Définition de l’art: signification, classification des arts visuels 
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Il n’y a pas de définition universellement acceptée de l’art. Bien que communément utilisé pour décrire quelque chose de beau ou une technique produisant un résultat esthétique , il n’y a pas de distinction nette entre, par exemple, un morceau unique de sculpture faite à la main et un objet fabriqué en série mais attrayant. Nous pourrions dire que l’art requiert de la pensée – une sorte d’impulsion créatrice – mais cela soulève d’autres questions: par exemple, combien de réflexion est nécessaire? Si quelqu’un jette de la peinture sur une toile en espérant créer une œuvre d’art, le résultat constitue-t-il automatiquement de l’art?
Même la notion de «beauté» soulève des questions évidentes. Si je pense que le lit défait de ma sœur constitue quelque chose de «beau» ou d’esthétique, est-ce que cela en fait un art? Sinon, son statut changera-t-il si un million de personnes sont d’accord avec moi, mais ma petite sœur pense que ce n’est qu’un tas de vêtements?
Art: multiplicité de formes, de types et de genres
Avant d’essayer de définir l’art, la première chose à prendre en compte est son immense portée.
L’art est une activité mondiale qui englobe une multitude de disciplines , comme en témoigne l’éventail de mots et de phrases inventés pour décrire ses différentes formes. Des exemples de cette phraséologie incluent: "Beaux-Arts", "Arts libéraux", "Arts visuels", "Arts décoratifs", "Arts appliqués", "Design", "Artisanat", "Arts de la scène", etc.
En creusant, de nombreuses catégories spécifiques sont classées selon les matériaux utilisés, tels que: dessin, peinture, sculpture (y compris la sculpture en céramique), "art du verre", "art du métal", "manuscrits de l’Évangile enluminés", "art en aérosol", "photographie d’art", "animation", etc. Les sous-catégories comprennent: la peinture à l’huile, l’aquarelle, l’acrylique; sculpture en bronze, pierre, bois, porcelaine; pour n’en nommer que quelques-uns. Les autres sous-branches comprennent différentes catégories de genre , telles que: récit, portrait, œuvres de genre, paysage, nature morte.
De plus, de nouvelles formes d’art ont émergé au cours du 20ème siècle, telles que: assemblage , conceptualisme, collage travaux de terrassement, installation , graffiti et vidéo, ainsi que le vaste mouvement conceptualiste qui remet en question la valeur essentielle d’une "œuvre d’art" objective. Pour plus, voir: Types d’art .
La définition de l’art est limitée par l’époque et la culture
Une autre chose à prendre en compte est le fait que l’art reflète et appartient à la période et à la culture dont il est issu.
Après tout, comment pouvons-nous comparer des peintures murales préhistoriques (par exemple, des peintures rupestres de l’âge de pierre) ou art tribal ou natif Art océanique ou primitif Art africain , avec les fresques de l’Ancien Testament du 16ème siècle de Michel-Ange sur les murs et le plafond de la chapelle Sixtine? Les événements politiques sont les facteurs d’époque les plus évidents qui influencent l’art: par exemple, les styles artistiques tels que l’expressionisme, le dada et le surréalisme étaient le produit de l’incertitude et des bouleversements politiques.
Les différences culturelles agissent également comme des frontières naturelles. Après tout, le dessin occidental est à des années-lumière de la calligraphie chinoise; et ce que l’art occidental compare avec l’art de pliage de papier origami du Japon? La religion est une variable culturelle majeure qui modifie la forme de l’enveloppe artistique. Le style baroque a été fortement influencé par la contre-réforme catholique, alors que Art islamique (comme le christianisme orthodoxe), interdit certains types d’iconographie artistique.
En d’autres termes, quelle que soit la définition de l’art à laquelle nous arrivons, elle est forcément limitée à notre époque et à notre culture. Même alors, des catégories comme Art outsider doivent être pris en considération. Voir également: Primitivisme / Art Primitif .
