Medici. Le contrat visait essentiellement à peindre simultanément deux galeries du nouveau palais à Luxembourg.

La première partie des peintures était censée représenter des scènes de la vie de la reine elle-même, et la seconde - des scènes relatant le règne de son défunt mari, Henri IV. Malheureusement, la deuxième partie de l’ordre n’a jamais été exécutée. Mais le premier d’entre eux a apporté un succès sans précédent à Rubens.

La série d’œuvres «La vie de Maria Médicis» (1622-1625, au Louvre, Paris) est devenue une œuvre historique exceptionnelle de l’artiste. Le programme d’images a été clairement établi personnellement par la reine, mais le peintre a bénéficié d’une grande liberté lors de l’interprétation des tracés, de leur séquence et de l’ordre des figures. Ayant conservé l’exactitude et la fiabilité de l’image des héros, de leurs costumes et de l’environnement, Rubens a enrichi la composition de nombreux détails allégoriques et de personnages mythologiques. Par exemple, dans la scène où Henri IV reçoit un portrait très embelli de son épouse Maria, il y a deux cupides ailés, incarnation de l’amour et du mariage, et Junon et Jupiter observent favorablement toute la scène, bénissant le roi de la droite. choix.

La série comprend 24 grands panneaux nous racontant les événements politiques qui se sont déroulés en France au début du 17ème siècle. Créant chaque image du cycle, Rubens l’a présentée comme une œuvre indépendante, qui faisait également partie du plan global. Toutes les œuvres de la série sont empreintes de théâtralité, de splendeur luxueuse et de décorations caractéristiques de l’art baroque. Bien que l’artiste ait dû faire appel à ses élèves pour compléter l’ordre, la structure monumentale des compositions, les paysages spectaculaires et les arrière-plans architecturaux, ainsi que la couleur élevée confèrent à ces œuvres des qualités décoratives incomparables.

Depuis 1621, Rubens, qui a réussi à travailler sur le cycle de Maria Medici, a constamment voyagé dans le cadre des missions diplomatiques de l’infante Isabella. Au cours de l’un de ses voyages, au milieu de 1626, sa femme est probablement décédée au cours d’une épidémie de peste. L’illustre artiste et diplomate a été très contrarié par la mort d’Isabelle, sa petite amie fidèle et son arrière fiable pendant seize ans.

Mais le temps guérit tout et, quatre ans plus tard, de retour dans son pays natal à Anvers, Rubens épousera la fille de l’une de ses amies, Elena Furman. La beauté de seize ans a captivé l’artiste avec sa beauté. Il lui a consacré de nombreux portraits et son image a souvent été utilisée pour peindre des sujets mythologiques.

Harmonie et paix

À la fin de son travail, l’artiste était surtout attiré par le genre du paysage. Cela a été facilité par l’acquisition du domaine rural du château de Steen, situé à trente kilomètres au sud d’Anvers.La plupart des paysages ont été créés par le maître "pour eux-mêmes", sans la participation des étudiants. Ils se distinguent donc tous par une perfection particulière. Le pouvoir et le pouvoir héroïque des images d’œuvres anciennes sont remplacés par le calme et l’harmonie de l’unité de l’homme et de la nature. Rubens écrit souvent des scènes de travail pacifique de paysans et de joyeuses fêtes rurales. Dans les œuvres paysagères, le peintre développe les traditions de l’art hollandais en leur apportant une nouvelle valeur idéologique.

Le tableau précédent «Le porteur des pierres» (vers 1620, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) est quelque peu dramatique. Les roches au premier plan semblent monter des entrailles de la terre, créant un obstacle sérieux pour les hommes et les chevaux. Dans les œuvres ultérieures de Rubens, les intonations changent, la nature apparaît devant nous comme une manière d’être unique, où une personne vit heureuse et sereinement.

Le thème central des peintures de l’artiste est la nature rurale, pleine de beauté et de grandeur épique. Ses peintures semblent donner vie à des étendues sans fin, aux forces vierges de la nature, associées harmonieusement aux puissantes figures de paysans engagés dans leur travail quotidien. Dans les œuvres de «Kermes» (vers 1635, musée du Louvre, Paris) et de «Danse paysanne» (vers 1635-1638, Prado, Madrid), nous ne voyons pas l’authenticité quotidienne, mais un type généralisé d’un peuple flamand fort et beau, écrit avec amour par le maître.

Travaillant pour son propre plaisir, Rubens a exploré une nouvelle technique, essayant de montrer la vraie nature, non agrémentée d’effets théâtraux. John Constable, un peintre paysagiste anglais distingué, a écrit: «Rubens n’a montré sa grandeur dans aucun autre genre que dans le paysage».

Toutes les dernières années de la vie de son maître, il a été tourmenté par la forme sévère de la goutte. Mais, même lorsque la main gauche puis la main droite ont d’abord refusé, l’artiste n’a pas quitté le courage, l’optimisme et la bonne humeur. Le 27 mai 1640, Rubens a fait son testament et le 30 mai, une crise de goutte aigüe a arrêté son cœur. Reçu une reconnaissance grandiose au cours de sa vie, le grand "dieu des peintres" est décédé.

Peter Paul Rubens a été enterré de la manière la plus solennelle. Des contemporains profondément peinés l’ont conduit dans son dernier voyage. Le cercueil avec le corps du peintre était accompagné du choeur de l’église Notre-Dame et d’une procession solennelle de soixante porteurs de torche. Devant lui, ils portaient une couronne en or sur un oreiller de velours noir.