Architecture américaine: origines, histoire, caractéristiques Automatique traduire

Architecture coloniale (c.1600-1720)

le architecture utilisé par les premiers colons en Amérique du Nord est traditionnellement connu comme architecture coloniale . (Voir également: Art colonial américain .) Cette architecture primitive était aussi diverse que les colons eux-mêmes: espagnol, anglais, écossais-irlandais, néerlandais, allemand, français et suédois. Chaque groupe d’immigrants a apporté avec lui le style et les pratiques de construction de sa mère patrie, en l’adaptant aux conditions de sa nouvelle patrie, comme en témoigne la conception gothique médiévale du nord de l’Europe pour les maisons de village et les granges. Au total, il y avait environ sept conceptions coloniales de base, y compris: (1) l’architecture coloniale espagnole - largement basée sur l’espagnol Architecture baroque – qui fut le premier style à apparaître en Amérique, et s’étendit en Floride, au Nouveau-Mexique, au Texas, en Arizona et en Californie à partir du milieu du XVIe siècle. (2) Architecture coloniale de la Nouvelle-Angleterre , caractérisée par des cadres en chêne et un revêtement en bardeaux, et basée sur des modèles anglais. (3) L’architecture coloniale néerlandaise , qui utilisait davantage de pierre et de briques et reposait sur des prototypes réalisés en Flandre et en Hollande. (4) Coloniale suédoise , vue le long du fleuve Delaware inférieur, à partir de laquelle a été inspirée la conception américaine de la "cabane en rondins", caractérisée par des rondins ronds aux extrémités saillantes. (5) Pennsylvanie coloniale , fondée sur des prototypes anglais, qui se sont rapidement transformés en un style sophistiqué de type géorgien. (6) L’architecture coloniale française , qui a émergé dans les provinces maritimes du Nord au Canada, au Québec et dans la vallée du Saint-Laurent. Les Français ont également introduit le soi-disant style québécois dans leurs colonies de peuplement situées autour des Grands Lacs et du Mississippi. Dans le sud profond, la Louisiane et sa capitale, La Nouvelle-Orléans, ont adopté un autre style architectural français. (7) Colonies méridionales , comprenant généralement des structures en brique avec de grandes cheminées en saillie, qui ont pris naissance dans toute la Virginie et les Carolines.

Architecture géorgienne en Amérique (1700-1770)

Au cours du 18ème siècle, jusqu’à la Révolution américaine, le style architectural de base (ou plus précisément «styles») utilisé dans les colonies anglaises en Amérique était qualifié de géorgien , après les trois monarques anglais George I, II et III. L’architecture géorgienne américaine englobait trois styles distincts: (1) Le langage baroque de Sir Christopher Wren (1632-1723) et ses partisans. (2) Le style palladien de Architecture de la renaissance inventé par le designer Andrea Palladio (1508-80), qui a introduit les caractéristiques équilibrées et symétriques pour lesquelles les dessins géorgiens sont célèbres. (3) Le style néoclassique - un retour aux principes architecturaux grecs et romains – devenu à la mode dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Voir ci-dessous pour plus de détails. Les exemples d’architecture géorgienne en Amérique comprennent: Independence Hall, Philadelphie (1745) et King’s Chapel, Boston (1750). Le bâtiment géorgien le plus célèbre doit cependant être la Maison Blanche au 1600 Pennsylvania Avenue, Washington DC. Ce manoir géorgien de style palladien a été conçu par l’architecte américano-irlandais James Hoban (1762-1831), qui l’a modelée sur le Leinster House de Dublin et sur un dessin du Book of Architecture (1728) de James Gibbs.

Architecture néoclassique en Amérique (c.1776-1920)

Il y avait deux variantes de base de l’Amérique Architecture néoclassique entre 1776 et 1850: (1) le style fédéral et (2) le style néo-grec . Tous deux ont été modelés sur les principes architecturaux inventés et perfectionnés par les anciens grecs et romains. civilisation , qui étaient considérés comme les modèles les plus appropriés pour la démocratie naissante des États-Unis. Voir également: Art néoclassique .

Style fédéral de néoclassicisme

Le terme «architecture de style fédéral» décrit un style classique lâche qui a fleuri jusqu’en 1815. Il se caractérise par l’ajout de nouveaux éléments antiques – comprenant des éléments grecs et byzantins – au style géorgien symétrique. Influencé par les découvertes archéologiques découvertes sur les anciens sites romains de Pompéi et d’Herculanum, ainsi que par l’architecte écossais Robert Adam (1728-1792) et son ouvrage influent, Les œuvres en architecture de Robert et James Adam (1773), se distinguèrent du style géorgien. l’architecture privilégiant moins de pilastres / colonnes et des surfaces plus claires et moins détaillées, généralement disposées dans des panneaux, des tablettes et des frises. Les autres caractéristiques comprennent des intérieurs lumineux avec de grandes fenêtres et un aspect décoratif mais sobre. Notable Architectes américains qui a produit les modèles de style fédéral inclus: Charles Bulfinch (1763-1844) et William Thornton (1759-1828), ainsi que Asher Benjamin (1773-1845), Samuel McIntire (1757-1811) et Alexander Parris (1780-1852). Parmi les exemples d’architecture fédérale en Amérique, on peut citer la Massachusetts State House (1798), le Old Town Hall (1816-1717) et le Hamilton Hall (1805), tous deux situés à Salem, dans le Massachusetts.

Néoclassicisme néo-grec

Revivaliste Architecture grecque impliqué un respect plus étroit des valeurs et des modèles stylistiques de Art grec (450-27 AEC). L’utilisation répandue du néoclassicisme dans l’architecture américaine et française a contribué à une association entre le néoclassicisme et le républicanisme, qui a prospéré jusqu’à la chute de Napoléon Bonaparte. Inversement, le renouveau gothique du XIXe siècle peut être interprété comme une réaction monachiste ou conservatrice au républicanisme néoclassique. L’architecture néoclassique de la fin du XIXe siècle était une expression du mouvement de la Renaissance américaine (vers 1880-1918): sa phase finale était l’ architecture des Beaux-Arts (1885-1920), et ses derniers projets publics comprenaient le Lincoln Memorial (1922), Galerie à Washington DC (1937), et Roosevelt Memorial (1936) du Musée américain d’histoire naturelle.

Thomas Jefferson (1743-1826), le troisième président des États-Unis (1801-1849) était également un excellent architecte. Le Virginia State Capitol de Richmond (1785-1796) fait partie de ses chefs-d’œuvre architecturaux. Dans sa conception de ce prototype du bâtiment public américain, Jefferson a utilisé des simplifications du néoclassicisme français, remplaçant le style corinthien original par un ordre ionique plus sobre, référence symbolique à l’esprit des anciennes républiques. Dans ce bâtiment, il donna une indication claire des signaux architecturaux que la jeune république américaine avait l’intention d’envoyer.

