Architecture américaine: origines, histoire, caractéristiques Automatique traduire

Architecture coloniale (c. 1600-1720)

L’architecture utilisée par les premiers colons en Amérique du Nord est traditionnellement appelée architecture coloniale . (Voir aussi : l’art colonial américain)) Cette première architecture était aussi diverse que les colons eux-mêmes, qui comprenaient des Espagnols, des Anglais, des Écossais, des Irlandais, des Hollandais, des Allemands, des Français et des Suédois . Chaque groupe d’immigrants a apporté avec lui le style et les pratiques de construction de son pays d’origine, en les adaptant aux conditions de sa nouvelle patrie, comme en témoigne le gothique médiéval d’Europe du Nord pour les maisons de village et les granges. En tout, il y a eu environ sept styles coloniaux majeurs, dont :
❶ l’architecture coloniale espagnole - largement basée sur l’architecture baroque espagnole - qui fut le premier style à apparaître dans les Amériques et se répandit en Floride, au Nouveau-Mexique, au Texas, en Arizona et en Californie à partir du milieu du XVIe siècle.
❷ Architecture coloniale de la Nouvelle-Angleterre, caractérisée par des charpentes en chêne et des bardages en bois lamellé-collé inspirés des modèles anglais.
❸ L’architecture coloniale hollandaise, qui utilise davantage la pierre et la brique et s’inspire des prototypes flamands et hollandais.
❹ L’architecture coloniale suédoise, fréquente dans la partie inférieure de la rivière Delaware, d’où est issu le modèle américain «de la cabane en rondins», caractérisée par des poutres rondes aux extrémités saillantes.
❺ Pennsylvania Colonial, basé sur des prototypes anglais, qui s’est rapidement transformé en un style géorgien raffiné.
❻ L’architecture coloniale française, originaire des provinces maritimes du nord du Canada, du Québec et de la vallée du Saint-Laurent. Les Français ont également introduit le style dit québécois dans leurs établissements autour des Grands Lacs et dans la région du Mississippi. Dans le Sud profond, un autre style de construction typiquement français était courant en Louisiane et dans sa capitale, la Nouvelle-Orléans.
❼ Southern Colonial, généralement des bâtiments en briques avec de grandes cheminées en saillie, originaire de Virginie et des Carolines.

Au cours du XVIIIe siècle, jusqu’à la Révolution américaine, le principal style architectural (ou plus exactement «les styles») utilisé dans les colonies anglaises d’Amérique était appelé géorgien, en l’honneur des trois monarques anglais George I, II et III. L’architecture géorgienne américaine comprenait trois styles distincts :
❶ baroque idiome de Sir Christopher Wren (1632-1723) et de ses disciples.
❷ Le style palladien de l’architecture de la Renaissance inventé par le concepteur Andrea Palladio (1508-1580), qui a introduit les caractéristiques d’équilibre et de symétrie qui font la renommée des constructions géorgiennes.
❸ Le style néoclassique - un retour aux principes de l’architecture grecque et romaine - est apparu dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Voir ci-dessous pour plus de détails. Parmi les exemples d’architecture géorgienne en Amérique, on peut citer Independence Hall, Philadelphie (1745), et King’s Chapel, Boston (1750). Cependant, le bâtiment le plus célèbre dans le style géorgien est la Maison Blanche au 1600 Pennsylvania Avenue, Washington, DC. Il s’agit d’un manoir géorgien de style palladien conçu par l’architecte irlando-américain James Hoban (1762-1831), qui s’est inspiré de la Leinster House à Dublin et d’un projet tiré du The Book of Architecture (1728) de James Gibbs.

L’architecture néoclassique en Amérique (c. 1776-1920)

Entre 1776 et 1850, l’architecture néoclassique américaine a connu deux variantes principales :
❶ le style fédéral, et
❷ le style néo-grec . Ces deux styles sont dérivés des principes architecturaux inventés et affinés par les anciennes civilisations grecque et romaine, qui étaient considérées comme les modèles les plus appropriés pour la démocratie naissante des États-Unis. Voir aussi : Art néoclassique .

