1952 La paix Pablo Picasso (1881-1973) Period of creation: 1943-1961

Lœuvre se présente comme une composition vaste et fragmentée, découpée en plusieurs zones distinctes, mais liées par une palette chromatique dominée par des ocres, des bruns, des gris et des touches de bleu. Sur le côté gauche, une scène de désespoir s’impose : des figures humaines, aux corps déformés et aux visages empreints de souffrance, sont emprisonnées dans des structures géométriques, symbolisant peut-être lenfermement et la privation de liberté. Une figure, suspendue à une corde, semble invoquer un destin incertain.
Au centre, un cheval, figure récurrente dans lœuvre de lartiste, est représenté dans un état de souffrance manifeste. Son corps est décharné, ses membres contorsionnés, et il porte les stigmates de la violence. Cette figure animale, souvent interprétée comme représentant le peuple, incarne la douleur et la vulnérabilité face à la barbarie. Autour de lui, des silhouettes anonymes, certaines agenouillées, dautres se tenant la tête, semblent témoigner de la tragédie.
La zone centrale est dominée par une forme géométrique, un disque segmenté en plusieurs couleurs, irradiant comme un soleil déformé. Des éléments végétaux stylisés, des épis de blé, entourent cette figure, suggérant peut-être un espoir ténu, une promesse de renaissance après la destruction. La présence de cette forme centrale, à la fois solaire et fragmentée, introduit une dimension dambiguïté, oscillant entre lespoir et le désespoir.
À droite, un groupe de figures féminines, drapées dans des étoffes sombres, sont assises dans un paysage verdoyant. Leurs visages sont baissés, leurs corps recroquevillés, exprimant une profonde tristesse et un sentiment de résignation. Un arbre, dont les branches sont ornées de formes évoquant des lanternes ou des boules de lumière, se dresse à larrière-plan, ajoutant une note mystérieuse et symbolique à la scène.
L’ensemble suggère une méditation sur les ravages de la guerre et la fragilité de la paix. Labsence de repères spatiaux clairs, la déformation des figures et la fragmentation de la composition contribuent à créer une atmosphère d’angoisse et d’incertitude. On perçoit une volonté de transcender la réalité brute pour explorer les dimensions psychologiques et émotionnelles du traumatisme. L’œuvre, dans son ensemble, semble questionner la nature humaine et la capacité de l’homme à se reconstruire après la destruction, tout en soulignant la permanence de la souffrance et de la mémoire.