L’une des conceptions les plus célèbres de Jefferson était la maison Monticello (1769-1809), désormais classée au patrimoine mondial de l’UNESCO. Basé sur les bâtiments centraux de l’architecte de la Renaissance italienne Andrea Palladio (1508-80), filtré selon l’interprétation de Jefferson des maisons de campagne anglaises, Monticello est un bâtiment monumental et élégant. Son portique blanc classique à quatre colonnes toscanes se détache nettement du tissu de brique rouge qui compose l’ensemble du bâtiment. Un dôme au sommet d’un tambour octogonal indique le cœur du bâtiment, un vaste hall central éclairé par le haut par des fenêtres circulaires. Les références à l’équilibre et à la symétrie et les articulations composées de colonnes, de tympans et de trabeations habilement soulignées par l’utilisation des couleurs rouge / blanc allaient devenir des termes de référence durables pour le mouvement classique américain.

Benjamin Latrobe (1764-1820), formé en Angleterre par l’architecte novateur Samuel Pepys Cockerell, était l’un des principaux représentants du style néoclassique néo-classique de la renaissance grecque et était un ardent défenseur de la pureté stylistique. En 1801, il conçut la Bank of Pennsylvania à Philadelphie, le premier exemple d’architecture néo-grecque aux États-Unis. C’était un bâtiment austère à l’image d’un temple ionique grec avec des portiques autour d’un espace central en forme de dôme. La créativité de Latrobe s’est étendue aux moindres détails de tels bâtiments; Par exemple, en présentant les chapiteaux corinthiens, il a remplacé les feuilles d’acanthe classiques par des feuilles de tabac ou de maïs plus américaines. En 1803, Jefferson le nomma arpenteur des bâtiments publics des États-Unis, ce qui lui confia la tâche de diriger la construction du capitole des États-Unis. Cependant, le projet de la basilique de Baltimore (1806-1821), la première cathédrale catholique romaine d’Amérique, est considéré comme son chef-d’œuvre. Il a également achevé un certain nombre de maisons, notamment Adena à Chillicothe, dans l’Ohio, la Decatur House à Washington DC et la Pope Villa à Lexington, dans le Kentucky.

L’un des bâtiments de style néo-grec le plus célèbre est bien sûr le Capitole des États-Unis (1792-1827). La maison du Congrès – le Sénat et la Chambre des représentants des États-Unis – a été conçue par William Thornton, Benjamin Latrobe et Charles Bulfinch. Inspiré de l’ordre grec corinthien, le style grec le plus richement orné de fines colonnes décorées de feuilles d’acanthe et de rinceaux, son extérieur est entièrement en marbre. La statue de la liberté a été érigée au sommet de la coupole en 1863.

Parmi les principaux adeptes classiques de Latrobe figurent William Strickland (1788-1854), Robert Mills (1781-1855), Ithiel Town (1784-1844), Thomas Walter (1804-1887) et Alexander Jackson Davis (1803-1892). Strickland a conçu Philadelphia’s Merchants ’Exchange (1832-1834), avec une lanterne impressionnante inspirée du monument choragique de Lysicrates à Athènes, en Grèce. Robert Mills a conçu le Patent Office et le Treasury (1836-1842) à Washington DC, ainsi que le Washington Monument à Baltimore (1815-29), qui repose sur une colonne dorique massive, la première structure de ce type en Amérique. Thomas Walter collabore au bâtiment du Capitole américain et est responsable de la conception élégante du temple corinthien du Girard College (1833-1847). Aux États-Unis, d’innombrables autres bâtiments publics ont continué à être modelés sur des prototypes gréco-romains jusqu’au XXe siècle. Davis était l’un des plus grands architectes de la maison du temple grec, comme en témoigne la maison Bowers (1825-1826) à Northampton, dans le Massachusetts.

En 1846, Richard Morris Hunt (1827-95) – souvent appelé le doyen de l’architecture américaine – est devenu le premier étudiant américain en architecture à la Ecole des Beaux-Arts à Paris. Hunt – qui est probablement mieux connu pour avoir conçu le socle de la Statue de la Liberté (1886) dans le port de New York et pour sa conception du Metropolitan Museum of Art , NYC – a joué un rôle déterminant dans l’introduction de l’architecture des Beaux-Arts en Amérique. Fortement influencé aussi par Art de la Renaissance , il s’est spécialisé dans la conception de maisons luxueuses pour des clients fortunés tels que les Astors et les Vanderbilt, comme The Breakers, un somptueux manoir néo-Renaissance construit à Newport de 1892 à 1895 pour Cornelius Vanderbilt II. Il a également conçu Biltmore Estate (1888-95), un complexe inspiré de la Renaissance française en Caroline du Nord, basé sur les châteaux de la Loire de Blois, Chenonceau et Chambord. Hunt fut également l’un des fondateurs de l’ American Institute of Architects et en fut élu président en 1888.

Un autre diplômé de Paris Henry Hobson Richardson (1838-86) a été noté pour son Architecture romane inspiré par Vaudremer, comme l’illustre le palais de justice et la prison du comté d’Allegheny (1883-1888). Charles Follen McKim (1847-1909), autre diplômé de l’Ecole de 1867-70, fonda le cabinet d’architectes très influent McKim, Mead et White, aux côtés de William Rutherford Mead (1846-1928) et de Stanford White (1853-1906). La firme produisit un flot de bâtiments classiques pour rivaliser avec tout ce qui avait été vu depuis l’apogée de la Art romain et ingénierie. Les exemples incluent la Bibliothèque publique de Boston (1887-95), le Capitole de l’État de Rhode Island (1891-93), l’Université Columbia de New York (1894-98) et la Pennsylvania Station de New York (1902-11), ainsi que comme d’autres conceptions présentées à l’exposition colombienne du monde à Chicago en 1893.

John Russell Pope (1874-1937) (conçu par Jefferson Memorial, et ses célèbres architectes néoclassiques américains du XXe siècle) Galerie nationale d’art, Washington, DC ), et Paul Philippe Cret (1876-1945) (conçu le Hartford County Building, Connecticut).

Bâtiments néoclassiques tardifs célèbres

Le monument de Washington (1884)
Obélisque érigé en l’honneur de George Washington, premier président de l’Amérique, il a été conçu en 1838 par Robert Mills (1781-1855). D’une hauteur d’environ 169 mètres, il a été achevé en 1884 et ouvert au public en 1888.

Le mémorial de Lincoln (1915-1922)
Conçu par Henry Bacon (1866-1924) et construit en marbre et en calcaire blanc, il est modelé sur un temple grec de l’ordre dorique. Les trente-six colonnes étaient destinées à représenter les 36 États de l’Union au moment de la mort de Lincoln.

Jefferson Memorial (1934-1943)
Conçu par John Russell Pope , Otto R. Eggers et Daniel P. Higgins et inspiré par le Panthéon de Rome, le monument présente un dôme rond unique, une colonnade circulaire et un ordre corinthien.