Le style fédéral du néoclassicisme

Le terme «Architecture de style fédéral» désigne le style classique libre qui s’est épanoui jusqu’en 1815. Il se caractérise par l’ajout de nouveaux éléments antiques - dont des éléments grecs et byzantins - au style géorgien symétrique. Influencé par les découvertes archéologiques de Pompéi et d’Herculanum, ainsi que par l’architecte écossais Robert Adam (1728-1792) et son livre influent «The Architectural Works of Robert and James Adam» (1773), le style fédéral se distingue du style géorgien par l’ajout d’éléments grecs et byzantins, le style fédéral diffère du style géorgien en ce qu’il privilégie moins de pilastres et de colonnes et des surfaces plus simples avec moins de détails, généralement disposés en panneaux, tablettes et frises. Il se caractérise également par des intérieurs clairs avec de grandes fenêtres et une apparence décorative mais sobre. Parmi les architectes américains notables qui ont créé des projets dans le style fédéral, citons Charles Bulfinch (1763-1844) et William Thornton (1759-1828), ainsi que Asher Benjamin (1773-1845), Samuel McIntyre (1757-1811), et Alexander Parris (1780-1852). Exemples d’architecture fédérale en Amérique : Massachusetts State House (1798), Old City Hall (c. 1816-17), et Hamilton Hall (1805), tous deux à Salem, Massachusetts.

Style néo-grec Néoclassicisme

Renaissance L’architecture grecque implique une adhésion plus étroite aux valeurs et aux modèles stylistiques de l’art grec (c. 450-27 av. J.-C.). La généralisation du néoclassicisme dans l’architecture américaine et française a favorisé une association entre néoclassicisme et républicanisme qui a prospéré jusqu’à la chute de Napoléon Bonaparte. Inversement, le renouveau gothique du XIXe siècle peut être interprété comme une réaction monastique ou conservatrice au républicanisme néoclassique.

L’architecture néoclassique de la fin du XIXe siècle est une expression du mouvement de la Renaissance américaine (c. 1880-1918) : sa phase finale est l’architecture Beaux-Arts (1885-1920), et ses derniers projets publics comprennent le Lincoln Memorial (1922), la National Gallery à Washington (1937), et le Roosevelt Memorial du Musée américain d’histoire naturelle (1936).

Thomas Jefferson (1743-1826), troisième président des États-Unis (1801-9), était également un excellent architecte. Parmi ses chefs-d’œuvre architecturaux figure le Virginia State Capitol à Richmond (1785-96). Dans la conception de ce prototype de bâtiment public américain, Jefferson a utilisé des simplifications du néoclassicisme français, remplaçant le style corinthien d’origine par un ordre ionique plus sobre, faisant symboliquement référence à l’esprit des anciennes républiques. Dans ce bâtiment, il a donné une indication claire des signaux architecturaux que la jeune république américaine était censée envoyer.

L’un des projets les plus célèbres de Jefferson est la maison de Monticello (1769-1809), aujourd’hui classée au patrimoine mondial de l’UNESCO. Basé sur le plan de construction central de l’architecte italien de la Renaissance Andrea Palladio (1508-1580), analysé par Jefferson à travers son interprétation des maisons de campagne anglaises, Monticello est un bâtiment monumental et élégant. Son portique blanc classique à quatre colonnes toscanes se détache nettement sur le tissu rouge de la maçonnerie qui constitue l’ensemble du bâtiment. Le dôme surmontant le tambour octogonal pointe vers le cœur du bâtiment, le vaste hall central, éclairé par des fenêtres circulaires. Les références à l’équilibre et à la symétrie, ainsi que les articulations compositionnelles des colonnes, des tympans et des trapèzes, habilement soulignées par l’utilisation des couleurs rouge et blanche, sont devenues des références durables pour le mouvement classique américain.

Benjamin Latrobe (1764-1820), formé en Angleterre auprès de l’architecte pionnier Samuel Pepys Cockerell, fut l’un des principaux représentants du style néo-grec de l’architecture néo-classique et un ardent défenseur de la pureté stylistique. En 1801, il a conçu la Banque de Pennsylvanie à Philadelphie, premier exemple d’architecture néo-grecque aux États-Unis. Il s’agit d’un bâtiment austère inspiré d’un temple grec ionique avec des portiques autour d’un espace central en forme de dôme.

La créativité de Latrobe s’étendait aux moindres détails de ces bâtiments ; en voici un exemple : lorsqu’il représentait des chapiteaux corinthiens, il remplaçait les feuilles d’acanthe classiques par des feuilles de tabac ou de maïs, plus américanisées. En 1803, Jefferson le nomme arpenteur des bâtiments publics des États-Unis et le charge de superviser la construction du Capitole. Son chef-d’œuvre, cependant, est considéré comme sa conception de la basilique de Baltimore (1806-1821), la première cathédrale catholique romaine d’Amérique. Il a également réalisé un certain nombre de maisons, dont : Adena à Chillicothe, Ohio, la Decatur House à Washington, D.C., et la Pope’s Villa à Lexington, Kentucky.

