Comment les noms des styles musicaux sont apparus 
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Quand il s’agit de certains genres de musique, certains noms sont explicites : vous pouvez facilement imaginer à quoi ressemblent le drum and bass et la trance (et même si vous vous trompez, vous comprendrez probablement encore à peu près quel discours). Cependant, des noms que nous tenons pour acquis, tels que "métal" ou ceux qui ne nous sont pas familiers, comme lorsqu’il s’agit de musique nouvelle ou de pièces rares et complètement oubliées, prennent des formes abstraites lorsque vous commencez à penser à leur origine. Alors, quelles sont les racines étymologiques de certains de nos genres préférés? Commencez à lire, maintenant nous allons le découvrir.
Techno
Au début, on pourrait penser que «techno» a du sens sur le papier : la musique dance hautement électronique est naturellement basée sur une version abrégée du mot «technologie». Bien que ses origines en tant que désignation d’un genre remontent au milieu des années 80 (ce qui est assez logique, puisque les gens ont abandonné les arrangements complets pour commencer à créer de la musique avec de nouveaux appareils numériques de plus en plus sophistiqués), n’oublions pas que les Grecs utilisaient le mot « techn » pour désigner la maîtrise et l’artisanat, en ajoutant une autre couche. De même, d’autres sous-genres, tels que « transe », ont tendance à se concentrer sur le sentiment de libération qui se produit à un rythme élevé, ce qui conduit rapidement à l’euphorie.
Pays
Si vous y réfléchissez, "country" est un terme étrange pour "musique country" car la description de son son semble incarner un État-nation entier. Cependant, le chemin de la « musique country » a été long, remontant à ce que les gens appelaient la « musique country » dans les années 1920. Le terme était à l’origine utilisé pour décrire les styles gospel du sud et folk américain, mais le terme de musique country lui-même (parfois, peut-être défini plus précisément comme musique country western) n’est apparu que dans les années 1940, lorsque des programmes de radio tels que Grand Ole Opry», ont apporté des orchestres à cordes et des auteurs-compositeurs directement au domicile de nombreuses familles américaines, cimentant ainsi le «country» en tant que genre de musique très localisé.
Reggae
Lorsqu’il s’agit de populariser l’expression «reggae», ses origines sont étonnamment faciles à retracer. La phrase est entrée pour la première fois dans la conscience publique en 1968 avec The Maytals, dont le leader Toots Hibbert a écrit une chanson intitulée "Do the Reggay". Cette chanson Rocksteady a contribué à définir un mouvement actif depuis les années 1960, à savoir la façon dont les musiciens jamaïcains mélangeaient le ska, le rock et le calypso. Toots a décrit sa version du mot reggae comme faisant référence à une personne négligée ou quelque peu négligée (il y avait auparavant des variantes d’argot telles que «rege», «strege» et «rege-rege»), mais en tant que genre, le «reggae» a commencé à symbolisent le style magnifique, paisible et parfois carrément spirituel du groove.
Roche de yacht
Bien que le yacht rock existe depuis le milieu des années 70, il n’a pas obtenu son nom officiel jusqu’à ce qu’une série Web en 2005 décide de se moquer avec amour d’un certain type de soft rock haut de gamme de cette époque. Souvent associé à des mélodies légères, jazzées et brillantes, ce terme moderne comprend Steely Dan, Hall & Oates et Christopher Cross. Alors que le terme est maintenant assez courant et est un sous-genre vénéré dans certains cercles de la pop indé, certains puristes se demandent encore souvent si certains interprètes sont sur le bateau ou non. Pour mémoire, l’Angleterre Dan & JF Coley sont définitivement dans le bateau.