Architecture néo-gothique en Amérique (vers 1800-1900)

En partie une réponse conservatrice au néo-classicisme, le renouveau gothique aux États-Unis n’était pas le résultat de convictions artistiques, romantiques ou rationalistes profondément ressenties et, du fait d’une connaissance directe du style, il était appliqué de manière quelque peu incohérente. Basé sur les principes du moyen âge architecture gothique (1150-1375), le premier enregistré style gothique bâtiment en Amérique – un manoir appelé Sedgeley – a été construit en 1798 par l’architecte néoclassique Benjamin Latrobe à la périphérie de Philadelphie. Parmi les autres bâtiments de style néo-gothique conçus par Latrobe figurent la Bank of Philadelphia (1807-1880) et Christ Church (1808), à Washington DC. Le style a également été utilisé à l’occasion par d’autres néoclassiciens, notamment William Strickland (Masonic Hall, Philadelphie, 1809-11) et Charles Bulfinch (Federal Street Church, Boston, 1809). La première église de style néo-gothique est le séminaire Sainte-Marie de Baltimore (1807), dont le concepteur est l’architecte français Maximilien Godefroy . Cependant, ce n’est que dans les années 1830, lorsqu’une série d’églises simples en granit ont été construites à travers Boston (première église épiscopale méthodiste à Temple Street), que nous avons constaté les signes d’un mouvement tangible néo-gothique. Comparez ces bâtiments ecclésistiques avec la série d’églises en bois de style gothique finement sculptées (Saint-Pierre de Waterford), érigées à peu près au même moment en Pennsylvanie. (Voir également: Art gothique et Sculpture Gothique .)

L’architecte novateur de la prochaine phase du néo-gothique fut Richard Upjohn (1802-78), connu pour son architecture d’église en grès rouge, inspirée des formes européennes du XVIe siècle. L’église de la Trinité (1839-1846), à New York, est son premier grand succès. Elle est suivie de nombreuses autres églises, dont les extérieurs sans intérêt sont plus que compensés par les magnifiques arcades en bois et leurs structures intérieures. Voir, par exemple, la première église paroissiale (1845-1846) à Brunswick, dans le Maine.

Gothique de charpentier

La tradition du bois (communément appelée « gothique du charpentier ») s’appliquait également à la construction de maisons et de chalets en bois, finissant par remplacer le style colonial non décoré des habitations en bois domestiques. En effet, ce type d’ architecture domestique était l’occupation principale du renouveau gothique au milieu du XIXe siècle. Les développements incluent le premier manoir de plantation de style gothique (Belmead, comté de Powhatan, Virginie, 1845), conçu par Alexander Jackson Davis , ainsi que les conceptions gothiques et chalets de cette dernière. Pendant ce temps, le critique d’architecture et théoricien Andrew Jackson Downing (1815-1862), ami de Davis, préconisait un retour aux détails médiévaux: sa version préférée du style néo-gothique utilisée vitrail fenêtres à ogives, pignons, tours d’embrasure, gargouilles et toits à forte pente. En 1841, il publia son ouvrage fondateur " Un traité sur la théorie et la pratique de l’aménagement paysager adapté à l’Amérique du Nord ", qui contenait une longue section sur l’architecture rurale. Ceci, avec " The Architecture of Country Houses " (1850) et ses essais dans " The Horticulturalist " qu’il a édité depuis sa création en 1846, a établi Downing comme l’arbitre du bon design, au moins jusqu’à sa mort prématurée dans une explosion de bateau à vapeur.

Le style gothique charpentier du milieu du XIXe siècle a conduit au « style bâton » de l’architecture en bois , reposant sur des treillis en bois. L’architecture "Stick Style" est marquée par une simple mise en page simple. Les bâtiments ont de hauts toits avec des pentes abruptes et des pignons décorés. Il était souvent utilisé dans la construction de gares et d’écoles, ainsi que dans des résidences privées. Les variantes les plus décoratives du "Stick Style" sont souvent appelées Eastlake . La maison de John N. Griswold à Newport, dans le Rhode Island (1862), conçue par Richard Morris Hunt, est un exemple de modèle «Stick Style». La conception a décliné à partir d’environ 1873, avant de devenir le style Queen Anne dans les années 1890. Le style Queen Anne avait plusieurs traits communs avec le «style bâton», tels que les plans de toit qui se chevauchent, les porches enveloppants et les pics décoratifs de pignons. Voir ci-dessous pour plus de détails.

Renaissance gothique tardive (à partir de 1860)

Influencé par tôt Architecture victorienne , une période plus sérieuse du mouvement néo-gothique a commencé en 1860, à la suite de la construction de la cathédrale catholique de St. Patrick à New York (1858-1888) par James Renwick (1818-1895), à l’origine du controversé projet néo-normand de la Smithsonian Institution à Washington DC (1848). La conception de la rue Patrick était une fusion merveilleuse d’éléments de la cathédrale de Notre Dame à Reims (France) et cathédrale de Cologne (Allemagne), et a été construit avec des matériaux plus légers que la pierre permettant de passer des arcs-boutants aux arcs-boutants extérieurs. Cependant, la préférence de Renwick pour les prototypes Continental (voir par exemple les restaurations de l’architecte français Viollet-le-Duc ) contrastait nettement avec de nombreux autres architectes de l’époque, qui utilisaient des modèles anglais en conjonction avec les recommandations de l’éminent critique d’art John Ruskin (1819-1900). Un exemple de ce dernier est le Hall des anciens étudiants, Union College, Schenectady, conçu en 1858 et achevé en 1875 par Edward Potter (1831-1904), élève d’Upjohn. Parmi les autres, citons: la National Academy of Design, NYC (1863-1865), un bâtiment gothique vénitien plutôt brutal conçu par Peter B. Wight ; et la chapelle St. John’s (1859), plus raffinée, au séminaire théologique épiscopal de Cambridge, dans le Massachusetts, conçue par William Robert Ware et son partenaire, Henry Van Brunt (1832-1903). Richard Morris Hunt, qui a réalisé les travaux de conception architecturale de la Yale Divinity School (1869), et Russell Sturgis (1836-1909), partenaire de Wight, fut également l’architecte de plusieurs salles de l’Université de Yale. au cours de la période 1869-1885. John H. Sturgis (1834-1888) et Charles Brigham (1841-1925), autres concepteurs de bâtiments de cette période particulière de l’architecture néo-gothique, sont Musée des Beaux-Arts, Boston (1876); Frank Furness (1839-1912), connu pour ses motifs gothiques à l’Académie des beaux-arts de Pennsylvanie (1872-76) et à la Provident Institution (1879), tous deux situés à Philadelphie; HH Richardson (1838-86), qui utilisa des motifs romans pour fonder son style personnel distinctif de gothique: voir, par exemple, Brattle Square Church, Boston (1870-1872) et Trinity Church sur Copley Square, Boston (environ 1872). -77).

