Peinture grecque, époque classique Automatique traduire

Polygnote de Thasos

Peu avant 500 avant J.-C., alors que s’achève la période de la peinture grecque archaïque, les vues obliques et autres vues nouvelles du corps et des membres humains s’imposent dans la sculpture grecque et la peinture sur vase. Une révolution qui fut le premier pas vers l’illusionnisme. Polygnote de Thasos, (Thasos est une île du nord de la mer Égée) est le premier peintre grec reconnu par les critiques ultérieurs comme un grand maître. La plupart de ses œuvres ont été réalisées à Athènes ou dans ses environs peu après 480 avant J.-C. et étaient encore appréciées plus de six cents ans plus tard. Ses figures étaient célèbres pour leur expression du caractère et semblent avoir eu le style aristocratique du meilleur art classique supérieur (500-450 av. J.-C.). Son influence s’est presque certainement fait sentir dans le Parthénon, en particulier dans sa peinture sculpturale. (Voir aussi : Architecture grecque : 900-27 av. J.-C.) Pline lui attribue diverses innovations, dont la plupart s’étaient déjà produites dans la peinture de vases, mais une autre innovation importante apparaît dans les peintures de Polygnote. Il s’agit de l’exploration de la représentation en profondeur, où les figures sont placées à différents niveaux, de plus en plus loin et de plus en plus près.

La formule, sans réduction de la perspective linéaire, se retrouve sur plusieurs vases attiques à figures rouges des années 460 avant J.-C., avec des sculptures de trois-quarts presque uniformément anormales dans la peinture de vase de l’époque, et des poses statuaires inhabituelles. Ce sont également les caractéristiques présumées de Polygnote, si (comme c’est très probable) les vases peints montrent une tentative infructueuse de transférer un nouveau style de peinture sur son support.

La technique du dessin au trait avec des images en aplat de couleur est toujours utilisée, bien que les pierres et autres objets inanimés soient probablement remplis d’une peinture de densité inégale. Les lignes intérieures ont pu être épaissies pour montrer la profondeur du pli, et les bords des boucliers et autres objets courbes ont pu être légèrement ombrés. Le fond était apparemment d’un blanc pur, avec des lignes de base séparées pour divers personnages ou groupes de personnages, et parfois des arbres et d’autres paysages simples. Comme dans les métopes de Thermon, les noms sont souvent écrits sur un fond de figures.

Bien que Polygnote et son contemporain Mycon d’Athènes aient été «primitifs», ils ont toujours été admirés et, au premier siècle de notre ère, certains connaisseurs les préféraient même aux maîtres de la maturité. Les titres des peintures du grand style de Polygnote et de son cercle, qu’il s’agisse de tableaux calmes ou de scènes de vie, proviennent principalement de la mythologie et seulement parfois (par exemple «la bataille de Marathon») de l’histoire moderne. D’autres peintures de qualité supérieure étaient moins héroïques. À cette époque , la peinture disposait d’une gamme d’outils, de méthodes de traitement et de qualité beaucoup plus large que les autres arts figuratifs.

Les lécythes (vases) blancs, un style de faïence antique, qui a commencé dans les années 460 avant J.-C. et s’est terminé vers 400 avant J.-C., ont été reconnus comme ayant un lien étroit avec la peinture dans leurs caractéristiques techniques de fond blanc et de gamme de couleurs ajoutées. Par ailleurs, une peinture du premier siècle trouvée sur le mur de la maison de Famesina à Rome présente un style très similaire à celui des lécythes antérieurs. Comme la peinture de Farnesina ne reconnaît guère le style des lekythoi, enterré depuis plusieurs siècles, sa technique était vraisemblablement un panneau peint, qui a persisté à partir du milieu du cinquième siècle. Dans des compositions décoratives aussi simples, il semble que le style soit également plus conservateur, bien qu’il y ait ici des ombres dans les plis de la draperie et sur le cadre de la chaise - le visage de trois-quarts, par exemple, n’était pas encore à la mode.

