Styles de peinture Automatique traduire

La peinture est un type d’art. La peinture est divisée en les types suivants:

• monumental;
• chevalet;
• théâtral et décoratif;
• décoratif;
• miniature.

Contrairement aux autres types, en peinture, la principale valeur d’expression est la couleur, ce qui lui confère un rôle esthétique, cognitif, idéologique et documentaire.

La peinture est le transfert d’images avec des peintures liquides, contrairement aux graphiques. Les peintures sont la peinture à l’huile, la détrempe, la gouache, l’émail, l’aquarelle, etc.

Le style de peinture est une direction avec des idées générales, une technique d’exécution, des techniques d’image caractéristiques. La formation des styles a été influencée par la politique et l’économie, l’idéologie et la religion. Par conséquent, chaque style peut être considéré comme un représentant de son époque.

Les directions et les styles de peinture ne sont pas moins diversifiés que les moyens utilisés pour les représenter. Parfois, il n’y a pas de séparation claire des styles. En mélangeant plusieurs styles, un nouveau est obtenu. Mais avec toute la diversité, il y a plusieurs domaines principaux:

gothique

Ce style européen était commun aux 9-14 siècles. Les histoires bibliques, le manque de perspective, l’émotivité et la prétention sont les caractéristiques principales de ce style. Représentants: Giotto, Traini.

Renaissance

Le 14ème au 16ème siècle marque un retour à l’Antiquité, une célébration de la beauté du corps humain et de l’humanisme. Les principaux représentants sont Michelangelo Buonarotti et Leonardo da Vinci.

Maniérisme

Direction en peinture du 16ème siècle. Le style est à l’opposé de la Renaissance. Le nom vient du mot "manière". Les représentants de cette tendance sont Vasari, Duve.

Baroque

Style de peinture pompeux et luxueux des 16-18 siècles en Europe. Il se distingue par la luminosité des couleurs, l’attention au détail et la décoration.

Rococo

16e siècle. Une continuation plus raffinée, raffinée et intime du style baroque. Représentants: Boucher, Watteau.

Classicisme

Le style inhérent à la culture européenne des 17-19e siècles. Du point de vue du classicisme, l’image doit être construite sur des règles strictes. Le style du classicisme est l’héritier de l’antiquité et de la Renaissance. Les principaux représentants de ce style sont Rafael, Poussin.

Empire

Style du 19ème siècle. Le nom du style vient du mot "empire". C’est une continuation du développement du classicisme dans sa majesté, son luxe et sa sophistication. Le représentant principal est JL David.

le romantisme

Le style du 19ème siècle, qui a été précédé par le classicisme. Émotivité, individualité, expressivité des images. Il se distinguait par l’image d’émotions telles que l’horreur, la crainte. Défend les traditions folkloriques, les légendes et l’histoire nationale. Représentants: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Primitivisme

Style de peinture du 19ème siècle. Une image simplifiée stylisée conduisant à des formes primitives ressemblant à des dessins primitifs. Pirosmani est un représentant frappant.

Le réalisme

Style 19-20 siècles. Fondamentalement, reflète fidèlement la réalité objective, sans émotivité excessive. Souvent représenté des personnes pendant le travail. Artistes: Repin, Shishkin, Savrasov, Mane.

Abstractionisme

Style 19-20 siècles. Combinaison harmonieuse de couleurs de formes géométriques visant à obtenir diverses associations. Représentants: Picasso, Kandinsky.

Impressionnisme

Style 19-20 siècles. Le style de peinture en plein air, en plein air. Effectué de manière caractéristique débordements de lumière, la technique d’un petit frottis, le mouvement transmis par le maître. Le nom a été donné au style par «Impression» de Monet. Les principaux représentants de ce style sont Renoir, Monet, Degas.

Expressionnisme

Style du 20ème siècle. Une image exagérée des émotions pour un plus grand effet sur le spectateur. Parmi les représentants de ce style, on trouve Modigliani, Munch.

Cubisme

Le style avant-gardiste du 20ème siècle. Il se caractérise par des lignes brisées (cubiques), une certaine combinaison d’objets considérés simultanément de plusieurs points de vue. Le fondateur de ce style est Picasso.

Modernisme

Style 19-20 siècles. C’est l’antithèse des images conservatrices du réalisme. Le style plastique choquant de la peinture représente des peintures originales reflétant le monde intérieur de l’artiste. Représentants: Picasso, Matisse.

Pop Art

Style du 20ème siècle. Une image ironique d’objets banals, souvent vulgaires. Communément utilisé dans le marketing et la publicité. Andy Warhol est un représentant éminent de cette tendance.

Symbolisme

La direction des 19-20 siècles. Spiritualité, rêves, mythes et légendes. Des symboles, souvent ambigus, caractérisent ce style. C’est le précurseur de l’expressionnisme et du surréalisme. Représentants: Vroubel, Vasnetsov, Nesterov.

Surréalisme

Style du 20ème siècle. Allusions, mélange d’espaces de réalité et de sommeil, collages insolites. Cela impressionne le subconscient. Dali, Magritte a grandement contribué à ce style.

Souterrain

Une tendance expérimentale dans l’art contemporain, qui reflète un comportement antisocial en violation des principes moraux et éthiques généralement acceptés. Représentant du style - Shemyakin.