L’un des bâtiments de style néo-grec les plus célèbres est, bien sûr, le Capitole des États-Unis (1792-1827). Ce bâtiment, qui abrite le Congrès - le Sénat et la Chambre des représentants - a été conçu par William Thornton, Benjamin Latrobe et Charles Bulfinch. Inspiré de l’ordre corinthien grec, le style grec le plus orné, avec des colonnes élancées décorées de feuilles d’acanthe et de volutes, son extérieur est entièrement en marbre. Au sommet du dôme, la statue de la Liberté a été érigée en 1863.

Parmi les principaux disciples classiques de Latrobe figurent William Strickland (1788-1854), Robert Mills (1781-1855), Ithiel Towne (1784-1844), Thomas Walter (1804-1887), et Alexander Jackson Davis (1803-1892). Strickland conçoit le Philadelphia Mercantile Exchange (1832-34), doté d’une impressionnante lanterne inspirée du monument chorégraphique de Lysikrates à Athènes, en Grèce. Robert Mills a conçu le Patent Office and Treasury Building (1836-42) à Washington, D.C., et le Washington Monument à Baltimore (1815-29), basé sur une colonne dorique massive, la première structure de ce type en Amérique.

Thomas Walter a travaillé sur le bâtiment du Capitole des États-Unis et a été responsable de l’élégante conception du temple corinthien du Girard College (1833-47). D’innombrables autres bâtiments publics à travers les États-Unis ont continué à être construits sur la base de prototypes gréco-romains jusqu’au XXe siècle. Davis fut l’un des principaux architectes de la maison à temple grec, dont un exemple est la Bowers House (1825-26) à Northampton, Massachusetts.

En 1846, Richard Morris Hunt (1827-1895) - souvent appelé le doyen de l’architecture américaine - devient le premier étudiant américain en architecture à l’École des Beaux-Arts de Paris. Hunt - qui est probablement mieux connu comme le concepteur du piédestal de la Statue de la Liberté (1886) dans le port de New York et de la conception du Metropolitan Museum of Art, New York - a joué un rôle important dans la diffusion de l’architecture des Beaux-Arts en Amérique.

Fortement influencé par l’art de la Renaissance, il s’est spécialisé dans la conception de maisons de luxe pour des clients fortunés tels que les Astor et les Vanderbilt, comme The Breakers, une somptueuse demeure néo-Renaissance construite à Newport en 1892-95 pour Cornelius Vanderbilt II. Il a également conçu le Biltmore Estate (1888-95), un complexe de style Renaissance française situé en Caroline du Nord et inspiré des châteaux de Blois, Chenonceau et Chambord sur la Loire. Hunt est également l’un des fondateurs de l’American Institute of Architects, dont il est élu président en 1888.

Un autre diplômé de l’Université de Paris Henry Hobson Richardson (1838-1886) est connu pour son architecture romane, inspirée de Vaudremer, dont le palais de justice et la prison du comté d’Allegheny (1883-88) sont un exemple. Charles Follen McKim (1847-1909), un autre diplômé de l’école de 1867-70, fonda le très influent cabinet d’architectes McKim, Mead and White, avec William Rutherford Mead (1846-1928) et Stanford White (1853-1906). L’entreprise a produit une série de bâtiments classiques qui rivalisent avec tout ce qui a été vu depuis l’apogée de l’art et de l’ingénierie romains. Parmi les exemples, citons la bibliothèque publique de Boston (1887-95), le Capitole de l’État du Rhode Island (1891-93), l’université Columbia à New York (1894-98), la gare de Pennsylvanie à New York (1902-11), et d’autres projets présentés à l’Exposition universelle de Chicago en 1893.

Architectes néoclassiques américains notables du XXe siècle : John Russell Pope (1874-1937) (concepteur du Jefferson Memorial et de la National Gallery of Art, Washington, D.C.), et Paul Philippe Cret (1876-1945) (concepteur du Hartford County Building, Connecticut).

Bâtiments célèbres du néoclassicisme tardif

Monument de Washington (1884)
L’obélisque, érigé en l’honneur de George Washington, premier président des États-Unis, a été conçu en 1838 par Robert Mills (1781-1855). D’une hauteur de 169 mètres, il a été achevé en 1884 et ouvert au public en 1888.

Lincoln Memorial (1915-1922)
Conçu par Henry Bacon (1866-1924) et construit en marbre et en calcaire blanc, il s’inspire d’un temple grec d’ordre dorique. Les trente-six colonnes devaient représenter les 36 États qui faisaient partie de l’Union au moment de la mort de Lincoln.