Conclusion
Comme vous pouvez le constater ci-dessus, le monde de l’art est une entité extrêmement complexe, non seulement en termes de multiplicité de formes et de types, mais également en termes de racines historiques et culturelles. Par conséquent, une simple définition, voire un large consensus sur ce que l’on peut qualifier d’art, risque de s’avérer très difficile à atteindre.
Histoire de la définition de l’art
Pour un guide sur les mouvements et les périodes, voir aussi: Histoire des arts .
Signification classique de l’art
La définition classique d’origine – dérivée du mot latin "ars" (qui signifie "compétence" ou "métier") – constitue un point de départ utile. Cette approche large conduit à définir l’art comme: "le produit d’un ensemble de connaissances utilisant le plus souvent un ensemble de compétences". Ainsi, les peintres et sculpteurs de la Renaissance étaient simplement considérés comme des artisans hautement qualifiés (décorateurs d’intérieur?). Il n’est donc pas surprenant que Leonardo Da Vinci et Michelangelo aient consenti de tels efforts pour élever le statut des artistes (et par voie de conséquence de l’art lui-même) sur un plan plus intellectuel.
Le sens de l’art après la Renaissance
L’émergence des grandes académies d’art européennes témoigne de l’amélioration progressive du sujet. De nouvelles branches de la philosophie éclairées ont également contribué à ce changement d’image. Au milieu du XVIIIe siècle, la simple démonstration de compétences techniques ne suffisait plus pour être qualifiée d’art – il lui fallait maintenant un élément "esthétique" – il devait être perçu comme quelque chose de "beau".
Dans le même temps, le concept "utilitarisme" (fonctionnalité ou utilité) a été utilisé pour distinguer les "plus beaux" arts plastiques (l’art pour l’art), comme la peinture et la sculpture, des formes moins connues "d’art appliqué", telles comme artisanat et commercial conception travail, et les "arts décoratifs" ornementaux, comme le design textile et le design d’intérieur.
Ainsi, à la fin du XIXe siècle, l’art était divisé en au moins deux grandes catégories: les beaux-arts et le reste, une situation qui reflétait le snobisme culturel et les normes morales de l’establishment européen. En outre, malgré une certaine érosion de la confiance dans les normes esthétiques de l’idéologie de la Renaissance – qui restait une puissante influence dans le monde des beaux-arts – même la peinture et la sculpture devaient se conformer à certaines règles esthétiques pour être considérées comme du "véritable art".
Signification de l’art au début du XXe siècle
Puis vint le cubisme (1907-1914) qui fit basculer l’établissement des beaux-arts. Pas simplement parce que Picasso a introduit une branche non naturaliste de la peinture et de la sculpture, mais parce que cela a bouleversé l’approche monothéiste de la manière dont l’art était lié au monde qui l’entourait. Ainsi, la principale contribution du cubisme fut d’agir comme une sorte de catalyseur pour une foule de nouveaux mouvements qui élargirent considérablement la théorie et la pratique de l’art, tels que: le suprématisme, le constructivisme, le dada, le néo-plasticisme, le surréalisme et le conceptualisme, ainsi styles réalistes, tels que le réalisme social et socialiste. En pratique, cette prolifération de nouveaux styles et techniques artistiques a conduit à un nouvel élargissement du sens et de la définition de l’art. Dans son évasion de son "camisole de force Renaissance" et de toutes les règles associées concernant "l’objectivité" (par exemple en ce qui concerne la perspective, les matériaux utilisables, le contenu, la composition, etc.), les beaux-arts se sont vantés d’un élément important de "subjectivité". Les artistes se sont soudainement retrouvés avec une liberté bien plus grande pour créer des peintures et des sculptures selon leurs propres valeurs subjectives. En fait, on pourrait dire qu’à partir de ce moment, "l’art" a commencé à devenir "indéfinissable".
Les arts décoratifs et appliqués ont subi une transformation similaire en raison de la disponibilité d’une gamme considérablement plus étendue de produits commerciaux. Cependant, l’augmentation du nombre de disciplines associées au design et à l’artisanat qui en a résulté n’a pas eu d’impact significatif sur la définition et le sens de l’art dans son ensemble.