Shoegaze
La scène rock britannique à la fin des années 80 était intéressante car le succès titanesque du rock gothique comme The Cure a engendré une multitude de sous-genres tapageurs et distincts, du néo-psychédélia à la forme de danse qu’était Madchester. Cependant, "shoegaze" a été écrit pour la première fois dans l’hebdomadaire britannique désormais disparu Sounds, où ils ont utilisé ce descripteur pour le groupe Moose, notant que le groupe a obtenu son son de guitare tourbillonnant signature en fixant leurs pédales et en n’entrant pas dans les visuels. contact avec le public. Bientôt, "shoegaze" a été repris par d’autres publications et est devenu populaire auprès de groupes tels que Jesus and Mary Chain et, surtout, My Bloody Valentine. Leur album de 1991 "Loveless" est considéré comme l’un des plus grands albums de rock jamais réalisés et est la référence du genre.
Jungle
Alors que les styles de danse des années 90 tels que la techno et la trance ont ouvert la voie à l’EDM de stade odieux que nous entendons aujourd’hui, l’une des parties les plus excitantes de la musique de danse du début des années 90 était à quel point elle a été défragmentée. Des sous-genres tels que le big beat et le hardcore ont émergé, mais de tout cela sont sortis les sons distincts de la "jungle techno". Née de l’amour du dancehall, la jungle a été définie par l’incorporation de basses de type reggae dans les morceaux de danse. La chanson de 1991 de Lennie De-Ice "We Are IE" est souvent citée comme l’un des éléments fondamentaux du son de ce mouvement. Mélangeant une esthétique worldbeat avec quelque chose de spontané et dansant comme la techno, la jungle est finalement devenue un débouché pour l’expression de nombreux jeunes producteurs urbains au Royaume-Uni. Félicié pour avoir transformé ce qui pourrait autrement être un terme teinté de race en autonomisation,jungle était populaire au Royaume-Uni mais n’a jamais gagné un partisan aussi fort aux États-Unis.
Bâtiment Brill
Dans la pré-adolescence, la musique pop était à la mode, et de nouvelles chansons et des bonbons auriculaires excentriques étaient à la mode (rappelez-vous : les Chordettes ont enregistré les chansons "Mr. Sandman" et "Lollipop", les transformant en une véritable force de l’époque). Mais à l’aube des années 60, une certaine caste d’auteurs-compositeurs cherchait quelque chose de plus sophistiqué. Neil Sedaka a inversé certains de ses premiers singles ratés en écrivant la chanson «Oh! Carol "à propos de son ex-petite amie Carol King. Chaque jour, les deux se sont croisés au Brill Building à New York, où de nombreux labels et équipes de compositeurs ont travaillé pour offrir de l’or radiophonique jour après jour. Le son est devenu si important que " Brill Building" est devenu une désignation de genre en soi, et des auteurs-compositeurs tels que Neil Diamond, Ellie Greenwich, Bert Baharach et Andy Kim,étaient parmi les plus grands noms à travailler dans ce petit bâtiment, changeant le cours de la musique pop.
Industriel
Grâce au premier album de 1989 de Nine Inch Nails "Pretty Hate Machine", qui fait immédiatement sensation, le grand public commence à comprendre ce qu’est la "musique industrielle". Alors que le leader de NIN, Trent Reznor, utilise le son de vrais exercices sur son LP de pop industrielle, il est loin d’être le premier artiste à entrer dans le genre. Bien que le terme "musique industrielle" ait été utilisé pour la première fois à l’ère pré-rock pour décrire la symphonie de Chostakovitch, ce sont les pulsations dures du synthétiseur des innovateurs de Kraftwerk qui ont jeté les bases de la musique industrielle d’aujourd’hui, sans parler du travail franc de Pink Floyd, Miles Davis, Joy Division et capitaine. Cœur de beuf. Néanmoins, pour beaucoup, c’est avec les sons parfois punitifs de Throbbing Gristle que tout a commencé, et leur influence continue à ce jour.
rock progressif
"Prog-rock" est une désignation un peu inhabituelle du genre, car presque tout le monde connaît les groupes jouant dans ce style, mais peu peuvent identifier correctement ses habitants absolus. Abréviation évidente du "rock progressif", le prog se définit vraiment par son ambition. Né de la dynamique de l’art rock et de l’expérimentation en studio dans les années 70, le prog-rock peut être mieux défini par son sens de l’échelle : un genre de chansons « épiques », souvent imprégnées de pure prouesse technique. Les signatures temporelles sont encouragées à changer, et si vous pouvez faire l’album que vous créez autour d’un concept (ou même en faire un opéra), alors vous serez félicité. Les premiers champions du programme comprennent des groupes tels qu’Emerson, Lake & Palmer, Pink Floyd et Yes. Des groupes comme Porcupine Tree et The Mars Volta ces jours-ci, peu importe l’itération que nous avons frappée,l’héritage du programme se poursuit.