Comme pour le néoclassicisme, le mouvement néo-gothique a perduré jusqu’au XXe siècle, grâce à des designers tels que Ralph Adams Cram (1863-1942) et ses partenaires, Bertram G. Goodhue (1869-1924) et Frank W. comme étant particulièrement approprié pour les bâtiments des collèges et universités. Le Graduate College (1913) et la chapelle de l’Université (1929) à Princeton en sont des exemples. Le néo-gothique s’est même étendu aux gratte-ciel, tels que le Woolworth Building à New York (1910-13) conçu par Cass Gilbert (1859-1934).

Architecture du second empire (c.1855-80)

Ce style a coïncidé avec l’empire de l’empereur français Napoléon III et a été adopté avec enthousiasme en Amérique, notamment pour les bâtiments publics, les institutions – comme les hôpitaux et les asiles – et les maisons privées. La caractéristique la plus évidente de la conception du Second Empire est le toit en mansarde - du nom de François Mansart (sic) (1598-1666) – une des caractéristiques architecturales du règne de Louis XIV, qui était revenu à la mode à Paris au milieu du XIXe siècle. L’architecture du Second Empire était également caractérisée par des lucarnes, des tours carrées et des colonnes jumelées pour améliorer la hauteur. Les bâtiments célèbres du Second Empire en Amérique comprennent: le Old City Hall, Boston (1862-65), de Gridley James Fox Bryant et Arthur Gilman (1821-82); le Old Executive Office Building à Washington DC (1871-1888) et le Old Post Office à Saint-Louis dans le Missouri (1873-1884), tous deux de Alfred B Mullet (1834-1890); et Philadelphia City Hall (1871-1901), de John McArthur Jr (1823-1890).

Gratte-ciel: l’école de Chicago (1870-1920)

En 1871, au cours de l’un des pires désastres de l’histoire des États-Unis, la ville de Chicago – alors construite presque exclusivement en bois – fut presque entièrement détruite par un grand incendie. La reconstruction de la ville en pierre et en acier a marqué un tournant révolutionnaire dans l’histoire de l’architecture: en particulier dans la construction de gratte - ciel . Voir: Architecture de gratte-ciel (1850-présent).

En fait, le haut immeuble de bureaux avait déjà été rendu nécessaire en Amérique par la forte densité de banques, de bureaux, de terminaux ferroviaires et d’entrepôts situés dans de petites sections de villes en croissance. Et après l’invention de l’ ascenseur de sécurité par Elisha Otis en 1853, la seule solution envisageable pour maximiser les revenus et les loyers était de repousser les cieux. En outre, ces bâtiments offriraient aux entreprises une proximité réciproque pour accélérer les communications, ainsi qu’un emblème commercial prestigieux visible. Les premiers «gratte-ciel» ont été conçus par des architectes traditionalistes et constituaient un défi de taille pour les méthodes habituelles de construction en maçonnerie.

le École d’architecture de Chicago fait référence aux innovations élaborées par les architectes et ingénieurs impliqués dans la reconstruction de la ville. Ils se heurtaient à certains problèmes très spécifiques: l’insertion de nouveaux bâtiments dans ce qui restait du tissu urbain; la conception de structures qui seraient fiables sur le plan technologique et résistantes au feu; et la conception de formes adaptées aux fonctions des nouveaux bâtiments, la plupart d’entre elles destinées à l’utilisation des industries de services.

Parmi ces architectes figuraient le parc et l’urbaniste William Le Baron Jenney (1832-1907), qui avait étudié à l’école scientifique de Harvard et à l’ École des beaux-arts de Paris. Il a proposé un nouveau bâtiment à plusieurs étages – le gratte-ciel – dans lequel la hauteur verticale, rendue possible par l’invention de l’ascenseur, augmentait de façon exponentielle l’utilisation du lot de construction. La structure a été rendue techniquement possible grâce à l’utilisation d’une ossature métallique. Par exemple, pour le bâtiment de la Home Insurance Company (1884-1885), Jenney a conçu un squelette en métal composé de colonnes en fonte enveloppées dans de la maçonnerie et de poutres en fer forgé, portant les murs et les fenêtres en maçonnerie à chaque étage. [Remarque: comparez l’utilisation du fer forgé par Jenney avec celle utilisée dans la conception du tour Eiffel (1887-89) de Gustave Eiffel 1832-1923.] Son élève Daniel Hudson Burnham (1846-1912) élabore un langage expressif pour explorer de nouvelles possibilités dans la conception et la composition des grandes surfaces des façades des bâtiments commerciaux, catégorie comprenant les immeubles de bureaux, le siège de la société, grands magasins et autres grandes structures similaires. Bientôt, de nombreux architectes ont activement participé à la recherche d’un modèle de construction adapté à l’évolution du bâtiment commercial de grande taille. Dankmar Adler (1844-1900) et Louis Sullivan (1856-1924) comptent parmi les membres les plus importants de l’école de Chicago. en douze ans d’activité, ils ont construit de nombreux bâtiments dans lesquels les exigences techniques, constructives et typologiques étaient associées aux efforts constants d’élaboration d’éléments décoratifs et structurels dans un nouveau langage.

Les progrès des technologies industrielles et l’utilisation de charpentes en acier ont permis à Sullivan de réaliser les premiers gratte-ciel dans lesquels le squelette de soutien était laissé visible; même ainsi, il n’a pas éliminé les décorations, qu’il utilisait pour souligner les éléments de support verticaux, les entrées et le contour des étages inférieurs de ces bâtiments autrement épargnés et rationnels. Voir, par exemple, le grand magasin Schlesinger & Mayer conçu par Sullivan, Chicago, (1899-1904). Sullivan a également mis au point une méthode de conception des gratte-ciel en les divisant en trois zones fonctionnelles: la vaste zone d’accès au rez-de-chaussée, le grenier situé au-dessus du bâtiment et le puits entre eux, avec un nombre indéterminé d’étages. Ses bâtiments énoncent clairement les principes qui devaient révolutionner l’architecture, et pas seulement l’architecture américaine, au cours du 20ème siècle. Ses conceptions de bâtiments les plus célèbres comprennent celles pour: le Guaranty Building, Buffalo, New York (1895); l’immeuble Wainwright à St Louis (1890-1891); le Auditorium Building, Chicago (1885-1989); et d’autres.

Les gratte-ciel du vingtième siècle ont employé toute une gamme de esthétique , dessins et matériaux de construction. Certains ont pris de l’importance à travers leur classicisme; d’autres à cause de leurs traits de la Renaissance. Vers 1920, les architectes développèrent des formes cubiques simples, telles que la conception en escalier de ziggourat , qui fut popularisée à l’époque. Art de précision de Charles Demuth (1883-1935), Charles Sheeler (1883-1965) et Georgia O’Keeffe (1887-1986). Parmi les architectes célèbres du XXe siècle impliqués dans la conception des gratte-ciel américains, citons: Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946) et Robert Venturi (né en 1925), pour n’en nommer que quelques-uns.