Sens de l’art après la seconde guerre mondiale
Le cataclysme de la Seconde Guerre mondiale conduit à la chute de Paris en tant que capitale de l’art mondial et à son remplacement par New York. Cette nouvelle orientation américaine a encouragé l’art à devenir un produit commercial et à relâcher son lien avec les traditions d’esthétisme existantes – une tendance favorisée par l’émergence de l’expressionnisme abstrait, du Pop-Art et des activités de la nouvelle génération d’artistes célèbres tels qu’Andy Warhol. Tout à coup, même les objets et les concepts les plus banals sont devenus «art». Sous l’influence de cette approche populiste, les conceptualistes ont introduit de nouvelles formes d’art, telles que l’assemblage, l’installation, la vidéo et la performance. Le graffiti a ensuite ajouté sa propre marque, de même que de nombreux styles de réinterprétation, comme Néo-dada , Néo-expressionnisme et Neo-Pop, pour n’en nommer que trois. Les écoles et les collèges d’art du monde entier prêchaient consciencieusement le nouveau polythéisme, ce qui alimentait le feu de joie de Art de la Renaissance traditions.
Le postmodernisme et le sens de l’art
La redéfinition de l’art au cours des trois dernières décennies du 20e siècle a été renforcée par les intellectuels du mouvement postmoderniste. Selon les postmodernes, l’accent est passé des compétences artistiques au "sens" de l’œuvre produite. De plus, "comment" une œuvre est "vécue" par les spectateurs est devenue un élément essentiel de sa valeur esthétique. Le succès phénoménal d’artistes contemporains tels que Damien Hirst, ainsi que Gilbert et George témoigne clairement de ce point de vue. Pour en savoir plus sur les artistes expérimentaux, voir: art d’avant-garde .
Une définition de travail de l’art
À la lumière de ce développement historique au sens du terme "art", on peut peut-être tenter de manière grossière de définir "de manière fonctionnelle" le sujet, dans le sens suivant:
L’art est créé lorsqu’un artiste crée un bel objet ou produit une expérience stimulante que son public considère comme ayant un mérite artistique.
Il s’agit simplement d’une définition "fonctionnelle": assez large pour englober la plupart des formes d’art contemporain, mais suffisamment étroite pour exclure les "événements" dont le contenu "artistique" tombe en dessous des niveaux acceptés. De plus, veuillez noter que le mot "artiste" est inclus pour permettre le contexte de l’œuvre; le mot "beau" est inclus pour refléter le besoin d’une valeur "esthétique"; tandis que l’expression "que son auditoire considère comme ayant une valeur artistique" est incluse pour refléter la nécessité d’accepter de manière fondamentale les efforts de l’artiste.
Théorie et philosophie de l’art: questions à débattre
Q. Si nous en apprécions l’impact positif, devons-nous définir l’art?
Pendant des siècles, voire des millénaires, des œuvres d’art ont ému, parfois submergé, les émotions: de Sculpture grecque , à l’architecture byzantine, la créativité étonnante de la Renaissance et du baroque Maîtres Anciens comme Donatello, Raphaël et Rembrandt, et peintres célèbres de l’ère moderne, comme Van Gogh, Picasso et Auguste Rodin. La poésie, le ballet et les films peuvent être tout aussi édifiants. Ainsi, bien que nous ne puissions peut-être pas expliquer précisément ce qu’est l’art, nous ne pouvons nier l’impact qu’il a sur nos vies – une des raisons pour laquelle l’art publique vaut la peine d’être soutenu.
Q. Comment une définition du sens de l’art nous aide-t-elle?
L’essence même de la créativité signifie qu’elle ne peut pas être définie et classée. Toute tentative en ce sens deviendra rapidement obsolète et donc inutile, voire contre-productive. Que se passe-t-il, par exemple, si un artiste produit quelque chose qui, de l’avis général, est un "art", mais qui n’est pas accepté en tant que tel par l’établissement artistique? Il convient de rappeler que nous ne pouvons toujours pas définir une "table" ou un "éléphant", mais cela ne nous cause pas beaucoup de difficulté!
