L’histoire des westerns :
mythes et réalité à l’écran Automatique traduire

Le western est devenu l’un des genres les plus influents et emblématiques de l’histoire du cinéma. Les films sur le Far West ont façonné la perception de millions de spectateurs quant à cette période de l’histoire américaine, des années 1850 aux années 1900, créant une mythologie souvent éloignée de la réalité. Le genre a transformé les prairies poussiéreuses et les pistoleros solitaires en symboles de l’identité nationale, mais derrière ces images romancées se cachait une réalité bien plus complexe.

La naissance d’un genre à partir de spectacles et de foires

Le western n’est pas apparu ex nihilo : ses racines plongent dans les divertissements populaires des années 1870. Les spectacles itinérants du Far West, culminant avec le légendaire « Buffalo Bill’s Wild West Show » (1883-1913), ont posé les fondements de ce qui allait devenir le genre cinématographique. Destinés à un public urbain, ces spectacles mêlaient déjà réalité et fiction et idéalisaient la frontière.

Les premiers westerns apparurent en 1894 : une série de courts métrages muets produits par les studios Edison et tournés dans le New Jersey. Fait intéressant, ils mettaient en scène des vétérans du Buffalo Bill Show, démontrant les compétences acquises dans la vie réelle dans le Far West, notamment la célèbre pistolera Annie Oakley et des membres de la tribu sioux. Initialement, ces films étaient appelés « drames du Far West », et le terme « western » ne s’imposa qu’en 1912.

Le vol du grand train et le cinéma muet

Le film « Le Vol du grand rapide » (1903), réalisé par Edwin Porter, a véritablement marqué un tournant. Considéré comme un chef-d’œuvre du cinéma muet, il se distingue par ses effets spéciaux artisanaux, ses cascades audacieuses, son intrigue cohérente et ses techniques de tournage novatrices, notamment l’utilisation de matte paintings, de plans larges et de panoramiques. Ce film a posé les fondements du western, avec ses intrigues et ses thèmes caractéristiques.

Le cinéma muet s’est rapidement emparé des thèmes du western. Au milieu des années 1910, il a commencé à s’éloigner de l’esthétique du vaudeville et, grâce au travail de réalisateurs comme David Griffith, les tournages ont cessé de ressembler aux productions théâtrales. Le développement du gros plan a permis un jeu d’acteur plus sobre et réaliste, essentiel pour exprimer la profondeur psychologique des personnages.

L’âge d’or et la formation de la mythologie

Des années 1930 aux années 1950, le western connut son apogée, devenant l’un des genres américains les plus populaires et emblématiques. Hollywood transforma le western en superproductions à succès universel, captant la fascination de l’après-guerre pour le cowboy américain. Les films de cette époque ont établi les codes du genre : des pistoleros héroïques, des paysages pittoresques et le thème de la loi contre le chaos.

John Ford et John Wayne - les créateurs du canon

Le duo formé par le réalisateur John Ford et l’acteur John Wayne a défini le western classique. Dès 1939, avec La Chevauchée fantastique, ils ont collaboré sur 14 films, dont neuf westerns. Ce film a non seulement propulsé Wayne au rang de star, mais a également donné naissance à une collaboration artistique qui allait durer des décennies. Contrairement aux westerns conventionnels du vieil Hollywood, l’œuvre de Ford explorait des thèmes plus profonds, s’intéressant non seulement au monde extérieur de l’Ouest, mais aussi à l’univers intérieur des cowboys et cavaliers aguerris.

Stagecoach suivait un groupe de voyageurs escortés à travers le désert, de l’Arizona au Nouveau-Mexique. Le personnage de Wayne, Ringo Kid, parodiait presque les clichés des westerns de la décennie précédente, tout en devenant un archétype. Ce film fut l’un des premiers westerns à transcender les frontières du genre : chaque membre du groupe représentait un marginal, et dans leur lutte commune pour être acceptés, ils trouvèrent une communauté au sein de ce désert symbolique.

Ford a façonné son Ouest dans la grandeur mythique de Monument Valley – un paysage moral où le bien et le mal étaient clairement distingués, et où la marche du progrès, bien que coûteuse, était en fin de compte juste. Sa vision, notamment dans sa trilogie de la cavalerie (Fort Apache, 1948 ; La Charge héroïque, 1949 ; Rio Grande, 1950) et son chef-d’œuvre de 1956, La Prisonnière du désert, célébrait les institutions – l’armée, la famille, la loi – qui ont façonné la civilisation à partir du chaos.