Rythme et blues
Avec ses origines dans les traditions de la musique noire telles que le boogie-woogie, le gospel et le blues, il est un peu surprenant d’apprendre que le R&B a été utilisé pour la première fois sur papier en 1948, lorsqu’il est apparu dans le magazine Billboard. Cette phrase a remplacé le terme profondément désagréable de "musique raciale" qui avait été utilisé auparavant, et même aujourd’hui, le R&B est utilisé comme terme général pour classer un grand nombre de musiques noires. Même l’album Break Out des sœurs Poynter de 1983, qui comprenait des succès tels que Automatic, Neutron Dance et Jump (For My Love), a réussi à atteindre les charts pop Billboard et R&B en même temps. Il y a eu de nombreux albums de R&B légendaires au cours des décennies qui sont un must pour tout connaisseur de musique qui se respecte, et nous les adorons.malgré l’étymologie quelque peu malheureuse du R&B.
Vapeur
Pendant la révolution de l’indie pop du début des années 2000, les logiciels de production musicale de plus en plus accessibles sont tombés entre les mains de la génération toujours en ligne. En conséquence, les formes musicales ont commencé à se développer à un rythme effréné. "Chillwave" est un sous-genre distinct dans lequel des synthés glacés se superposent à un groove élégant créé par des groupes tels que Neon Indian. Vaporwave (un terme de l’industrie informatique pour des produits artificiels qui ne se sont jamais concrétisés : vaporware) est à la fois un style musical et un type d’iconographie, souvent satirique de la culture de consommation d’entreprise. Souvent, les artistes ont pris une iconographie vulgaire centrée sur le consommateur (comme le smooth jazz ou la muzak d’ascenseur), l’ont ralentie, l’ont déchiquetée et l’ont élevée à un niveau artistique supérieur, tout en restant invariablement funky. Il y avait même des sous-genres dans ce sous-genre )facile de tomber dans le "Simpsonswave"), mais certains des représentants les plus célèbres du genre, tels que George Clanton et Saint Pepsi / Skylar Spence, sortent de la nouvelle musique à ce jour.
le jazz
Étonnamment, nous ne savons pas exactement d’où vient le mot «jazz». Nous savons qu’il s’agit d’un américanisme distinct qui aurait pu être remarqué vers 1905-1910, mais il n’est apparu sur papier pour décrire la musique qu’en 1915. Sa racine vient d’un ancien terme d’argot du milieu des années 1800 appelé jasm, qui signifie énergie ou la vigueur. Les articles du début des années 1910 faisaient alternativement référence au genre comme « jazz » et parfois « jasm », mais le premier terme a rapidement commencé à dominer le discours populaire. Le jazz est global, car le jazz peut faire référence à la fois à la musique de danse des big bands des années 1920 et à la forme polyphonique plus complexe à laquelle nous pensons aujourd’hui.
Trouille
Lorsque vous êtes funk, vous êtes souvent de mauvaise humeur ou de dépression. Lorsque vous écoutez de la musique funky, c’est généralement parce que vous vous blottissez et tremblez au rythme. Funky est à l’origine un terme d’argot pour décrire quelque chose de moisi ou de puant. Dans les premières communautés africaines, le funk avait des connotations positives, car l’odeur de la sueur était associée à un travail acharné. Les chansons avec le mot «funky» dans le titre remontent à 1907, mais la façon dont nous percevons aujourd’hui la musique groove, sexy et dance funky n’a pris pleinement forme que dans les années 1960, lorsque des artistes tels que James Brown l’ont présentée au grand public.. Dans les années 1970, le pi-funk et d’autres variétés ont pris de nouvelles formes de vie, et encore aujourd’hui des interprètes tels que Bruno Mars et Anderson. Paak, ne veux rien d’autre, comment rendre hommage à tes héros funk tout en restant en tête des charts même après toutes ces décennies.
