Définition de l’art: signification, classification des arts visuels Automatique traduire

Après tout, comment comparer des fresques préhistoriques (par exemple l’art rupestre de l’âge de pierre) ou l’art tribal, ou l’art océanique indigène, ou l’art africain primitif, avec les fresques du 16e siècle de Michel-Ange sur les murs et le plafond de la chapelle Sixtine? Les événements politiques sont les facteurs les plus évidents de l’époque qui influencent l’art : par exemple, les styles artistiques tels que l’expressionnisme, Dada et le surréalisme sont le produit de l’incertitude et des bouleversements politiques.

Les différences culturelles constituent également des frontières naturelles. Après tout, l’art occidental du dessin est à des années-lumière de la calligraphie chinoise ; et les formes d’art occidentales ont-elles beaucoup en commun avec l’art du pliage de papier origami au Japon? La religion est une variable culturelle majeure qui modifie la forme de l’art. Le style baroque a été fortement influencé par la Contre-Réforme catholique, et l’art islamique (ou le christianisme orthodoxe, par exemple) interdit certains types d’iconographie artistique.

En d’autres termes, quelle que soit la définition de l’art à laquelle nous parvenons, elle doit être limitée à une époque et à une culture. Même dans ce cas, il faut tenir compte de catégories telles que L’art brut . Voir aussi Primitivisme

Conclusion

Comme il ressort de ce qui précède, le monde de l’art est une entité extrêmement complexe, non seulement du point de vue de ses multiples formes et types, mais aussi du point de vue de ses racines historiques et culturelles. Par conséquent, une définition simple ou même un large consensus sur ce que l’on peut appeler l’art peut s’avérer assez insaisissable.

Histoire de la définition de l’art

Pour un guide des mouvements et des périodes, voir. Voir aussi : Histoire de l’art

Le sens classique de l’art

La définition classique originale - dérivée du mot latin «ars» (signifiant «habileté» ou «artisanat») - est un point de départ utile. - est un point de départ utile. Cette approche large conduit à définir l’art comme «le produit d’un ensemble de connaissances, utilisant le plus souvent un ensemble de compétences». Cela signifie-t-il que les peintres et les sculpteurs de la Renaissance étaient considérés comme de simples artisans hautement qualifiés (décorateurs d’intérieur?)? Il n’est pas surprenant que Léonard de Vinci et Michel-Ange se soient donné beaucoup de mal pour élever le statut des artistes (et, par extension, l’art lui-même) à un niveau intellectuel supérieur.

L’importance de l’art après la Renaissance

L’émergence des grandes académies d’art européennes reflète la modernisation progressive du sujet. De nouvelles branches fondamentales de la philosophie ont également contribué à ce changement d’image. Au milieu du XVIIIe siècle, la simple démonstration d’une compétence technique ne suffisait plus pour être qualifiée d’art - il fallait désormais une composante «esthétique» - il fallait être perçu comme quelque chose de «beau».

Parallèlement, la notion d’«utilitarisme» (fonctionnalité ou utilité) a été utilisée pour distinguer les arts visuels» (l’art pour l’art) plus nobles, tels que la peinture et la sculpture, des formes moins nobles d’«art appliqué», telles que les travaux d’artisanat et de design commercial, et des «arts décoratifs», tels que le design textile et la décoration d’intérieur.

Ainsi, à la fin du 19e siècle, les arts étaient divisés en au moins deux grandes catégories : les beaux-arts et le reste, une situation qui reflétait le snobisme culturel et les normes morales de l’establishment européen. En outre, malgré une certaine érosion de la foi dans les normes esthétiques de l’idéologie de la Renaissance, qui restait une influence forte dans le monde des arts visuels, même la peinture et la sculpture devaient se conformer à certaines règles esthétiques pour être considérées «comme de l’art véritable».