High Noon et Shane sont des héros solitaires

Le début des années 1950 a vu naître deux films qui ont marqué le genre et amorcé sa redéfinition. «Le Train sifflera trois fois» (1952), avec Gary Cooper, a instauré le modèle du héros solitaire face à une bande de criminels. Se déroulant en temps réel, le film fut l’un des premiers à utiliser le format de la «course contre la montre». Le marshal Will Kane doit choisir entre rester en ville et affronter ses poursuivants ou s’enfuir avec sa nouvelle épouse.

Le Train sifflera trois fois est considéré comme un exemple précurseur du western révisionniste. Le western traditionnel mettait en scène un personnage masculin fort menant les civilisés contre les sauvages, mais dans ce film, les civilisés ne soutiennent pas leur shérif. John Wayne lui-même qualifia cette position d’«anti-américaine».

Le film « Shane » de George Stevens, sorti en 1953, a forgé l’idéal du pistolero itinérant classique, un archétype populaire du western pendant des décennies. L’énigmatique héros, Shane, interprété par Alan Ladd, se retrouve mêlé à un conflit dans une petite ville et gagne rapidement la faveur des habitants, tout en s’attirant les foudres de rancheros menaçants qui cherchent à s’emparer de leurs terres. Shane recourt à la violence nécessaire pour garantir aux colons une vie paisible, mais il ne peut lui-même retourner à son passé. Un jeune garçon, Joey, l’appelle : « Reviens ! » Mais Shane s’en va – un héros solitaire du western qui sauve la société en restant en marge.

Mythes occidentaux contre réalité historique

Les westerns hollywoodiens ont créé des mythes tenaces sur le Far West, en contradiction avec la réalité historique. Ce genre a toujours privilégié le divertissement à la représentation fidèle de la vie à la frontière.

Le mythe des fusillades généralisées

L’un des stéréotypes les plus tenaces est celui des cowboys constamment impliqués dans des duels et des fusillades. En réalité, les fusillades étaient extrêmement rares dans le Far West, et lorsqu’elles survenaient, leurs causes étaient diverses. Les chercheurs estiment qu’entre 1866 et 1900, environ 20 000 personnes sont mortes par arme à feu dans l’Ouest américain, mais la fréquence et le caractère dramatique de ces fusillades ont été largement exagérés par les auteurs de romans populaires à la fin du XIXe siècle.

Le duel classique «face à face à midi» a failli ne jamais avoir lieu. On ne compte que deux cas documentés de telles confrontations dans toute l’histoire du Far West. L’un d’eux est la fusillade entre Bill Hickok et Davis Tutt, qui a éclaté à cause d’une montre à gousset et d’une partie de cartes. Même la célèbre fusillade d’O’Key Corral, le 26 octobre 1881, n’a pas eu lieu à l’intérieur de l’enclos et n’a duré que peu de temps : elle a commencé dans une ruelle étroite près du studio photo C.S. Fly.

La plupart des cowboys étaient des ouvriers agricoles, pas des pistoleros, et les armes à feu n’étaient pas indispensables à leur travail quotidien. Les revolvers étaient lourds, souvent peu fiables et encombrants pour ceux qui travaillaient avec le bétail. On trouvait bien plus souvent une corde et un marteau à la ceinture qu’un pistolet. Lorsque les cowboys portaient des armes à feu, c’était généralement pour des raisons précises : la chasse ou la protection du troupeau contre les prédateurs. De nombreux ranchs interdisaient même les armes à feu au travail, craignant davantage les accidents que les attaques.

La vie de cow-boy, c’est du dur labeur plutôt que du romantisme.

L’idée que le métier de cow-boy était glamour et plein d’aventures est loin de la réalité. La vie quotidienne d’un cow-boy était physiquement éprouvante, salissante, souvent monotone et ingrate, avec un salaire de misère, parfois inférieur à un dollar par jour. Son travail consistait principalement à gérer le bétail et à conduire les troupeaux sur de vastes distances.