Rock n Roll
Le terme rock and roll est une abréviation pour rock and roll et était à l’origine utilisé pour décrire les eaux agitées pour les bateaux. Bien sûr, les gens les plus dépravés pourraient penser qu’il s’agit d’un euphémisme pour le sexe, ce qui serait formidable pour ce genre souvent tabou. En tant que forme plus dynamique de country, gospel et blues, le rock avait de nombreuses variétés et premiers champions, de sa sœur Rosetta Tharp à Chuck Berry et Elvis Presley. Même l’expression "rockabilly" combine "rock and roll" et "redneck" pour obtenir son propre son amplifié spécial. Finalement, ce genre est devenu très populaire, mais nous ne nous souvenons pas d’un seul groupe de rock. En connaissez-vous au moins un?
Alternative
Ben Gibbard de Death Cab for Cutie a un jour plaisanté sur la classification des genres : dans les années 80, ils l’appelaient "rock collégial", dans les années 90 - "alternatif", et dans les années 2000 - "rock indépendant". Il n’avait pas tort, car le cousin plus artistique du rock mainstream a connu autant de descriptions que d’évolutions. En bref, "alternatif" est simplement une variation sur un rock plus mainstream qui est souvent facile à digérer mais rempli d’ambition plus élevée. Le label indépendant REMs a été parmi les premières "superstars alternatives" à réussir malgré leurs paroles parfois impénétrables, et les envolées éternelles de la fantaisie des Smashing Pumpkins ont contribué à définir le "rock alternatif" pendant une grande partie des années 90… Alors que certains diraient que des groupes contemporains comme Twenty One Pilots correspondent à la définition de « alternatif »le genre n’a pas beaucoup de relayeurs dans les années 2020.
Heavy métal
Quand on y pense, qu’est-ce qui fait du heavy metal la description la plus appropriée pour la musique hard rock? Dans le monde de la science, « métal lourd » signifie un métal avec un niveau de gravité élevé très spécifique, et l’armée utilise souvent le terme pour désigner une arme ou un type de tir plus gros. Dans la culture pop, l’expression "heavy metal" était à l’origine utilisée par l’icône de la contre-culture William S. Burroughs dans un certain nombre d’œuvres au début des années 1960. Ces références n’avaient rien à voir avec la musique, mais l’influence de Burroughs sur la génération émergente des Beatles a fait du metal une référence accidentelle à des chansons plus lentes et plus fortes. Le premier album d’Iron Butterfly en 1968 s’intitulait « Heavy », et c’est à cette époque que « metal » a commencé à être utilisé par les critiques pour désigner les sons de groupes tels que les Rolling Stones et Electric Flag. Puis,lorsque Led Zeppelin et Black Sabbath sont apparus au début des années 70, le heavy metal a pris un tout nouveau sens, et le reste était l’histoire de Speaker Fuzz.
grrrl anti-émeute
À la fin des années 80 et au début des années 90, la musique rock - et en particulier le hard rock et le punk - était dominée par les hommes. Bien que des artistes tels que Lita Ford et Joan Jett aient connu du succès dans le hair metal à la fin des années 1980, ils étaient l’exception plutôt que la règle. Ainsi, lorsque la scène grunge a commencé à prendre forme dans le nord-ouest du Pacifique, il y avait aussi un mouvement féministe pour que les filles s’asseyent à la guitare et se tiennent devant des microphones. La culture Zine était forte à l’époque et des œuvres auto-publiées telles que "Interrobang?!", "Chainsaw" et "Jigsaw" ont trouvé du succès en couvrant à la fois le punk rock et la propagation des normes de genre. Les groupes féminins tels que Bikini Kill et Bratmobile ont commencé à gagner du terrain. Jen Smith de Bratmobile a parlé de vouloir avoir une "émeute de filles" sur scène, et le troisième numéro de "Jigsaw"était sous-titré "angry grrrl zine". le nom d’un grognement animal plus furieux.