Mémorial Jefferson (1934-43)

Conçu par John Russell Pope, Otto R. Eggers, et Daniel P. Higgins, et inspiré par le Panthéon de Rome, le monument a un dôme rond unique, une colonnade circulaire, et un ordre corinthien.

L’Alumni Hall, Union College, Schenectady, conçu en 1858 et achevé en 1875 par Edward Potter (1831-1904), élève d’Upjohn , en est un exemple. Parmi les autres bâtiments, citons La National Academy of Design à New York (1863-65), un bâtiment gothique vénitien plutôt rudimentaire conçu par Peter B. White ; et la chapelle St John’s (1859), plus raffinée, du Episcopal Theological Seminary à Cambridge, Massachusetts, conçue par William Robert Ware et son associé Henry Van Brunt (1832-1903). D’autres représentants «du gothique collégial» sont Richard Morris Hunt, qui a conçu l’architecture de l’école de théologie de Yale (1869), et Russell Sturgis (1836-1909), l’associé de Waite, qui a été l’architecte d’un certain nombre de salles de l’université de Yale entre 1869 et 1985

Les gratte-ciel du vingtième siècle ont fait appel à toute une série d’esthétiques, de conceptions et de matériaux de construction différents. Certains sont reconnus pour leur classicisme, d’autres pour leurs caractéristiques Renaissance. Vers 1920, les architectes ont développé des formes cubiques simples telles que la ziggourat à gradins, qui a été popularisée dans l’art du précisionnisme par Charles Demuth (1883-1935), Charles Scheler (1883-1965) et Georgia O’Keeffe (1887-1986). Parmi les architectes notables du XXe siècle impliqués dans la conception de gratte-ciel américains, on peut citer : Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946), et Robert Venturi (b. 1925), et bien d’autres.

Architecture de frontière (c. 1850s-90s)

Pendant ce temps, l’architecture vernaculaire traditionnelle émergeait dans l’Ouest américain, en partie grâce au Homestead Act de 1862, qui a donné à des millions d’Américains la possibilité de devenir propriétaires de leur maison et a fondamentalement changé le caractère de la colonisation dans les Grandes Plaines et le Sud-Ouest. La loi offrait un modeste homestead «» - généralement 160 acres - gratuit à toute personne qui cultivait la terre pendant au moins 5 ans et y construisait une maison. Cette incitation a favorisé l’émergence de fermes isolées dans le Midwest et l’Ouest, au lieu des villages et des petites villes que l’on trouvait à l’Est et dans la plupart des pays d’Europe.

Les colons et les agriculteurs ont utilisé des matériaux locaux pour construire leurs maisons, notamment du gazon, des rondins, des pavés, des pierres et des briques d’adobe. Ils construisent des cabanes en rondins dans les régions boisées et des maisons en gazon dans les plaines et les prairies dépourvues d’arbres, selon des modèles conventionnels. Plus à l’ouest et au sud-ouest, les colons utilisaient l’argile répandue pour fabriquer des briques d’adobe et des bardeaux.

Avec l’augmentation de la disponibilité du bois traité, les maisons de style ranch sont devenues plus courantes, de même que les constructions de style frontalier telles que l’architecture coloniale de Monterey. Dans l’ensemble, entre 1862 et 1934, environ 1,6 million d’homesteads couvrant 270 000 000 acres ont été accordés en vertu du Homestead Act. Voir aussi Art populaire

Conception non conventionnelle de maisons en bois - Style Queen Anne, qui a évolué à partir du Carpenter Gothic et du Stick-Estlake (voir ci-dessus). Dans les régions californiennes riches en bois, une variété de constructions en bois a été utilisée dans l’architecture domestique de la fin du XIXe siècle, y compris le style Queen Anne, dont l’exemple le plus célèbre est la Carson Mansion dans Old Town Eureka sur la baie de Humboldt, conçue par Samuel et Joseph Cather Newsom.

Sur la côte est, le style Queen Anne a évolué vers l’architecture de style Shingle, caractérisée par une image rustique plus décontractée. Les exemples sont la William Watts Sherman House (1874-75) à Rhode Island et la Mary Fiske Stoughton House (1882-83) à Cambridge, Massachusetts, toutes deux conçues par H.H. Richardson ; et le Casino de Newport (1879-81), conçu par Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Avec l’émergence de Frank Lloyd Wright, Chicago maintient sa réputation de centre créatif de l’architecture américaine. Dès sa naissance, sa mère était certaine qu’il deviendrait «le plus grand architecte américain». Il est devenu l’un des architectes les plus prolifiques et les plus productifs du XXe siècle : à sa mort, à l’âge de quatre-vingt-dix ans, il a laissé derrière lui plus de 400 projets et bâtiments, et, par ses idées et ses créations, il a apporté une contribution décisive à l’orientation de l’architecture en Amérique du Nord et en Europe.