L’importance de l’art au début du 20e siècle

Puis vint le cubisme (1907-14), qui ébranla le système des beaux-arts dans ses fondements. Non seulement parce que Picasso a introduit une branche non naturaliste de la peinture et de la sculpture, mais aussi parce qu’il a brisé l’approche monothéiste de la Renaissance quant à la manière dont l’art se rapportait au monde qui l’entourait. La principale contribution du cubisme a donc été d’être une sorte de catalyseur pour une multitude de nouveaux mouvements qui ont considérablement élargi la théorie et la pratique de l’art, tels que le suprématisme, le constructivisme, Dada, le néo-plasticisme, le surréalisme et le conceptualisme, ainsi que divers styles réalistes tels que le réalisme social et le réalisme socialiste. Dans la pratique, cette prolifération de nouveaux styles et techniques artistiques a conduit à un nouvel élargissement de la signification et de la définition de l’art. En se libérant du carcan «de la Renaissance» et de toutes les règles associées concernant «l’objectivité» (par exemple en ce qui concerne la perspective, les matériaux utiles, le contenu, la composition, etc. Les artistes ont soudain acquis une grande liberté pour créer des peintures et des sculptures selon leur vision et leurs valeurs subjectives. En fait, on pourrait dire qu’à partir de ce moment, l’art «» est devenu «indéfinissable».

Les arts et métiers ont subi une transformation similaire en raison de la disponibilité d’une gamme considérablement élargie de produits commerciaux. Toutefois, la prolifération de disciplines connexes dans le domaine du design et de l’artisanat qui en a résulté a eu peu d’impact sur la définition et la signification des arts dans leur ensemble.

L’importance de l’art après la Seconde Guerre mondiale

Le cataclysme de la Seconde Guerre mondiale a entraîné le déclin de Paris en tant que capitale mondiale de l’art et son remplacement par New York. Cette nouvelle orientation américaine a incité l’art à devenir un produit plus commercial et à affaiblir ses liens avec les traditions esthétiques existantes, une tendance favorisée par l’émergence de l’expressionnisme abstrait, du pop art et des activités d’une nouvelle race d’artistes célèbres tels qu’Andy Warhol. Soudain, même les objets et les concepts les plus banals ont été élevés au rang «d’art». Influencés par cette approche populiste, les conceptuels ont introduit de nouvelles formes d’art telles que l’assemblage, l’installation, la vidéo et la performance. Au fil du temps, les graffitis ont ajouté leur propre «son», tout comme de nombreux styles de réinterprétation tels que le néo-dada, le néo-expressionnisme et le néo-pop, pour n’en citer que trois. Les écoles d’art et les collèges du monde entier ont consciencieusement prêché un nouveau polythéisme, ajoutant de l’huile au feu de joie de la tradition , de l’art de la Renaissance,

et du postmodernisme

Le postmodernisme et le sens de l’art

La redéfinition de l’art au cours des trois dernières décennies du XXe siècle a donné un poids intellectuel supplémentaire aux théoriciens du mouvement postmoderne. Selon les postmodernes, l’accent n’est plus mis sur l’habileté artistique mais sur la signification «» de l’œuvre produite. En outre, la manière dont «l’œuvre» est «perçue» par le public est devenue un élément crucial de sa valeur esthétique. Le succès phénoménal d’artistes contemporains tels que Damien Hirst et Gilbert and George est une confirmation évidente de ce point de vue. Pour en savoir plus sur les artistes expérimentaux, voir : l’art d’avant-garde

Une définition pratique de l’art

A la lumière de ce développement historique de la signification de «l’art», il est peut-être possible de faire une tentative grossière de définition «de travail» du sujet selon les lignes suivantes :

L’art naît lorsqu’un artiste crée un bel objet ou produit une expérience stimulante dont le public estime qu’elle a une valeur artistique.

Il s’agit simplement d’une définition «opérationnelle» : suffisamment large pour couvrir la plupart des formes d’art contemporain, mais suffisamment étroite pour exclure «les événements» dont le contenu «artistique» est en deçà des niveaux acceptés. En outre, il convient de noter que le mot «artiste» est inclus pour tenir compte du contexte de l’œuvre ; le mot «beau» est inclus pour refléter la nécessité d’une certaine «valeur esthétique» ; tandis que la phrase «c’est l’opinion de son public qu’elle a une signification artistique» est incluse pour refléter la nécessité d’une réponse, d’une certaine acceptation de base des efforts de l’artiste.

Théorie et philosophie de l’art : problèmes à discuter

- Si nous apprécions son impact positif, avons-nous besoin de définir l’art?