Musique spécifique
Pour autant que nous le sachions, il n’y a pas encore eu d’album de musique concrète en tête des charts, mais c’est en grande partie dû à la conception. Les enregistrements dans ce style consistaient souvent en des sons enregistrés qui étaient ensuite déformés, manipulés et arrangés sous de nouvelles formes engageantes. Une figure clé de ce mouvement est le compositeur français Pierre Schaeffer, qui est devenu obsédé par la recherche de nouvelles formes que le son pourrait prendre, et a finalement créé le "Concrete Music Research Group", un collectif qui, grâce à des innovations techniques et compositionnelles, apporterait des expérimentations sonores. limiter. Bien que ce nom ne signifie rien de plus que la "musique spécifique" évidente, ce sont Schaeffer et le magnétophone égyptien Halim El-Dubh qui ont remis en question les notions préexistantes d’écriture de chansons et d’enregistrement et, en conséquence, ont changé à jamais le cours de la musique. développement.
Nouvelle balançoire
Parfois appelé «swingbeat», il y a eu une période à la fin des années 1980 et au début des années 1990 où un nouveau swing de jack était inévitable. Souvent associé à des producteurs de R&B et de pop tels que Teddy Riley et Jam & Lewis, ce son a été illustré par des batteries numériques dures, souvent tournées avec le Roland TR-808, pour créer le genre de "beat orchestral" qui a donné à beaucoup de cette époque un brillant, lustre métallique. La combinaison de plusieurs termes d’argot dans l’article de Village Voice sur Riley était la première fois que New Jack Swing était introduit, et des morceaux tels que le légendaire Control de Janet Jackson et une grande partie du pic de popularité de Bobby Brown sont devenus typiques de ce son. Cependant, la popularité s’est accompagnée d’une sursaturation, et maintenant on se souvient plus du nouveau jack swing comme d’un horodatage de production de l’époque. que toute autre chose.(Bien que les premiers enregistrements de Janet sonnent encore dur aujourd’hui).
Hardcore
Le hardcore peut signifier différentes choses selon les genres, mais que vous parliez de hardcore punk rock ou de hardcore dance music, "l’intensité" sera la caractéristique clé. Fait intéressant, les origines définitives du terme remontent à l’ère punk, et cela est dû au fait que DOA a nommé leur deuxième LP, 1981, "Hardcore ’81", popularisant ainsi le terme. Depuis lors, il a acquis de nombreuses autres variantes, mais si vous voyez que quelque chose est indiqué comme hardcore, vous recevrez très probablement une punition pour vos oreilles.
IDM
IDM est un acronyme pour « musique de danse intellectuelle » avec laquelle de nombreux DJ et autres artistes électroniques commerciaux sont depuis longtemps en désaccord (après tout, que font-ils, de la musique de danse « idiote » ?). Cependant, au début des années 90, cette classification a été utilisée pour définir une marque de musique électronique de plus en plus cérébrale, parfois à but non lucratif, issue de l’ambient à la fin des années 80. Warp Records abrite depuis longtemps des pionniers de l’électro ambient, et les œuvres d’artistes tels que Aphex Twin, The Orb, Autechre et le pionnier allemand du glitch Oval relèvent de la classification IDM. À un moment donné, IDM a repris les serveurs de listes Internet plus musicalement réglés, alimentant la révolution des fans en ligne qui a conduit à ce que les forums et les blogs ont commencé à avoir un impact énorme sur le discours sur Internet dans les décennies qui ont suivi.