Architecture de frontière (c.1850-90s)

Entre temps, l’ architecture vernaculaire locale faisait son apparition dans l’Ouest américain, en partie à cause du Homestead Act de 1862, qui donnait à des millions d’Américains la possibilité de posséder leur propre maison et modifiait fondamentalement le caractère des modèles de peuplement dans les Grandes Plaines et le Sud-Ouest. La loi offrait gratuitement un modeste "homestead" – généralement 160 acres – à toute personne qui cultivait le terrain depuis au moins 5 ans et construisait une résidence sur la propriété. Cette incitation a permis de créer un ensemble de fermes isolées dans le Midwest et l’ouest, au lieu des villages et des petites villes de l’est et de la majeure partie de l’Europe. Les colons et les agriculteurs ont utilisé des matériaux locaux pour construire leurs maisons, notamment du gazon, des rondins, des galets, des pierres et des briques d’adobe. Utilisant des conceptions vernaculaires, ils construisirent des cabanes en rondins dans des zones boisées et des pavillons dans les plaines et les prairies sans arbres. Plus à l’ouest et au sud-ouest, les colons utilisaient de l’argile largement disponible pour fabriquer des briques d’adobe et des tuiles de toit. Avec la plus grande disponibilité de bois blanchi, les habitations de style ranch sont devenues plus courantes, de même que les conceptions à la frontière, telles que l’architecture coloniale de Monterey. Au total, environ 1, 6 million de propriétés familiales occupant 270 000 000 acres ont été allouées en vertu de la loi sur la propriété familiale entre 1862 et 1934. Voir aussi: Art folklorique .

Le style Queen Anne , issu du gothique de Carpenter et du Stick-Eastlake (voir ci-dessus), a été utilisé dans les maisons en bois. Dans les régions riches en bois d’oeuvre de Californie, l’architecture domestique de la fin du XIXe siècle utilisait diverses conceptions en bois, notamment le style Queen Anne, l’exemple le plus célèbre étant le manoir Carson, situé dans la vieille ville d’Eureka dans la baie de Humboldt, conçu par Samuel et Joseph Cather. Newsom. Sur la côte est, la reine Anne a développé une architecture de style shingle , marquée par une image rustique plus décontractée. Les exemples incluent la William Watts Sherman House (1874-1875) à Rhode Island et la Mary Fiske Stoughton House (1882-1883) à Cambridge dans le Massachusetts, toutes deux conçues par HH Richardson ; et le Newport Casino (1879–81), conçu par Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Avec l’émergence de Frank Lloyd Wright , Chicago a maintenu sa réputation de centre créatif de l’architecture américaine. À sa naissance, sa mère était déjà convaincue qu’il deviendrait "le plus grand architecte américain". Il est devenu l’un des architectes les plus fertiles et les plus productifs du XXe siècle: à sa mort, à l’âge de quatre-vingt-dix ans, il a laissé plus de 400 dessins et œuvres construits et, avec ses idées et ses créations, il a contribué de manière décisive à l’orientation prise par l’architecture en Amérique du Nord et Europe.

Son nom est étroitement associé au concept d ’« architecture organique », ce qui signifie essentiellement une approche de l’architecture basée sur la création de relations harmoniques entre les parties d’un bâtiment, et entre les parties et l’ensemble, qui s’exprime dans des espaces fluides en harmonie. avec l’environnement et l’utilisation de matériaux naturels. Au cours des premières années de sa carrière, Wright travailla sur le thème des maisons de prairies : des maisons unifamiliales conçues dans la plupart des cas pour une élite instruite et aisée de la banlieue de Chicago. Ceux-ci sont remarquables pour leurs longs volumes horizontaux; ils sont le plus souvent construits sur un sol plat et sont couverts par de grands toits ne présentant qu’une faible pente, mais qui répondent à ce projet. Ils sont éclairés par des rubans continus de fenêtres.

En 1910, les conceptions de Wright ont changé en réponse à une variété d’influences, y compris Art japonais ainsi que les traditions de art précolombien , comme en témoignent les blockhaus qu’il a construits au cours des années 1920 sur les collines de Los Angeles. Par exemple, dans sa conception de Millard House (1922-1923), Pasadena, il a utilisé un nouveau système constructif qu’il a appelé blocs textiles: blocs de béton décorés de motifs géométriques, reliés entre eux par des attaches en acier. Le climat chaud et sec de la Californie obligeait Wright à appliquer des idées différentes de celles qu’il avait utilisées dans les prairies de l’Illinois. Ses conceptions californiennes créent des bâtiments en blocs bien protégés de l’extérieur, avec des patios et des zones d’eau ombragés.

Avant de réaliser son chef-d’oeuvre d’architecture organique, Fallingwater (1936-1937), à Bear Run, en Pennsylvanie, Wright travailla à l’élaboration de modèles urbains, présentant des alternatives à la métropole américaine traditionnelle, telle que Broadacre City, conçue en 1934, basée sur la idée que chaque famille recevrait un lopin de terre d’un acre. De nouveaux archétypes ont commencé à apparaître dans ses dessins vers 1925, notamment le cercle et la spirale, destinés ensuite à figurer dans ses œuvres les plus célèbres de l’après-guerre.

Fallingwater, Bear Run, Pennsylvanie

En 1936, Edgar J. Kaufmann, propriétaire d’un grand magasin à Pittsburgh, chargea Wright de construire une maison de vacances dans l’immense patrimoine de sa famille en Pennsylvanie. Wright choisit un site boisé traversé par un ruisseau, dont le tracé recouvre la forme irrégulière de gros rochers. Wright décida de placer ce qui allait devenir le chef-d’œuvre de son architecture organique le long du ruisseau, sur un rebord rocheux directement au-dessus de la chute d’eau.

L’aspect le plus frappant de cette maison est son intégration étroite avec le paysage environnant. Les plantes, l’eau et les roches pénètrent dans les pièces et font partie du décor domestique. La maison est composée de plans horizontaux, soutenus par quatre piliers de pierre centraux, qui s’étendent dans toutes les directions, se terminant par des terrasses en béton lisses qui ressemblent à des plateaux qui se chevauchent. Les chambres sont séparées du paysage environnant par des rubans de verre continus. Un escalier en béton armé mène du salon au ruisseau; un sentier à travers les bois mène à un petit pont jusqu’à l’entrée de la maison. L’entrée donne directement sur le salon, qui occupe tout l’étage principal, avec une terrasse située directement au-dessus du ruisseau et une autre face à la montagne. Comme dans les intérieurs de Wright, le foyer est au centre de cet espace. Le sol du salon est composé de dalles de pierre de forme irrégulière, les murs sont habillés de pierre, le mobilier, conçu par Wright lui-même, est en noyer.