Depuis des siècles, voire des millénaires, les œuvres d’art suscitent la joie émotionnelle et parfois l’émerveillement : de la sculpture grecque à l’architecture byzantine, des œuvres étonnantes des anciens maîtres de la Renaissance et du Baroque, tels que Donatello, Raphaël et Rembrandt, aux artistes célèbres de l’ère moderne, tels que Van Gogh, Picasso et Rodin. La poésie, le ballet et les films peuvent être tout aussi édifiants. Si l’on ne peut expliquer exactement ce qu’est l’art, on ne peut nier l’impact qu’il a sur nos vies - une des raisons pour lesquelles l’art public vaut la peine d’être soutenu.

- Comment la définition du sens de l’art peut-elle nous aider?

La nature même de la créativité signifie qu’elle ne peut être définie et enfermée dans un cadre. Toute tentative en ce sens devient rapidement obsolète et donc dénuée de sens, voire contre-productive. Que se passe-t-il, par exemple, si un artiste crée quelque chose qui est généralement considéré comme de l’art «», mais qui n’est pas perçu comme tel par l’establishment de l’art? Il convient de rappeler que nous ne sommes peut-être pas encore en mesure de définir les concepts de «table» ou «éléphant», mais cela ne nous pose pas beaucoup de problèmes!

- L’art est-il simplement le reflet de nos valeurs personnelles?

On peut dire que quelqu’un qui a été élevé dans les valeurs de l’art de la Renaissance, et qui a donc une compréhension raisonnable de la peinture traditionnelle, est moins susceptible de considérer les installations postmodernes comme de l’art que quelqu’un qui n’a pas une telle compréhension. De même, une personne qui aime la télévision et trouve que les musées sont en général des endroits plutôt ennuyeux et inintéressants est plus susceptible d’être impressionnée par l’art vidéo contemporain que quelqu’un qui aime les expositions muséales traditionnelles. On pourrait donc dire que l’attitude d’une personne à l’égard de l’art en dit plus sur ses valeurs personnelles que sur l’art lui-même.

- Qui a le droit de définir l’art?

Puisqu’il n’y a pas de consensus parmi les historiens de l’art sur la signification de l’art, quel groupe d’experts «» devrait être autorisé à s’en charger? Les artistes, les sociologues, les historiens, les juristes, les philosophes, les archéologues, les anthropologues ou les psychologues? Après tout, le monde est plein de soi-disant experts «» - structuralistes, processualistes, fonctionnalistes, ainsi que les théoriciens politiques habituels comme les marxistes, etc. Alors à qui confier ce travail?

Comment catégoriser l’art?

L’art traditionnel et contemporain englobe des activités aussi diverses que : l’architecture, la musique, l’opéra, le théâtre, la danse, la peinture, la sculpture, l’illustration, le dessin, la bande dessinée, la gravure, la céramique, le vitrail, la photographie, l’installation, la vidéo, le film et la cinématographie, et bien d’autres encore.

Toutes ces activités sont généralement appelées «Arts» et sont habituellement classées en plusieurs catégories qui se recoupent, telles que : visuels, visuels, plastiques, décoratifs, appliqués, et performants .

Des désaccords subsistent quant à la composition exacte de ces catégories, mais il existe une classification généralement acceptée.

1. les beaux-arts

Cette catégorie comprend les œuvres d’art créées principalement pour des raisons esthétiques («l’art pour l’art») plutôt que pour un usage commercial ou fonctionnel. Les beaux-arts, créés dans le but d’élever et d’améliorer la qualité de vie, se réfèrent généralement au grand art «traditionnel d’Europe occidentale», tel que :

Le dessin
Avec le fusain, la craie, les crayons de couleur, les pastels ou avec le crayon ou la plume et l’encre . Les deux principales applications sont les manuscrits enluminés (c.600-1200) et les illustrations de livres.

Peinture
On utilise : les huiles, l’aquarelle, la gouache, l’acrylique, l’encre ou plus anciennement la détrempe ou l’encaustique . Nous avons des articles sur les colorants, voir : La couleur en peinture et Couleur, pigments, types .

Impression
On utilise des méthodes simples comme la gravure sur bois ou le pochoir, des méthodes plus complexes la gravure, l’eau-forte et la lithographie, ou des formes plus modernes telles que la sérigraphie, les images à la feuille ou les impressions giclées . Pour une application importante de la gravure, voir : L’art de l’affiche.

Sculpture
En bronze, pierre, marbre, bois, ou argile.

