Les vicissitudes du destin: comment au Royaume-Uni l’attitude envers le travail du Caravage a changé Automatique traduire

LONDRES. Le mois prochain, la National Gallery de Londres inaugurera l’exposition "After Caravaggio" (Au-delà de Caravaggio), qui présentera le travail de fidèles du maestro italien du baroque. L’exposition comprend 49 peintures réalisées principalement par des établissements d’enseignement du Royaume-Uni, tels que Orazio Gentileschi, Jusepe de Ribera et Valantin de Boulogne.

Dîner à Emmaüs (1601-02)

La Galerie nationale a eu beaucoup de chance - elle possède trois peintures de Caravaggio, une de chacune des principales étapes de la carrière de l’artiste, mais les circonstances de cette acquisition montrent que leur chemin vers Trafalgar Square était plus accidentel que prévu. "Le souper à Emmaüs" (Le souper à Emmaüs, 1601), chef-d’oeuvre incontestable, a été transféré à la galerie en 1839, huit ans après que le propriétaire n’a pas pu le vendre aux enchères. Pendant très longtemps, il a été question du tableau "Salomé avec la tête de Jean-Baptiste" (Salomé reçoit la tête de Jean-Baptiste, 1609-10), et il n’aurait probablement pas été acheté s’il n’y avait pas l’entêtement de Denis Mahon), l’administrateur de la galerie, qui a persuadé le conseil de voter contre l’opinion du directeur et pour la photo. Et enfin, “Le garçon mordu par un lézard” (l’une des meilleures œuvres de jeunesse de Caravaggio, vendue à un collectionneur privé américain et seule l’interdiction d’exporter a préservé l’image pour le pays.

Peintures Caravaggio

Bien que le Caravage soit aujourd’hui l’un des artistes les plus importants et les plus reconnaissables de l’histoire de l’art, sa personnalité et son travail n’ont pas été pleinement compris avant le XXe siècle. La réhabilitation du Caravage a contribué à deux expositions. Le premier a eu lieu à Florence en 1922 et était dédié aux artistes italiens des XVIIe et XVIIIe siècles, parmi lesquels le Caravage a joué un rôle de premier plan. La seconde est l’exposition Roberto Longhi à Milan en 1951, où les œuvres de Caravaggio et de ses disciples ont été présentées pour la première fois.

Des expositions similaires ont ensuite été organisées à Cleveland (1971) et à New York (1985), mais pas au Royaume-Uni. Et la raison en était pas l’absence de scientifiques remarquables sur le travail de l’Italien, bien au contraire. Ellis K. Waterhouse (1905-1985), professeur d’université et spécialiste du baroque italien, et Roger Hinks (1903-1963), qui a publié la première monographie en anglais sur Caravaggio, ont également travaillé en Grande-Bretagne. Denis Maon (1910-2011), ardent défenseur et collectionneur de peintures baroques italiennes, a étudié le Caravage au cours de sa longue carrière d’historien de l’art. Mais peut-être plus que toute autre contribution, Benedict Nicolson (1914-1978), éditeur de la revue scientifique Burlington Magazine, qui a publié un catalogue complet des peintures de Caravaggio et de ses disciples dans les années 1970, a apporté sa contribution. Ce fut la première tentative sérieuse de l’histoire de classer le travail des artistes karavagistes. Les écrits de Nicholson sont toujours pertinents pour tous ceux qui étudient le Caravage.

Réévaluer la contribution du Caravage à l’histoire de l’art au Royaume-Uni a pris un temps considérable. Cela a été en partie facilité par les opinions désobligeantes exprimées par John Ruskin (1819-1900) et Roger Fry (1866-1934), deux critiques populaires qui ont tous eu une profonde influence sur la formation des goûts du public dans la seconde moitié du XIXe siècle. début du vingtième siècle. Pour Ruskin, Caravaggio était synonyme de «vulgarité, stupidité et impiété». Dans son «Artist Scale», Caravaggio, Raphaël, Guido Reni et Carracci se sont vus attribuer une place dans la catégorie «Ecole de l’erreur et du vice». L’œuvre de Caravaggio Ruskin dit vulgaire et dépravé, il croyait qu’en quête de vérité, le Caravaggio montrait son incapacité à voir la beauté du monde, mais seulement "l’horreur et la laideur et l’impureté du péché".