Les chambres sont au deuxième étage. toutes les chambres ont des terrasses faisant face à des directions différentes. Le dernier étage, plus petit que les autres, est un bureau et une chambre à coucher donnant tous deux sur une terrasse.

Le salon, disposé autour de la cheminée, constitue le point central de la maison. De grandes étendues de verre mettent l’intérieur en contact étroit avec la forêt extérieure. La nature est également présente à l’intérieur, dans les sols en pierre, les meubles en bois, les revêtements muraux en fibres naturelles. Nature et artifice se fondent dans une construction organique, chaque matériau remplissant une fonction: pierre pour supports verticaux, béton armé pour plans horizontaux, verre et métal, peints en rouge, encadrant les ouvertures. La conception originale de Wright prévoyait que les surplombs de béton peints en ocre jaune soient habillés de feuilles d’or afin de pouvoir briller au soleil et se refléter dans l’eau.

Parmi les autres projets architecturaux célèbres de Frank Lloyd Wright datant d’avant-guerre, citons ceux qui concernent: le bâtiment administratif des fabricants de cire SC Johnson & Son (1937) à Racine, Wisconsin; et Taliesin West à Paradise Valley, près de Phoenix, en Arizona (commencé en 1938).

Gratte-ciel Art Déco (c.1920-40)

Pour illustrer la croissance de l’ architecture Art Déco en Amérique, la période comprise entre la fin de la Première Guerre mondiale et l’effondrement de la Bourse de New York en 1929 a été une période de grand développement immobilier aux États-Unis. Le réseau routier et les lignes de chemin de fer de la nation ont été étendus, les zones périphériques des centres urbains se sont développées et les gratte-ciel se sont levés pour changer les horizons des grandes villes. Au cours de ces années, les mouvements européens d’avant-garde ont utilisé les innovations technologiques et les nouvelles possibilités offertes par les nouveaux matériaux de construction dans la recherche de formes appropriées pour exprimer l’esprit du temps; aux États-Unis, cependant, l’utilisation de styles historiques était encore très en vogue. En 1922, le Chicago Tribune organisa un concours pour la conception de son nouveau siège. les 263 dessins soumis en réponse présentaient un large éventail de styles. Le premier prix a été attribué à Raymond M. Hood et John Mead Howells pour un bâtiment de style néo-gothique avec une structure en pierre de taille et surmontée d’une couronne de flèches.

le Le mouvement Art déco donnait aux gens des images et des objets reflétant leur désir de vitesse, de luxe et de modernité. Son architecture exaltait l’âge de la machine et ses formes géométriques, ainsi que les nouveaux matériaux et technologies. Le point fort du mouvement était l’ Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (1925), parrainée par le gouvernement français, à Paris, où le style était connu sous le nom de " Style moderne ". Il s’est rapidement répandu aux États-Unis, s’est modernisé et rationalisé au cours des années trente.

La conception des bâtiments Art Déco s’inspire de différentes influences, allant de art abstrait aux ziggourats, ainsi que mouvements d’art moderne comme le français Cubisme et italien Futurisme . Contrairement aux formes liquides antérieures de Art Nouveau , Art Déco conception formes géométriques et structures en gradins incorporées. Parmi les exemples de célèbres gratte-ciel Art Déco à New York, qui utilisaient des structures en acier revêtues de granit, on peut citer: le Chrysler Building (1928-30), conçu par William van Alen (1883-1954); l’Empire State Building (1929-1931) [alors le plus haut bâtiment du monde], par les architectes Shreve, Lamb & Harmon ; Édifice McGraw-Hill (1929-1930), par Raymond Hood ; le News Building (1929-1930), de Raymond Hood avec John Mead Howells ; Rockefeller Center (1932-1939), par les architectes Reinhard & Hofmeister , Harrison & Macmurray , Hood & Foulihoux .

Architecture moderniste en Amérique (c.1925-60)

Une caractéristique tardive de art moderne en général, l’ architecture moderniste était la tentative de créer de nouveaux dessins pour «l’homme moderne». Il a rejeté tous les styles traditionnels basés sur des prototypes plus anciens et a proposé un nouveau type de design fonctionnel utilisant des matériaux et des techniques de construction modernes, afin de créer une nouvelle esthétique et une nouvelle sensation d’espace. Contrairement à l’Europe, où le modernisme est apparu au cours de la première décennie du XXe siècle, l’architecture américaine moderniste n’est apparue qu’au milieu ou à la fin des années 1920, car l’Amérique reposait beaucoup plus sur des modèles historiques que l’Europe, dont art d’avant-garde le mouvement était tout à fait plus fort. (Voir, par exemple, l’impact de la Spectacle d’arsenal du modernisme européen.) En outre, compte tenu de l’importance du développement urbain dans la reprise économique des États-Unis et de la croissance de nombreux marchés en Amérique, il n’est pas surprenant que la plupart des développements modernistes au cours des années 1930 aient impliqué de grands bâtiments commerciaux, notamment des gratte-ciel. Fidèle à son attitude anti-historique, l’architecture moderniste privilégiait les formes simplifiées et uniquement le type d’ornementation essentielle reflétant le thème et la structure du bâtiment. Parmi les architectes importants de l’histoire et du développement du mouvement moderniste en Amérique, il y avait un certain nombre de réfugiés d’Europe, tels que Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969), ancien directeur de la Bauhaus Design School , et Louis Kahn (1901-194). Parmi les autres modernistes importants: Frank Lloyd Wright , Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-61), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975), Philip. Johnson , IMPei et Robert Venturi .

Style international

le Le style international de l’architecture moderne était un style particulier (puriste) du modernisme apparu en Europe dans les années vingt. Il tire son nom de " l’Exposition internationale d’architecture moderne " (1932), organisée par l’historien de l’architecture Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) et l’architecte Philip Johnson (1906-2005), qui s’est tenue à la Musée d’Art Moderne (MOMA) à New York. Un livre a été publié simultanément avec l’exposition MOMA. Hitchcock et Johnson avaient pour objectif d’identifier et de promouvoir un style qui résume l’architecture moderne. Pour ce faire, ils ont soigneusement examiné toutes les structures présentées dans l’exposition afin de s’assurer que seuls les motifs répondant à certains critères sont inclus. Presque tous étaient des bâtiments européens, conçus par Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelsohn (1887-1953) et Alvar Aalto (1898-1976). Il ne reste que deux bâtiments américains: le Film Guild Cinema, à New York (1929), conçu par Frederick John Kiesler (1890-1965); et Lovell House, LA (1929), de Richard Neutra .

Les critères utilisés par Hitchcock et Johnson pour identifier leur style archétypal comprenaient les trois règles de conception suivantes: (1) l’expression du volume plutôt que de la masse; (2) l’importance de l’équilibre plutôt que de la symétrie préconçue; (3) l’élimination de l’ornement appliqué. Tous les bâtiments de l’exposition ont respecté ces règles de conception et ont donc été présentés au public américain de l’exposition à titre d’exemple du "Style international".