Un autre art originaire de Chine est la calligraphie : une forme très élaborée d’écriture stylisée.

Evolution des beaux-arts

Après les formes primitives de la peinture rupestre, des statuettes et autres formes d’art antique, vient l’âge d’or de l’art grec et des autres écoles de l’Antiquité classique. La chute de Rome (vers 400-450) marque la période morte de l’âge des ténèbres (vers 450-1000), agrémentée uniquement d’art celtique et d’ornements celtiques Ultime La Tène, suivie de l’histoire de l’art en Occident avec une grande variété de styles «artistiques» ou de mouvements «artistiques», tels que : le gothique (vers 1100-1300), la Renaissance (c.1300-1600), le baroque (17e siècle), le néoclassicisme (18e siècle), le romantisme (18e-19e siècles), le réalisme et l’impressionnisme (19e siècle), le cubisme, l’expressionnisme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait et le pop art (20e siècle).

Pour un bref aperçu du modernisme (c.1860-1965), voir Mouvements de l’art moderne ; pour un guide du postmodernisme (c.1965-aujourd’hui), voir notre liste des principaux Mouvements de l’art moderne.

Tradition

Les beaux-arts étaient le type traditionnel d’art académique enseigné dans les grandes écoles telles que l’Académie des arts de Florence, l’Académie de San Luca de Rome, l’Académie des beaux-arts de Paris et la Royal Academy de Londres. L’un des principaux héritages de ces académies est leur théorie de la perspective linéaire et la classification des genres de peinture, qui classent toutes les œuvres en 5 types : histoire, portrait, scènes de genre, paysage ou nature morte.

Maecenas

Depuis l’avènement du christianisme, le plus grand et le plus important mécène des arts visuels a été l’Église chrétienne. Il n’est donc pas surprenant que la plus grande partie de la peinture et de la sculpture ait été l’art religieux, ainsi que d’autres formes spécifiques telles que les icônes et l’art de l’autel .

2. Les arts visuels

Les arts visuels comprennent tous les arts visuels ainsi que les nouveaux médias et les formes d’expression contemporaines telles que l’assemblage, le collage, l’art conceptuel, les installations et la performance, ainsi que la photographie (voir aussi : «La photographie est-elle de l’art?) et les formes filmiques telles que l’art vidéo et l’animation ou toute combinaison de ces formes. Un autre type, souvent créé à une échelle monumentale, est tout à fait nouveau - le land art.

3. les matières plastiques

Le terme «art plastique» désigne généralement les œuvres tridimensionnelles qui utilisent des matériaux pouvant être remodelés ou manipulés (plastifiés) d’une manière ou d’une autre : par exemple, l’argile, le plâtre, la pierre, les métaux, le bois (sculpture), le papier (origami), etc, Pour les œuvres d’art tridimensionnelles réalisées à partir de matériaux quotidiens et «d’objets trouvés», y compris «les produits finis» de Marcel Duchamp (1913-21), voir : Junk art

4. Art décoratif

Cette catégorie se réfère traditionnellement à des formes d’art fonctionnelles mais décoratives telles que les œuvres en verre, en argile, en bois, en métal ou en tissu. Elle comprend tous les types de bijoux et mosaïques, ainsi que les céramiques (illustrées par les styles magnifiquement décorés des céramiques anciennes, en particulier les céramiques chinoises et céramiques grecques), les meubles, l’ameublement, les vitraux et les tapisseries . Styles célèbres des arts décoratifs : art rococo (1700-1800), confrérie préraphaélite (fl. 1848-55), japonisme (1854-1900), art nouveau (1890-1914), art déco (c.1925-40), style édouardien et rétro.

La plus grande période d’art décoratif ou appliqué en Europe s’est peut-être déroulée aux XVIIe et XVIIIe siècles à la cour royale de France . Pour plus d’informations, voir : Arts décoratifs français (v. 1640-1792) ; Dessinateurs français (v. 1640-1792) ; et Mobilier français (v. 1640-1792).

5. Performance

Ce type fait référence aux représentations publiques. Les options traditionnelles comprennent le théâtre, l’opéra, la musique et le ballet. Les arts du spectacle contemporains comprennent également toute activité dans laquelle la présence physique de l’artiste sert de moyen d’expression. Ainsi, les expressions faciales, la coloration du visage ou du corps, etc. fonctionnent. Un type hyper-moderne d’art du spectacle est connu sous le nom de Happenings.