Son nom est étroitement associé au concept « d’architecture organique», qui désigne essentiellement une approche de l’architecture fondée sur la création de relations harmonieuses entre les parties d’un bâtiment, ainsi qu’entre les parties et le tout, qui s’exprime dans des espaces fluides en harmonie avec l’environnement et dans l’utilisation de matériaux naturels.

Au début de sa carrière, Wright travaille sur le thème des prairie houses : des maisons unifamiliales conçues principalement pour l’élite éduquée et fortunée de la banlieue de Chicago. Elles se caractérisent par leurs longs volumes horizontaux ; elles sont le plus souvent construites sur un terrain plat et couvertes de grands toits à faible pente mais en saillie. Ils sont éclairés par des rubans continus de fenêtres.

En 1910, les conceptions de Wright évoluent en réponse à diverses influences, dont l’art japonais, ainsi que les traditions de l’art précolombien, comme en témoignent les maisons-blocs qu’il a construites dans les collines de Los Angeles au cours des années 1920. Par exemple, dans le projet Millard House (1922-23) à Pasadena, il utilise un nouveau système structurel qu’il appelle textile blocks : des blocs de béton décorés de motifs géométriques, reliés entre eux par des attaches en acier. Le climat chaud et sec de la Californie oblige Wright à appliquer des idées différentes de celles qu’il utilisait dans les maisons de la prairie de l’Illinois, et ses projets californiens créent des bâtiments en blocs bien protégés de l’extérieur, avec des patios intérieurs ombragés et des zones d’eau.

Avant de réaliser son chef-d’œuvre d’architecture organique, Fallingwater (1936-37), à Bear Run, en Pennsylvanie, Wright travaille à l’élaboration de modèles urbains, imaginant des alternatives à la métropole américaine traditionnelle, comme Broadacre City, conçue en 1934, basée sur l’idée que chaque famille se verrait attribuer un terrain d’un hectare. De nouveaux archétypes apparaissent dans ses dessins à partir de 1925 environ, dont le cercle et la spirale, qui seront plus tard destinés à figurer dans ses œuvres les plus célèbres de l’après-guerre.

Fallingwater, Bear Run, Pennsylvanie

En 1936, Edgar J. Kaufman, propriétaire d’un grand magasin à Pittsburgh, demande à Wright de construire une maison de vacances sur la vaste propriété familiale en Pennsylvanie. Wright choisit une zone boisée traversée par un ruisseau dont le lit est sillonné de gros rochers de forme irrégulière. Wright décida de placer ce qui allait devenir un chef-d’œuvre de son architecture organique le long du ruisseau, sur un rebord rocheux juste au-dessus de l’eau qui tombait.

L’aspect le plus frappant de cette maison est son étroite intégration au paysage environnant. Les plantes, l’eau et les rochers imprègnent les pièces et font partie intégrante de l’environnement domestique. La maison est constituée de plans horizontaux soutenus par quatre piliers centraux en pierre qui s’étendent dans toutes les directions et se terminent par des terrasses en béton lisse en saillie qui ressemblent à des auges superposées.

Les pièces sont séparées du paysage environnant par des rubans de verre solide. Un escalier en béton armé mène du salon au ruisseau ; un sentier à travers les bois mène par un petit pont à l’entrée de la maison. L’entrée donne directement sur le salon, qui occupe tout le rez-de-chaussée, avec une terrasse donnant directement sur le ruisseau et une autre donnant sur la montagne derrière. Comme toujours dans les intérieurs de Wright, la pièce maîtresse de cet espace est la cheminée. Le sol du salon est constitué de dalles de pierre de forme irrégulière, les murs sont en pierre et le mobilier, conçu par Wright lui-même, est en noyer.

Les chambres à coucher se trouvent au premier étage ; toutes les chambres ont des terrasses orientées dans des directions différentes. Au dernier étage, plus petit que les autres, se trouvent un bureau et une chambre à coucher, tous deux donnant également sur une terrasse.

Le séjour, organisé autour de la cheminée, est le point central de la maison. Grâce aux grandes baies vitrées, l’intérieur est en contact étroit avec la forêt extérieure. La nature est également présente à l’intérieur : sol en pierre, meubles en bois, revêtements muraux en fibres naturelles. Nature et artificialité se confondent dans une construction organique où chaque matériau remplit sa fonction : la pierre pour les supports verticaux, le béton armé pour les plans horizontaux, le verre et le métal, peints en rouge, encadrent les ouvertures. Le projet original de Wright prévoyait que les porte-à-faux en béton, de couleur ocre jaune, soient recouverts de feuilles d’or pour briller au soleil et se refléter dans l’eau.

