#15786 Oswaldo Guayasamin

Lœuvre présentée offre une composition fragmentée, structurée autour de visages stylisés, disposés verticalement et légèrement décalés. On observe une série de portraits, chacun déconstruit en formes géométriques : triangles, rectangles, trapèzes, qui se recombinent pour suggérer les traits humains. Le registre chromatique est dominé par des bleus, des gris et des blancs, adoucis par des touches de beige et de brun, créant une atmosphère froide et mélancolique.
L’artiste a choisi de ne pas représenter les visages de manière conventionnelle. Les yeux sont souvent disproportionnés, les nez réduits à des plans anguleux, et les bouches ouvertes en cris silencieux ou en expressions de souffrance. Cette déformation, loin dêtre aléatoire, semble viser à transcender le réalisme et à explorer les émotions brutes et universelles.
Le fond noir profond accentue lisolement de ces figures et contribue à une ambiance pesante. Labsence de contexte narratif précis laisse place à linterprétation. On peut percevoir une interrogation sur lhumanité, sur la condition humaine face à ladversité ou à la perte. Le répétition des formes, la fragmentation des visages, pourraient symboliser la dispersion, la dépersonnalisation, ou encore les traumatismes silencieux.
Il est intéressant de noter la variation subtile entre les portraits. Bien que partageant une esthétique commune, chacun possède une singularité qui, paradoxalement, renforce lidée dune multitude dindividus confrontés à des expériences similaires. La peinture laisse ainsi planer une ambiguïté troublante, oscillant entre la douleur et la résilience, entre lisolement et la communion. Elle interroge le spectateur sur sa propre capacité à reconnaître et à comprendre la souffrance humaine, même lorsquelle est exprimée à travers des formes abstraites et déstructurées.