Q. Est-ce que l’art est simplement un reflet de nos valeurs personnelles?
Il est juste de dire qu’une personne éduquée aux valeurs de l’art de la Renaissance, et qui a donc une compréhension raisonnable de la peinture traditionnelle, est moins susceptible de considérer les installations postmodernistes comme un art, qu’une personne sans une telle compréhension. De même, une personne qui aime la télévision et pense que les musées sont généralement des lieux plutôt ennuyeux et peu passionnants, est plus susceptible d’être impressionné par l’art vidéo contemporain que par une autre personne qui est à l’aise avec les expositions de musée traditionnelles. Pour cette raison, on pourrait dire que l’attitude d’une personne envers l’art en dit plus sur ses valeurs personnelles que sur l’art lui-même.
Q. Qui a le droit de définir l’art?
Depuis pas de consensus entre critiques d’art En ce qui concerne le sens de l’art, il est probable que de nouveaux experts verront bientôt le jour: artistes, sociologues, historiens, avocats, philosophes, archéologues, anthropologues ou psychologues? Après tout, le monde regorge de soi-disant "experts" – structuralistes, procéduralistes, fonctionnalistes, ainsi que de la plupart des théoriciens politiques tels que les marxistes et autres – qui ne peuvent s’accorder sur ce qui compte comme art. Alors à qui donnons-nous le travail?
Comment l’art est-il classé?
L’art traditionnel et contemporain englobe des activités aussi diverses que:
Architecture, musique, opéra, théâtre, danse, peinture, sculpture, illustration, dessin, dessins animés, gravure, céramique, vitrail, photographie, installation, vidéo, film et cinématographie, pour n’en citer que quelques-uns.
Toutes ces activités sont communément appelées "les arts" et sont communément. classés en plusieurs catégories qui se chevauchent, telles que: fin , visuel , plastique , décoratif , appliqué et performant .
Le désaccord persiste quant à la composition précise de ces catégories, mais voici une classification généralement acceptée.
1. Beaux Arts
Cette catégorie comprend les œuvres d’art créées principalement pour des raisons esthétiques («l’art pour l’art») plutôt que pour un usage commercial ou fonctionnel. Conçu pour ses qualités édifiantes, améliorant la vie, beaux arts désigne généralement les «arts plastiques» traditionnels d’Europe occidentale, tels que:
Un autre type d’art occidental, originaire de Chine, est calligraphie : la forme très complexe de l’écriture stylisée.
L’évolution des beaux-arts
Après des formes primitives de peinture rupestre, des sculptures de figurines et d’autres types de Art ancien , a eu lieu l’ère d’or de l’art grec et d’autres écoles de l’antiquité classique. Le limogeage de Rome (environ 400-450) introduit la période morte de l’âge des ténèbres (environ 450-1000), éclairée seulement par Art celtique et Ultimate La Tene Celtic Designs, après quoi l’histoire de l’art en Occident est parsemée d’une grande variété de «styles» ou de «mouvements» artistiques – tels que: Gothic (c.1100-1300), Renaissance (c.1300- 1600), baroque (XVIIe siècle), néo-classicisme (XVIIIe siècle), romantisme (XVIIIe-XIXe siècle), réalisme et impressionnisme (XIXe siècle), cubisme, expressionnisme, surréalisme, expressionnisme abstrait et Pop-Art (XXe siècle).
Pour un bref aperçu du modernisme (c.1860-1965), voir Mouvements d’art moderne ; pour un guide sur le postmodernisme, (c.1965-présent), voir notre liste des principaux Mouvements d’art contemporain .
La tradition
Les beaux-arts étaient le type traditionnel de Art académique enseigné dans les grandes écoles, telles que l’ Accademia dell’Arte del Disegno à Florence, l’ Accademia di San Luca à Rome, l’ Académie des Beaux-Arts à Paris et l’Académie royale à Londres. L’un des héritages clés des académies était leur théorie de perspective linéaire et leur classement du genres de peinture , qui classe toutes les œuvres en 5 types: histoire, portrait, scènes de genre, paysage ou nature morte.