Parmi les autres projets architecturaux notables de Frank Lloyd Wright datant de l’avant-guerre, citons le S.C. Johnson & ; Son Wax Company Administration Building (1937) à Racine, Wisconsin ; et Taliesin West à Paradise Valley, près de Phoenix, Arizona (commencé en 1938).

Gratte-ciel Art déco (vers 1920-40)

Dans le contexte de l’essor de l’architecture Art déco en Amérique, la période comprise entre la fin de la Première Guerre mondiale et l’effondrement de la Bourse de New York en 1929 a été une période de grand développement de la construction aux États-Unis. Le réseau routier et ferroviaire du pays s’est développé, la périphérie des centres urbains s’est agrandie et les gratte-ciel ont changé la physionomie des grandes villes.

Au cours de ces années, les mouvements d’avant-garde européens utilisent les innovations technologiques et les nouvelles possibilités offertes par les nouveaux matériaux de construction pour trouver des formes adaptées à l’expression de l’esprit du temps ; aux États-Unis, en revanche, l’utilisation des styles historiques est toujours en vogue. En 1922, le Chicago Tribune a organisé un concours pour la conception de son nouveau siège social ; les 263 projets soumis représentaient un large éventail de styles. Le premier prix est attribué à Raymond M. Hood et John Mead Howells pour un bâtiment néogothique à l’ossature de pierre surmontée d’une couronne de flèches.

Mouvement L’Art déco a donné aux gens des images et des objets qui reflétaient leur désir de vitesse, de luxe et de modernité. Son architecture célébrait l’ère des machines et des formes géométriques, ainsi que les nouveaux matériaux et les nouvelles technologies. Le mouvement a atteint son apogée lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925) à Paris, parrainée par le gouvernement français, où le style était connu sous le nom de « Style Moderne «. Il s’est rapidement répandu aux États-Unis, devenant plus moderniste et plus épuré dans les années 1930.

Les constructions de l’Art déco ont été inspirées par un certain nombre d’influences différentes, de l’art abstrait aux ziggourats, ainsi que des mouvements artistiques contemporains, tels que le cubisme français et le futurisme italien . Contrairement aux formes fluides de l’Art nouveau, le design Art déco incorpore des formes géométriques et des structures en gradins. Voici quelques exemples de gratte-ciel célèbres de l’Art déco à New York qui utilisaient des structures en acier revêtues de granit : Chrysler Building (1928-30), conçu par William van Alen (1883-1954) ; Empire State Building (1929-31) (alors le plus haut bâtiment du monde), architectes Shreve, Lamb et Harmon ; McGraw-Hill Building (1929-30), par Raymond Hood ; News Building (1929-30), par Raymond Hood avec John Mead Howells ; Rockefeller Centre (1932-39), architectes Reinhard et Hofmeister, Harrison et McMurray, Hood et Fulihooks .

Architecture moderniste en Amérique (vers 1925-60)

Caractéristique tardive de l’art moderne en général, l’architecture moderniste était une tentative de créer de nouveaux modèles pour «l’homme moderne». Elle rejette tous les styles traditionnels basés sur d’anciens prototypes et propose un nouveau type de conception fonctionnelle qui utilise des matériaux et des techniques de construction modernes pour créer une nouvelle esthétique et un nouveau sens de l’espace.

Contrairement à l’Europe, où le modernisme est apparu au cours de la première décennie du XXe siècle, l’architecture moderniste américaine n’est apparue qu’entre le milieu et la fin des années 1920, car l’Amérique s’appuyait beaucoup plus sur des modèles historiques que l’Europe, où l’art d’avant-garde était beaucoup plus fort. (Voir, par exemple, l’influence de l’ Armory Show du modernisme européen). De plus, étant donné l’importance du développement urbain pour la reprise économique des États-Unis et la croissance de nombreux marchés sur le territoire américain, il n’est pas surprenant que la plupart des projets modernistes des années 1930 comprennent de grands bâtiments commerciaux, en particulier des gratte-ciel. Conformément à sa position anti-historique, l’architecture moderniste privilégie les formes simplifiées et les embellissements essentiels qui reflètent le thème et la structure du bâtiment.

Des architectes importants dans l’histoire et le développement du mouvement moderniste en Amérique ont été un certain nombre de réfugiés d’Europe, tels que Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969) ancien directeur de l’école de design Bauhaus, et Louis Kahn (1901-1974). Parmi les autres modernistes importants, on peut citer Frank Lloyd Wright, Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-1961), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Philip Johnson, I. M. Pei, et Robert Venturi .