Qu’est ce que le style?

Qu’entend-on exactement par style dans l’art? C’est une sorte d’unité idéologique et artistique, grâce à laquelle les artistes privilégient certains thèmes et moyens visuels spéciaux. Ils restent individuels, mais en regardant une toile particulière, il est déjà possible de déterminer presque exactement l’époque et le style.

L’Europe a pris forme au Moyen Âge. Et la peinture s’est développée à partir de la peinture d’icônes. Sur le sol russe, il y avait même un genre de transition - le parsuna. Ce n’est plus une icône, mais aussi un portrait. Et ce n’est que lorsque l’art sera progressivement libéré du pouvoir de l’église, qu’il deviendra de plus en plus laïque, la peinture en tant qu’art acquiert tous les droits.

Style après style

Le premier style de peinture paneuropéen peut être considéré non comme roman et gothique (il y a principalement de l’architecture), mais baroque.

C’est le style des allusions, des omissions, des allégories, le style des allégories et des métaphores. Rembrandt et Rubens sont ses représentants typiques. Le rococo est une sorte de baroque dégénéré. Le style n’est pas tant en peinture qu’en art appliqué. F. Boucher et A. Watteau ont laissé les exemples les plus frappants de la peinture rococo. La peinture elle-même est raffinée, avec une touche d’érotisme, conçue dans des couleurs pastel, pleine de motifs mythologiques. Le dix-huitième siècle devient le siècle de la règle du classicisme. C’est déjà un tableau héroïque dans lequel les dirigeants et les généraux sont glorifiés. La dépendance des artistes aux sujets mythologiques et historiques est observée. Les proportions strictes, l’unité du contenu et de la forme, la division des caractères en positifs et négatifs, en principaux et secondaires - ne sont que quelques-unes des caractéristiques du classicisme. Vient ensuite l’âge court mais vibrant du sentimentalisme. Dans la sphère de son influence, en plus de la peinture, il y a aussi de la poésie. Les sentimentaux approfondissent le contenu de l’art, le remplissent de tensions psychologiques. Ils orientent la peinture vers les besoins et les exigences des gens ordinaires. L’art est démocratisé. Sur les toiles, ce ne sont plus des dieux et des héros, mais des cuisiniers, des blanchisseuses, des ouvrières. Pour le travail le plus disgracieux. Le sentimentalisme est remplacé par le romantisme. Avec ses passions orageuses, ses personnages insolites, non domestiques, un culte d’inspiration. Il suffit de comparer les portraits de Pouchkine de Kiprensky et de Tropinin pour ressentir la différence fondamentale qui existe entre eux. Kiprensky est romantique - et Pouchkine romantique, au milieu de la lyre. Le réaliste Tropinin dessine le poète comme un homme avec un col de chemise ouvert, mais avec un stylo dans les mains.

Réalisme - sérieusement et pendant longtempsL’art réaliste commence à faire son chemin à partir des années trente du XIXe siècle. Et très vite, il commence à déterminer et à façonner les goûts artistiques d’un nombre important de spectateurs. La base du réalisme est le désir d’une réflexion véridique et complète de la réalité environnante, une attitude critique à l’égard des valeurs bourgeoises et une orientation sociale puissante. En Russie, la peinture réaliste est avant tout un vagabond. Au tournant du siècle, le réalisme traverse une certaine crise temporaire. Mais il suffit que le modernisme apparaisse. Par ce terme, il est d’usage de désigner une collection hétéroclite de mouvements artistiques et d’écoles qui cherchaient à se débarrasser des chaînes de l’art traditionnel, à rompre avec le réalisme et avec son art subjectif.

Alternative ou faux gloss?

Le modernisme est l’impressionnisme, le fauvisme, le symbolisme et le futurisme. Le public voit de moins en moins sur les toiles des hommes, de la nature, des animaux. Au lieu de cela, des proportions déformées, des tons obscurs. Tout est coloré d’émotions et d’humeurs momentanées de l’un ou l’autre auteur. Comme on dit, plus loin - plus. Après le modernisme - abstractionisme. Ce sont des taches de couleur, des lignes courbes, une étrange combinaison de corps géométriques. Cubisme, luchisme, surréalisme. Seul le talent est sauvé. C’est à propos de Picasso ou de Dali. L’inertie a avalé l’été. Leur destin est l’oubli de l’histoire. Enfin, le postmodernisme, dont le siècle a trop longtemps traîné. Il n’y a pas de règles et de canons. Pas d’aveu ou de sermon. Tout est permis. Un éclectisme complet, c’est-à-dire un mélange de styles et d’éléments hétérogènes. Pariez sur le succès commercial.

Qu’es-tu venu? Le développement des styles de peinture confirme malheureusement l’hypothèse du philosophe espagnol H. Ortega y Gasset sur le début du siècle de la "déshumanisation de l’art". Personne ne nie le besoin de s’exprimer et personne ne restreint le choix de l’artiste par l’artiste. La seule chose triste, c’est que beaucoup sont enclins à considérer, comme la vieille femme Shapoklyak du dessin animé, «on ne peut pas devenir célèbre pour de bonnes actions». Le plus scandaleux - le plus fort du succès prédit. Et il n’est pas connu de tels «artistes» que le temps passera toujours au crible, et l’art véritable restera. Aucune saleté ne lui adhère.