Patrons
Depuis l’avènement du christianisme, le principal et le plus important commanditaire des beaux-arts a été l’Église chrétienne. Il n’est donc pas surprenant que le plus grand corpus de peinture et / ou de sculpture ait été art religieux , comme d’autres formes spécifiques comme Icônes et retable d’art .
2. Arts visuels
L’art visuel comprend tous les arts plastiques ainsi que les nouveaux médias et les formes d’expression contemporaines telles que Assemblage, Collage, Conceptuel , Installation et performance, ainsi que La photographie , (voir également: Est la photographie d’art? ) et des formes à base de film comme Art vidéo et Animation , ou toute combinaison de ceux-ci. Un autre type, souvent créé à une échelle monumentale est le nouveau art de l’environnement .
3. Arts plastiques
Le terme Art plastique désigne généralement les œuvres tridimensionnelles employant des matériaux pouvant être moulés, façonnés ou manipulés (plastifiés): argile, plâtre, pierre, métaux, bois (sculpture), papier (origami), etc. Pour des œuvres tridimensionnelles réalisées à partir de matériaux et de " objets trouvés ", y compris Marcel Duchamp" readymades "(1913-21), s’il vous plaît voir: L’art indésirable .
4. Arts décoratifs
Cette catégorie désigne traditionnellement des formes d’art fonctionnelles mais ornementales, telles que des œuvres en verre, en argile, en bois, en métal ou en tissu. Cela inclut toutes les formes de bijoux et art de la mosaïque , aussi bien que céramique , (illustrés par des styles joliment décorés de poterie ancienne notamment chinois et Poterie grecque ) mobilier, ameublement, vitrail et art de la tapisserie . Styles notés de art décoratif comprendre: Art Rococo (1700-1800), Confrérie préraphaélite (fl. 1848-55), Le japonisme (vers 1854-1900), Art Nouveau (vers 1890-1914), Art Déco (vers 1925-40), édouardien et rétro.
La plus grande période d’art décoratif ou d’art appliqué en Europe s’est sans doute déroulée aux XVIIe / XVIIIe siècles à la Cour royale française. Pour plus, voir: Arts décoratifs français (c.1640-1792); Designers français (c.1640-1792); et Meubles français (c.1640-1792).
5. Arts de la scène
Ce type fait référence à des événements de performance publics. Les variétés traditionnelles comprennent le théâtre, l’opéra, la musique et le ballet. Contemporain art de la performance comprend également toute activité dans laquelle la présence physique de l’artiste joue le rôle de médium. Ainsi, il englobe, mime, peinture sur le visage ou le corps, etc. Un art de la performance hyper moderne est connu sous le nom de Événements .
6. Arts appliqués
Cette catégorie comprend toutes les activités impliquant l’application de conceptions esthétiques à des objets fonctionnels quotidiens. Alors que les beaux-arts fournissent une stimulation intellectuelle au spectateur, art appliqué crée des objets utilitaires (une tasse, un canapé ou un canapé, une horloge, une chaise ou une table) en utilisant des principes esthétiques dans leur conception. Art folklorique est principalement impliqué dans ce type d’activité créative. L’art appliqué comprend l’architecture, art informatique , photographie, design industriel, design graphique, design de mode, design d’intérieur, ainsi que tous les arts décoratifs. Les styles notés incluent, Ecole de design Bauhaus , aussi bien que Art Nouveau , et Art Déco . L’une des formes les plus importantes d’art appliqué est la architecture , notamment supertall architecture de gratte-ciel , qui domine l’environnement urbain de New York, Chicago, Hong Kong et de nombreuses autres villes du monde. Pour un examen de ce type d’art public, voir: Architecture américaine (1600-présent).