6. Arts appliqués

Cette catégorie englobe toutes les activités impliquant l’application de conceptions esthétiques à des objets fonctionnels quotidiens. Alors que les beaux-arts offrent une stimulation intellectuelle au spectateur, les arts appliqués créent des objets utilitaires (une tasse, un canapé ou une chaise, une horloge, une chaise ou une table) en utilisant des principes esthétiques dans leur conception. L’art populaire est principalement lié à ce type d’activité créative. Les arts appliqués comprennent l’architecture, l’art informatique, la photographie, le design industriel, le graphisme, le design de mode, le design d’intérieur et tous les types d’art et d’artisanat. Parmi les styles observés, on peut citer l’école de design Bauhaus, ainsi que l’Art nouveau et l’Art déco . L’une des formes d’art appliqué les plus importantes du XXe siècle est l’architecture, en particulier l’architecture des gratte-ciel, qui domine les environnements urbains à New York, Chicago, Hong Kong et dans de nombreuses autres villes du monde. Pour une vue d’ensemble de ce type d’art public, voir : Architecture américaine (1600-aujourd’hui).

Débat «Art vs. artisanat»

Selon la théorie traditionnelle de l’art, il existe une différence fondamentale entre «l’art» et «l’artisanat». En d’autres termes, bien que les deux activités fassent appel à des compétences créatives, la première implique un degré plus élevé d’engagement intellectuel. Selon cette conclusion, un tisserand (par exemple) serait considéré comme un artisan et un créateur de sacs à main comme un artiste. Dans cette distinction plutôt artificielle entre les arts décoratifs et les arts appliqués , la fonctionnalité est un facteur clé. Ainsi, un bijoutier qui conçoit et fabrique des objets non fonctionnels tels que des bagues ou des colliers serait considéré comme un artiste et un horloger comme un artisan ; quelqu’un qui fabrique du verre pourrait être un artisan, mais une personne qui fabrique des vitraux est un artiste. L’idée est que les artistes sont supérieurs parce qu’ils «créent» des choses pour la beauté, tandis que les artisans fabriquent des objets répétitifs ou purement fonctionnels. Il y a peut-être une part de vérité dans cette théorie, mais de nombreux types d’artisanat ne sont pas sans rappeler l’art véritable. Par exemple, un animateur-caricaturiste crée des milliers d’images similaires d’un personnage de dessin animé. Certes, son art «» est purement fonctionnel et très commercial, mais personne ne peut nier qu’il est un artiste. Note : voir aussi : Histoire des arts et métiers (1862-1914).

L’influence de la Renaissance sur la conception occidentale de l’art

En général, avant la Renaissance du XVe siècle, tous les artistes étaient considérés comme des commerçants ou des artisans. Même les plus grands artistes, comme Giotto, Botticelli, Léonard de Vinci et Raphaël, n’étaient considérés que comme des ouvriers qualifiés, tandis que les maîtres sculpteurs, comme Donatello, étaient considérés comme de simples spécialistes de la taille de la pierre et de la fabrication du bronze. En effet, l’objectif de Léonard et de Michel-Ange était d’élever le niveau de l’artiste au rang de profession, une ambition qui s’est concrétisée en 1561 avec la fondation de la première Académie des arts à Florence, destinée à former des personnes à la profession de «peintre» ) disegno).

Cependant, si les artistes de la Renaissance ont réussi à élever leur métier au niveau d’une profession, ils ont défini l’art comme une activité essentiellement intellectuelle. Cette idée fixe de la Renaissance, selon laquelle l’art est avant tout une discipline intellectuelle, a traversé les siècles et influence encore les idées contemporaines sur le sens de l’art. Malgré quelques progrès, illustrés par les changements dans les programmes des écoles d’art, les arts visuels conservent leur suprématie sur les métiers tels que les arts appliqués et les arts décoratifs.

Questions sur l’art

Nous ne pouvons peut-être pas définir l’art, mais nous pouvons l’explorer davantage en posant des questions sur sa nature et sa portée. Voici quelques-unes des questions clés, accompagnées d’un bref commentaire. (Voir aussi : Glossaire couleur de l’art)

- Quelle est la signification de l’art?