Style international

Le style international de l’architecture moderne était un style distinctif (puriste) du modernisme qui a émergé en Europe dans les années 1920. Il tire son nom de l’«Exposition internationale d’architecture moderne «(1932), organisée par l’historien de l’architecture Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) et l’architecte Philip Johnson (1906-2005), qui s’est tenue au Musée d’art moderne (MOMA) de New York. Un livre a été publié en même temps que l’exposition au MOMA. L’objectif de Hitchcock et Johnson était de définir et de promouvoir un style qui incarne l’architecture moderne.

Pour atteindre cet objectif, ils ont examiné minutieusement toutes les structures de l’exposition afin de s’assurer que seuls les projets répondant à certains critères étaient inclus. Presque tous les bâtiments étaient européens, conçus par des auteurs tels que Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelssohn (1887-1953) et Alvar Aalto (1898-1976). Seuls deux bâtiments sont américains : le Film Guild Cinema, New York (1929), conçu par Frederick John Kiesler (1890-1965) ; et la Lovell House, Los Angeles (1929), conçue par Richard Neutra.

Les critères utilisés par Hitchcock et Johnson pour définir leur style archétypal comprenaient les trois règles de conception suivantes :
❶ l’expression du volume plutôt que de la masse ;
❷ l’importance de l’équilibre plutôt que de la symétrie préconçue ; et
❸ le rejet de l’ornementation appliquée. Tous les bâtiments de l’exposition suivaient ces règles de conception et ont donc été présentés au public américain de l’exposition comme des exemples «du style international».

Les matériaux les plus couramment utilisés par les architectes du Style international sont le verre pour la façade, l’acier pour les supports extérieurs et le béton pour les supports intérieurs et les planchers. En outre, les plans d’étage étaient intentionnellement fonctionnels et logiques.

Bien que l’architecture moderniste ne soit jamais devenue très populaire pour les bâtiments résidentiels aux États-Unis - malgré les efforts de Hood, Lescaze, Edward Stone et Neutra dans les années 1930 - elle est rapidement devenue le style dominant pour les gratte-ciel, ainsi que pour les bâtiments institutionnels et commerciaux. (Voir, par exemple, la deuxième école d’architecture de Chicago, dirigée par le brillant Mies van der Rohe, né en Allemagne, l’un des plus grands architectes exerçant en Amérique. Plus tard, il a même supplanté les styles historiques traditionnels dans les écoles et les églises, comme l’église luthérienne Christ d’Eliel Saarinen (1949-50) à Minneapolis. En outre, dans les écoles d’architecture, il a été la seule plate-forme de conception acceptable jusqu’au début des années 1980.

Événements des années 1940 et 1950

La Seconde Guerre mondiale a été l’un des événements les plus déstabilisants du XXe siècle, avec des conséquences importantes dans le domaine de l’architecture. Les conditions qui ont donné naissance à l’architecture moderne n’étaient plus valables et les architectes ont été contraints de chercher de nouvelles solutions, tout en se rappelant l’importance de la révolution architecturale des années 1920.

Cela a surtout touché les célèbres architectes européens, qui ont retravaillé leur langage pour éviter l’imitation stérile, mais sans changer les principes qui avaient mûri dans les années d’avant-guerre et leur position dominante dans l’industrie. Gropius fonde The Architects Collaborative, dont les membres conçoivent le Harvard Graduate Centre moderniste (1949-50), et Mies van der Rohe dirige le département d’architecture de l’Illinois Institute of Technology de Chicago en 1938 et conçoit son nouveau campus. Certes, les réalisations de Gropius aux Etats-Unis, essentiellement des écoles et des maisons individuelles, n’ont pas l’expressivité de ses projets d’avant-guerre en Allemagne, mais Mies van der Rohe a trouvé à Chicago, berceau du gratte-ciel et de la charpente métallique, un terrain propice à son style.

Le modernisme d’entreprise

Sur les rives du lac Michigan, Mies van der Rohe conçoit ses premiers gratte-ciel d’acier et de verre. En collaboration avec Philip Johnson, Mies a conçu l’un des bâtiments les plus influents de l’après-guerre, le Seagram Building de New York (1954-58), un gratte-ciel impressionnant dont la silhouette tranchante de verre et d’acier est devenue un prototype à imiter. Ce bâtiment de trente-huit étages situé sur Park Avenue a été conçu pour Seagram & ; Sons, une multinationale canadienne.