Percer
La musique rap a toujours eu sa part de moments forts et de rebondissements pop dans le sens du sombre et de l’autobiographie, mais "Drill" était quelque chose de complètement différent. Apparus principalement à Chicago peu avant les années 2010, les interprètes de drila n’avaient pas peur de dépeindre les choses cruelles et tragiques dont ils ont été témoins dans la rue, sans épargner les détails. C’était différent des autres genres, tels que la violence fictive d’horreur, parce que dril avait toujours un caractère plus personnel, donnant aux paroles un sens sombre du sérieux, et les rythmes étaient souvent tout aussi sombres. Étymologiquement, " drill " est un argot pour représailles, mais son utilisation varie, tout comme le fait que " drill " en tant que genre est plus déterminé par ses thèmes que par son son spécifique. Il existe des variétés notables de dril britanniques et de Brooklyn,mais des artistes comme Chief Keef et des producteurs comme Lex Luger détiennent beaucoup de pouvoir sur une scène qui semble n’avoir infiltré que récemment le rap grand public.
ska
La musique ska trouve ses origines à la fin des années 1950 en Jamaïque, et depuis lors, il y a eu plusieurs vagues, dont la "troisième vague" a conduit à la renommée aux États-Unis d’artistes tels que The Mighty Mighty Bosstones, Operation Ivy et sans aucun doute. Cependant, le terme «ska» lui-même? Personne ne sait vraiment d’où cela vient, mais la plupart des histoires impliquent la bassiste Clouette Johnson. Son groupe Clue J & His Blues Blasters a été l’un des premiers groupes de ska sur la scène, et plusieurs de ses membres sont devenus membres des Skatalites, qui sont toujours actifs à ce jour. Beaucoup disent que le genre tire son nom de Johnson disant à un autre membre du groupe de jouer de la guitare à la manière du ska ska ska, mais d’autres le contestent. Quel que soit le nom qui a pu survenir, il est très probablement onomatopoïétique sous une forme ou une autre - et jusque-là,tant que nous aurons ces lignes de cor jazzy et ce rythme rapide, nous aurons toujours du ska.
Dubstep
Ce qui est intéressant avec le dubstep, c’est la façon dont sa signification a changé en une décennie. Apparu à l’origine à la fin des années 1990 et au début des années 2000, un remix "dub" de quelque chose signifiait souvent une révision syncopée, souvent liée au reggae, d’une chanson, qu’il s’agisse d’un changement mélodique ou d’un remaniement représentatif. Cependant, les mixs dub ont cédé la place au «dubstep», un nouveau genre de beat issu du mouvement garage au Royaume-Uni. Les premiers albums de dubstep de groupes comme Burial ont été reconnus pour leur atmosphère froide et leurs ruptures émotionnelles. Cependant, le terme pour le genre a de nouveau changé avec l’émergence du mouvement «brostep» quelque peu dérisoire, dans lequel des artistes tels que Skrillex régnaient en maître avec leurs poussées rythmiques explosives et autres effets d’arène-EDM.
Honky-tonk
Un dictionnaire décrit l’origine du mot "honky-tonk" comme un "composé de rimes à base de klaxon". C’est une façon incroyable de représenter une phrase qui fonctionne à la fois comme un genre et comme un type de lieu. Honky-tonk peut signifier un bar où l’on joue de la musique country, et le genre lui-même est souvent considéré comme la musique de piano que l’on peut entendre dans un vieux saloon. Décrit par certains comme «plus intéressé par le rythme que par la mélodie», le honky-tonk a été adapté dans une variété de contextes, allant du boogie-woogie au piano au style country de composition de chansons de ces grands de «l’âge d’or». comme George Jones et Hank Williams.
Hip hop
Nous pourrions dresser une liste complète décrivant la symbiose de tous les sous-genres très différents du rap (tels que boom-bap, crunk, grime et trap), mais ils ont tous tendance à relever d’un marqueur culturel commun : le hip-hop. Bien que dans la terminologie d’après-guerre, « hippie hop » soit couramment utilisé pour désigner les fêtes entre adolescents, beaucoup font référence à Grandmaster Flash and the Furious Five Keith Cowboy (Keith Wiggins), qui utilisait « hip » et « hop » comme un sergent sur un marche militaire. crie "gauche-droite-gauche". L’expression «hip-hop» s’est rapidement imposée après les performances live des Furious Five, et la phrase elle-même a été utilisée dans le premier couplet du single emblématique de The Sugarhill Gang «Rapper’s Delight». De nos jours, le hip-hop est moins lié à un style de musique en particulier qu’à toute la culture (mode, art, etc.) qui a grandi autour de lui.