Dans la peinture sur vase, les signes de ce style sont rarement apparents, en partie à cause de la petite taille du champ, mais les grandes peintures de Polygnote à Delphes montraient des arbres et des roseaux et même des galets sur le rivage. On attache beaucoup plus d’importance à la localisation dans les fresques de la salle intérieure de la tombe étrusque «de la chasse et de la pêche», où le style, bien que probablement retardé, correspond à celui de la fin du VIe siècle, et où les figures sont représentées à l’échelle. On prétend souvent que l’intérêt pour la nature est une caractéristique particulière de l’art italien ou au moins étrusque, mais le seul parallèle à cette époque en Italie est le Pestum grec, et, bien qu’il n’y ait évidemment pas de peintures originales de Grèce à comparer, nous avons un paysage marin plus ancien à Kizibel en Lycie, et quelque chose de similaire se trouve dans les peintures de vases. Après le milieu du VIe siècle, on trouve en effet un certain intérêt pour le décor dans les peintures de vases et, curieusement, dans la sculpture du fronton de l’Acropole d’Athènes, qui représente une maison et un arbre. On peut donc supposer qu’avec une technique plus maniable, les peintures de l’époque n’étaient pas en reste.

Note : Pour des informations sur la poterie de la Grèce antique, y compris les techniques de la géométrie, de la figure noire, de la figure rouge et de la base blanche, voir Céramiques grecques : Céramique grecque : histoire et styles . Pour des informations chronologiques sur les dates et les styles, voir : Céramique grecque : Histoire et styles . Dans Céramique (26000 av. J.-C. à 1900).

Malgré leur maîtrise du raccourci, la technique des premiers artistes classiques reste le dessin de contour avec une économie de détails linéaires. Le modelage par hachures ou dégradés de couleurs semble avoir été lent et peut-être intermittent. Peu avant 500 avant J.-C., certains peintres de figures rouges ont commencé à remplir occasionnellement les contours des corps et des pierres avec des ombres irrégulières de peinture diluée, mais probablement seulement pour indiquer la rugosité de la texture ou pour donner à une substance une forme qui n’avait pas de contour intelligible.

Dans le deuxième quart du Ve siècle, les plis sont parfois (mais pas très souvent) soulignés par des lignes épaisses ou des hachures, ce qui donne un effet d’ombre, comme sur le panneau de Famesina (vers 460 av. J.-C.). À peu près à la même époque, la luminosité des hachures ou des ombres rehausse parfois les bords d’objets ronds tels que les coupes de boucliers.

Vers 420 av. J.-C., le peintre de vases à figures rouges pouvait travailler rapidement et assez bien les ombres, modeler la forme des coupes à vin et les plis profonds des draperies, mais il n’y a encore aucun signe d’expérimentation de l’anatomie humaine, bien que le corps ait été un intérêt majeur de l’art grec. Cette expérimentation apparaît pour la première fois dans un petit groupe très médiocre de peintures blanches de lécythes des dix ou quinze dernières années du Ve siècle. Ici, la chair masculine est fortement modelée, mais la chair féminine ne l’est pas. Un fragment de vase d’Italie méridionale (coupe d’une figure rouge apulienne peinte par un artiste de l’époque de la Naissance de Dionysos, vers 390 av. 390 av. J.-C.) d’une date plus tardive et d’une technique plus avancée, représente une figure surlignée en jaune tandis qu’une figure voisine est rendue en rouge pur.

Cette fidélité obstinée de la peinture sur vase à figures rouges à sa tradition linéaire conduit à se demander si le modelé n’aurait pas connu une évolution sensible un peu plus tôt dans la peinture. Néanmoins, le surnom «Skiagraphos» («Peintre d’ombres») donné à Apollodore, qui travaillait à la fin du Ve siècle, suggère qu’il fut l’un des premiers à utiliser la nouvelle technique. Son contemporain Zeusis, plus jeune, serait allé encore plus loin. En ce qui concerne la chair féminine, les copies de grandes peintures grecques mineures et les dessins muraux conservés dans les tombes étrusques montrent que le modelage est apparu vers le milieu du IVe siècle.

Les ombres portées sont plus mystérieuses. Elles n’apparaissent dans les peintures ou les copies de peintures qu’à partir de la fin du IVe siècle, et leur fort effet n’est remarqué qu’à partir du IIIe siècle. Néanmoins, dès le milieu du Ve siècle et une centaine d’années plus tard, des ombres plus explicites étaient apparemment nécessaires pour la représentation «du Garçon attisant le feu» d’Antiphilus, qui admire le reflet des flammes sur le visage du garçon. Il est cependant probable que les peintures classiques bénéficiaient de l’éclairage uniforme habituel et que les ombres portées étaient donc généralement considérées comme excessives.

Pour les artistes postérieurs inspirés par les peintures classiques de la Grèce antique, voir : Le classicisme dans l’art (p 800).