Fry, qui pour la plupart des questions n’était pas d’accord avec Ruskin, a dans ce cas accepté son point de vue. Selon lui, ce sont les artistes italiens qui "ont inventé la vulgarité, et plus précisément - l’originalité vulgaire dans l’art". Fry a reproché au Caravage de tout aimer "cruel et excessif". Ces déclarations concordent avec les propos de Giovan Pietro Bellori, dont le récit essentiellement négatif, mais extrêmement convaincant, de la vie de Caravaggio a acquis une immense popularité. Bellory a reproché au Caravage d’avoir copié servilement la nature, sans aucune sélection, et ce n’est pas un hasard si sa définition des adeptes du Caravage en tant que «naturalistes» s’est si bien enracinée parmi les critiques britanniques du XIXe siècle.

Ruskin a condamné le Caravage non seulement pour son contenu, mais également pour sa technologie. Il a accusé l’artiste d’abus d’ombres, qu’il a peint "pour l’amour de l’ombre". Et, malgré les très petites informations biographiques sur le Caravage disponibles à cette époque (à l’exception des récits de Bellory), cet éclairage dans les peintures était attribué au caractère boueux de l’artiste. Au milieu du XIXe siècle, le nom Caravaggio était souvent associé à des scènes à la bougie, bien qu’il ne peigne pas un seul tableau à la bougie. Les bougies sont plus caractéristiques d’un autre artiste, Gerrit van Honthorst, et ces deux artistes sont souvent confondus. Quelle est l’histoire de la "prise du Christ" par Caravaggio, attribuée par Van Honthorst pendant près de deux siècles?

En outre, toutes les peintures avec un clair-obscur puissant ont commencé à s’appeler "Caravaggio", quels que soient leurs styles et leurs caractéristiques individuelles. Aujourd’hui, cela peut sembler surprenant, mais vers le milieu du XVIIe siècle, l’art du Caravage et de ses disciples tomba dans le silence final et une réévaluation complète de leur travail eut lieu 300 ans plus tard. À bien des égards, le fait que le Caravage ait parcouru l’Italie sans quitter le pays ne se soit jamais rendu en Europe, comme par exemple Peter Paul Rubens ou, dans une moindre mesure, Gentileschi et Honthorst, qui travaillaient tous deux à la cour de Karl. contribué à cette attitude. I. Pour apprécier l’essentiel du travail du Caravage, il était nécessaire de venir en Italie, mais très peu ont décidé de faire ce voyage.

Alors que les musées du Royaume-Uni manifestaient un mépris total pour le travail de Caravaggio, les musées américains, au contraire, ne manquèrent pas l’occasion d’acheter son travail. C’est ainsi que «Saint Jean Baptiste dans le désert» (Saint Jean Baptiste dans le désert, 1603-04) a été vendu en 1952 au musée d’art Nelson-Atkins à Kansas City. La même année, les Musicians (1595) sont achetés par le Metropolitan Museum of Art de New York et Martha and Mary (1598) par le Detroit Institute of Arts. en 1973, deux ans seulement après le début de la vente, le tableau ne pouvait plus être vendu aux enchères à Londres. L’intérêt a encore augmenté après l’exposition Longy en 1951 à Milan.

Il est intéressant de noter que le propriétaire des Musiciens, WG Thwaytes, a écrit au directeur de la Galerie nationale en février 1952, l’informant que le Metropolitan Museum offrait 25 000 £ pour le tableau, mais avant d’accepter un contrat, il aimerait savoir si la galerie est intéressé par cette photo. L’offre de Thwaites a été rejetée, les "Musiciens" ont dûment obtenu une licence d’exportation et se sont rendus à New York. Les archives ont conservé des informations selon lesquelles, pendant ces années, la direction de la galerie ne s’intéressait pas au travail de Karavoggio et que le directeur Philip Hendy ne connaissait pas du tout un tel artiste. Mahon est devenu administrateur de la Galerie nationale en 1957, cinq ans après la vente de "Saint Jean Baptiste dans le désert" et de "Musiciens".

De même, les peintures des adeptes du Caravage ont quitté la Grande-Bretagne. Le Fortune Teller (1620) Valantena, vendu par le neuvième duc de Rutland sous le couvert de Caravaggio, en est un exemple frappant. Aujourd’hui, le tableau se trouve au Toledo Museum of Art.

Malgré ce résultat, les collections publiques et privées des îles Britanniques restent étonnamment riches en peintures de Caravaggio et de ses disciples. La réévaluation de la créativité effectuée au siècle dernier a confirmé son talent et sa véritable originalité en tant qu’artiste. Même Roger Fry, qui n’est en aucun cas un fan de son talent, a astucieusement fait remarquer, il y a plus de cent ans, que le Caravage était à bien des égards «le premier artiste contemporain, le premier artiste à faire une révolution».

Article original: Les vicissitudes du Caravage: comment le Musée des beaux-arts a profité - et a raté - des occasions d’acquérir des œuvres du maître de Letizia Treves © LE JOURNAL DE L’ART

Traduction: Anna Sidorova © Gallerix.ru