Le débat ’arts contre métiers’
Selon la théorie traditionnelle de l’art, il existe une différence fondamentale entre un "art" et un "métier". En termes simples, bien que les deux activités impliquent des compétences créatives, la première implique une plus grande implication intellectuelle. Selon cette analyse, un vannier (par exemple) serait considéré comme un artisan, tandis qu’un créateur de sacs serait considéré comme un artiste. Dans cette distinction plutôt artificielle entre arts et artisanat , la fonctionnalité est un facteur clé. Ainsi, un bijoutier qui conçoit et fabrique des articles non fonctionnels tels que des bagues ou des colliers serait considéré comme un artiste, tandis qu’un horloger serait un artisan; Une personne qui fabrique du verre peut être un artisan, mais une personne qui fabrique du vitrail est un artiste. L’idée est que les artistes sont en quelque sorte supérieurs parce qu’ils «créent» des objets de beauté, tandis que les artisans effectuent des actions répétitives ou purement fonctionnelles. Il y a peut-être une part de vérité derrière cette théorie, mais de nombreux types d’artisanat ne semblent pas différents de l’art authentique. Un exemple est peut-être un dessinateur-animateur, qui s’est efforcé de dessiner des milliers de photos similaires d’un personnage de dessin animé comme «Charlie Brown». Certes, son «art» est purement fonctionnel et très commercial, mais personne ne peut nier qu’il est un artiste. Note: voir aussi: Mouvement des arts et métiers (1862-1914).
L’impact de la Renaissance sur le concept d’art occidental
En général, jusqu’au début de la Renaissance du 15ème siècle, tous les artistes étaient considérés comme des artisans. Même les plus grands peintres tels que Giotto, Botticelli, Léonard de Vinci et Raphaël n’étaient considérés que comme des ouvriers qualifiés, tandis que des maîtres sculpteurs comme Donatello étaient considérés comme de simples tailleurs de pierre et métallurgistes du bronze. En effet, l’objectif déclaré de Leonardo et de Michel-Ange était d’élever le niveau de l’artiste à celui de profession. Cette ambition a été dûment réalisée en 1561 avec la création de la première Académie des arts de Florence, créée pour former les gens à la profession de dessin ( disegno ).
Cependant, bien que les artistes de la Renaissance aient réussi à élever leur art au rang de profession, ils ont défini l’art comme une activité essentiellement intellectuelle. Cette idée figée de la Renaissance selon laquelle l’art était avant tout une discipline intellectuelle s’est transmise au cours des siècles et continue d’influencer les conceptions actuelles du sens de l’art. Malgré quelques modifications, comme en témoignent les modifications apportées aux programmes d’enseignement des écoles d’art, les beaux-arts conservent toujours leur supériorité théorique sur les métiers tels que les arts appliqués et les arts décoratifs.
Questions sur l’art
Nous ne pouvons peut-être pas définir l’art, mais nous pouvons l’explorer davantage en posant des questions sur sa nature et sa portée. Voici quelques-unes des questions clés accompagnées d’un court commentaire. (Voir également: Glossaire couleur )
Quel est le point de l’art?
Les sceptiques disent que l’art est une perte de temps. Même le célèbre poète WH Auden a avoué qu’aucun poème n’avait sauvé une seule personne des chambres à gaz nazies. Et bien que cela puisse paraître une déclaration plutôt insignifiante, elle souligne la notion selon laquelle l’art a une utilisation limitée dans notre vie quotidienne, sauf dans le cas de bâtiments, de théières, de voitures ou de vêtements attrayants.
Il existe deux grandes réponses: premièrement, l’art appliqué est une branche majeure de l’art qui ne peut être facilement séparée des beaux-arts, car la racine de tout design (qui est le fondement de l’art appliqué) est l’art. Deuxièmement, depuis que Homo Sapiens a développé la facilité de la contemplation, il a exprimé ses pensées sous forme picturale. Dans le même temps, il a continué d’apprécier la beauté – qu’il s’agisse de visages ou de corps humains, de couchers de soleil, de couleurs de peau d’animaux, de cathédrales ou de sculptures. En un mot, créer et apprécier l’art, c’est être humain. C’est le but.
Comment distinguer le bon art du mauvais art?
Ne pas être en mesure de définir l’art ne signifie pas que toutes les œuvres sont bonnes. Le problème est de savoir qui décide où le bon art se termine et où commence le mauvais.