Les sceptiques disent que l’art est une perte de temps. Même le célèbre poète W.H. Auden a admis que pas un seul poème n’a sauvé une seule personne des chambres à gaz nazies. Si cette affirmation peut sembler cruelle et dénuée de sens, elle souligne l’idée que l’art n’a qu’une utilité limitée dans notre vie quotidienne, sauf dans le cas de bâtiments, de théières, de voitures ou de vêtements attrayants.

Il y a deux grandes réponses : premièrement, les arts appliqués sont une branche importante de l’art qu’il est difficile de séparer des beaux-arts parce que la racine de tout design (qui est la base des arts appliqués) est les beaux-arts. Deuxièmement, depuis que l’Homo Sapiens a développé la capacité de contemplation, il a exprimé ses pensées sous forme visuelle. En même temps, il a continué à apprécier la beauté, que ce soit sous la forme de visages ou de corps humains, de couchers de soleil, de couleurs de peau d’animaux, de cathédrales ou de sculptures. En bref, créer et apprécier l’art, c’est être humain . Un exemple concret.

- Comment distinguer le bon art du mauvais art?

L’incapacité à définir l’art ne signifie pas que tout l’art est bon. Le problème est de savoir qui décide où finit le bon art et où commence le mauvais art.

Cette question populaire peut découler de notre désir naturel d’éviter d’être trompés par de faux vendeurs déguisés en «artistes», mais quelle que soit son origine, ce n’est pas un problème particulièrement important. En pratique, les artistes professionnels ont besoin d’être reconnus par le public. Et si la mode de l’art temporaire peut parfois promouvoir des œuvres de valeur douteuse, il est peu probable que le grand public (ainsi que la communauté artistique) reste les bras croisés face à la banalisation de l’art médiocre.

- Pourquoi les historiens de l’art rendent-ils tout si compliqué?

Par exemple, les articles remplis de jargon que l’on trouve couramment dans les magazines d’art, où plus personne ne semble utiliser un langage simple. D’autres coupables sont les catalogues d’exposition et les livres d’art.

Les auteurs de ces documents pourraient dire que ce jargon n’est rien d’autre qu’une sténographie nécessaire, et qu’il est principalement écrit pour d’autres «experts». Mais est-ce vraiment le cas? Par exemple, il est presque impossible de trouver un livre expliquant simplement le cubisme. Comment un jeune étudiant peut-il comprendre pourquoi le mouvement révolutionnaire de Picasso et Braque est si important? Il en va de même pour des dizaines de choses dans le monde de l’art. Et certaines œuvres d’art abstraites semblent si compliquées qu’il faut presque un médecin pour les comprendre correctement «».

- Exemples de critiques d’art dénuées de sens : pourquoi utiliser ce jargon?

Les critiques et les artistes modernes ont souvent recours à des termes absurdes lorsqu’ils tentent de décrire une œuvre d’art. Voici quelques exemples qui ont été gardés anonymes pour éviter à leurs auteurs de se retrouver dans l’embarras. Ils sont tous tirés de communiqués de presse ou de sites web «d’organismes faisant autorité» :

"… Le titre résume l’objectif de l’exposition : situer la peinture dans le champ des possibles et considérer la nécessité du questionnement et de l’expérimentation pour que la peinture continue d’évoluer vers des potentialités illimitées."

"… C’est la première exposition qui aborde des thèmes aussi divers que le jeu et le désir, l’intensité de l’espace personnel, l’organique obsessionnel, la couleur abstraite, la construction interne, l’espace architectural, le temps et la transcendance".

"… L’artiste a réalisé une série de pièces impeccables explorant les constituants de base des matériaux de la peinture, intitulées d’après le traité d’Alberti «Della Pittura». Chaque pièce poursuit avec soin, mais avec une ingéniosité particulière, une ligne de recherche pertinente mais distincte".

"… Les poststructuralistes, à commencer par Jacques Derrida, qui a inventé le terme, ont soutenu que l’existence de déconstructions impliquait qu’il n’y avait pas d’essence intérieure au texte, mais simplement un contraste de différences. Ceci est analogue à l’idée que la différence de perception entre le noir et le blanc est le contexte".

"… Un travail d’artiste sur les possibilités ; une tentative de manifester l’importance de la liberté. En explorant les multiples significations d’objets apparemment ordinaires, il participe à la transcendance des fonctions…"

- Que signifie l’art abstrait? Il a l’air étrange!