Perspectives

De la même manière, les artistes étaient réticents à utiliser massivement la perspective - la réduction de la taille en fonction de la distance - un phénomène dont dépendent tant de choses dans la vie réelle. Quoi qu’il en soit, les tableaux de Polygnot ne présentent aucun signe de perspective, malgré son sens conscient de la profondeur spatiale, et c’est dans le paysage scénique (vraisemblablement architectural) selon l’architecte romain Vitruve (vers 78-10 av. J.-C.) qu’elle a été tentée pour la première fois. L’occasion était la représentation d’une pièce d’Eschyle. Et, bien que cela ait pu avoir lieu après la mort du dramaturge en 456 avant J.-C., la théorie a été explorée par Anaxagore, un contemporain d’Eschyle. Anaxagore étant un géomètre habile, il s’ensuit qu’un système de perspective utile est apparu peu après le milieu du Ve siècle. Hormis le fait que les peintres de vases ont généralement abandonné l’utilisation de la profondeur spatiale et se sont contentés de raccourcir occasionnellement les meubles, les rares copies de peintures classiques ultérieures et celles que nous avons dans La peinture grecque hellénistique, n’ont pas besoin d’une perspective spéciale dans leur composition, et ce n’est peut-être pas avant le deuxième siècle que nous trouvons un intérieur fuyant cohérent dans les peintures.

Néanmoins, au cours du IVe siècle, les sculpteurs grecs qui ont réalisé des reliefs pour les dynasties lyciennes ont parfois ajouté un peu de profondeur à leurs vues de villes, et certains peintres de vases ambitieux de l’Italie du Sud s’adonnaient déjà à des notations audacieuses, bien qu’imprécises, de la perspective dans la représentation de l’architecture.

Certains spécialistes nient que la peinture grecque ait jamais atteint un point de vue unique avec un seul point de fuite, mais au premier siècle, certaines perspectives architecturales peintes par des décorateurs d’intérieur sur les murs des maisons de Pompéi montrent un système trop cohérent pour être accidentel et Vitruve était manifestement conscient de ses principes théoriques. Pour autant que nous le sachions, la perspective aérienne, c’est-à-dire l’adoucissement des couleurs sur un fond lointain, n’est apparue qu’au IIe siècle. Les artistes grecs disposaient pour cela de tous les moyens techniques nécessaires à une peinture pleinement réaliste.

L’école de peinture de Sicyone

Les peintres étaient formés, le plus souvent comme assistants dans l’atelier du maître, selon un système très proche de celui de l’apprentissage. Vers le milieu du IVe siècle, Pamphile fonda une école de peinture à Sikyon et eut d’éminents élèves. La peinture d’après nature est apparue vers la fin du cinquième siècle, comme le mentionne Xénophonte dans ses Mémoires de Socrate. L’enseignement ne se limitait pas à la pratique, mais s’étendait également à la théorie. Pamphilos inclut l’arithmétique et la géométrie dans son programme, insistant sur le fait qu’elles sont nécessaires à une bonne pratique. Grâce à ses efforts, la peinture (ou le dessin) devint également une matière reconnue dans l’éducation des garçons grecs.

Peinture et dessin en quadrichromie et en monochromie

Tous les peintres classiques et hellénistiques n’ont pas utilisé l’ensemble des possibilités techniques disponibles. Aux Ve et IVe siècles, on assiste à une vogue de la quadrichromie, des quatre couleurs noir, blanc, rouge et jaune et de leurs combinaisons. On ne sait pas pourquoi les artistes ont choisi de limiter ainsi leur palette, mais comme ces couleurs étaient celles que les peintres de vases trouvaient satisfaisantes pour la cuisson, il est tentant de supposer qu’elles étaient aussi les plus recherchées dans la peinture à l’encaustique de l’époque. Il y avait aussi la peinture monochrome, qui avait parfois l’effet du pastel, et qui imitait parfois la sculpture en relief. Le dessin au trait simple avait aussi ses admirateurs, et Pline note que le dessin de figure de Parrechosios a été étudié par les artistes ultérieurs. Rappelons que le mot grec «arapbo» englobe à la fois la peinture et le dessin.

Note : Pour en savoir plus sur les pigments de couleur utilisés par les artistes grecs classiques dans les fresques, la détrempe, l’encaustique et l’aquarelle, voir : Palette de couleurs classiques

L’intrigue

Les thèmes varient également. Les grandes compositions, en particulier les scènes de guerre, avaient un marché régulier bien que limité, mais à en juger par les titres énumérés par Pline, le chef-d’œuvre standard était une peinture mythologique avec un petit groupe de personnages tels que Léto et Niobé, Persée libérant Andromède, ou le sacrifice d’Iphigénie. C’est probablement la demande de clients privés qui a stimulé la production de peintures érotiques, mentionnées dès la fin du Ve siècle, et de natures mortes, qui ont vu le jour au plus tard au IVe siècle. La caricature peut remonter à la fin du Ve siècle et le portrait au milieu du IVe siècle. Le paysage en tant que branche artistique indépendante ne s’est pas développé avant le deuxième siècle, car nos sources écrites mentionnent pour la première fois un peintre paysagiste en 164 avant J.-C., bien que la peinture de décors de scène (sans dessins) soit apparue plus près du cinquième siècle. Quant à l’élaboration, elle s’étend, du moins à l’époque hellénistique, du sublime au sentimental.