Les matériaux les plus couramment utilisés par les architectes de style international étaient le verre pour la façade, l’acier pour le support extérieur et le béton pour les supports intérieurs et les sols. De plus, les plans d’étage étaient délibérément fonctionnels et logiques.

Bien que l’architecture moderniste ne soit jamais devenue très populaire pour les bâtiments résidentiels unifamiliaux aux États-Unis – malgré les efforts déployés par Hood, Lescaze, Edward Stone et Neutra dans les années 1930 -, elle est rapidement devenue le style dominant pour les gratte - ciel , ainsi que pour les bâtiments institutionnels et commerciaux. (Voir, par exemple, la deuxième école d’architecture de Chicago , dirigée par le brillant né en Allemagne Mies van der Rohe , l’un des plus grands architectes à pratiquer en Amérique. Plus tard, il a même supplanté les styles historiques traditionnels dans les écoles et les églises; voir, par exemple, la Christ Lutheran Church (1949-1950) d’Eliel Saarinen à Minneapolis. De plus, dans les écoles d’architecture, c’était la seule plate-forme de conception acceptable jusqu’au début des années 1980.

Développements au cours des années 1940 et 1950

La Seconde Guerre mondiale a été l’un des événements les plus déstabilisateurs du XXe siècle, avec des conséquences importantes également dans le domaine de l’architecture. Les conditions qui avaient provoqué la naissance de l’architecture moderne avaient perdu de leur force et les architectes se sont vus contraints de chercher de nouvelles solutions tout en tenant compte de l’importance de la révolution architecturale des années vingt. Cela concernait surtout les célèbres architectes européens, qui retravaillèrent leur langage pour éviter les imitations stériles, sans toutefois trahir les principes qu’ils avaient mûris avant la guerre ni leur statut prééminent dans l’industrie. Gropius a fondé The Architects Collaborative , dont les membres ont conçu le modernist Harvard Graduate Centre (1949-1950), tandis que Mies van der Rohe est devenu chef du département d’architecture de l’Illinois Institute of Technology à Chicago en 1938 et a conçu son nouveau campus. Certes, les œuvres dont Gropius était responsable aux États-Unis, principalement des écoles et des maisons unifamiliales, ne partagent pas l’intensité expressive de ses conceptions d’avant-guerre en Allemagne, mais Mies van der Rohe a découvert Chicago – le berceau du gratte-ciel et du cadre en acier. – très sympathique à son style.

Modernisme d’entreprise

Sur les rives du lac Michigan, Mies van der Rohe a conçu ses premiers gratte-ciel en acier et en verre. Avec la collaboration de Philip Johnson, Mies a conçu l’un des bâtiments les plus influents de l’après-guerre, le Seagram Building (1954-1958) à New York, un impressionnant gratte-ciel dont la silhouette acérée en verre et acier est devenue un prototype hautement imité. Le bâtiment de 38 étages de Park Avenue a été conçu pour la multinationale canadienne Seagram & Sons. Reconnu comme un chef-d’œuvre du modernisme des entreprises, son mur-rideau de bronze et de verre forme une grille dense qui accentue la verticalité extrême du bâtiment. Il est embelli par la teinte gris-ambrée du verre de la fenêtre et par l’habillage de travertin vert des colonnes à la base. Le style simple de Mies van der Rohe minimalisme et l’utilisation de l’acier et du verre a été répétée par d’autres architectes, comme Philip Johnson , Eero Saarinen et Charles Eames (1907-1978), dont le langage a connu des évolutions progressives.

Le Seagram Building incarnait l’utilisation de l’architecture moderne par les grandes entreprises et leur recherche d’emblèmes distinctifs de prestige au cours de l’après-guerre. La Connecticut General Life Insurance Company a chargé Skidmore, Owings et Merrill , l’un des plus grands cabinets d’architectes modernes, de concevoir leur nouveau siège social à Hartford (1955-1957). Lever Brothers avait déjà engagé la firme pour concevoir Lever House (1952), dont la place ressemblant à un parc, ses murs-rideaux de verre et ses minces meneaux en aluminium arboraient le nom de Mies van der Rohe. L’esthétique austère et géométrique du centre technique General Motors (1948-1956) dans le Michigan est un autre bâtiment qui suit les principes de Miesian, tout comme le bâtiment du siège des Nations Unies (1947-1952), conçu par Le Corbusier , Oscar Niemeyer et d’autres. Parmi les autres exemples du modernisme des années 1950, citons: la tour de la société d’aluminium de l’Amérique à Pittsburgh (1954), conçue par Harrison et Abramovitz ; et le Inland Steel Building à Chicago (1955-1957), conçu par Skidmore, Owings et Merrill. Frank Lloyd Wright a été l’un des rares à rejeter la géométrie rectiligne de ces immeubles de bureaux: voir, en revanche, le design à facettes de sa tour de béton et de cuivre Price Tower (1955), Bartlesville, Oklahoma.

Formalisme Décoratif

Au début des années 1950, dans un abandon de « fonctionnalisme » vers « formalisme », les architectes modernes sont devenus de plus en plus intéressés par les qualités décoratives des différents matériaux de construction et les systèmes structurels exposés. En termes simples, ils ont commencé à utiliser les attributs formels des bâtiments à des fins décoratives, voire expressives. Un exemple intéressant de cette nouvelle esthétique est la conception de Frank Lloyd Wright pour le Guggenheim Museum de New York (1943-1959), un bâtiment organisé autour d’une rampe en spirale qui constitue l’agencement de la présentation du musée ainsi que l’élément générateur de sa conception globale.. D’autres architectes américains ont également utilisé la géométrie structurelle curviligne, comme l’illustre le stade sportif de Raleigh (1952-1953).conçu par Matthew Nowicki (1910-1949), où deux arcs paraboliques soutenus par des colonnes et un toit à la peau tendue enserrent un espace immense dépourvu de supports intérieurs. L’aérogare TWA d’Eero Saarinen à l’aéroport international John F. Kennedy (1956-1962) est un autre exemple dynamique de monumental édifice à la forme unique, dont les formes géométriques et les silhouettes reflètent une nouvelle expressivité formelle, dont le zénith est sans aucun doute l’ Opéra de Sydney (1959-1973), conçu par Jorn Utzon . Le style formaliste plus modéré de Minoru Yamasaki (1912-1986) est illustré par ses tours jumelles de 1 360 pieds. du World Trade Center, bâtiments 1 et 2, conçus en 1965-1966. Un autre exemple de décoration formaliste est le John Hancock Centre (1967-1970), conçu par Skidmore, Owings et Merrill, qui caractérise les supports en X du bâtiment, conçus par Fazlur Khan (1929-1982), probablement le plus grand ingénieur concepteur de gratte-ciel du XXe siècle. Cette tendance de l’expressionisme structurel, du monumentalisme dynamique – appelez-la comme vous voulez – reste présente dans l’architecture moderne: découvrez les motifs rectangulaires élégants du Time Warner Center de SOM (2003-2007), à New York.