Cette question populaire peut provenir de notre désir naturel d’éviter d’être trompé par des vendeurs d’huile de serpent déguisés en «artistes», mais quelle que soit leur origine, ce n’est pas un problème particulièrement important. En pratique, les artistes professionnels ont besoin de l’acceptation du public. Ainsi, bien que les modes d’art temporaires puissent parfois promouvoir des œuvres d’une valeur apparemment douteuse, le grand public (ainsi que la communauté artistique) a peu de chances de rester les bras croisés et de permettre à un mauvais art de se banaliser.
Pourquoi les experts en art rendent-ils le son si compliqué?
Un exemple de ceci pourrait être les articles infestés de jargon que l’on trouve couramment dans les magazines d’arts, où personne ne semble plus utiliser un langage simple. Parmi les autres coupables figurent les catalogues d’expositions et les livres d’art.
Les rédacteurs de ce genre de choses pourraient dire qu’un tel jargon n’est qu’un raccourci nécessaire, et qu’il est principalement écrit pour d’autres «experts». Mais est-ce réellement vrai? Par exemple, il est presque impossible de trouver un livre avec une explication simple du cubisme. Alors, comment un jeune étudiant peut-il comprendre pourquoi le mouvement révolutionnaire de Picasso et Braque est si important? On pourrait en dire autant des dizaines de choses dans le monde de l’art. Et certains arts abstraits paraissent si compliqués que nous avons presque besoin d’un doctorat pour bien les "comprendre". (Voir la question suivante pour des exemples)
Exemples de critiques d’art sans signification: Pourquoi utiliser ce jargon?
Les critiques modernes, les critiques et les artistes recourent fréquemment à des absurdités dénuées de sens pour décrire un «art». Voici quelques exemples qui ont été gardés anonymes pour éviter l’embarras de leurs auteurs. Tous ont été extraits de communiqués de presse ou de sites Web d’organes «respectables»:
Comment ne pas écrire une critique d’art!
"Le titre résume l’intention de l’exposition: situer la peinture dans le domaine du possible et réfléchir à la nécessité d’interroger et d’expérimenter si la peinture doit continuer à évoluer vers un lieu au potentiel illimité."
"… est la première exposition à aborder des thèmes aussi divers que le jeu et la nostalgie, l’intensité de l’espace personnel, la couleur organique et abstraite obsessionnelle, la construction intérieure, l’espace et le temps architecturaux et la transcendance."
"[Nom de l’artiste] a réalisé une série d’œuvres impeccables, interrogeant les éléments de base des matériaux de la peinture, intitulée d’après le traité d’Alberti Della Pittura . Chaque œuvre poursuivait méticuleusement un domaine d’investigation connexe mais distinct avec une grande ingéniosité."
"Les poststructuralistes commençant par Jacques Derrida, qui a inventé le terme, ont soutenu que l’existence de déconstructions impliquait qu’il n’y avait pas d’essence intrinsèque à un texte, mais simplement le contraste de différence. Ceci est analogue à l’idée que la différence de perception entre noir et blanc est le contexte. "
"Le travail de [nom de l’artiste] porte sur les possibilités; c’est une tentative de manifestation de l’importance de la liberté. En examinant les significations multiples d’objets apparemment ordinaires, il s’engage dans la transcendance de la fonction"
Quelle est la signification de l’art abstrait? Ça a l’air bizarre!
Jusqu’à la fin du XIXe siècle, la plupart des peintures et des sculptures adhéraient aux principes traditionnels. En règle générale, c’était représentationnel et naturaliste. Ensuite, l’impressionnisme a tout changé en introduisant des couleurs non naturelles: un processus poursuivi par les Fauves et les expressionnistes. Ensuite, le cubisme a rejeté la notion de profondeur ou de perspective dans la peinture et a ouvert la porte à art abstrait , y compris des mouvements tels que le futurisme, le De Stijl, le dada, le constructivisme, le surréalisme, le néo-plasticisme, l’expressionnisme abstrait et l’op-art, pour n’en citer que quelques-uns. En Irlande, des peintres tels que Mary Swanzy, Mainie Jellet et Evie Hone ont été les pionniers de l’art moderne.