Qualifié de chef-d’œuvre du modernisme d’entreprise, son mur-rideau de bronze et de verre forme une grille dense qui souligne la stricte verticalité du bâtiment. Il est rehaussé par les teintes grises et ambrées des vitres et le travertin vert des colonnes de la base. Le style de Mies van der Rohe - minimalisme simple et utilisation de l’acier et du verre - a été repris par d’autres architectes tels que Philip Johnson, Eero Saarinen et Charles Eames (1907-1978), dont le langage a connu des changements progressifs.

Le Seagram Building incarne l’utilisation de l’architecture moderne par les grandes entreprises et leur recherche de symboles distinctifs de prestige dans la période d’après-guerre. La Connecticut General Life Insurance Company a chargé Skidmore, Owings, and Merrill, l’un des plus grands cabinets d’architectes modernes, de concevoir son nouveau siège à Hartford (1955-57). Lever Brothers avait déjà engagé ce cabinet pour concevoir Lever House (1952), dont l’esplanade en forme de parc, les murs en verre et les minces meneaux en aluminium portaient le nom de Mies van der Rohe.

L’esthétique austère et géométrique du centre technique de General Motors (1948-56) dans le Michigan est un autre bâtiment qui suit les principes de Mies, tout comme le bâtiment du siège de l’ONU (1947-52), conçu par Le Corbusier, Oscar Niemeyer et d’autres. Parmi les autres exemples du modernisme des années 1950, citons la tour de l’Aluminium Company of America à Pittsburgh (1954), conçue par Harrison et Abramowitz ; et l’Inland Steel Building à Chicago (1955-57), conçu par Skidmore, Owings et Merrill. Frank Lloyd Wright fut l’un des rares à rejeter la géométrie rectiligne de ces immeubles de bureaux : voir, par contraste, le design facetté de sa Price Tower (1955) en béton et cuivre, Bartlesville, Oklahoma.

Formalisme décoratif

Au début des années 1950, s’éloignant du « fonctionnalisme» pour se rapprocher du « formalisme», les architectes contemporains s’intéressent de plus en plus aux qualités décoratives des divers matériaux de construction et des systèmes structurels ouverts. En d’autres termes, ils ont commencé à utiliser les attributs formels des bâtiments à des fins décoratives, voire expressives.

Un exemple intéressant de cette nouvelle esthétique est le projet de Frank Lloyd Wright pour le musée Guggenheim de New York (1943-59), un bâtiment organisé autour d’une rampe en spirale qui représente l’emplacement de l’exposition du musée ainsi qu’un élément génératif de sa conception globale. D’autres architectes américains ont également eu recours à une géométrie structurelle curviligne, comme en témoigne le Sports Arena de Raleigh (1952-53), conçu par Matthew Nowicki (1910-1949), où deux arcs paraboliques soutenus par des colonnes et un toit en peau tendue entourent un espace massif dépourvu de supports internes.

Le terminal TWA d’Eero Saarinen à l’aéroport international John F. Kennedy (1956-62) est un autre exemple dynamique de bâtiment monumental de forme unique dont les formes géométriques et les silhouettes reflètent une nouvelle expression formelle, dont le zénith est sans aucun doute l’Opéra de Sydney (1959-73) conçu par Jorn Utzon . Le style formaliste plus discret de Minoru Yamasaki (1912-1986) est illustré par les tours jumelles de 1360 pieds du World Trade Centre, les bâtiments 1 et 2, conçus en 1965-66. Un autre exemple de conception formaliste est le John Hancock Centre (1967-70), conçu par Skidmore, Owings and Merrill, qui a fait de l’édifice une caractéristique des supports en forme de X conçus par Fazlur Khan (1929-1982), sans doute le plus grand concepteur de gratte-ciel du 20e siècle. Cette tendance à l’expressionnisme structurel, au monumentalisme dynamique - appelez cela comme vous voulez - est toujours présente dans l’architecture contemporaine : regardez les formes rectangulaires épurées du Time Warner Centre (2003-7) de SOM à New York.

Un lauréat intéressant de la médaille d’or de l’American Institute of Architects en 1971 est Luis Isidor Kahn (1901-1974), né en Estonie . La carrière de Kahn s’est développée différemment de celle de beaucoup de ceux qui ont été mentionnés ci-dessus. Sa formation s’est déroulée avant que le style international ne prenne racine aux États-Unis. Il étudie à l’Université de Pennsylvanie où il acquiert les éléments de la définition classique, selon la tradition académique de l’Ecole des Beaux-Arts : symétrie, ligne centrale, proportions correctes, hiérarchie des parties.