Les cowboys travaillaient de longues et pénibles journées, souvent de l’aube au crépuscule. Lorsqu’ils atteignaient enfin une ville après des semaines ou des mois sur les routes, une visite au saloon était un luxe rare. Ils consacraient le plus clair de leur temps à des tâches pratiques : faire des provisions, prendre un repas chaud, se laver ou se raser. Le mythe des saloons comme lieux de bagarres incessantes, de jeux d’argent et de fusillades est une autre exagération.

La diversité qu’Hollywood a cachée

La version hollywoodienne du Far West était presque exclusivement blanche. En réalité, la frontière était peuplée d’une grande diversité de groupes ethniques. Environ un cow-boy sur quatre était afro-américain.

Les premières traces de la présence d’Afro-Américains comme éleveurs de bétail en Amérique du Nord remontent à la Caroline du Sud coloniale, où des éleveurs originaires de la région du Sénégal actuel, en Afrique de l’Ouest, furent recrutés pour leurs compétences uniques. Dans les années 1850, lorsque l’élevage de bétail atteignit le Texas, bien qu’un tiers de la population de cet État fût réduite en esclavage, les Afro-Américains constituaient la majorité des cow-boys dans le Texas de l’époque.

Après la guerre de Sécession, les cowboys noirs expérimentés dans l’élevage bovin furent encore plus recherchés, car les éleveurs commencèrent à vendre leur bétail dans les États du Nord, où le bœuf se vendait près de dix fois plus cher qu’au Texas, région riche en bétail. Parmi les cowboys afro-américains célèbres, on compte Pete Staples, un ancien esclave texan qui participa aux premières transhumances vers le Kansas, et Bowes Icard, qui emprunta la piste Goodnight Loving Trail, reliant le Texas à Denver. Daniel Wallace, qui inventa la marque à la marque qui lui valut son surnom, devint l’éleveur noir le plus prospère du Texas.

Avec l’expansion de l’industrie bovine au Texas après la guerre de Sécession, les cowboys noirs se sont déplacés dans tout l’Ouest, travaillant dans chaque État et territoire de la région, avec les plus grands nombres dans le territoire de l’Arizona, en Californie, au Nevada et dans le territoire du Nouveau-Mexique.

Les femmes pionnières sont bien plus que des victimes

Les westerns représentaient traditionnellement les femmes soit comme des victimes impuissantes ayant besoin d’être secourues, soit comme des habitantes de saloon. La réalité était bien plus complexe. Les femmes jouaient un rôle bien plus important dans le Far West que ce que les films laissaient entendre.

Martha «Calamity» Jane Cannary gagna son surnom après avoir sauvé un capitaine militaire tombé dans une embuscade tendue par des Amérindiens. Au Wyoming, elle commença à forger le personnage qui la rendrait célèbre sous le nom de Calamity Jane. En 1870, elle rejoignit le général George Armstrong Custer comme éclaireuse à Fort Russell, vêtue d’un uniforme de soldat. Elle décrivit plus tard cette période comme celle où elle fut la cavalière la plus téméraire et la plus courageuse, et l’une des meilleures tireuses de l’Ouest.

Charlotte Parkhurst, en Californie, acquit rapidement une grande renommée pour sa capacité à transporter en toute sécurité passagers et or le long d’axes importants reliant les avant-postes miniers aux grandes villes comme San Francisco et Sacramento. L’historien Ed Sams écrivit que seuls des hommes et des femmes d’une trempe exceptionnelle pouvaient ignorer la ruée vers l’or des années 1850 et accomplir durablement le travail exténuant qui impliquait de parcourir d’étroits chemins de terre serpentant à flanc de montagne, plongeant dans de profonds canyons et traversant souvent des torrents glacés et tumultueux.

Narcissa Whitman fut l’une des premières femmes blanches à traverser le continent nord-américain par voie terrestre, se rendant en mission auprès du peuple Cayuse, dans l’actuel État de Washington. Sacagawea, accompagnée de son nouveau-né, fut la seule femme à faire partie des 31 membres permanents de l’expédition Lewis et Clark jusqu’à l’extrême ouest du pays, puis à revenir. Sa connaissance des langues shoshone et hidatsa s’avéra un atout précieux durant le voyage.

En 1909, Eleanor Pruitt Stewart s’installa au Wyoming pour y établir sa propre ferme. Dans une série de lettres à une amie, publiées plus tard sous le titre «Lettres d’une pionnière», elle décrivit avec force les difficultés et les joies de la vie à la frontière. Ses écrits témoignent non seulement des épreuves physiques liées à la vie de pionnier – sécheresse, isolement et labeur éreintant – mais aussi de la satisfaction de trouver sa place dans le monde.