En 1971, Louis Isidore Kahn (1901-1974), né en Estonie, était un récipiendaire intéressant de la médaille d’or de l’institut américain des architectes. La carrière de Kahn a suivi un parcours différent de nombre de ceux cités ci-dessus. Sa formation avait eu lieu avant que le style international ne prenne racine aux États-Unis. Il a étudié à l’Université de Pennsylvanie, où il a acquis les éléments de la définition classique, conformément à la tradition académique de l’ Ecole des Beaux-Arts : symétries, axité, proportions propres, hiérarchie des pièces. Contact avec l’architecture égyptienne antique , ainsi que les valeurs du design grec et romain, l’ont amené à créer un langage personnel utilisant des matériaux et des technologies modernes pour explorer et présenter des formes géométriques, souvent monumentales, liées à l’histoire. Ses œuvres les plus importantes des années 1950 et 1960 incluent: la galerie d’art de l’université de Yale, New Haven (1951-1953); les laboratoires de recherche médicale Richards de l’Université de Pennsylvanie à Philadelphie (1957-1965); l’Institut d’études biologiques de Salk à La Jolla, en Californie (1959-1965); et le Kimbell Art Museum à Fort Worth (1966-1972), que certains considèrent comme son chef-d’œuvre de ces années.

Architecture postmoderniste (années 1970 à aujourd’hui)

Les années 1960 ont été marquées par le début d’un mécontentement général face aux conséquences de l’ architecture du 20e siècle (notamment) aux États-Unis, où ses lacunes ont été soulignées dans deux publications influentes: La mort et la vie des grandes villes américaines (1961), de Jane Jacobs; et complexité et contradictions en architecture (1966), de Robert Venturi. Tandis que Jacobs critiquait l’utopie sans âme du mouvement moderne, Venturi se plaignit du fait que les structures modernes n’ayant aucune trace d’éléments historiques, elles manquaient également de l’ironie et de la complexité avec lesquelles l’architecture s’enrichissait habituellement.

Une forme d’architecture moderne expérimentale particulièrement impopulaire et sans âme s’appelle Brutalism (du français "beton brut", qui signifie béton brut), terme inventé par les designers britanniques Alison et Peter Smithson pour décrire les structures géométriques en béton, souvent érigées décadence sociale, par des architectes utopiques tels que le Corbusier (1887-1965). L’idée de base de l’architecture brutaliste était d’encourager les modes de vie fonctionnels en éliminant tout ornement et toute autre distraction visuelle. L’idée a échoué. Parmi les exemples tristement célèbres de la conception brutaliste en Amérique du Nord, citons: Yale Art and Architecture Building (1958-1963), conçu par Paul Rudolph (1918-1997); et Habitat ’67, Montréal (1966-1967) de Moshe Safdie .

Qu’est-ce que l’architecture postmoderne?

Jacobs et Venturi ont été les catalyseurs d’une vague d’opposition au modernisme, mais ils n’ont pas inventé le " postmodernisme ". (voir également: Art postmoderniste .) Le terme a été inventé par le théoricien américain Charles Jenks dans son livre Le langage de l’architecture post-moderne (1977), qui décrit les tendances architecturales apparues dans les années 60 en opposition aux préceptes dominants du modernisme rationaliste.

Le fait était que l’architecture moderne avait exclu les formes historiques traditionnelles ainsi que les éléments décoratifs de son répertoire. Le postmodernisme voulait "réhumaniser" l’architecture en utilisant un mélange de styles, comprenant des éléments empruntés aux conceptions classiques et à la culture populaire. Une ironie amusante, de même que des surprises occasionnelles, voire des chocs, ont toujours été un élément essentiel de l’approche postmoderniste de la conception des bâtiments. Après tout, les caractéristiques de base de l’architecture, telles que les colonnes, les arches et le tympan, perdent souvent leur signification originale lorsqu’elles sont utilisées hors contexte, par exemple en tant qu’éléments décoratifs. L’architecture postmoderniste suivait les traces du Pop Art , dont les adhérents – tels que Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-97) et Claes Oldenburg (né en 1929) – rajeunissaient déjà le monde des art contemporain en utilisant des images populaires plus significatives.

Il convient toutefois de noter qu’un grand nombre d’ architectes postmodernistes ont commencé leur carrière de modernistes et que de nombreux aspects du modernisme ont été repris dans le postmodernisme, notamment dans le travail d’architectes tels que Robert Venturi , Michael Graves , Frank O. Gehry et Richard Meier . (Voir aussi: Artistes postmodernistes .)

Histoire de la conception architecturale postmoderne

On estime généralement que le postmodernisme aux États-Unis a commencé en 1972 avec la démolition d’une série de blocs de dalles de 14 étages érigés moins de 20 ans auparavant selon les plans de Minoru Yamasaki dans le cadre du projet immobilier primé Pruitt – Igoe à St. Louis, Missouri (1955). En réalité, il s’agissait d’une structure en béton moderne et austère qui attirait les problèmes. Bien que de nombreux immeubles de logements aient déjà été démolis en Europe, c’est à Saint-Louis que l’ère postmoderniste américaine a commencé.

Dans les années 1970, Robert Venturi et ses partenaires Denise Scott Brown (née en 1931) et John Rauch (né en 1930) ont réintroduit la référence historique, l’esprit et l’humanité dans la conception de nombreux bâtiments, notamment: Vanna Venturi House, Pennsylvanie (1961-1964).) la maison de retraite de la maison de guilde, Philadelphie (1961-1966); la maison Tucker, Katonah, New York (1975); Musée d’art Allen Memorial, Oberlin College (1976); et le Museum of Contemporary Art de San Diego (1996). Michael Graves (né en 1934) – l’un des célèbres " New York Five ", avec Peter Eisenman (né en 1932), Charles Gwathmey (1938-2009), John Hejduk (1929-2000) et Richard Meier (B.1934) – a conçu le Portland Public Service Building dans l’Oregon (1980-1982) et la Humana Tower, à Louisville, Kentucky (1986), qui associent tous deux la masse d’un gratte-ciel ordinaire à des motifs historiques. Semblables à la Piazza d’Italia, à La Nouvelle-Orléans (1975-1980), et au Alumni Center de l’Université de Californie à Irvine (1983-1985), conçus par Charles Moore , ces structures confiantes et optimistes sont conçues pour rassurer le public sur le l’identité n’est plus attaquée par l’architecture moderne anti-historique.

Au cours des années 1970 et 1980, à l’instar du Pop art, plusieurs architectes américains adoptèrent un style populiste comportant parfois des éléments classiques. Parmi eux figuraient Philip Johnson et John Burgee , qui ont conçu le bâtiment AT & T à New York (1978-1984), avec une ligne d’horizon de Chippendale; et Robert Stern <