Hyperpop
Peut-être l’un des phénomènes les plus récents de cette liste, "hyperpop" est utilisé pour définir une forme de pop qui repousse les limites de la musique qui accentue encore un crochet accrocheur, mais enfreint toutes les règles de la production musicale. Cela est en grande partie dû au collectif PC Music dirigé par le producteur AG Cook et qui a rapidement engendré des artistes aussi influents que Sophie et Charli XCX. Tout en se réjouissant et en ridiculisant la culture de la consommation, les artistes "hyperpop" peuvent créer une musique à la fois explosive et heureuse, car une chanson de 100 Gecs peut vous gratter les oreilles avec le son atonal des haut-parleurs et en même temps rester coincé dans votre tête pendant plusieurs semaines. Les artistes et les fans de l’hyperpop s’identifient souvent (mais pas exclusivement) comme des bougres. C’est de la musique pop mais la partie «hyper» va au-delà des simples comparaisons avec le happy hardcore, car il y a une nouvelle génération dedans,futurisme, et plus souvent rétro-futurisme. Malgré le fait que l’hyperpop n’est apparue qu’au cours des dernières années, il semble qu’elle soit à nos portes.
bossa nova
Peu importe à quel point la bossa nova était courante dans le royaume de la samba, son origine a eu lieu relativement récemment, à la fin des années 1950. Traduit du portugais, "bossa nova" signifie "nouvelle tendance" ou "nouvelle direction", en particulier dans le sens où ce genre a repris les éléments rythmiques de la samba et les a recréés en utilisant la guitare classique au lieu de percussions plus traditionnelles. Le légendaire guitariste João Gilberto et futur auteur de la chanson «The Girl from Ipanema» Antonio Carlos Jobim sont souvent considérés comme les «pères de la boss nova». Après le succès de Sergio Mendes et Brazil 66, plusieurs artistes de jazz américains ont commencé à faire leurs propres enregistrements de bossa nova dans les années 1960, apportant au genre une renommée mondiale et mettant en lumière cet aspect remarquable de la culture brésilienne.
Nouvel Age
Ou, comme certains appellent en plaisantant le genre, "la musique de Wyndham Hill". Bien que cette maison de disques en particulier soit connue pour inonder le marché de bandes sonores merveilleuses et presque comiquement évidentes pour les spas de jour et les salons de massage dans les années 80 et 90, la musique New Age est très proche de la musique ambiante. Alors que la musique ambiante est souvent complètement instrumentale et peut être relaxante ou déroutante selon le but artistique de la pièce, New Age est spécialement conçu pour élever l’ambiance et le centre, pour calmer et se détendre. Le New Age était à l’origine un mouvement à but non lucratif, mais dans les années 1980, à travers des catalogues et des publicités de CD et de cassettes dans les magasins de chez eux, les artistes New Age se sont enracinés dans la conscience de masse sans le soutien des grands labels (d’où la surabondance de Windham Hill des produits).Le genre tire son nom le plus proche de son association avec le mouvement de spiritualité New Age des années 1970, qui a balayé l’Occident et offert des moyens alternatifs de trouver la paix intérieure, et certaines cassettes, et plus tard des CD, ont servi d’accompagnement musical à ce mouvement.
loger
Selon un présentateur de nouvelles peu informatif des années 80, "la musique house a d’abord été créée dans les maisons de ses créateurs". C’est vrai dans une certaine mesure, mais la production de masse d’électronique dans les années 1980 a donné aux gens un accès plus large à l’équipement de studio sans avoir à commander du temps de studio (même si cet équipement était parfois prohibitif). Cependant, les véritables origines de la house music telle qu’elle était connue remontent à Chicago au début des années 1980. Là, dans le quartier West Loop de Chicago, le DJ Frankie Knuckles a mis en mouvement le Warehouse, désormais fermé, en reprenant des chansons disco et en les reprenant sous des formes plus longues et parfois plus charnues. À l’époque, Knuckles et d’autres DJ partageant les mêmes idées comme Ron Hardy créaient des sons percussifs, qui inspiraient de nouveaux styles de danse (tels que "footwork" et "jacking") et reste influent à ce jour.