Stéréotypes et idées fausses sur les Amérindiens

La représentation des Amérindiens dans les westerns a toujours été l’un des aspects les plus problématiques du genre. Pendant des décennies, Hollywood a façonné l’image des Indiens à travers un prisme qui perpétuait souvent les stéréotypes, déformait les cultures et ignorait la complexité des identités amérindiennes.

Historiquement, les personnages amérindiens au cinéma ont souvent été des stéréotypes simplistes qui perpétuent des clichés néfastes. Parmi ces stéréotypes, on retrouve les figures du «bon sauvage», du «guerrier sauvage» et de «l’Indien ivre». Ces représentations réduisent les peuples autochtones à des caricatures simplistes, ignorant la riche diversité de leurs cultures, langues et traditions.

Dans les premières œuvres de John Ford, les Amérindiens apparaissaient souvent comme une menace sauvage et sans visage, un obstacle narratif à surmonter pour les forces de la civilisation, justifiant ainsi moralement la doctrine de la Destinée manifeste. Les westerns dépeignaient la conquête de l’Ouest comme héroïque et inévitable, présentant souvent l’expansion à la fois comme une conquête physique et une mission morale.

Un exemple frappant : les acteurs navajos travaillant sur les films de John Ford à Monument Valley recevaient souvent des instructions – ironiquement – de consultants blancs sur la manière de « jouer les Indiens », alors qu’ils étaient déjà autochtones. Cela reflète une tendance plus générale : même lorsque des autochtones étaient présents, leurs voix étaient filtrées ou réécrites pour servir le récit mythique d’Hollywood.

Les westerns spaghetti et la déconstruction du mythe

Dans les années 1960, le réalisateur italien Sergio Leone a révolutionné le genre avec ce qui allait devenir le western spaghetti. Ces films, se déroulant dans l’Ouest américain et tournés en Europe principalement par des réalisateurs italiens, ont conféré au genre une nouvelle identité et une autonomie esthétique.

Le film «Pour une poignée de dollars» de 1964 fut un immense succès commercial. Le style visuel si particulier de Leone, avec ses gros plans extrêmes et ses pauses dramatiques, rencontra un succès retentissant. Ces nouveaux films complexifièrent la psychologie des personnages traditionnels du western, s’éloignant de la rhétorique simpliste de leurs homologues américains. Dans les westerns spaghetti, même les protagonistes « gentils » sont impitoyables, moralement douteux, et n’hésitent pas à monter les gens les uns contre les autres pour leur propre profit.

Les films de Leone se distinguaient non seulement par leur style, mais aussi par leur réalisme : des villes mexicaines sordides, de petites cabanes, des bols de haricots, de grandes cuillères en bois. Ces films possédaient un niveau de réalisme qui semblait toujours faire défaut aux westerns des années 1930 à 1950, avec leur brutalité et leurs nuances de gris et de noir. Leone, quant à lui, explorait des noirs plus profonds et des blancs plus sales. Sa représentation de la guerre de Sécession était d’un réalisme inédit.

Sorti en 1968, «Il était une fois dans l’Ouest», considéré comme le point culminant du western spaghetti, a propulsé le genre à une ampleur épique sans précédent, rendant difficile l’apport d’éléments originaux à ses thèmes. Leone en était probablement pleinement conscient.

Les films de Leone et les autres westerns spaghetti sont souvent décrits comme rompant avec les conventions, critiquant voire «démythifiant» nombre de celles des westerns américains traditionnels. Ce choix était en partie intentionnel et en partie une conséquence d’un contexte culturel différent. En 1968, la vague des westerns spaghetti atteignit son apogée, représentant un tiers de la production cinématographique italienne, avant de décliner à un dixième dès 1969.

Les westerns révisionnistes et le déclin du genre

À partir de la fin des années 1960, des cinéastes indépendants ont créé des films révisionnistes qui ont radicalement inversé les codes habituels du western, critiquant à la fois le capitalisme et la contre-culture.

À la fin des années 1960, l’Ouest ne paraissait plus aussi sauvage. L’Amérique, qui avait jadis rêvé de la justice stricte de l’époque des cowboys, était désormais plongée jusqu’au cou dans les troubles civils, les scandales politiques et le traumatisme de la guerre du Vietnam. Soudain, les histoires d’hommes justes armés ne trouvaient plus d’écho. Le code moral manichéen des westerns semblait incompatible avec un monde aux nuances de gris.