Jusqu’à la fin du dix-neuvième siècle, la plupart des peintures et des sculptures adhéraient à des principes traditionnels. Il s’agissait généralement d’un art figuratif (naturaliste) . L’impressionnisme a ensuite tout changé en introduisant des combinaisons de couleurs non naturelles : ce processus a été poursuivi par les fauvistes et les expressionnistes. Le cubisme a ensuite rejeté la notion de profondeur ou de perspective en peinture et a ouvert la voie à un art plus abstrait, comprenant des mouvements tels que le futurisme, De Stijl, Dada, le constructivisme, le surréalisme, le néo-plasticisme, l’expressionnisme abstrait et l’Op Art.

Comme l’art abstrait comporte peu d’éléments naturalistes, il n’est pas aussi visible qu’un portrait ou un paysage classique, par exemple. Si vous préférez qu’une œuvre d’art représente des personnes et un environnement reconnaissables, il est peu probable que l’art abstrait vous convienne. Mais, soyons honnêtes, est-ce si différent de rejeter l’idée de porter une certaine couleur ou un certain style de vêtements? Chaque personne aime des choses différentes et cela s’applique à l’art comme au travail, aux voitures, aux maisons, aux meubles, aux vacances et à tout ce à quoi vous pouvez penser.

Les peintures abstraites ou non naturalistes ont tendance à contenir un message caché ou à suivre une théorie artistique particulière. Cela peut les rendre moins attrayantes et moins belles pour certaines personnes, mais cela ne veut pas dire qu’elles ne peuvent pas être des œuvres d’art exceptionnelles.

- L’art doit-il être subventionné?

La plupart des artistes à temps plein ont beaucoup de mal à vivre de leur peinture ou de leur sculpture. Les sceptiques objectent : «Si personne ne veut acheter leurs œuvres, pourquoi le contribuable devrait-il les payer?»

Cette préoccupation ne doit pas être ignorée trop facilement. Après tout, ces sceptiques ne disent pas que les artistes ne devraient pas poursuivre leur art, mais simplement que l’artiste devrait rechercher un parrainage privé.

Une réponse à cette question est la suivante. Tout d’abord, la plupart des écoles d’art forment des étudiants dans divers domaines commerciaux, en particulier dans l’art appliqué et le design. Il n’est donc pas question de subvention pour ces personnes. En outre, les étudiants qui choisissent une carrière de peintre ou de sculpteur à temps plein optent pour un parcours de vie très difficile et financièrement désavantageux. En effet, le mécénat (sous forme de commandes publiques, de bourses et d’autres subventions) est en réalité très rare. Dans les pays occidentaux, le niveau des subventions publiques pour les arts reste très bas par rapport à d’autres domaines similaires. Ainsi, même dans ces pays, le montant de l’argent public consacré aux œuvres d’art n’est pas particulièrement important.

Néanmoins, l’argent public est dépensé pour l’art et en voici la raison. La beauté, qu’elle prenne la forme d’une belle voiture, d’un bâtiment public ou d’une place bien conçus, d’une robe colorée ou d’une sculpture inspirante, est l’un des rares phénomènes qui nous remonte le moral et nous rappelle que la vie ne se résume pas au prix des œufs. Mais sans l’art, cet éventail d’expériences esthétiques diminuera progressivement, car la beauté est peu à peu reléguée au rang d’objectif valable. La littérature (sinon l’histoire) regorge d’exemples de ce type de société, où la fonctionnalité est tout et où les citoyens portent les mêmes vêtements inesthétiques, vivent dans les mêmes appartements gris et mènent des vies monotones et ennuyeuses.

Collections de peintures et de sculptures sur Internet

Il y a beaucoup de peintures et de sculptures en ligne. (Parcourez les collections des meilleurs musées d’art tels que la Galerie des Offices (Florence), le Louvre (Paris), le Musée du Prado (Madrid), la National Gallery (Londres), la Gemaldegalerie (Berlin), l’Ermitage (Saint-Pétersbourg), le Metropolitan et le Guggenheim (New York) et la National Gallery (Washington DC), pour n’en citer que quelques-uns, sur Gallerix.co.uk.

Pour en savoir plus sur la classification de l’art, voir : Encyclopédie des arts visuels