Parce que l’art abstrait a peu ou pas d’éléments naturalistes, il n’est pas aussi immédiatement appréciable qu’un portrait ou un paysage classique. Et si vous préférez une œuvre d’art pour représenter des personnes et des environnements reconnaissables, il est peu probable que l’art abstrait soit pour vous. Mais, soyons honnêtes, est-ce si différent de reculer à l’idée de porter une couleur ou un style de vêtement particulier? Différentes personnes aiment différentes choses, et cela vaut pour l’art autant que pour les emplois, les voitures, les maisons, les meubles, les vacances et tout ce que vous pouvez penser.
Les peintures abstraites ou non naturalistes ont tendance à contenir un message implicite ou à suivre une théorie particulière de l’art. Cela peut les rendre moins attrayantes et moins belles pour certaines personnes, mais cela ne signifie pas pour autant qu’elles ne peuvent pas être des œuvres d’art exceptionnelles.
L’art doit-il être subventionné?
Il est extrêmement difficile pour la plupart des artistes à temps plein de gagner leur vie grâce à leur peinture ou à leur sculpture. À cela, les sceptiques rétorquent: "Si personne ne veut acheter ses affaires, pourquoi le contribuable devrait-il les payer?"
Il ne faut pas écarter cette préoccupation trop à la légère. Après tout, ces sceptiques ne disent pas que les artistes ne devraient pas pratiquer leur art, mais simplement qu’un artiste devrait rechercher un parrainage privé.
Une réponse à la question est la suivante. Premièrement, en réalité, la plupart des écoles d’art forment des étudiants à une gamme d’activités très commerciales, notamment dans le domaine des arts appliqués et du design. Donc, pour ces personnes, il n’est pas question de subvention. En outre, les étudiants qui optent pour une carrière de peintre ou de sculpteur à plein temps choisissent une vie très pénible et matériellement peu gratifiante. Notamment parce que le parrainage (sous la forme de commandes publiques, de bourses, d’artistes en résidence et d’autres subventions) est en réalité très maigre. Le niveau de subvention publique des arts dans les pays occidentaux reste assez faible comparé à d’autres domaines équivalents. Ainsi, même dans ce cas, les fonds publics consacrés aux œuvres d’art ne sont pas particulièrement importants.
Néanmoins, des fonds publics sont dépensés, et voici une raison pour cela. La beauté, qu’elle s’agisse d’une voiture attrayante, d’un édifice public bien carré ou bien d’une place, d’une robe colorée ou d’une sculpture inspirante, est l’un des rares phénomènes qui élève les esprits et nous rappelle qu’il ya bien plus à vivre le prix des oeufs. Mais sans art, cette gamme d’expériences esthétiques diminuera progressivement, la beauté devenant progressivement un objectif louable. La littérature (sinon l’histoire) regorge d’exemples de ce type de société, où la fonctionnalité est primordiale et où les citoyens portent le même vêtement terne, habitent dans les mêmes appartements terne et mènent la même vie terne.
Collections en ligne de peinture et de sculpture
Il y a des tonnes de peintures et de sculptures en ligne. (Ce site contient à lui seul des milliers d’images différentes.) Recherchez le meilleurs musées d’art comme la Galerie des Offices (Florence), le Louvre (Paris), le Musée du Prado (Madrid), la Galerie Pinakothek (Munich), la Galerie Tate (Grande-Bretagne, Moderne, Liverpool et St Ives), la Galerie Nationale (Londres), la Gemaldegalerie (Berlin), le musée de l’Ermitage (Saint-Pétersbourg), les musées Metropolitan et Guggenheim (New York) et la National Gallery (Washington DC), pour n’en citer que quelques-uns.
Malheureusement, les galeries d’art irlandaises (à l’exception de la Crawford Gallery à Cork, par exemple) ne sont pas aussi visibles qu’elles devraient l’être sur Internet, mais de nombreuses galeries d’art privées en Irlande proposent de superbes expositions. Voir également: Art News Headlines .
Pour en savoir plus sur la classification de l’art, voir: Encyclopédie des arts visuels .
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