Les westerns révisionnistes comme La Horde sauvage (1969) et McCabe et Mrs. Miller (1971) ont répondu à cette évolution des goûts en déconstruisant les mythes du genre. Ces films étaient plus sombres, plus violents et souvent critiques envers les valeurs mêmes que célébraient les westerns traditionnels. Dans La Horde sauvage, par exemple, le réalisateur Sam Peckinpah dépeint l’Ouest comme un lieu de violence aveugle et de décadence morale, où l’honneur et l’héroïsme ne sont que des illusions.

Les films du début des années 1970 sont particulièrement réputés pour leur photographie hyperréaliste et leurs décors. D’autres, comme ceux de Clint Eastwood, ont été réalisés par des professionnels familiers du western, à la fois comme critiques et prolongements du genre. « Josey Wales hors-la-loi » (1976) et « Impitoyable » (1992), tous deux réalisés par Eastwood, mettent en scène des rôles importants pour les femmes et les Amérindiens.

Avec l’essor du western révisionniste, le genre dans son ensemble a commencé à perdre sa position dominante à Hollywood. Il n’était plus le genre principal des superproductions, et le nombre de westerns produits a considérablement diminué. L’essor de la science-fiction et des films d’action à la fin des années 1970 et dans les années 1980 a supplanté les westerns.

Renaissance et transformations modernes

Malgré son déclin dans les années 1970 et 1980, le western a connu un net regain de popularité au début des années 1990, grâce notamment à un regain d’intérêt pour sa capacité à exprimer la complexité morale et l’introspection. Ce renouveau a été porté par des films qui, tout en s’inscrivant dans la continuité des tendances révisionnistes des décennies précédentes, ont renoué avec la force émotionnelle et thématique du mythe du western.

Le film Impitoyable de Clint Eastwood, sorti en 1992, a marqué un tournant, offrant une réflexion profonde sur la violence et les conséquences de la vie d’un pistolero. Le film a déconstruit l’image romantique du héros de western, montrant un tueur vieillissant tentant de racheter son passé.

Néo-westerns et mélange des genres

Le western a continué d’évoluer au XXIe siècle, souvent par le biais du mélange des genres et de l’intégration de perspectives diverses qui en étaient historiquement absentes. Les réalisateurs utilisent de plus en plus le western comme cadre pour explorer les problématiques sociales contemporaines, reflétant ainsi l’évolution du paysage culturel.

Les frères Coen, Joel et Ethan, sont devenus maîtres dans l’art de renouveler le canon du western. Depuis leur film néo-noir novateur de 1984, Blood Simple, ils ont écrit et réalisé plus d’une douzaine de films explorant ce canon, puisant et développant sans cesse les histoires et les thèmes qui ont façonné les mentalités collectives.

Le film « No Country for Old Men » (2007) ne se contente pas de critiquer le cadre moral des westerns classiques ; il le rejette totalement, remplaçant les héros et les méchants vertueux par une incapacité postmoderne à croire en quoi que ce soit. L’apathie et le nihilisme règnent en maîtres, la violence aveugle du film tuant tout le monde, sans distinction de position morale.

Fargo (1996) confère d’emblée une dimension grandiose au monde banal de la petite bourgeoisie du Midwest, transformant un simple polar en un récit épique. Rien dans Fargo n’est grandiose au sens conventionnel du terme : les personnages ont un fort accent régional, la violence est brutale et tous sont tout simplement épuisés par la course effrénée du monde de l’entreprise. Pourtant, les frères Coen trouvent la grandeur dans ces vies ordinaires.

Les westerns modernes ont prouvé la capacité du genre à se renouveler sans cesse. Les mythes du Far West, créés à l’écran il y a plus d’un siècle, continuent de se transformer, reflétant l’évolution des valeurs de la société. Les images romancées de pistoleros solitaires et de pionniers héroïques ont cédé la place à des récits plus complexes qui reconnaissent la diversité de la frontière, l’ambiguïté morale de la violence et le prix du prétendu progrès. Le western demeure un genre dynamique précisément parce qu’il est capable de réinventer sa propre mythologie, en trouvant un équilibre entre légende et réalité.