Zydeco
Bien qu’il existe de nombreuses variétés intéressantes et savoureuses de musique cajun, vous reconnaîtrez immédiatement la chanson zydeko lorsque vous l’entendrez. Compositions typiquement blues aux influences créoles et amérindiennes, la marque de fabrique des compositions zydeco est l’accordéon piano, qui occupe souvent le devant de la scène dans la plupart des compositions (la percussion sur la planche à laver ressort également). Le terme «zydeco» n’a pas de racine spécifique, mais beaucoup disent qu’il vient de la prononciation de l’idiome français «les haricots ne sont pas salés», qui signifie «haricots non salés». Cette expression de difficulté a peu à voir avec les mélodies généralement amusantes associées à zydeco, mais comme pour tout ce que zydeco a à voir avec cela, cela n’a pas besoin d’avoir de sens pour bien sonner.
Punk
Bien avant que la musique punk ne soit définie par les mohawks et les guitares bruyantes, le terme « punk » a été utilisé pendant des siècles, à commencer par Shakespeare (qui l’a utilisé dans Jolly Wives et Measure for Measure de Windsor pour décrire les femmes à faible responsabilité sociale "). Chicago Tribune a utilisé pour la première fois le terme pour décrire les Fugs en 1970, il a été repris par The Cream, Rolling Stone et d’autres critiques bien connus. Dolls a été l’un des premiers groupes contemporains à recevoir la désignation "punk". Depuis lors, le nom d’un rock aussi impulsif et anti-establishment est resté, et les fans de punk rock n’ont jamais regardé en arrière.
Ambiant
Eric Satie, le compositeur qui a créé certaines des plus belles mélodies du monde sous la forme de Gymnopedias, s’est un jour essayé à un nouveau style de composition, qu’il appelait « musique d’ameublement ». Malgré le fait que cette musique était vive et riche en décalages et en mélodies, il la concevait toujours comme une musique qui devait sonner en arrière-plan et ne pas attirer toute l’attention sur elle-même. Le nom français de « meubles musique » ? Musique d’ameublement. Au cours des décennies suivantes, diverses formes de musique et de compositions sans structure ou basées sur l’humeur ont émergé, visant à changer l’humeur sous des formes autres que les chansons telles que nous les connaissons traditionnellement. Cependant, l’enregistrement de "Discreet Music" de Brian Eno en 1975 a été considéré comme une percée dans la définition du genre contemporain de la musique ambiante, et il l’a finalement cimenté.appelant son enregistrement expérimental de 1978 "Ambient 1: Music for Airports", cimentant à jamais le nom du genre dans l’esprit du public.
Bleus
Il est généralement admis que le "blues" est ainsi nommé parce que les paroles dépeignent une certaine tristesse ou nostalgie. La poétesse et militante Charlotte Fortin a écrit un jour que des chansons comme celle-ci «ne peuvent être chantées sans un cœur plein et un esprit agité», un sentiment que les musiciens de blues portent en eux depuis plus d’un siècle. Certains disent que le terme blues lui-même dérive d’une expression des années 1600. " diables bleus ", que l’on pensait être ce qu’une personne voit en état d’ébriété (et parfois mélancolique). Au fur et à mesure que les chansons se développaient à la fin des années 1800 et commençaient à être enregistrées au début des années 1900, la musique blues est devenue tout, des negro spirituals aux chansons de travail et des ballades, parfois humoristiques, mais souvent criblées de douleur et de privation. Le blues a ensuite servi de base à tout, du jazz au rock and roll.
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