Technique artistique

L’équipement technique des artistes grecs de la fin du Ve siècle était manifestement très développé, mais la qualité des œuvres qu’ils produisaient est beaucoup plus difficile à évaluer. Tous les originaux qui nous sont parvenus sont de second ordre, voire pire, et la plupart d’entre eux sont également provinciaux. Et pourtant, ils ne représentent pas les types de peinture les plus importants. Les copies ou prétendues telles sont généralement non seulement peu fiables, mais décevantes. Parmi les plus ambitieuses, la plupart sont des peintures pâles, en particulier celles de Pompéi et d’Herculanum, des œuvres réalisées par des apprentis qui travaillaient probablement sous contrat et qui n’avaient pas la capacité (et encore moins les moyens) de reproduire l’original avec une bonne précision. Une représentation exacte ne pouvait être réalisée qu’à partir d’un original ou d’une autre reproduction exacte, et les artistes de niveau inférieur, si nombreux à Pompéi, n’avaient rien de mieux à faire que des copies approximatives de livres et leur propre mémoire. Il n’est donc pas surprenant qu’ils aient souvent modifié le style des figures des anciens chefs-d’œuvre, en les insérant dans des compositions agrandies et en modernisant l’arrière-plan. Par exemple, dans la peinture monumentale de c. 75 «Persée et Andromède» (peinte à l’origine par Nicias vers 360 av. J.-C.), le coup de pinceau est impressionniste, le caractère des visages n’est peut-être pas assez héroïque et les ombres portées sont trop marquées. Bref, la qualité de la copie est si médiocre qu’il ne viendrait à l’idée de personne de dire que l’original représentait le début d’une période - la seconde moitié du IVe siècle - qui fut plus tard considérée comme l’âge où la peinture grecque atteignit son apogée.

Astragalizusae

Ce que l’on appelle «Astragalizusae» (ou «Filles jouant aux dés» vers 400 avant J.-C.) est une petite peinture sur marbre trouvée à Herculanum. Le marbre a été importé de Grèce et probablement déjà peint. La technique de peinture est monochrome dans différentes nuances de brun, le style est très linéaire, sans ombrage de la chair féminine, et le fond est blanc et vierge. Le sujet semble être une scène domestique - une peinture de genre - présentée avec un calme classique, mais les petits noms soignés à côté de chaque figure indiquent qu’il s’agit d’une scène mythologique - un incident dans la relation entre Léta et Niobé avant leur querelle désastreuse. La peinture semble être une copie exacte de l’original de la fin du cinquième siècle, à l’exception des lettres, qui datent du début du premier siècle. (La signature Alexandre d’Athènes, comme sur certaines statues, doit être celle d’un copiste). «L’Astragalizusae» ne peut être considérée comme tout à fait typique de l’époque de son original. Outre sa technique, elle contient très peu des expressions de caractère et d’émotion attribuées à certains maîtres de l’époque, comme Timantès, qui s’est rendu célèbre par les gradations de douleur qu’il a représentées dans le «Sacrifice d’Iphigénie».

Ressources complémentaires

Pour plus d’informations sur les arts décoratifs gréco-romains, voir : L’art de l’Antiquité classique (800 av. J.-C. - 450 ap. J.-C.)

Pour plus d’articles sur les arts visuels de l’Antiquité classique, voir :

Sculpture de la Grèce antique (Introduction)
Sculpture grecque daedalique (c.650-600 av. J.-C.)
Sculpture grecque archaïque (c.600-480 av. J.-C.)
Sculpture grecque classique primitive (c.480-450 J.-C.)
Sculpture grecque classique supérieure (v.450-400 av. J.-C.)
Sculpture grecque classique tardive (v.400-323 J.-C.)
Sculpture grecque hellénistique (v.323-27 av. J.-C.)
Statues et reliefs hellénistiques (v.323-27 av. J.-C.) J.-C.)
Peintures et panneaux du patrimoine grec
Métallurgie grecque (8e siècle av. J.-C.)
Sculpture romaine (c.55)